“eYOs”, de Fernando Cámara

Posted in Sin categoría on 28 abril, 2017 by belakarloff
  • Título: eYOs
  • Autor: Fernando Cámara
  • Ilustrador: Marcelo Pérez
  • Pie de imprenta: Madrid: La Perla Negra, 2017
  • Páginas: 208
  • PVP: 17,50 €
  • Formato: 15 x 21 cm
  • Edición: rústica
  • Contenido: «Verano»; «La bici amarilla»; «La visita»; «Se admiten estancias»; «La cabra»; «Viejo metálico»; «Axol»; «Futuro»; «Ellos».
  • Género – materia: terror – fantasía – relatos

 

eyos

Fernando Cámara es famoso entre el aficionado por ser uno de los co-directores de esa joya del cine fantástico español titulada Memorias del ángel caído (1997) –el otro director del film es David Alonso–. Pero reducirlo a un “director que escribe” –por aquello de que es más económico y factible plasmar las ideas en papel que en celuloide– sería simplificar su labor como escritor. Diversidad de premios ejemplifican su capacidad con la pluma –o el ordenador–, y la mera lectura de sus textos dan prueba de su capacidad para crear por medio de palabras, concibiendo ideas que solo pueden ser expresadas con la letra. eYOs es una antología de relatos. Su título intenta sobreponer el yo sobre el ello, pues todos los relatos focalizan su narración desde la perspectiva intrínseca de uno de los personajes, pese a lo cual el estilo narrativo es variado, alternando la primera o la tercera persona, el tiempo verbal presente con el pasado.

El libro se compone de una serie de relatos que podrían encuadrarse dentro del género de terror, pero no desde una perspectiva de género –aunque algunos de ellos, más o menos, se podrían encuadrar en ese enfoque–, sino que son más costumbristas, más focalizados en un entorno real, para después efectuar un ligero quiebro para internarlos dentro de un contexto turbador.

«Verano» es el relato con el cual arranca. Es bastante breve, y se centra en una pareja que está de vacaciones en un chalé, esperando la llegada de unos amigos. Se trata una historia de atmósferas, donde lo cotidiano se ve turbado por la comparecencia de algo inaprensible. Podría recordar a Shirley Jackson.

«La bici amarilla», premio Ignotus, narra cómo uno de esos ciclistas que ocupan las aceras sin preocuparse de los viandantes se lleva a un niño por delante y cómo ello afecta a su madre. Es un ejemplo perfecto de la querencia de Cámara por lo cotidiano; no solo eso, sino que se centra directamente en vivencias personales, para luego irlo mutando tenebrosamente. Es, digamos, el relato más “normal”, en cuestiones de narrativa y argumento. También es excelente.

«La visita» se centra en esos temores infantiles intangibles, donde esa imaginación exacerbada les hace ver un mundo irreal paralelo al nuestro. ¿O no es tan irreal? Mediante un planteamiento vulgar diríase se convoca una atmósfera de terror muy conseguida. Uno de mis favoritos de la antología.

«Se admiten estancias» es otro de esos relatos que parten de una vivencia personal del autor, para luego retorcerlo perversamente. Dos hermanos enfrentados a un peculiar vigilante de un aparcamiento subterráneo, y que podría recordar de un modo ligero la película Parking 2 (P2, 2007), producida por Alexandre Aja. A destacar que el perro que aparece en la historia se describe como un pastor alemán; sin embargo, el ilustrador lo plasma como un rottweiler, lo que me ha hecho imaginármelo así a lo largo de la narración. Sería perfecto para adaptarlo, no como película, pues habría que inflarla demasiado, pero sí como episodio para una serie de terror de historias independientes.

«La cabra» es sobre una pareja que se topa con una de esas cabras que hay en las zonas turísticas, es decir, un tipo disfrazado con un cuerpo a base de flecos y una cabeza con un hocico que castañetea. A partir de otra vivencia personal se narra una historia que bascula entre el humor y el terror en un dificilísimo equilibrio muy bien solventado. Es otro de mis favoritos.

«Viejo metálico» es la transcripción casi literal de un sueño del autor, y por tanto es de carácter diríase surrealista, aunque se percibe un tono que podría entroncar con la ciencia ficción. Podría recordar a los experimentos en esa clave que elaboran autores como R. A. Lafferty. No es el tipo de literatura que más me entusiasme, pero es breve y resulta curioso.

«Axol» trata sobre una especie de misterioso molusco que comienza a irrumpir en el entorno cotidiano del protagonista. Podría tener un tono un tanto lovecraftiano, y también podría recordar a La invasión de los ladrones de cuerpos. Es muy divertido, con un poso de inquietud, y merece la pena.

«Futuro», más que de carácter fantástico podría considerarse una parábola social. Una breve historia, con el protagonista compartiendo coche con un anciano, y una representación de hacia dónde se conduce nuestra sociedad.

Por último, «Ellos» es la “novelización” en formato de relato largo de un proyecto cinematográfico que no vio la luz. El protagonista cruza Madrid una noche, mientras Ellos van tomando posesión de zonas de la capital calle por calle. No termina por quedar claro quiénes son ellos, podrían ser extraterrestres, pero la explicación del autor en el apéndice que añade para comentar los relatos podría hacerlos ver como fachas, con lo cual el relato podría interpretarse como una fábula moral, una historia a mitad de camino entre lo fantástico y lo simbólico.

En resumen, un excelente libro que nos permite internarnos por los terrenos cotidianos de lo fantástico.

Carlos Díaz Maroto

Life – Vida (Life) (2017)

Posted in Sin categoría on 11 abril, 2017 by belakarloff

Una misión espacial recupera unas muestras de Marte, que serán analizadas en la Estación Espacial Internacional. Se descubre una pequeña célula que, con las pruebas correspondientes, comenzará a manifestar señales de vida. No solo eso, sino que empieza a crecer…

Dirección: Daniel Espinosa. Producción: Columbia Pictures, Skydance Media, Sony Pictures Entertainment. Productores: Bonnie Curtis, David Ellison, Dana Goldberg, Julie Lynn. Productores ejecutivos: Don Granger, Vicki Dee Rock. Guion: Rhett Reese, Paul Wernick. Música: Jon Ekstrand. Fotografía: Seamus McGarvey. Diseño de producción: Nigel Phelps. Montaje: Mary Jo Markey, Frances Parker. Efectos especiales: Atomic Fiction, Clear Angle Studios, Double Negative Visual Effects, Double Negative, Industrial Light & Magic, Nvizage, Spov (efectos visuales), Steven Harris (animatronics). Intérpretes: Jake Gyllenhaal (David Jordan), Rebecca Ferguson (Miranda North), Hiroyuki Sanada (Sho Murakami), Ryan Reynolds (Rory Adams), Olga Dihovichnaya (Ekaterina Golovkina), Ariyon Bakare (Hugh Derry), Jesús del Orden, Allen McLean, Leila Grace Bostwick-Riddell, Mari Gvelesiani, David Muir, Elizabeth Vargas, Camiel Warren-Taylor, Haruka Kuroda, Naoko Mori, Alexandre Nguyen, Hiu Woong-Sin… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 104 min. Color 2.35:1.

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Marvin, el marciano

Muchas críticas han comentado insistente y machaconamente las similitudes de la presente película con Alien, el octavo pasajero (Alien, 1979). No voy a negarlas, porque existen, ciertamente, y en varios detalles, además. Lo que conviene resaltar, en todo caso, es que la propia Alien no era el colmo de la originalidad, y que esta, de por sí, ya tomaba claramente elementos de distintas películas previas, en especial de It! The Terror from Beyond Space [tv/dvd: El terror del más allá, 1958], de Edward L. Cahn. De hecho, sin mucho esfuerzo se podría comparar Life con la película de Cahn, sin más. Lo que de verdad ha convertido a Alien en el mito de la ciencia ficción que es no es por lo que cuenta, sino por cómo lo cuenta –como, de hecho, sucede con gran parte del cine, si no todo–. Son los modos, el estilo, el ritmo, la cadencia, la atmósfera.

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Life, por supuesto, no logra llegar a la altura de una de las pocas películas buenas de Ridley Scott. Pero es una grata, decente y honesta película de ciencia ficción. Y el tono es por completo diferente al de Alien. El film de Scott, estrenado en 1979, era hijo de su tiempo, y los personajes que ofrecía reflejaban los momentos de turbio compromiso social, mostrándolos como trabajadores –téngase en cuenta que es co-producción con el Reino Unido, país que en ese mismo año presentaba como primera ministra a la polémica y reaccionaria Margaret Thatcher–. Aquí también son trabajadores, pero más especializados, más técnicos, y se nos muestra su transcurrir cotidiano con el tono documentalista de los astronautas contemporáneos. Alien se ambientaba en un futuro lejano, pero sus personajes eran hijos de 1979; los personajes de Life son hijos de 2017.

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Dentro de ese entorno realista, se introduce un elemento perturbador, fantástico pero plausible, una pequeña célula marciana, semejante a un paramecio, que comienza a crecer bajo estímulo externo, hasta parecer un chipirón. Todo lo que acontece a partir de ahí, hasta el mismísimo final, es totalmente predecible. No por ello se invalida la película. La virtud de Life consiste en instituir una funcional serie B, entretenida y sencilla, sin otra pretensión que hacer una emocionante película de monstruos dentro de un entorno aséptico donde esa envoltura se va disipando a medida que las reacciones humanas entran en acción.

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El director Daniel Espinosa, pese a su nombre es sueco, nada menos, hijo de una sueca y un chileno. Sería interesante ver algunas de sus películas rodadas en su país natal. Después, se ha hecho famoso con El invitado (Safe House, 2012) y, sobre todo, El niño 44 (Child 44, 2015). En perspectiva tiene anunciadas dos películas, una sobre inmigrantes suecos en los Estados Unidos de 1850, y otra sobre el ISIS. No puede decirse que se trata de un realizador monotemático, y su amplitud de objetivos es cautivante.

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En Life reúne un pequeñísimo grupo de personajes, retratados por actores solventes, e introduce en ese microcosmos –nunca mejor dicho– un agente anómalo, la referida criatura marciana, que irá acosando a los, no ya héroes, sino seres normales y corrientes. El hecho de mostrar el tema de la vida se subraya con el instante en que el japonés Sho asiste en directo a través de la cámara del móvil al nacimiento de su hijo. Y cabe referir que el marciano ataca por mero afán de supervivencia: una avería en los controles hace que la criatura quede expuesta a algo que la hace reaccionar hibernando; buscando su nueva movilidad, Hugh le somete a una descarga eléctrica, un mero estímulo, pero eso el ser no lo sabe. A partir de ese instante, Marvin –como es bautizado simpáticamente el marciano por un niño vía satélite– intentará sobrevivir al modo que sea. Y, por supuesto, los terrestres también. Terrestres representados por diversas tipologías, en una estación espacial internacional, donde confluyen norteamericanos, rusos, ingleses (el inglés, además, es negro, por lo cual ha sufrido la segregación racial) y japoneses, todos los cuales, en el pasado, tuvieron enfrentamientos de algún tipo. David, el personaje que interpreta Jake Gyllenhaal, comenta que no le gusta lo que estamos haciendo con nuestro planeta, por lo cual se auto-exilia al espacio. Esta aparente muestra de egoísmo entrará luego en una hipotética contradicción con lo que posteriormente hará; al contrario, es totalmente coherente con sus postulados, y con la idea implícita en todos los personajes, humanos o no, de sobrevivir.

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Anécdotas

  • Título en Argentina, Chile, México, Perú y Uruguay: Life: Vida inteligente.
  • Ryan Reynolds optó al papel protagonistas, pero problemas de agenda se lo impidieron y hubo de optar por uno secundario.
  • Algunos fans tienen la teoría (sin confirmar) de que esta película es una precuela a la cinta Marvel Venom (2018), que acaba de anunciar Sony.
  • Rodada con un presupuesto estimado de 58 millones de dólares.
  • Estrenada en Estados Unidos el 24 de marzo de 2017. En España se estrenó el 7 de abril.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

Night Shadows [vd/tv: Mutant] (1984)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña, Terror on 7 abril, 2017 by belakarloff

Dos hermanos, de excursión por Estados Unidos, van a parar a una pequeña población. Encuentran un cadáver en un callejón, pero cuando vuelven con el sheriff el cuerpo ha desaparecido. Tras pasar la noche en una pensión, el hermano menor también desaparece…

Dirección: John ‘Bud’ Cardos, [Mark Rosman, sin acreditar]. Producción: Laurelwood Productions. Productor: Igo Kantor. Co-productor: Dick Clark [sin acreditar]. Productor asociado: Nathaniel James Dunn.  Productores ejecutivos: Henry Fownes, Edward L. Montoro. Guion: Michael Jones, John C. Kruize, Peter Z. Orton, según argumento de M. Jones, J. C. Kruize. Música: Richard Band. Fotografía: Alfred Taylor. Dirección artística: Tony Kupersmith. Montaje: Michael J. Duthie. Efectos especiales: Paul Stewart, Vern Hyde (efectos especiales), David B. Miller (prótesis). Intérpretes: Wings Hauser (Josh Cameron), Bo Hopkins (sheriff Will Stewart), Jody Medford (Holly Pierce), Lee Montgomery (Mike Cameron), Marc Clement (Albert Hogue), Cary Guffey (Billy), Jennifer Warren (doctora Myra Tate), Danny Nelson (Jack), Mary Nell Santacroce (Mrs. Mapes), Stuart Culpepper (Mel), Johnny Popwell (capitán Tom Dawson), Ralph Redpath, Larry Quackenbush, Ralph Pace, Wallace Wilkinson, Charles Franzen, Lit Connah, Elijah Christopher Perry, Chester Clark, Joshua Lee Patton, Pat Moss, Tina Kincaid… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1984. Duración y datos técnicos: 100 min. Color 1.37:1 (ratio del negativo) 1.85:1 (ratio de proyección).

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John ‘Bud’ Cardos es un director apreciado por los aficionados al fantástico por una simpática y atmosférica cinta de terror, temática bichos malos, como es Tarántula (Kingdom of the Spiders, 1977). Aparte de esto, ha trabajado como actor –de niño formó parte de La pandilla–, adiestrador de animales –en Los pájaros (The Birds, 1963) de Hitchcock mismamente–, especialista, director de segunda unidad, transportista y encargado de producción, entre otros menesteres pequeños, en particular en cintas de género de serie B, aunque, por ejemplo, ha participado en una joya como Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969), de Sam Peckinpah. En el campo de la realización cabe destacar otras muestras de serie B del fantastique como son The Dark [vd: Oscuridad, 1979] –donde reemplazó a Tobe Hooper, nada menos–, The Day Time Ended [vd: Explosión galáctica, 1979] y Outlaw of Gor [vd: Gor II – Fuera de la ley de Gor, 1988], ninguna de las cuales he podido ver, aunque las dos primeras despiertan mi interés.

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Mutant es una clásica película ochentera de bajo presupuesto, con todo lo que implica, tanto desde el punto de vista negativo como positivo. Obsérvese su excesiva duración para lo habitual en una serie B, la cual dedica a desarrollar algo más de la norma la relación entre los personajes, en especial los dos hermanos que inician un viaje por el país, con el fin de que el pequeño –Lee Montgomery, el hijo de Dean Jones en Millonarios por una pata (The Million Dollar Duck, 1971), su debut interpretativo, así como el niño de Ben [vd: Ben, 1972], de Phil Karlson, y Pesadilla diabólica (Burnt Offerings, 1976), de Dan Curtis– olvide un desengaño amoroso. Si este episodio, hasta el momento en que el chaval desaparece, hubiese recurrido a las habituales elipsis dentro de este tipo de cine, el actor tendría un papel muy secundario, cuando en realidad resulta notoriamente importante, e inclusive cuando abandona la escena su presencia se sigue imponiendo.

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Por supuesto, el recurso argumental de la escasa presencia de actores es de carácter presupuestario, pero se justifica dramáticamente con los terribles sucesos que acontecen en el pueblo, y se nos muestra una serie de personajes más interesantes que de costumbre, en especial la médico –encarnada con intensidad por Jennifer Warren, protagonista femenina en la sólida La noche se mueve (Night Moves, 1975), de Arthur Penn–, una profesional frustrada que busca desarrollar una tarea de mayor valía laboral.

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En un momento determinado todo se hace evidente de cara a los protagonistas, y a partir de ahí la acción se hace imparable. En ese sentido, cabe destacar la excelente escena ambientada en el colegio, donde a su intensidad atmosférica se aúna la emoción de lo que acontece, y en la que tiene una muy breve participación –¿recortes?– Cary Guffey, el adorable niño de Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977), de Spielberg, aquí ya con doce añitos.

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Cardos dirige todo como si de un film de veinte años atrás se tratase, y cabe destacar la excelente fotografía, de plácidos tonos pastel, lo cual le otorga al film una apariencia más vistosa de lo que industrialmente en verdad es. Y también destaca el chocante maquillaje de los infectados, pálidos y con unas ojeras terribles, otorgándoles una apariencia de producto amateur, diríase, acrecentado por el modo de atacar que tienen, garras en ristre como en una película, esta vez, de cincuenta años atrás, por lo menos. Sin lugar a dudas tal elemento provocará la carcajada y el desprecio de muchos aficionados actuales al género, pero es precisamente eso lo que le otorga ese tono naíf, que acreciente el atractivo de esta divertida y desprejuiciada serie B, a mitad de camino entre el subproducto y el terror psicológico inspirado un tanto en Stephen King, en lo que a creación y desarrollo de personajes se refiere.

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No es un film fundamental en el género, ni mucho menos, pero si se ve con los ojos adecuados puede representar una diversión de lo más gozosa. Cosas mucho menos trabajadas son hoy día piezas de culto.

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Anécdotas

  • Título del guion original: The Pestilence.
  • Títulos de rodaje: Pestilence / Toxic Waste.
  • Título de rodaje y del video: Mutant.
  • La película la comenzó a rodar Mark Rosman (Siete mujeres atrapadas, Una cenicienta moderna), pero fue despedido por su lentitud y reemplazado a los dos días por John ‘Bud’ Cardos.
  • Debido al fracaso comercial del film, fue el último producido por Film Ventures International (FVI). Edward L. Montoro, presidente de FVI, que en esos momentos también atravesaba un costoso divorcio, se largó poco después con un millón de dólares (otras fuentes citan varios millones) de la contabilidad de la compañía, y nada más se ha sabido de él desde entonces. Se supone que está en algún lugar de Sudamérica.
  • Según el guionista Kruize, el guion original, titulado The Pestilence, trataba de un proyecto secreto del ejército, en las Montañas Rocosas, que se descontrolaba. Admite que la influencia fue la novela Apocalipsis de Stephen King.
  • Según el guionista Kruize, poco antes del estreno se cambió el título por Mutant para aprovechar el éxito de Alien.
  • Según el guionista Kruize, no estaba previsto que los zombis lucieran ese maquillaje.
  • Según los guionistas Kruize y Jones, el guion original pretendía ser terrorífico y atmosférico, no violento. Por contrato se les obligó a reescribir por completo el libreto en treinta días. Lo hicieron en dos semanas, aprovechando festivos y fines de semana.
  • Rodada con un presupuesto estimado de dos millones y medio de dólares.
  • A inicios de la década del 2000 se escribió un guion para una secuela, pero no se llegó a hacer. Bo Hopkins fue contactado para repetir su papel, y una parte fue escrita especialmente para Ken Foree.
  • Estrenada en Estados Unidos el 24 de agosto de 1984. En España salió editada directamente en vídeo por IVS.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Vuelve Neutrón con el FANDOM-MANÍA: Crono-guía de publicaciones sobre el fantástico

Posted in Ciencia ficción, Cine, Fantasía, Fanzines, Libros de cine, Noticias, Revistas, Terror on 6 abril, 2017 by belakarloff

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Fantastic Films-Neutrón, fanzine editado por Txema Gil, vuelve con su número 7 en la segunda época para ofrecer la primera entrega de un proyecto ambicioso. Con el título de FANDOM-MANÍA: Crono-guía de publicaciones sobre el fantástico, pretende reunir información cronológica sobre todo tipo de publicaciones –revistas, libros, fanzines, álbumes de cromos… – centrados en el cine fantástico, de terror y ciencia ficción. No entran, por ejemplo, revistas generalistas, tipo Fotogramas, aunque sí algún especial dedicado al género.

El propio Txema lo explica en el editorial de este primer número: «Esta crono-guía es eminentemente gráfica, y pretendo que las imágenes sean a buen tamaño y en la mejor calidad de reproducción posible. Ello se representará por décadas en números del fanzine, y cuando la guía se haya terminado será actualizada y publicada en forma de libro, para lo cual tengo ya dos editoriales que quieren publicarlo. Este primer volumen que tenéis en las manos abarca el primer periodo, desde los inicios hasta 1979».

Los colaboradores con los que cuenta este primer número, aparte del propio Txema, son, por orden de aparición: Carlos Díaz Maroto, Rubén Risco Fidalgo, Adrián Encinas, Niño Ortea, Miguel Ángel Plana, Armando Boix, Ángel Gómez Rivero, Luis Galeano Rojo, Marcos Ordóñez, José Manuel Villena Pastor y José Gracia.

Ya podéis reservarlo en: klandestine666@hotmail.esYA PODÉIS RESERVARLO EN: klandestine666@hotmail.es YA PODÉIS RESERVARLO EN: klandestine666@hotmail.es

¡¡¡VIVA EL FANTÁSTICO Y EL PAPEL!!!

Ghost in the Shell: El alma de la máquina (Ghost in the Shell) (2017)

Posted in Cómic, Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno, thriller on 31 marzo, 2017 by belakarloff

En un futuro indeterminado, los seres humanos se someten a implantes cibernéticos. Major es creada trasplantando su cerebro a un cuerpo robótico. Su misión es trabajar al lado de la justicia. Pero comienza a tener dudas acerca de su propio origen.

Dirección: Rupert Sanders. Producción: Arad Productions, DreamWorks, Grosvenor Park Productions, Paramount Pictures, Reliance Entertainment, Seaside Entertainment, Steven Paul Production. Productores: Ari Arad, Michael Costigan, Steven Paul. Co-productores: Holly Bario, Jane Evans, Maki Terashima-Furuta. Productores ejecutivos: Tetsuya Fujimura, Mitsuhisa Ishikawa, Yoshinobu Noma, Jeffrey Silver. Guion: Jamie Moss, William Wheeler, según el cómic de Masamune Shirow. Música: Lorne Balfe, Clint Mansell. Fotografía: Jess Hall. Diseño de producción: Jan Roelfs. Montaje: Billy Rich, Neil Smith. Efectos especiales: Atomic Fiction, Clear Angle Studios, Framestore, Gentle Giant Studios, Iloura, Lidar Guys, Lola Visual Effects, Moving Picture Company, Odd Studio, Painting Practice, Prime Focus World, Territory Studio, Weta Workshop. Intérpretes: Scarlett Johansson (Major), Pilou Asbæk (Batou), Takeshi Kitano (Aramaki), Juliette Binoche (doctora Ouelet), Michael Pitt (Kuze), Chin Han (Han), Danusia Samal (Ladriya), Lasarus Ratuere (Ishikawa), Yutaka Izumihara (Saito), Tawanda Manyimo (Borma), Peter Ferdinando (Cutter), Anamaria Marinca (doctora Dahlin), Daniel Henshall, Mana Hira Davis, Erroll Anderson, Kai Fung Rieck, Andrew Stehlin, Matthias Luafutu, John Luafutu, Kaori Momoi, Kaori Yamamoto… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 120 min. Color 1.85:1 2D – 3D.

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¿Sueñan los cyborgs con implantes mecánicos?

¿Para qué sirve un remake? Esa es una pregunta que, de forma periódica, asalta a algunos aficionados cuando surge una nueva versión de una película especialmente admirada. Aparte del obvio objetivo comercial, a veces, cuando se plantean con imaginación, pueden aportar algo diferente, ni mejor o peor implícitamente, con respecto al precedente. Este es uno de los casos.

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Téngase en cuenta que Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii, es un anime que adaptaba el manga homónimo de Masamune Shirow con ciertas libertades. Después ha habido otras dos versiones más, en 2006 y 2008 (véase el anecdotario). Esta adaptación hollywoodiense venía gestándose desde hacía tiempo, y al fin ha logrado ver la luz.

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En verdad, analizar la película desde la perspectiva comparativa con el original cinematográfico puede resultar fascinante. Recordemos que el film de Oshii planteaba dos líneas argumentales paralelas, por un lado acerca de ciertas intrigas empresariales, y por otro lado respecto a lo que rodeaba a su protagonista cibernética. Aquí los guionistas, Jamie Moss y William Wheeler, han efectuado una curiosa labor de transmutación: la historia de intrigas empresariales, hasta cierto punto, ha desaparecido, desarrollándose otra nueva; de este modo, no tenemos al Titiritero, sino a Kuze, aunque la trama sigue en cierto sentido muchos aspectos narrativos de su precedente, y algunos momentos están reproducidos fielmente, en imagen y/o en diálogos –así, inclusive, la secuencia de créditos, donde se crea a la protagonista–. Es decir, se nos narra otra historia, pero emulando momentos de la precedente, lo cual representa un singular ejercicio conversor. Por otro lado, esa nueva historia está articulada por completo con esa segunda sub-trama del film de Oshii, a tal punto que una no puede existir sin la otra, y una trama conduce irrevocablemente a la otra.

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De tal manera, todo lo que respecta a la aquí llamada Major –en el original japonés se trataba de Motoko Kusanagi[1]– es desarrollado a mayor profundidad. Pese a arrancar la historia en medio de una misión, con posterioridad se exploran sus orígenes y su pasado, siendo mucho más concienzuda en ese sentido que su homónimo animado.

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Luego todo dependerá de impresiones subjetivas en lo que concierne a la conjunción entre ese apartado digamos intimista y la espectacularidad de la propuesta, con respecto a la utilización de efectos especiales –abundantísima– y la de escenas de acción –generosas–. Por mi parte, creo que está bien conjuntado, y esta especie de mezcla entre Blade Runner, RoboCop y Matrix arroja saldos positivos. De esa manera, una parcela no devora a la otra, y el film exhibe un moderado equilibrio entre lo enfático y lo circunspecto. Por tanto tenemos un film espectacular, donde la mayoría de sus imágenes contienen efectos especiales, donde abundan las persecuciones y los disparos, pero que al tiempo se ocupa en desarrollar la psicología de su personaje principal, en una exploración de su pasado que contiene no pocas cotas emocionales.

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El director es Rupert Sanders, responsable de Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the Huntsman, 2012), que, sinceramente, no me molesté en ver. Pero es de destacar su habilidad para reproducir el ritmo visual y la estética de la animación por medio de imágenes reales. Mimetiza con estilo el talante hiperbólico de este tipo de narrativa, así como el del cine de acción contemporáneo, otorgándole algo de poso a la belleza estética que impera en este tipo de planos. Quién sabe, puede que en un futuro se desvele como un realizador a considerar.

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La película ofrece en su versión 3D algunos momentos llamativos, como cuando nuestra heroína atraviesa una cristalera a cámara lenta, en el más puro estilo Matrix, y los trozos de cristal parecen flotar sobre nosotros. Sin embargo, al menos al pase al que asistí, se percibía cierta doble imagen un tanto molesta, amén de oscurecer en exceso la imagen (véase la cena del inicio, donde la penumbra era excesiva). La versión en 2D[2] pierde esa espectacularidad, pero procura una imagen más limpia y uno puede centrarse en la trama sin perderse en adornos superfluos. Añadamos a nivel anecdótico que, en la versión original, los personajes hablan en inglés, salvo Takeshi Kitano y algún secundario, que lo hacen en japonés; sin embargo, en la interacción entre unos y otros personajes en dos idiomas distintos todos se entienden entre sí perfectamente. ¿Traductores simultáneos implantados en el cerebro? Quién sabe…

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Anécdotas

  • Título en Chile: Ghost in the Shell: Vigilante del futuro.
  • Margot Robbie (Harley Quinn en Escuadrón Suicida) fue considerada para el papel protagonista. Para el papel de Batou se pensó en Matthias Schoenaerts. Hubo conversaciones con Sam Riley para incorporar a Hideo.
  • En la versión doblada para el Japón algunos intérpretes repiten el rol del anime, así Atsuko Tanaka (Major), Akio Ôtsuka (Batou) y Kôichi Yamadera (Togusa).
  • En los títulos de crédito finales suena la música del anime.
  • Remake de Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii. Otros remakes previos: Kôkaku kidôtai: Stand Alone Complex Solid State Society (2006) [telefilm]; Ghost in the Shell 2.0 (2008).
  • Estrenada en premiere en Japón el 16 de marzo de 2017. En Estados Unidos se estrenó el 31 de marzo, así como en España.

 

Bibliografía

  • The Ghost in the Shell; por Masamune Shirow; traducción, Victoria Simó. Barcelona: Planeta-DeAgostini, 1998. T.O.: Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell (1989).

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] El convertir un personaje originalmente japonés en uno occidental, por supuesto, provocó no poca polémica y hasta protestas. Aunque ha de decirse que la primera aparición de Scarlett Johansson, por la posición y el maquillaje, hace aparentarle rasgos orientales.

[2] Asistí a un pase de prensa donde se proyectaron los quince primeros minutos en 3D y, después, la película entera en 2D, por lo cual resultó interesante comparar.

“La telaraña del destino”, por Juan Miguel G. S. Sánchez

Posted in Literatura, Reseña, Terror on 30 marzo, 2017 by belakarloff

Título: La telaraña del destino

Autor: Juan Miguel G. S. Sánchez

Pie de imprenta: Meliana (Valencia): Kelonia Editorial, octubre 2016

Género – materia: novela – terror – hechicería – pastiche lovecraftiano – pastiche sherlockiano – Jack el Destripador

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Juan Miguel Gutiérrez de la Solana Sánchez (Alicante, 1972) es uno de los escritores de género más interesantes del panorama español, aunque lamentablemente no es demasiado conocido, si bien ha recibido innumerables premios en diversos certámenes a nivel nacional, entre ellos inclusive en el concurso de relatos que celebró nuestra web Pasadizo hace unos años. De hecho, la presente novela fue finalista en las convocatorias Ciudad de Barbastro y Villa de Utrera, y definitivamente fue premiada en el certamen Ategua que convoca el IES de la localidad de Castro del Río, Córdoba.

Aunque en los últimos años Juan Miguel intenta coquetear con otras narrativas, está volcado en especial en el género fantástico, de ciencia ficción y terror, detectándosele especialmente cómodo en este último, y es gran admirador de los autores clásicos, esto es, Bram Stoker, Algernon Blackwood, Arthur Machen y cualquier otro que se nos ocurra de tamaño nivel, adoptando, cuando es preciso, un estilo mimético al de estos autores que se acomoda perfectamente a sus intencionalidades. No por ello es un autor sin estilo, sino que sus propias características se ven influidas por estos orígenes, concordando una combinación con entidad propia.

La presente novela es un pastiche con todas las de la ley, aunque por tono, estilo y temática yo lo aproximaría a un autor que no es referenciado en el texto, Clark Ashton Smith. Mezcla distintas épocas y lugares para conformar una historia única, que a través de los tiempos narra el destino de un cetro de poder, y cómo dos distintas facciones intentan hacerse con él. Los dos primeros tercios de la novela alternan la narración entre ambientarla en Francia, centrándose en el celebérrimo Gilles de Rais, y su servidor Francesco Prelati, nigromante y alquimista, que es quien verdaderamente importa; y en el Londres victoriano, con la sociedad secreta Golden Dawn, y los escritores arriba citados más algún otro involucrados en impedir que el odre de Prelati caiga en sus garras. Esa segunda parte es algo más extensa que la otra, pero ambas se alternan sucesivamente a lo largo del texto. La tercera parte se ambienta en Madrid, e involucrando al escritor Emilio Carrere.

A priori, la idea podría parecer algo caótica y deslavazada. La virtud de Juan Miguel estriba en tomar todos esos elementos dispersos y unificarlos en un todo homogéneo y coherente, otorgándole una unidad, y conformando con todo ello una historia de terror, de nigromantes inmortales y de agentes del bien luchando contra las sombras. Y además, bien escrito, divertido, con un ritmo imparable y un poder hipnótico para mantener la atención del lector. Delicioso. Obligatorio.

Carlos Díaz Maroto

Luces del Norte. Antología de ciencia ficción finlandesa

Posted in Ciencia ficción, Fantasía, Literatura, Noticias on 23 marzo, 2017 by belakarloff

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Luces del norte, historias del lejano norte, donde los fantasmas y piratas nadan en las aguas del mar Báltico y las brujas son tan mortales como las víboras que envían. Acompáñenos en un viaje a realidades alternativas en las que la vida puede ser atrapada en latón y donde el lienzo de la vida es tejido por arañas.

Luces del norte. Antología de ciencia ficción finlandesa presenta nueve voces y nueves relatos del bizarro finlandés, ahora por primera vez en castellano: “La novia fría”, de Magdalena Hai; “El piano de cola”, de Kari Välimäki; “Pieles”, de Anne Leinonen; “”Sueños que entristecen las mañanas”, de J.S. Meresmaa; “El diablo se equivocó por un año”, de Janos Honkonen; “Gravedad perdida”, de Saara Henriksson; “Fundamentos del centelleo”, de Taru Kumara-Moisio; “El obsequio”, de Sari Peltoniemi; “Quien gira la rueda”, de Anni Nupponen.

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Saara Henriksson

La antología Luces del norte ha sido publicada por Osuuskumma, una cooperativa editorial fundada y dirigida por escritores. Como editorial, nuestros objetivos son dar a conocer nuevos talentos, resaltar el tipo de literatura que muchas veces pasa desapercibida para el canon y continuar con la tradición de publicar antologías de ciencia ficción especulativa finlandesa de primera calidad.

  • Luces del Norte. Antología de ciencia ficción finlandesa
  • Autor: Varios Autores, edición de Magdalena Hai y Anne Leinonen
  • Editorial: Usuuskumma
  • Traducción: Tanya Tynjala, Yasna Bravo, Outi Korhonen, Sergio Prudant Vilches, Clara Petrozzi, Laura Villella, Layla Martínez
  • Tipo de libro: Antología inédita
  • Fecha de publicación: 2016
  • Precio: 19,95€
  • Páginas: 272
  • Formato: 12,5×19 cm. Rústica con solapas
  • ISBN: 978-952-7215-15-9