Travelers (2016)

Posted in Ciencia ficción, Reseña, Televisión, thriller on 9 enero, 2017 by belakarloff

Una serie de viajeros del tiempo llegan al presente ocupando el cuerpo de gente a punto de morir. Evitan esa muerte y hacen un “borrado” de la personalidad del previo ocupante. Su misión es evitar una serie de percances que conducirán a un futuro infausto…

Creada por Brad Wright. Directores: Andy Mikita, Helen Shaver, William Waring… Guiones: Brad Wright, Pat Smith, Jason Whiting, Ashley Park… Intérpretes: Eric McCormack (Grant MacLaren), MacKenzie Porter (Marcy Warton), Nesta Cooper (Carly Shannon), Jared Abrahamson (Trevor Holden), Reilly Dolman (Philip Pearson), Patrick Gilmore (David Mailer), Leah Cairns (Kathryn MacLaren), Arnold Pinnock (Walt Forbes), J. Alex Brinson (Jeff Conniker), Jennifer Spence (Grace Day), William MacDonald (Gary Holden), Teryl Rothery (Patricia Holden)… 1 temporada, 12 episodios 45 min. Canadá, Estados Unidos 2016-…

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Serie producida por Peacock Alley Entertainment con destino a Showcase y Netflix, de momento tenemos una primera temporada que finaliza en un cliffhanger. Ha sido creada por Brad Wright, quien también escribió de forma masiva para Más allá del límite (The Outer Limits; 1995-2002) y creó Stargate (Stargate SG-1; 1997-2007) –a partir del guion de la película con guion de Roland Emmerich y Dean Devlin– así como algunas de sus derivaciones. En 2011 finalizó SGU Stargate Universe (2009-2011) y esta es su nueva aportación al universo catódico.

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Pese a no ser el colmo de la originalidad –recuerda un tanto a la excelente película Doce monos (Twelve Monkeys, 1995)–, el punto de partida es simpático y agradecido, e inspira curiosidad para ver cómo prosigue todo. Es poco arriesgada, a tal punto que cada capítulo podría representar “el caso de la semana”. Existe una subtrama que enlaza todos esos episodios independientes, y que se va perfilando poco a poco.

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De todas maneras, lo peor de la serie es su escaso interés en desarrollar los personajes psicológicamente, con toda la enjundia que podrían ofrecer. Se trata, como ya se ha dicho, de personas que se introducen en el cuerpo de otras. La personalidad antigua desaparece, y una nueva toma un cuerpo que puede que en nada coincida con él. Sin embargo, los guiones se olvidan o tratan aleatoriamente esa cuestión, cuando podría ser lo más interesante. En algunos personajes es tenido en cuenta, en otros aparece y desaparece, y en otros, sencillamente, no existe. Resulta curioso en el caso del protagonista, el agente del FBI Grant MacLaren (interpretado por Eric McCormack), de quien una compañera comenta al inicio que ambos, anfitrión y huésped, tienen una personalidad muy parecida… A lo largo de todos estos capítulos cada personaje parece el del anfitrión, con algunos conocimientos más, en lugar de un ente en “desacuerdo” con su cuerpo. Un juego psicológico muy interesante podría haber derivado de ahí, pero parece que eso no interesa al creador y a los guionistas.

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En su lugar, tenemos un thriller de acción con unos escasos elementos de ciencia ficción. En todo caso, ha de aceptarse que los personajes, dentro de su esquematismo, son interesantes, en especial el de la chica con limitaciones intelectuales (Carly Shannon: Nesta Cooper) y el del friki informático y drogata (Philip Pearson: Reilly Dolman). El menos interesante es el del adolescente (Trevor Holden: Jared Abrahamson) por lo arriba mencionado; en un momento dado se insinúa que el anfitrión es un hombre de edad avanzada, pero en todo momento se comporta como un adolescente, y esa incongruencia quita matices a un personaje de por sí elemental.

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De todas maneras, no todo han de ser obras maestras, y se agradece que una serie no intente descubrir el universo o crear tramas que arrancan con un golpe de efecto espectacular –que en muchas ocasiones no es capaz de mantenerse– y se ofrezca un entretenimiento menor pero simpático. Con sus muchas limitaciones, Travelers se deja ver, es sencilla, te hace interesarte por lo que acontece, y deja con la expectación de un final que esperamos ver resulto próximamente. Veremos.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Alas en la noche (Nightwing) (1979)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 9 enero, 2017 by belakarloff

En una reserva india aparece una colonia de murciélagos vampiro, que atacará primero al ganado, y después a las personas. El sheriff de la zona, así como un estudioso zoólogo, intentarán poner freno al peligro.

Dirección: Arthur Hiller. Producción: Polyc International BV. Productor: Martin Ransohoff. Productor ejecutivo: Richard R. St. Johns. Productor asociado: Peter V. Herald. Guion: Steve Shagan, Bud Shrake, Martin Cruz Smith, según la novela de Martin Cruz Smith. Música: Henry Mancini. Fotografía: Charles Rosher Jr. Diseño de producción: James Dowell Vance. Montaje: John C. Howard. Efectos especiales: Carlo Rambaldi (efectos visuales), Barry Nolan (supervisor de efectos ópticos). Intérpretes: Nick Mancuso (Youngman Duran), David Warner (Phillip Payne), Kathryn Harrold (Anne Dillon), Stephen Macht (Walker Chee), Strother Martin (Selwyn), George Clutesi (Abner Tasupi), Ben Piazza (Roger Piggott), Donald Hotton (John Franklin), Charles Hallahan, Judith Novgrod, Alice Hirson, Pat Corley, Charlie L. Bird, Danny Zapien, Peter Prouse, José Toledo, Richard Romancito, Flavio Martínez, Lena Carr, Virginia P. Maney, Wade Stevens, Robert Dunbar, John R. Leonard Sr… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1979. Duración y datos técnicos: 105 min. Color 1.85:1.

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En la actualidad Martin Cruz Smith es un autor de reconocido éxito, en especial dentro de la temática del thriller, y sobre todo dentro de su serie del agente Arkady Renko, inaugurada con la ya lejana El parque Gorky (Gorky Park, 1981). Su madre era de origen amerindio, descendiente de los Pueblo, y militante de los derechos de los originales pobladores de los Estados Unidos de América. Por ello no es de sorprender que en sus primeras novelas optara por, independientemente del género, aportar ese enfoque, desde su debut con The Indians Won (1970). En 1976 publicó Alas de noche (Nightwing), una novela de terror con cierto tono best-seller, pero que se distinguía por determinados aspectos: por un lado, se estructura en formato de thriller, por lo cual ya se hace eco de su futura especialización; y, pese a ser de terror, el fondo se centra en una atención a los valores culturales del pueblo indio.

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A la hora de trasladar la novela al cine, el propio Smith se hizo cargo del guion al lado de Steven Shagan (Salvad al tigre, El viaje de los malditos, El siciliano, Las dos caras de la verdad) y Bud Shrake (Tom Horn), especializado este en el género del western y/o el country. El trabajo de adaptación que efectúan resulta bastante solvente. La parte más perjudicada es la romántica, que queda en unos escasos esbozos; y la parte que más se acentúa es la antropológica, inclusive por encima de los elementos de terror, teórica base del film. De hecho, en el sentido estricto, solo tenemos dos escenas planteadas desde esa perspectiva: la de un ataque, hacia la mitad, de un grupo de católicos, excelente en su planificación, aunque perjudicada por lo poco que se distingue –no sé si debida a una fotografía escasa o, con mayor seguridad, a la pésima copia a la que accedí[1]–; y, desde luego, el final, algo anticlimático, de todas maneras.

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El problema de la película es la torpe decisión de contar como director con un hombre tan limitado como es Arthur Hiller, caracterizado por su ausencia de intensidad emocional y su frialdad expositiva; curiosamente, su película más popular es la ñoña Love Story – Historia de amor (Love Story, 1970). Alas en la noche la expone de un modo distante, sin lograr penetrar en unos personajes que tienen mucho que contar, pero que del modo en que lo hacen resulta farragoso. Ni siquiera es capaz de controlar un reparto de un buen nivel, y solamente destaca una partitura inspirada debida a Henry Mancini, quien, como es menester, le aplica resonancias indias a la melodía.

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La película expone interesantes cuestiones respecto a la cultura india, y plantea una curiosa ambigüedad en el aspecto del misticismo y los elementos mágicos que la envuelven. Es una lástima que no se hubiera contado con un director más inspirado para insuflar de ese hálito mágico que un film como el presente necesita. De todas maneras, es una cinta elemental pero visible.

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Anécdotas

  • Título en Colombia: Alas de noche.
  • El rodaje tuvo lugar en Nuevo México, en concreto en Albuquerque, Bonanza Creek Ranch, en Santa Fe, y en Laguna Pueblo.
  • En la base de datos del Ministerio de Cultura español figura como de nacionalidad holandesa. Fue una trampa legal que determinadas distribuidoras perpetraron sobre la época, registrando bajo ese pabellón películas norteamericanas, con el fin de cubrir la cuota de pantalla de cine europeo.
  • Canciones: “Lucille”, interpretada por Kenny Rogers; y “Don’t It Make Your Brown Eyes Blue”, a cargo de Crystal Gayle.
  • Estrenada en Estados Unidos el 22 de junio de 1979. En España se estrenó directamente en cines de barrio, y no está registrada la fecha.

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Bibliografía

Alas de noche; por Martin Cruz Smith; traducción de Iris Menéndez. Barcelona: Argos, 1977. T.O.: Nightwing (1977).

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] DVD reciente editado por parte de la lamentable Llamentol, famosa por la pésima calidad con que suele editar, y dentro de ese limbo de distribuidoras de dudosa legalidad.

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Desierto (Desierto) (2015)

Posted in Aventuras, Cine, Crítica, Criminal, Estreno on 5 enero, 2017 by belakarloff

Un grupo de mexicanos atraviesa el desierto en una camioneta, con intención de cruzar la frontera con Estados Unidos, cuando el vehículo se avería. Tienen que seguir a pie, sin saber que entre los riscos acecha un norteamericano racista con su perro que se propone darles caza…

Dirección: Jonás Cuarón. Producción: Esperanto Kino, Itaca Films, CG Cinéma. Productores: Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón, Jonás Cuarón, Alex García, Charles Gillibert. Productores ejecutivos: Nicolás Celis, Santiago García Galván, Gael García Bernal, David Linde. Productor asociado: Patrick André. Guion: Jonás Cuarón, Mateo García. Música: Woodkid. Fotografía: Damián García. Diseño de producción: Alejandro García. Montaje: Jonás Cuarón. Efectos especiales: Anthony Lestremau (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Gael García Bernal (Moisés), Jeffrey Dean Morgan (Sam), Alondra Hidalgo (Adela), Diego Cataño (Mechas), Marco Pérez (Lobo), Óscar Flores (Ramiro), David Lorenzo (Ulises), Butch McCain (presentador de radio), Lew Temple (agente fronterizo), William A. Rodriguez [Yuri Zackoqv] (Ramiro)… Nacionalidad y año: México, Francia 2015. Duración y datos técnicos: 94 min. Color 2.35:1.

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Sí, a quien haya leído la sinopsis se lo confirmo desde ya mismo: se trata de la enésima imitación del relato “The Most Dangerous Game” (1924), de Richard E. Connell[1], así como de su más canónica adaptación al cine, El malvado Zaroff (The Most Dangerous Game, 1932), de Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack. Desde entonces han sido no pocas las variaciones que se han hecho de esta influyente historia, tanto adaptándola oficialmente como haciendo un plagio descarado –recordemos incluso un episodio de la serie El increíble Hulk, la de Bill Bixby y Lou Ferrigno–.

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En esta ocasión, nos viene de manos de Jonás Cuarón, hijo del excelente Alfonso, y responsable del guion, junto a su padre, de la atractiva Gravity (Gravity, 2013), que dirigiera papá. Con anterioridad Jonás había realizado un largo titulado Año uña (2007), y un par de cortos; ahora tiene en pre-producción una cinta titulada Z, una nueva aproximación al mito del Zorro, en los rasgos de Gael García Bernal.

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Viniendo de quien viene, uno esperaría, acaso, que Desierto dispusiera de un guion férreo y de una puesta en escena algo plúmbea. Sin embargo, el resultado es casi el contrario. La propia sinopsis da a entender una carga político-social, una crítica respecto a los “espaldas mojadas” y el trato que se les da en Estados Unidos. Así, el personaje que representa, espléndidamente, Jeffrey Dean Morgan vendría a representar al ciudadano medio norteamericano y su postura con respecto a los inmigrantes procedentes de más allá de río Grande. De hecho, obsérvese que su nombre es Sam, con lo cual su representación simbólica con los Estados Unidos se hace más evidente.

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Sin embargo, pese a que algo de todo esto hay, no se trata de una alegoría política sin más, quedando esto tamizado y por debajo de las imágenes. Diríase que Cuarón utiliza este arranque como excusa para realizar un ejercicio de estilo mezclando cine de aventuras, thriller, tensión y casi terror. Lo más cercano que podría referirse es la adaptación del relato de Connell conocido como Huida hacia el sol (Run for the Sun, 1956), de Roy Boulting, con protagonismo de Richard Widmark, Trevor Howard y Jane Greer, donde el malo venía representado por los rasgos de un nazi.

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Así pues, Cuarón opta con efectuar una película muy física, con gran intensidad visual y planos casi dolorosos. Aunque no aprovecha del todo el tema del intenso calor que emana del desierto, el juego del gato y el ratón que se produce entre cazador y víctimas resulta cautivante. Más elemental es ese guion referido, donde al inicio todos los extras caen uno tras otro con una facilidad pasmosa, y después los personajes con más importancia dramática son más costosos de abatir. Hubiera sido necesaria una gradación mayor en la escalada de muertes.

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Las escenas de los ataques poseen una enorme intensidad, y en ocasiones resultan incluso desazonadoras e incómodas. Súmese a ello la participación de un perro que se revela todo un actorazo, y cuyas participaciones son fundamentales.

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Hubiera sido deseable un guion más trabajado, pero como director Cuarón Jr. se revela como un hombre que sabe aplicar intensidad a lo que rueda. Será interesante seguir su carrera.

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Anécdotas

  • No hay una sola escena de la película rodada en interiores.
  • Rodada en la Baja California, México.
  • El presupuesto estimado es de tres millones de dólares.
  • Estrenada en Francia el 13 de abril de 2016, y en México el 15 de abril. En España se estrenó el 6 de enero de 2017.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] “La presa más peligrosa”. En Siete relatos góticos. Del papel a la pantalla; prólogo de Antonio Ballesteros González; traducción y textos de Sara Martín Alegre. Madrid: Ed. Jaguar, 2006. Colección: La Barca de Caronte; s/n. También ha sido traducido como “Un juego peligroso”, “El juego más peligroso”, “La más peligrosa de las cazas” y “El más peligroso de los juegos”.

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Passengers (Passengers) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Estreno, Reseña on 3 enero, 2017 by belakarloff

La Tierra está superpoblada, y la nave interestelar Avalon viaja a través del espacio, rumbo a colonizar un distante planeta. En su interior duermen en hibernación una gran cantidad de viajeros, mientras todo es regulado mecánicamente. De pronto, un accidente provoca que uno de los pasajeros, Jim Preston, despierte. Y aún quedan ochenta años para llegar al destino…

Dirección: Morten Tyldum. Producción: Columbia Pictures, LStar Capital, Village Roadshow Pictures, Original Film, Company Films, Start Motion Pictures, Wanda Pictures. Productores: Stephen Hamel, Michael Maher, Ori Marmur, Neal H. Moritz. Co-productor: Greg Baxter. Productores ejecutivos: Greg Basser, Bruce Berman, Ben Browning, David B. Householter, Jon Spaihts, Lynwood Spinks, Ben Waisbren. Guion: Jon Spaihts. Música: Thomas Newman. Fotografía: Rodrigo Prieto. Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas. Montaje: Maryann Brandon. Efectos especiales: Captured Dimensions, Digital Domain, Instinctual VFX, Moving Picture Company, The Senate Visual Effects. Intérpretes: Jennifer Lawrence (Aurora Lane), Chris Pratt (Jim Preston), Michael Sheen (Arthur), Laurence Fishburne (Gus Mancuso), Andy Garcia (capitán Norris), Vince Foster, Kara Flowers, Conor Brophy, Julee Cerda, Aurora Perrineau, Lauren Farmer, Emerald Mayne, Kristin Brock, Tom Ferrari, Quansae Rutledge, Desmond Reid, Emma Clarke… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 116 min. Color 2.35:1.

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El resumen que se ha reseñado arriba hará ver al lector aficionado a la ciencia ficción una premisa nada original, que trata el tema mil veces expuesto del éxodo de un grupo de almas a través del espacio, en estado de hibernación, rumbo a colonizar otros planetas. También es bastante habitual la idea de un personaje que de pronto despierta y se encuentra totalmente solo frente a un misterio. El mismo tráiler de la película provoca no pocos destellos de déjà vu al espectador, como por ejemplo la fallida Horizonte Final (Event Horizon, 1997), de Paul W. S. Anderson, donde casualmente también aparecía Laurence Fishburne, o también podríamos recordar la muy atractiva cinta de nacionalidad suiza Cargo (2009), de Ivan Engler y Ralph Etter. Incluso saliéndonos mucho de la temática, hay un evidente guiño a El resplandor (The Shining, 1980), de Stanley Kubrick.

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Passengers (Passengers, 2016) no busca epatar por medio de un guion sorpresivo. Con prácticamente solo dos personajes en su sesenta por ciento inicial de metraje, sus ingredientes son una historia sencilla pero efectiva, cuatro excelentes actores, un diseño de producción bárbaro y una fotografía atractiva (obra del mexicano Rodrigo Prieto). Y un desarrollo que, pese a resultar en muchos aspectos predecible, inspira el interés del espectador. Temáticamente, se trata de una narración de ciencia ficción hard, es decir, centrada en premisas científicas acordes con el conocimiento actual, y sin elementos más o menos fantásticos; todo ello, empero, desarrollado desde un tono ligero, es decir, no se trata de una obra farragosa y difícil de seguir, sino que es una narración sencilla que se ve con agrado y sin esfuerzo (pese a que para mucho espectador vago intelectualmente le pueda parecer lenta).

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Su director es el noruego Morten Tyldum, que en su país natal trabajó activamente en televisión, hizo algunos cortos y unas pocas películas. Saltó a la fama con The Imitation Game – Descifrando Enigma (The Imitation Game, 2014), y tiene previsto regresar a la ciencia ficción con Pattern Recognition, adaptación de la novela homónima de William Gibson de 2003[1], así como los dos primeros capítulos de la serie Counterpart, sobre universos paralelos. Ahora está empezando The Last Days of Night (2018), sobre la rivalidad entre George Westinghouse y Thomas Edison, por lo cual la ciencia tampoco se halla muy alejada.

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Descifrando Enigma se me escapó, aunque me atraía enormemente, tanto por la temática como por su protagonista, Benedict Cumberbatch, y la obra en Noruega de Morten Tyldum parece sumamente atractiva. Vista la presente película, se le percibe como una narrador claro y preciso, algo desde luego necesario en el cine contemporáneo, cuando la mayoría de los realizadores o bien son planos o abstrusos. Aquí, muestra temple con la cámara, una mirada directa y sin ambages, centrado en narrar una historia, con un buen temple para trabajar con los actores, y un excelente trabajo con las imágenes, que apoyan las imágenes sin devorarlas.

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Como se ha dicho, la trama, aún con su sencillez, se sigue con interés, y este no desaparece en momento alguno de todo el metraje. Cuando pudiera parecer que determinada circunstancia parece que no puede dar más de sí se adopta un quiebro en la narración y se enfoca desde otra perspectiva. A todo esto, cierta decisión por parte del protagonista masculino parece que ha creado una gran polémica, y ha supuesto críticas destructivas para el film, lo cual me parece una absoluta necedad. Esa actuación repercute en el perfil moral del personaje, y te puede parecer más o menos decente su forma de actuar, pero eso, desde luego, en nada afecta a la calidad artística del film, sino que se trata de un mero componente psicológico de un personaje; matices grises a un “héroe” que de esa manera parecería más esquemático. Si nos ponemos con ese puntillismo, sería imposible hacer ninguna película donde hubiese alguna actuación discutible por parte de ningún personaje, no ya que matase.

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En definitiva, un grato entretenimiento, que no va a formar parte de las grandes películas de la historia del cine de ciencia ficción, y que agradará sobremanera a los amantes del género con debilidad para con la iconografía que adorna esta cinta, decente y correcta.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y México: Pasajeros.
  • Keanu Reeves fue contratado para el papel protagonista, pero después lo abandonó.
  • Reese Witherspoon, Rachel McAdams y Emily Blunt optaron al papel protagonista femenino, pero en diversas fases del desarrollo lo dejaron.
  • Como director fue contratado inicialmente Brian Kirk (Luther, Juego de tronos, Penny Dreadful). También optaron al cargo Gabriele Muccino (Siete almas, Un buen partido) y Marc Forster (007 Quantum of Solace, El soldado de Dios, Guerra mundial Z).
  • El guion forma parte de ese famoso lote de “libretos no rodados y más deseados”, y anclado desde 2007.
  • Rodada con un presupuesto estimado de 110 millones de dólares.
  • El rodaje principal tuvo lugar entre el 15 de septiembre de 2015 y el 12 de febrero de 2016. En septiembre de 2016 se rodaron escenas adicionales para fijar elementos argumentales que no estaban desarrollados.
  • Estrenada en Estados Unidos el 21 de diciembre de 2016, tras una premier el día 14. En España se estrenó el 30 de diciembre.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] Mundo espejo; por William Gibson; traducción de Marta Heras. Barcelona: Minotauro, 2004.

Estrenos fantásticos en España:23-XII-2016

Posted in Animación, Cine, Estreno, Fantasía, Sin categoría on 24 diciembre, 2016 by belakarloff

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Assassins Creed (Assassins Creed)

Ubi Soft desembarca en el cine con uno de sus videojuegos insignia. Michael Fassbender se convierte en Callum Lynch, un condenado a muerte al que intentarán recuperar los recuerdos de su antepasado, un experto asesino de una hermandad secreta en la España de la Inquisición.

  • Fecha de estreno: 23 de diciembre de 2016.
  • Director: Justin Kurzel.
  • Actores: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Charlotte Rampling, Carlos Bardem, Javier Gutiérrez.
  • Nacionalidad y año de producción: EE.UU., Francia, Reino Unido, Hong Kong, 2016.

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Belleza oculta (Collateral Beauty)

Will Smith protagoniza este drama en el que da vida a un ejecutivo de publicidad que, tras un hecho traumático, se sumerge en una espiral de depresión. Para ayudarle a salir de ahí, sus amigos idearán un inusual plan que traerá consigo resultados inesperados.

  • Fecha de estreno: 23 de diciembre de 2016.
  • Director: David Frankel.
  • Actores: Will Smith, Edward Norton, Kate Winslet, Michael Pena, Helen Mirren, Naomie Harris, Keira Knightley.
  • Nacionalidad y año de producción: EE.UU., 2016.

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Pixi Post y los genios de Navidad

Animación española proveniente del país vasco, sigue la gran aventura de Pixi Post, una chica elfo con dificultades para relacionarse con los suyos, que por accidente es elegida como única defensora de los Genios de la Navidad, objetivo de un terrible villano.

  • Fecha de estreno: 23 de diciembre de 2016.
  • Director: Gorka Sesma.
  • Nacionalidad y año de producción: España, 2016.

“Starship Exeter” y el inicio de la Era Dorada de los fan-films

Posted in Artículo, Ciencia ficción, Televisión on 21 diciembre, 2016 by belakarloff

Última entrega de la serie de artículos dedicada a celebrar el aniversario de la creación de Star Trek. Esperamos que haya sido de vuestro interés.

Starship Exeter y el inicio de la Era Dorada de los fan-films

por

Sergio G. Molina

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Cuaderno de bitácora del capitán John Quincy Garrovick. Fecha estelar 4943,5. Planeta Épsilon Indi IV. Planeta natal de los andorianos. La Exeter se ha reunido con la USS Lexington, cuya tripulación está infectada con la peste de Canopus. Bajaremos al planeta para contactar con el consejo planetario de Andoria. Nuestra misión: conseguir el compuesto Medulite-7, una droga creada en Andoria, y única cura de la peste de Canopus.

Esta es la historia de la producción de “The Savage Empire”, el primer episodio de Starship Exeter, la película de Star Trek hecha por fans que generó la inercia que cambió la forma de hacer fan-films, iniciando la Era Dorada de la temática.

 

La inspiración

Los jóvenes hermanos Johnson

Los jóvenes hermanos Johnson

Era el otoño de 1995, en Minnesota, cuando un veinteañero Jimm Johnson sorprendía a su hermano Josh con una cinta de vídeo. En ella tenía grabados unos efectos ópticos que había estado probando junto con su amigo Jeff Lynk, con la intención de incluirlos en algún tipo de proyecto en vídeo. Dichos efectos tenían todo el estilo de los que se hacían en los años sesenta. Unos meses después, en diciembre, Josh regaló a Jimm por su cumpleaños una cinta de vídeo con el episodio “Arena” de TOS. Esos dos hechos sirvieron de detonante para que Jimm finalmente decidiera que su proyecto en vídeo lo ambientaría en el universo de Star Trek.

Así que Jimm propuso a su hermano hacer una película de Star Trek en la que apareciesen andorianos y klingons. A Josh le entusiasmó la idea, y se propuso a él mismo para interpretar a un andoriano que fuera miembro de la Flota Estelar. Se pasaron dos o tres días encerrados en el despacho de casa de su padre intercambiando ideas, y de ahí surgieron varias historias.

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En su primera puesta en común perfilaron la mayoría de los personajes principales: al capitán Garrovick, al teniente andoriano B’fuselek, al jefe de seguridad Cutty, e incluso a la comandante Harris, aunque ella no aparecía en los primeros borradores del guion.

Descartaron varias ideas y se quedaron con aquella que pensaban que sería la más sencilla de hacer, ya que incluiría muchas escenas en exteriores y apenas tendrían que construir decorados. Además, para las instalaciones andorianas incluso podrían utilizar algo que ya existiera.

            Su idea inicial era concluir el proyecto en un par de meses, ya que así podrían hacer las otras cuatro o cinco historias que tenían pensadas. Pero una vez que tuvieron el guion y tras haber hecho algunas pruebas para los efectos ópticos, se sintieron capaces de recrear con una calidad aceptable algo que aparentase estar hecho en los años sesenta. Abandonaron así la idea de hacer varios episodios y se centraron en “The Savage Empire”.

            Así las cosas, apenas seis meses después, en junio de 1996, una idea surgida en Navidad ya les había llevado a alquilar un local donde construir los decorados y se habían embarcado en una producción al estilo de los años sesenta.

El vestuario

Josh colocando una peluca a un espía andoriano

Josh colocando una peluca a un espía andoriano

Al documentarse sobre el vestuario, advirtieron que los uniformes que se podían comprar en las tiendas de disfraces no eran lo suficientemente buenos, no parecían auténticos, y pedir que los hicieran a medida era muy caro. Por lo que decidieron comprar las telas, conseguir los accesorios y hacer ellos mismos los uniformes. Así que a Jimm no le quedó más remedio que aprender a usar una máquina de coser y encargarse él mismo del diseño del vestuario.

En su afán por recrear los detalles del vestuario, se documentaron con libros como Inside Star Trek. The Real Story[1] o The Making of Star Trek[2]. En ellos encontraron mucha información sobre cómo eran los uniformes de TOS, el tipo de tela y otros detalles. Jimm estudió las fotos de esos libros, fijándose dónde estaban las costuras y tratando de hacer patrones lo más fieles posibles. Así hizo unos primeros prototipos, hasta que llegó a sus manos el libro Star Trek: Star Fleet Technical Manual[3], que incluía copias de los patrones originales de los uniformes de TOS, los cuales pudo imprimir a escala real con su impresora doméstica Xerox y recrear con exactitud los uniformes de los protagonistas.

Para las insignias que lucen en el pecho los uniformes de la Flota Estelar, Jimm hizo un diseño mejorado de la que lleva el capitán Ronald Tracey de la Exeter en el episodio “The Omega Glory” de la segunda temporada de TOS. En la serie, cada nave de la Flota Estelar tiene su propia insignia, y era un detalle fundamental.

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            Los trajes de los klingons supusieron un gran reto, pues tenían muchos ribetes y adornos dorados, tanto en los pantalones como en el resto de prendas. Les fue imposible encontrar el mismo tipo de tela usada en TOS, y su primera versión de los chalecos no quedaba bien en cámara, teniendo que buscar otras telas.

Para la túnica del gobernador Kinthmus y los uniformes de los andorianos tuvieron que diseñar algo original, pues no existían patrones en los libros. La túnica de Kinthmus con el collar de brillantes rojos la compraron en una tienda de disfraces. Era algún tipo de túnica de mago. La capa, que ni siquiera estaba bien cortada, era un trozo de piel sintética que le echaron sobre los hombros y que se sujetaba con un cordón dorado. Realmente Jimm nunca acabó del todo contento con el disfraz del gobernador, pero su vestuario funciona. Y cuando Kinthmus aparece por primera vez con su traje con brillantinas rojas y con el decorado de cartón piedra de la cueva tras él, se tiene toda la sensación de que se está viendo una producción de los años sesenta.

            Por último, el traje del espía andoriano está basado libremente en el que llevan los técnicos andorianos en el episodio “The Lights of Zetar” de la tercera temporada de TOS. Un chaleco con remaches plateados, pantalones negros ajustados y botas. Todo conjuntado a la perfección.

El maquillaje

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Jeff Lynk, gran amigo de Jimm, y que ya tenía algo de experiencia, se encargó del maquillaje de los alienígenas. Éste les recomendó que para los andorianos y los klingons podían aplicar el mismo método que se había usado en TNG para maquillar a Data o a Worf. Dicho sistema consistía en usar un adhesivo combinado con algún color de maquillaje al agua, que aplicado sobre la piel con una esponja y secado con un secador de mano daba una textura gomosa. En un principio, el adhesivo lo tuvieron que pedir a un distribuidor de material médico. Tiempo después ya empezó a estar disponible en las tiendas de disfraces. Jimm y Josh aprendieron mucho de Jeff, y fue esencial, pues cuando Jeff no podía estar en el rodaje, los Johnson se encargaban del maquillaje. Y, generalmente, Josh se tenía que maquillar a sí mismo, con la ayuda de alguien para la parte posterior del cuello.

            El desmaquillador que usaron inicialmente quemaba un poco la piel a Josh. Y como iban a tener que repetir el proceso muchas veces pidieron a Jeff que buscase otro menos agresivo. Al final encontraron uno que, literalmente, salvó la piel a Josh. El gran inconveniente del nuevo desmaquillador era que se tardaba más en retirar los apliques. Y tras una larga jornada de rodaje de diez horas o más, Josh siempre tenía que quedarse un buen rato solo, mientras el resto del equipo se marchaba a casa a descansar.

            Otros elementos clave para la caracterización de los andorianos eran la peluca y las antenas. Para conseguir que las antenas de B’fuselek se quedaran rígidas, atravesaron con ellas la peluca y la pegaron a una pequeña gorra que se ponía debajo. Aunque probaron con varios tipos de pegamento, siempre había algún momento en mitad del rodaje en el cual las antenas se caían. Y al final acababan fijándolas con imperdibles o alfileres, para que aguantasen lo justo hasta acabar de grabar el plano.

El atrezo

Cubo de Rubik esférico convertido en alterados subespacial

Cubo de Rubik esférico convertido en alterados subespacial

            Según relata Josh Johnson, el atrezo fue, en cierta manera, una de las cosas que les impulsó a hacer la película. Antes de escribir el guion, previo al cumpleaños de Jimm, visitaron una tienda donde vendían fásers, comunicadores y tricorders de juguete. Y Josh recuerda que hablaron sobre los efectos que había en los primeros fan-films de Star Trek. Así que, cuando se plantearon hacer su película, recordaron que el asunto del atrezo lo tenían resuelto, pues disponían de todos esos modelos de juguete para hacer la película. Sin ellos nunca se habrían planteado seguir adelante, pues habría sido excesivamente caro construirlos. Si bien el tricorder de juguete realmente era demasiado pequeño, en cámara funcionaba bastante bien, pues solo se evidenciaba en algunos planos.

            En realidad en las tiendas sólo disponían del atrezo para los personajes de la Flota Estelar, y hubo muchos elementos que tuvieron que fabricar para la película, como la pantalla que usa el capitán para las videoconferencias, el panel de control del campo de fuerza, los paneles de los comunicadores, los disruptores klingon, las armas y los comunicadores de los andorianos, etc. De todo ello se encargó Jeff Lynk.

Generalmente, el atrezo lo resolvieron reconvirtiendo elementos que ya existían, como en el caso del alterador subespacial que lleva el gobernador Kinthmus, para el cual modificaron una versión esférica del cubo de Rubik que tenía Josh, a la que Jimm añadió unas luces en post-producción.

Los decorados

Detalles de construcción de la pared cavernosa

Detalles de construcción de la pared cavernosa

            Estuvieron seis meses almacenando y reciclando objetos en sus casas y en las de sus padres, todo aquello que creían que podría ser útil para el vestuario, el atrezo, los decorados, etc. Finalmente, alquilaron un local donde construir los decorados y trasladaron todo ese material allí. Josh también llevó su mesa de dibujo y comenzaron a diseñar los decorados y a hacer storyboards.

            Para los diseños de los decorados de los pasillos de las instalaciones andorianas, Jimm y Josh dibujaron algunos bocetos, y Jeff Lynk se encargó del acabado final. A partir de ellos hicieron unos planos rudimentarios y así pudieron calcular la cantidad de madera que necesitarían. Todas las estructuras se construyeron con listones de madera y tableros de aglomerado, comprados en un Home Depot, un minorista de bricolaje estadounidense.

La entrada en la superficie del planeta a la sede del gobierno andoriano la tuvieron que simplificar al máximo para que no llevara mucho tiempo construirla, transportarla y montarla. Consistía en una fachada falsa con una puerta corredera, un falso panel de control de apertura/cierre y otros detalles, que les llevó dos semanas de trabajo. Esta puerta sería usada en el rodaje en exteriores, montándose finalmente la estructura sobre una plataforma de cemento que había en el recinto de la Universidad de Minnesota, junto al río Mississippi, dentro de un área recreativa.

Aunque la puerta la simplificaron, se afanaron en ella hasta el mínimo detalle. De hecho, hay un texto en andoriano que aparece en el panel de control, inventado por Josh, que también diseñó dicho panel, encargándose Jimm de las partes mecánicas y las luces. El símbolo andoriano de la puerta lo sacaron de un episodio de TOS.

Rejilla hexagonal en los pasillos de la Exeter

Rejilla hexagonal en los pasillos de la Exeter

Y una vez que terminaron los planos de la entrada, toda esa estructura se reconvirtió en la puerta interior del turboascensor de las instalaciones subterráneas.

            Construir las paredes cavernosas les llevó mucho tiempo, dado que tuvieron que construir la estructura a base de listones de madera, cubrirla con una malla de alambre, deformarla para darle una forma rugosa, cubrirla con cartón piedra y, por último, darle un acabado con pintura para que simulase ser una cueva. Esta parte del decorado fue prácticamente obra de Josh. Mientras, Jimm se encargaba del resto.

            Para los pasillos de las instalaciones de la hermandad Tri’Leth tuvieron que hacer ocho o diez arcos trapezoidales, que fueron reutilizados para construir el calabozo klingon, pintándolos de otra forma y cambiando su configuración para darles un aspecto distinto.

            Su nivel de aprovechamiento del espacio y de los decorados llegó al extremo hasta de conseguir mostrar el interior de una habitación andoriana al final de un pasillo que, por otro lado, prácticamente pasa desapercibida.

Para las escenas en la Exeter sólo construyeron unos pasillos y el turboascensor. Eso sí, el interior del turboascensor, aunque casi no se ve, era muy detallado, incluyendo el típico asidero donde se agarran los usuarios.

Iluminación casera

Iluminación casera

            Por lo demás, para el interior de la Exeter sólo incluyeron algunos detalles, como la pared de rejilla hexagonal de los pasillos que, aunque vista en cámara es muy similar a la que aparece en la Enterprise de TOS, en realidad era una rejilla de un filtro de aire. Y para los paneles de control imitaron el estilo de los botones usando gemas decorativas de plástico de colores.

            El local lo tuvieron alquilado dos años, durante los cuales hicieron toda la pre-producción, teniendo que acelerar la producción en las últimas dos semanas antes de que venciera el alquiler. Finalmente, todas las escenas en el interior las rodaron en los dos últimos días, antes de abandonar el local. Y tan pronto como rodaron su último plano tuvieron que empezar a desmontar y a tirar a la basura los decorados, puesto que el local debía quedar disponible al día siguiente.

            Los planos del puente de la Exeter se incorporaron al final, ya que tras ver un primer montaje se dieron cuenta de que era necesario que apareciese la nave en la parte final del episodio. Así que decidieron incorporar al personaje de la comandante Jo Harris en el puente, aunque no tenían ni la actriz, ni los decorados, ni el sitio donde construirlo, y sólo quedaban un par de meses para la fecha de estreno. Al final, construyeron el sillón del capitán, una barandilla roja similar a la del puente de la Enterprise, y buscaron una silla para el oficial de comunicaciones. Pusieron todos esos elementos delante de una pantalla verde y rodaron los planos de la comandante Harris hablando con el capitán a través del comunicador. Para los Johnson fue una gran satisfacción incorporar a Harris, ya que siempre la habían concebido como uno de los miembros principales de la tripulación de la Exeter. Y, por otro lado, no había ninguna mujer entre los personajes protagonistas, con lo cual la película ganaba doblemente y parecía menos “friki”.

El reparto

Ben Hazen como el alférez Ben Halley

Ben Hazen como el alférez Ben Halley

            A la vez que los Johnson escribían el guion ya iban pensado a qué amigos podrían asignar cada personaje, pues nunca contaron con utilizar actores profesionales.

Kinthmus, el autodenominado gobernador andoriano y líder de la hermandad Tri’Leth, era un personaje clave, y debía estar bien interpretado. Jimm y Josh conocían a Keith St. Louis desde la adolescencia. Y cuando Jimm fue a la universidad se hizo muy amigo de él, llegando a compartir piso juntos durante un tiempo. Así que Jimm pensó en Keith para ese personaje.

            Para interpretar al comandante klingon Chang, Josh había pensado en un compañero de trabajo que creía que encajaba en el personaje. Pero al final, el mejor amigo de Josh, “Clint” Nathan Wolf fue quien hizo el papel. Ambos eran amigos desde la escuela primaria y se hicieron muy buenos amigos durante la secundaria. Clint se implicó en el proyecto desde el principio y realizó un montón de labores detrás de cámara.

            Los integrantes de la Flota Estelar que aparecen principalmente en la película son, cómo no, Jimm y Josh Johnson, como el capitán John Quincy “Quince” Garrovick y el teniente andoriano B’fuselek, respectivamente.

Holly Guess como la comandante Jo Harris

Holly Guess como la comandante Jo Harris

Además, también aparece Michael Buford interpretando al jefe de seguridad Paul Cutty. Michael era amigo de Josh desde hacía dos o tres años. Ambos trabajaban en The Star Tribune, el periódico local, y cuando los Johnson comenzaron la pre-producción Josh siempre contaba a Michael sus avances y él le daba ideas. Sus charlas muchas veces se alargaban hasta que se quedaban solos en el edificio, con los guardias de seguridad.

            El papel de la comandante Jo Harris, se lo tenía asignado Josh a una amiga. Sin embargo las escenas de Harris no las llegaron a rodar cuando hicieron la fotografía principal, mientras dispusieron de los decorados en el local alquilado de Minnesota. Con el tiempo, Jimm se mudó a Texas y allí conoció a Holly Guess. Y cuando años después hizo falta grabar la parte de Harris, los dos hermanos tuvieron claro que Holly era Jo Harris.

Patrick Scullin, que interpreta al joven teniente Joseph D’Agosta, era un viejo amigo de Jimm, de cuando estudiaba en la Universidad de Minnesota. El nombre del personaje es un homenaje a Joe D’Agosta, el director de casting de TOS.

            El redshirt, el alférez Ben Halley, es Ben Hazen, el cuñado de Jimm y Josh. Era un recién llegado a su familia en ese momento y accedió a participar en la película. Aunque los Johnson creen que Ben no sabía la clase de compromiso que estaba adquiriendo, que no pensaba que realmente llegarían a hacer una película de Star Trek, que como mucho quedarían una tarde y en un rato habrían acabado. Al final la cosa se alargó durante dos años. Pero como era un pariente no le fue fácil echarse atrás. No obstante, mataron al personaje tan pronto como pudieron para que no tuviese que ponerse el “pijama” muchas veces.

Jesse, padre de los Johnson, como oficial junto a sus hijos

Jesse, padre de los Johnson, como oficial junto a sus hijos

Otros integrantes de la Flota Estelar que aparecen esporádicamente son el comodoro Jennings, el alférez Hummel y el teniente Watkins. Richard “Ned” Lamanchikafka, que hace el papel del comodoro Jennings, y que interviene haciendo un mero cameo, había sido profesor de Jimm y Josh. Cuando decidieron hacer la escena del puente, al estar B’fuselek en el planeta, necesitaban un oficial de comunicaciones en el puente, así que pidieron a Mark Svara, amigo de Jimm, que hiciera del alférez Marcus Hummel, un figurante con frase. Por su parte, Clark Jones, el oficial científico Charles Watkins, se incorporó al reparto porque vivía en la casa donde grabaron a última hora la escena del puente, aunque su aportación realmente es como figurante. El teniente klingon que custodia el calabozo donde encierran a Garrovick fue interpretado por Kegan Bader, un bajista amigo de Jimm que tocaba con él en una banda de speed metal de Minneapolis (Minnesota). El espía andoriano “Número Siete”, por último, y que apenas tiene una frase, lo hizo Brian Peter, un amigo de Josh.

Keith St. Louis como el gobernador andoriano Kinthmus

Keith St. Louis como el gobernador andoriano Kinthmus

Al final de la película, Garrovick habla a través de una pantalla con el senador andoriano Therin, interpretado por Ian McLean. Al parecer, su personaje lo popularizó en Australia. Ian fue uno de los mayores fans del proyecto desde el principio. Cuando comenzaron a hacer su película, Ian contactó con ellos a través de Internet. Y cuando a última hora necesitaron a alguien para hacer el personaje se lo ofrecieron a él.

Además de sus múltiples labores de maquillaje, fabricación de atrezo y demás, Jeff Lynk también hizo del klingon “Número Seis”, al que desintegra por error el espía andoriano “Número Siete”, cuando intenta matar a B’fuselek.

            Para muchas escenas necesitaban figuración, y no siempre podían conseguir a gente, así que, en un par de ocasiones, el padre de los Johnson hizo de klingon o de tripulante de la Exeter. Además, como figurantes en la Exeter también acabaron apareciendo por los pasillos el propio Josh, caracterizado de humano, su hermana, gente del equipo técnico y todos los amigos que pudieron conseguir.

El rodaje

Claqueta del primer plano rodado

Claqueta del primer plano rodado

            En verano de 1996, tras seis meses de pre-producción, ya tenían un local alquilado, el vestuario, el atrezo y los actores necesarios para poder empezar a rodar “Natural Selection”, que era como se titulaba en un inicio la película. Finalmente, durante la producción, Josh leyó el título del episodio “The Savage Curtain” de la tercera temporada de TOS, le gustó y pensó que podían titular su película de manera similar. Así surgió “The Savage Empire”.

La primera escena que se rodó es la del equipo de salida siendo teletransportado al planeta. Esta escena la rodaron en River Flats, un área recreativa a orillas del río Mississippi, en las cercanías de la ciudad de Saint Paul. Intentaron ambientar la vegetación andoriana colocando algunas flores de loto azul de plástico, compradas en Michaels Craft Store, pero son tan pequeñas y aparecen tan fugazmente que casi no se aprecian, salvo en el plano en el que Cutty está agachado examinando una.

Cutty examinando una flor azul

Cutty examinando una flor azul

Por entonces no se imaginaban que el rodaje se prolongaría durante dos años, hasta mediados de 1998, durante los cuales tendrían que rodar planos adicionales para esa y otras escenas del planeta en lugares tales como el jardín trasero de la casa de Josh.

            Días o semanas antes de rodar una escena, normalmente realizaban algunos ensayos grabados, así era más rápido después ubicar los actores y la cámara, e ir afinando los planos. Además, esos ensayos les servían para perfilar los personajes y establecer cierta química entre los propios actores. Igualmente, les ayudaban también a familiarizarse con el vestuario y el atrezo, para que cuando rodaran se desenvolvieran de una manera más natural, como si realmente estuviesen en el siglo XXIII. De igual modo, la grabación de los ensayos también era de mucha ayuda para el equipo técnico, pues su operador de cámara nunca antes había usado una cámara de vídeo, y mucho menos un micrófono en una pértiga, aunque en este caso se trataba realmente de un micrófono de mano pegado con cinta adhesiva a un tubo largo.

            En cuanto a la dirección, los Johnson llevaron el peso conjuntamente, en función de quién estuviera delante o detrás de la cámara en cada plano. Según Josh, el 85% del tiempo co-dirigieron la película, y el 15% restante se lo tiraron discutiendo. Hubo momentos en los que los Johnson estuvieron en completo desacuerdo, y acabaron gritándose el uno al otro, como ocurrió mientras construían los decorados y empezaron a debatir sobre cómo abordar cierta escena. Una de las grandes lecciones que aprendieron con esta producción fue la de saber hacer concesiones y establecer soluciones de compromiso.

Modelo del Lithtor antes de rodarlo

Modelo del Lithtor antes de rodarlo

            El plan de rodaje no hubo forma de elaborarlo debidamente. Al final acababan convocando a los amigos y familiares que podían convencer para que fuesen a ayudar. A veces la gente fallaba, y algunos días les faltaba tiempo y había que volver más adelante para retomar la escena donde la habían dejado. Habitualmente, el plan diario de rodaje no solía ser muy apretado, ya que trabajaban con voluntarios y se ajustaban la disponibilidad de sus amigos.

            En lugar de grabar todo y revisar los dailies al final de la jornada, durante la grabación solían hacían breves descansos y revisaban las cintas para comprobar que tenían lo que necesitaban antes de pasar al siguiente plano.

            El 95% de la película se grabó con una videocámara Panasonic AG-456 de formato S-VHS. Los planos con la comandante Harris en el puente de la Exeter se rodaron en octubre de 2002, cuatro años más tarde, en la entrada del garaje de la casa de un amigo, usando una videocámara handycam en formato digital.

            Para la iluminación usaron un tipo de lámparas con pinza o clip de las baratas que es posible encontrar en grandes superficies de bricolaje y tiendas especializadas de iluminación. En Estados Unidos las podían encontrar en Target o The Home Depot. A dichas lámparas les pusieron geles de colores para ambientar las escenas al estilo TOS y crear una luz suave. Y realizaron un trabajo bastante aceptable en la continuidad de la iluminación, pues para algunas escenas de exteriores rodaron planos en interiores, como en el caso de algunos planos en la entrada de la sede del gobierno andoriano, y en el caso de los primeros planos de Garrovick en la Exeter hablando a través de la pantalla, que se grabaron en casa de Jimm en Austin (Texas).

Truco de perspectiva; detalle de la pata

Truco de perspectiva; detalle de la pata

            Uno de los mejores efectos visuales de perspectiva en la historia de los fan-films lo consiguieron los Johnson en la escena del Lithtor. El nombre de la criatura andoriana surgió un día que Jimm acababa de ver Parque Jurásico (Jurassic Park, Steven Spielberg, 1993), donde aparecía el velociraptor. Y como le sonaba bien lo de “raptor”, lo adaptaron para un monstruo de origen andoriano. Luego Josh puntualizó que si era una especie de dinosaurio de Andoria entonces la criatura debía tener antenas. Trasladaron su idea a Jeff Lynk y éste lo fabricó a partir de unos bocetos de los Johnson de una criatura parecida a un tiranosaurio azul con antenas, aunque Jeff lo pintó de magenta. Las primeras pruebas con la cabeza del Lithtor se rodaron en 2001 con una pantalla verde de fondo. Los planos de la cabeza tal vez son los que más desentonan de toda la película, pues destaca demasiado que es un muñeco, pero por otro lado era el tipo de recursos que se usaban en los años sesenta. Para el plano en el cual la sombra de la cabeza del Lithtor cubre a B’fuselek y éste grita y sale corriendo, usaron una simple silueta recortada con la que tapaban el sol. Y para el plano grabado en el jardín de casa de Josh en el que el Lithtor pisa el fáser de B’fuselek usaron el mencionado truco óptico de escala y perspectiva. Con B’fuselek tumbado al fondo, en primer término colocaron una miniatura de un fáser, que por la posición y ángulo de cámara daba la sensación de ser de tamaño real. En ese momento una pata del Lithtor hecha también a escala pisaba el arma y cubría casi por completo el plano, dando la sensación de ser una criatura gigantesca.

            Muchas veces, mientras trabajaban en el proyecto, no creían que serían capaces de acabarlo, que como mucho conseguirían hacer una parte y estrenarla a modo de episodio, ya que, aunque ponían muchas ganas y entusiasmo en el proyecto, no tuvieron ningún tipo de financiación, sólo el dinero que podían ahorrar Jimm y Josh de su sueldo, y muchas veces tuvieron que aplazar el proyecto durante largos períodos de tiempo. Ese fue uno de los motivos que provocaron que la producción se alargase durante siete años.

Videocámara usada para grabar el episodio: Panasonic ag456-svhs

Videocámara usada para grabar el episodio: Panasonic ag456-svhs

            La mayoría de exteriores se rodaron en parques y en otros lugares públicos donde algunas veces se cruzaba gente practicando deporte. Pero la mayoría los ignoraba o les lanzaba una mirada de extrañeza. Por ejemplo, en Pease Park, en Austin (Texas), siempre había mucha gente paseando perros sin correa y un par de ellos se abalanzaron sobre Tres Churchill (el doble de acción de Nathan Wolf en la escena de la pelea) caracterizado de klingon.

            Así mismo, con el actor Michael Buford tuvieron un grave problema, pues a mitad del rodaje se mudó a Las Vegas. Así que para el personaje de Cutty improvisaron una escena en la que quedaba encerrado en el turboascensor durante gran parte de la historia, evitando matarlo y así poder aparecer en futuros episodios.

Para la parte final, habían pensado rodar una escena en la que los personajes iban a la ciudad andoriana y allí recogían las medicinas de parte de un grupo de andorianos, pero finalmente no pudieron hacerla por razones de presupuesto. Por esa razón, Garrovick se despide al final amablemente del senador andoriano Therin dándole las gracias a través de una pantalla.

            Aunque el ambiente en el rodaje en general era muy distendido y había días en los que no paraban de hacer payasadas, al final del rodaje la cosa cambió, y la gente llegaba con menos ganas de enfundarse su “pijama” de Star Trek durante todo un fin de semana.

Cutty atrapado en el turboascensor

Cutty atrapado en el turboascensor

En una producción tan larga y con tantos problemas era inevitable que al final hubiera problemas de continuidad, aunque la mayoría pasan desapercibidos gracias al gran trabajo que hizo Jimm con el montaje. Por ejemplo, el arco trapezoidal que hay junto a la consola del calabozo a veces no está en los planos en los que se ve al klingon, y luego se ve claramente que sí está cuando Garrovick y D’Agosta escapan del calabozo. Poco después, en los planos en los que esos dos personajes oyen la conversación entre B’fuselek y Kinthmus, en la frente de Garrovick se ve un pequeño punto rojo, que nunca han llegado a averiguar si se trataba de una espinilla, un resto de pintura, o cualquier otra cosa, ya que cuando no estaban actuando siempre andaban subiéndose a las escaleras y encintando, pintando o lijando algo. Un error de continuidad más destacable está en el pelo de Cutty, cuando sale del turboascensor a la superficie junto con Garrovick, y tiene el pelo mucho más corto. Finalmente, aunque más que de continuidad es un fallo de ambientación, cuando B’fuselek corre por el bosque y en segundo término se ven unos árboles con hojas totalmente rojas que destacan bastante, y que no encajan con el aspecto visual que los Johnson pretendían dar al planeta cuando empezaron incluso usando las flores azules de loto.

Pero también incluyeron algunos gags que casi pasan desapercibidos. Por ejemplo, cuando Garrovick se acerca a los controles del turboascensor para liberar a Cutty el guardia klingon sale de la cueva, le apunta con un disruptor y le ordena que se aparte. Pero el capitán consigue golpearlo y hacer que caiga tras la puerta por la que ha salido. Pues bien, a Josh se le ocurrió que sería gracioso que la puerta de la cueva se cerrase después de que cayese el klingon. Y nunca más se vuelve a saber de ese klingon.

La escena de la pelea

Ensayos de la pelea; Minnesota, otoño de 1998

Ensayos de la pelea; Minnesota, otoño de 1998

            Durante el año previo al estreno, se dieron cuenta de que el material que tenían para montar la pelea entre Garrovick y Chang era insuficiente. Una de las causas de que les faltasen planos se debía a que durante el rodaje de esa escena se les vino la noche encima y se quedaron sin luz del sol. Así que, en octubre de 2002, dos meses antes del estreno, tuvieron que rodar algunos planos extra en Austin (Texas), a más de dos mil kilómetros al sur de Minnesota, donde se habían filmado los planos de la escena en 1998, cuatro años antes.

            Para la coreografía de la pelea estudiaron algunos episodios de TOS y la escena que más les gustó fue la pelea entre Kirk y Khan en “The Space Seed”, que se desarrolla en la amplia y diáfana sala de ingeniería de la Enterprise. Así que decidieron buscar unos exteriores con una orografía y elementos con los cuales poder imitar esa escena.

            Para planificar la secuencia capturaron algunas imágenes del episodio e hicieron un storyboard. Dichas imágenes procedían de una grabación casera de la televisión que incluía incluso el logo del canal Sci-Fi (más tarde SyFy),grabaciones caseras eran lo que habitualmente circulaba por casa de los trekkies de la época, por el alto precio de los episodios originales en VHS.

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            Hay una parte de la escena del episodio de TOS en la que Kirk se agarra a una pared de rejilla para elevar las piernas y atenazar el cuello de Khan. Eso lo adaptaron haciendo que Garrovick se agarrase a la rama un árbol. Sin embargo, no todos los movimientos y golpes de la pelea pudieron recrearlos en un mismo lugar. Así que grabaron en distintas localizaciones y luego montaron la escena de manera que pareciese que se desarrollaba en un único sitio.

            Durante el rodaje de los primeros planos de la pelea sólo estaban Jimm, Josh y Clint, así que se iban turnando la cámara en función de quién tuviera que aparecer en escena. Y en los planos en los que salen los tres dejaban la cámara grabando sola en el trípode, sin nadie que la operase. A veces Jimm y Clint se excedían en el ímpetu, y Josh tuvo que parar el rodaje en una ocasión cuando Jimm golpeó realmente a Clint en un ojo con un palo. Por suerte, resultó ileso. Con esta acción los Johnson se permitían explicar porqué el general Chang (Christopher Plummer) aparece con un parche en el ojo en la película Star Trek VI: The Undiscovered Country.

            Uno de los grandes problemas de rodar primero en Minnesota y luego en Texas, a dos mil kilómetros al sur, es que la vegetación y los árboles cambian radicalmente. Además, los planos de Minnesota se grabaron en otoño, cuando las hojas de los árboles de allí estaban amarillas. Mientras que la mayoría de los árboles de Texas son de hoja perenne o no se ponen tan amarillas.

            La transición de los planos de Minnesota a los de Texas la hicieron en la parte en la que Garrovick y Chang caen por una colina rocosa. En un primer plano, Garrovick derriba a Chang y caen colina abajo a través de unos arbustos, de Minnesota a Texas. Y al final de la pelea sucede lo contrario. Hay una transición de Texas a Minnesota. Cuando Garrovick sube corriendo por la colina, Chang le persigue, le golpea, provocando que el fáser del capitán salga volando, y se enzarzan de nuevo en la pelea, volviendo de nuevo a Minnesota.

Christopher Plummer como general Chang (ST VI)

Christopher Plummer como general Chang (ST VI)

Como no tenían la posibilidad de llevar a Clint de Minnesota a Texas para rodar esos planos, tuvieron que buscar a un doble de acción para Chang, por otro lado, algo habitual en TOS. Esa persona fue Tres Churchill que, aunque era más delgado y más alto que Wolf, no se apreciaba demasiado debido a la acción de la pelea. Así que otro de los retos del rodaje fue grabar los planos de manera que nunca se viera claramente la cara de Tres.

A pesar de todos los problemas de continuidad mencionados y de que Garrovick y Chang tienen unos comunicadores en sus cinturones que aparecen y desaparecen según el plano, consiguieron resolver la escena al más puro estilo TOS.

Además, al añadir los nuevos planos, Garrovick se convierte en el verdadero héroe de la película, restando algo de protagonismo a B’fuselek, que también había luchado contra un klingon y un andoriano, y había salvado a Garrovick al disparar con su fáser a la mano de Chang cuando éste apuntaba al capitán.

Josh no vio el montaje final con los planos adicionales hasta el día del estreno. Y se quedó impresionado por el buen acabado que Jimm consiguió dar a esa escena, pues aportaban el ritmo que necesitaba el final de la película.

Los efectos especiales

Agua tintada de sangre andoriana

Agua tintada de sangre andoriana

            Los efectos especiales fuera del entorno digital supusieron un gran reto. Nunca se habían imaginado que los efectos CGI avanzarían tanto en los años siguientes, así que se plantearon hacerlo todo con los medios analógicos de los que disponían.

            Uno de los grandes protagonistas de cualquier película de Star Trek es la nave. En este caso, por el estilo de la producción y por su presupuesto utilizaron maquetas que se podían comprar en jugueterías y tiendas de modelismo. La que usaron para la Exeter fue de unos 46 cm (18 pulgadas), de la marca AMT. La maqueta la personalizaron abriendo numerosos agujeritos cuadrados para simular las ventanas e introduciendo luces. También añadieron unas luces rojas y verdes parpadeantes a ambos lados de la sección del platillo, que alguien tenía que accionar mediante un interruptor de manera manual, ya que no tuvieron tiempo de construir un control autónomo. Igualmente incorporaron unas luces de colores en la parte frontal de las barquillas con un pequeño circuito electrónico que generaba su encendido aleatorio, creando así el efecto del motor de curvatura en funcionamiento, tal y como aparecía en TOS. Todas las luces y el circuito electrónico se alimentaban con baterías alojadas en el interior de la maqueta.

Maqueta de la Exeter

Maqueta de la Exeter

            Para la nave Lexington y la nave klingon usaron maquetas más pequeñas, de unos 15 cm (6 pulgadas), procedentes de un juego de naves espaciales también de la marca AMT. En este caso, para la Lexington añadieron unas luces parpadeantes en las barquillas. Y para decorar todos los modelos usaron las calcomanías estándar que incluían las cajas de las maquetas.

Las maquetas de las naves las grabaron sujetas sobre un trípode y con un fondo de estrellas, que no era más que un fondo negro con pequeños agujeros iluminado por detrás.

            Sin embargo, el gran desafío en lo referente a efectos fue crear los rayos de los fásers, el teletransporte y otros efectos de luces en vivo.

            Idearon una forma de reflejar la luz sobre la lente de la cámara para crear esos efectos con lo que denominaron la “caja de los efectos”. Para ello, se documentaron en una revista de los años setenta donde se explicaba cómo hacer efectos poniendo una lámina de metacrilato en un ángulo de cuarenta y cinco grados respecto al objetivo de la cámara y reflejando luz sobre esa lámina. Este sistema además les evitaba trabajo en la post-producción.

            La “caja de los efectos” funcionaba muy bien para los rayos de los fásers, aunque al grabar tenían que ser muy precisos con la posición de los actores, puesto que debían estar muy quietos y en una posición exacta, por lo que a veces tuvieron que hacer veinte o treinta tomas hasta que el truco saliese bien.

Efectos del fáser

Efectos del fáser

            En la práctica, sólo hicieron en vivo dos efectos de rayos de fáser usando su “caja de los efectos”. Uno de ellos, cuando Garrovick dispara al Lithtor el rayo azul con el fáser. Y el otro cuando Garrovick y Cutty disparan al unísono el fáser al Lithtor, esta vez en color rojo, “en posición de matar”. Sin embargo se encontraron con un grave problema al crear el efecto de los rayos, pues su “caja de los efectos” la habían probado en interior y los planos tenían que rodarlos en exteriores, donde era mucho más difícil controlar la iluminación y compensar la intensa luz solar. Así que, finalmente, Jimm tuvo que añadir el efecto del rayo rojo en post-producción, con ayuda del ordenador.

Para el efecto del teletransporte idearon un sistema que se adaptaba a su “caja de los efectos”. En casa de su madre, los Johnson hicieron una primera prueba llenando el recipiente de la licuadora con agua y purpurina, y removiendo e iluminando la mezcla. Y como el efecto parecía que funcionaba, construyeron un depósito y un soporte, con un adaptador para poder conectar el motor de la licuadora y que se iluminaba por los lados. Todo ello se montaba en el soporte de su “caja de los efectos”, se colocaba una máscara con la silueta de los actores y la luz que atravesaba la máscara incidía sobre la lámina de metacrilato. El efecto era igual que el que se hacía en los años sesenta.

Igualmente, el efecto del campo de fuerza de la puerta del calabozo también se hizo con su “caja de los efectos”, en este caso operada por Josh. Curiosamente, la mesa del decorado donde se suponía que estaban los “verdaderos” controles del campo de fuerza les quedó algo inestable, y tiró dos o tres veces la pared a la que estaba sujeta mientras grababan los planos del calabozo.

El efecto de estática en la imagen (el ruido blanco característico de la señal de vídeo analógica) que aparece en la pantalla cuando Garrovick intenta contactar con Harris está inspirado en algo similar que Jimm vio en el episodio “The Doomsday Machine” de la segunda temporada de TOS. En ese episodio, Kirk está en el control auxiliar de la USS Constellation e intenta ajustar la pantalla, mientras Scotty se halla en la sala de ingeniería.

Efecto del campo de fuerza en el calabozo

Efecto del campo de fuerza en el calabozo

Uno de los pocos efectos prácticos que aparecen en el episodio es la pequeña columna de humo que queda tras ser desintegrado el redshirt, el alférez Ben Halley. Para ello usaron una botella de humo que Jimm compró en una tienda de productos de magia.

Y otro de dichos efectos prácticos es el derrumbamiento del techo del subterráneo, en el cual había dos personas que lanzaban todo tipo de deshechos desde arriba. Este plano lo repitieron dos veces, teniendo que recoger y limpiar todo entre toma y toma.

Para los efectos de apertura y cierre de puertas siempre necesitaban a alguien que se encargase de moverlas de forma manual, pues evidentemente no estaban motorizadas. En el caso de las puertas del turboascensor en las escenas del principio se encargó Nathan Wolf.

Otro de esos detalles que pasan desapercibidos es cuando B’fuselek lanza al espía andoriano por la cascada y se ve un plano del cadáver. En ese plano el agua está teñida de verde simulando sangre del andoriano, pero apenas se aprecia.

 

El montaje

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            Los primeros montajes Jimm los realizó con un equipo analógico S-VHS de VHde edición de vídeo que había en el instituto donde trabajaba. Pero tras las primeras pruebas con ese equipo se dio cuenta de que no estaba consiguiendo el nivel de calidad que habían imaginado. Así que, cuando terminaron de grabar todo el material, incluidos los planos de los efectos y de las maquetas de las naves, las cintas se quedaron almacenadas en una estantería durante dos años.

            En ese transcurso de tiempo Jimm se mudó de Minnesota a Texas y consiguió un trabajo donde tenía a su disposición el software de edición digital Final Cut Pro de Apple, que era justo lo que necesitaba para poder editar el material de la película. Así que cuando pudo compró un ordenador iMac, instaló el Final Cut Pro, y la edición se prolongó durante dos años, aunque realmente sólo dedicó el tiempo necesario durante los tres o cuatro últimos meses, pues el montaje le resultó muy dificultoso. De hecho, la mayor parte del montaje lo hizo durante una semana en la que su esposa Heather se tuvo que marchar a Iowa por motivos de trabajo y se quedó solo en casa. Durante esa semana Jimm casi no salió de casa. Se tiraba todo el día delante de la pantalla hasta altas horas de la noche, dormía cuatro o cinco horas, se levantaba al mediodía y se volvía a sentar otra vez a editar.

Hay un recurso destacable en el montaje que enfatiza la reacción de Cutty cuando comprueba que han desintegrado al alférez Halley. Dicho recurso consiste en hacer un fundido a negro, una pausa, y al volver de negro repetir la reacción de Cutty, pero desde otro ángulo, mediante otro plano, incluso con otra entonación. Jimm tomó la idea prestada del episodio “Miri” de la primera temporada de TOS, donde Spock dice: “¡Las manchas desaparecen!”, repitiendo tras una breve pausa: “Están desapareciendo”.

"Miri"; imagen de ST-TOS

“Miri”; imagen de ST-TOS

Algunos elementos se excluyeron en el montaje final, como la escena en la que D’Agosta encuentra una especie de pequeño anfibio andoriano en una charca y se lo lleva, aunque en los títulos de crédito finales incluyeron una imagen de la criatura, como era habitual en TOS.

Otra escena que planteó problemas y se resolvió en el montaje es cuando B’fuselek sale del turboascensor ayudando a D’Agosta, que es un largo plano secuencia. En realidad había otro plano, pero los actores no paraban de reír y Jimm no pudo usarlo en el montaje. Sin embargo, el plano secuencia funciona.

Como hemos contado antes, Michael Buford se iba a mudar antes de acabar el rodaje, y para poder incluir al personaje al final del episodio se les ocurrió grabar unas frases de Cutty, para montar luego una conversación con Garrovick a través de una pantalla y que pareciese que estaba en otras dependencias de la nave.

Uno de los elementos que se incluyen durante el montaje es la música. Por ejemplo, la melodía que suena durante la travesía de los protagonistas, desde donde son teletransportados al planeta hasta llegar a la puerta de la sede local del gobierno andoriano. Ese tema lo eligió Jimm porque aparece en el episodio “This Side of Paradise” de la primera temporada de TOS, donde suena cuando los protagonistas van caminando por el planeta, y es la música que solían usar siempre en los episodios de TOS para esa misma situación. Dicha travesía acaba cuando avistan la entrada de la sede del gobierno andoriano y Garrovick gasta una broma a B’fuselek comparándola con un hormiguero. Otro toque a lo Kirk que los Johnson quisieron incluir.

Escena eliminada

Escena eliminada

Finalmente, en las navidades de 2001, Jimm enseñó a Josh un primer montaje de la película, y entonces se volvieron a convencer que acabarla era posible. Estudiaron lo que hacía falta para poder acabar y se pusieron como meta el 19 de diciembre de 2002.

Así, algunos planos finalmente tuvieron que grabarlos con una pantalla verde de fondo. La iluminación de estos planos fue un reto, pero hicieron un trabajo decente. Sin embargo, Jimm se encontró con un grave problema durante el montaje. La videocámara handycam que habían usado realizaba una compresión digital de la imagen que creaba un montón de dientes de sierra al realizar el efecto de chroma key, quedando unos horrorosos píxeles verdes en los contornos de los personajes. Finalmente, lo solucionó como pudo y los planos no quedaron mal del todo para la época, aunque Jimm piensa que alguien con experiencia y con un software dedicado habría conseguido un mejor resultado.

 

El estreno mundial

El final del rodaje

El final del rodaje

            Antes de subir la película a Internet, mucha gente ya sabía de la existencia de la película. La gente escribía correos electrónicos a Jimm a través de la página web del proyecto preguntado si la película se estrenaría en la fecha prevista. Uno de ellos fue Eugene “Rod” Roddenberry, hijo de Gene Roddenberry, que contactó con ellos después de que alguien desde Paramount le dijese que echara un vistazo a la página web de Starship Exeter. Todo esto les hizo sentir cierta presión para conseguir estrenar a tiempo.

            Finalmente, el 19 de diciembre de 2002, Jimm subió la película a Internet y envió un correo electrónico informando de su estreno a alrededor de cincuenta personas que habían contactado con él en los meses anteriores interesándose por el proyecto.

            Durante la primera semana tuvo unas nueve o diez mil visitas. Y comenzaron a recibir llamadas de periódicos, programas de radio y otros medios de comunicación. Los dos principales periódicos de Minnesota, el St. Paul Pioneer Press y el Star Tribune, dedicaron extensos reportajes a la película. Finalmente aparecieron en Slashdot, un portal de Internet sobre noticias peculiares. Gracias a ello el número de visitas aumentó de manera exponencial, llegando a las diez mil por hora. Y como consecuencia, el servidor donde se alojaba se colapsó, pues no podía soportar un tráfico tan intenso, con tanta gente intentando acceder a los archivos de cincuenta megas en que se ofrecía la película, así que sus proveedores de servicio de alojamiento de mac.com tuvieron que bloquearlos. Sin embargo, los Johnson encontraron a un fan de Starship Exeter dispuesto a alojar los archivos, y que hizo una gran labor durante mucho tiempo.

Garrovik con la camisa desgarrada a lo Kirk

Garrovik con la camisa desgarrada a lo Kirk

            Los Johnson nunca esperaron generar tamaña repercusión. Creían que la película sólo la verían los más acérrimos a Star Trek, los fanáticos de TOS y los nostálgicos por ese tipo de cosas retro. Sin embargo, el primer mes tuvieron más de cien mil visitas y el número sigue creciendo en la actualidad.

            Algunas revistas y otra gente llegaron a considerar que podía convertirse en una película de culto, aunque también hubo muchas críticas negativas sobre la interpretación de los actores, pero claro, venían de gente que los comparaban con Kirk, Spock y McCoy, con los actores profesionales de Hollywood que los interpretaban. Así que en cierto sentido era un halago, pues eso daba a entender que el acabado de la película era lo suficientemente bueno como para que comenzasen a criticarlos como si se tratase de un verdadero episodio de Star Trek, aludiendo a que “el episodio” estaba bien, pero los actores eran muy malos. Quedaba claro que incluso la gente a la cual no gustó se lo pasó bien, aunque fuese burlándose. De todas formas, la mayoría de los comentarios fueron positivos y del tipo de que era una lástima que la franquicia no hiciera cosas así, o sobre que desde Paramount deberían fijarse en este tipo de cosas para saber lo que realmente quería el público y redirigir la franquicia hacia el camino original.

            Según cuenta Josh, unos años antes del estreno mostró unas fotos de la película a un amigo y él le dijo que seguramente nunca ganarían dinero con ella, pero que cuando la gente la viese, los recordarían como los chicos que hicieron Starship Exeter. Y al final su vaticinio resultó ser de lo más acertado.

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            Debido a la repercusión del proyecto, para Josh hubo momentos en los que una parte de él soñaba con que Paramount los llamaría, porque alguien había oído hablar de ellos, y en un par de semanas estarían en los estudios de Paramount firmando un contrato para producir y dirigir la siguiente película de Star Trek.

            El púbico conectó de esa manera con Starship Exeter por su gran fidelidad al estilo de TOS. Por detalles como desintegrar al redshirt a las primeras de cambio, que el capitán aparezca sin camisa o con la camisa desgarrada a lo Kirk, por el estilo de los decorados y de los efectos, por el monólogo del capitán durante los créditos de inicio, por la broma final a expensas de B’fuselek, por cuando todo se agita y la tripulación se tambalea en los pasillos de la Exeter al ser atacados por la nave klingon, etc… Aun así hay cosas que decepcionaron a los fans, como durante la pelea entre B’fuselek y el espía andoriano, cuando B’fuselek retuerce la antena al espía, que no queda muy realista; o el hecho de que no incluyeran la típica alienígena con la que el capitán se enrolla en el planeta de turno, aunque sí habían planeado incluir a una andoriana sobre la que B’fuselek se sentiría atraído, pero que finalmente no cuajó. Es decir, el episodio incluye esa inmensa cantidad de tópicos de TOS habituales de los fan-films.

            Fuera como fuese, la película es, de principio a fin, el resultado de la pasión, y ha logrado que mucha gente de todo el mundo pase un rato divertido viéndola.

Poster emulando un cómic antiguo

Poster emulando un cómic antiguo

            Comprobando el resultado, los Johnson están convencidos de que Gene Roddenberry aprobaría su película porque han sido fieles a su visión, recuperando muchas cosas de TOS que se habían ido perdiendo a lo largo de la historia de la televisión. Al menos, lo que habían hecho estaba más próximo a esa visión que lo que ofrecían en ese momento desde la franquicia, es decir Star Trek: Enterprise.

            El 19 de diciembre de 2002, la fecha de estreno del episodio, era el día del 34 cumpleaños de Jimm Johnson. Él mismo decidió que fuera así un año antes porque ya habían pasado seis e iniciaban el séptimo, y no quería dedicar más tiempo de su vida a ese proyecto. Así que, tuvieran lo que tuvieran, estrenarían ese día, y nunca más en su vida volverían a trabajar en Starship Exeter. Sin embargo, la repercusión de la película animó a los Johnson a hacer planes para el futuro. Planearon producir dos nuevos episodios a la vez. El primero se titularía “The Mighty Galvanaut” y el segundo “The Atlantis Invaders”. Gracias a su película habían establecido contacto con gente que quería ver más episodios, pero mejor hechos, gente que sabía lo que hacía, como Scott Cummins, Maurice Molyneaux o Dennis Russell Bailey (guionista en TNG). Su plan era embarcarse en una producción mucho más ambiciosa que la primera y que se completaría en un período de tiempo mucho más breve. Finalmente, llegó el segundo episodio, “The Tressaurian Intersection”, cuya consecución costó otros diez años. Pero esa es otra historia.

La gran expansión

Editando los subtítulos

Editando los subtítulos

            Aunque el proyecto Starship Exeter había revolucionado a principios de siglo la forma de hacer fan-films en Estados Unidos, apenas era conocido en España. Una de las principales causas era que no se podía encontrar subtitulado al inglés ni al español. Así que en el verano de 2014, un grupo internacional de fans de habla hispana decidieron que el proyecto podía llegar a un público potencial de millones de espectadores si contara con subtítulos, por lo cual se pusieron a trabajar en ellos con una gran dosis de paciencia y con la ayuda de las aplicaciones gratuitas Jubler (para Mac) y Subtitle Edit (para Windows). Supuso un gran reto realizar primero los subtítulos en inglés, un idioma del cual ninguno del equipo era nativo, para luego hacer una adaptación al español, y sin ser ningún traductor ni subtitulador profesional. Sin embargo, para el primer episodio recibieron la ayuda de Maurice Molyneaux, uno de los máximos responsables de la post-producción del segundo episodio del proyecto, que les facilitó el texto original del guion en inglés. Sin embargo, los subtítulos acabaron quedando almacenados en un disco duro durante un año, hasta octubre de 2015. Ello se debió a que Scott Cummins, el director del segundo episodio, que era quien se encargaba de mantener el canal de YouTube en ese momento, proyectaba subir una versión con mejor calidad de imagen y sonido, y sin cortes, pues hasta el momento la película se había ofrecido en cinco partes, una por cada acto.

Su otra vida reclama a los Johnson

Su otra vida reclama a los Johnson

            Realmente, y en orden cronológico, el equipo de subtitulación primero hizo los subtítulos en inglés para el segundo episodio (de oídas y sin ayuda del guion original), encargándose de su corrección final el propio director, que había comenzado a hacer los subtítulos, pero que desistió por la tediosa labor que suponía. Gracias a los subtítulos en inglés no tardaron en unirse más fans internacionales, publicándose finalmente subtítulos en español, alemán, holandés, portugués y checo, y consiguiéndose por tanto el objetivo de internacionalizar el proyecto.

Una de las reflexiones de la gran repercusión obtenida es el enorme deseo que había por un Star Trek retro, por que alguien hiciese cosas como la que los Johnson habían hecho. Y de hecho así ocurrió. El germen de Starship Exeter obtuvo el relevo con Star Trek: New Voyages / Phase II y otras muchas producciones de calidad similar que vinieron después, durante la Era Dorada de los fan-films, lo cual finalmente incitaría a Paramount a revitalizar la franquicia original en 2009 con un nuevo largometraje de Kirk, Spock, McCoy y compañía. Pero, una vez más, eso es otra historia.

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Starship Exeter: The Savage Empire

Dirección: Josh Johnson, Jimm Johnson. Producción: Exeter Studio. Productor: Josh Johnson. Productor ejecutivo: Jimm Johnson. Guion: Jimm Johnson, Josh Johnson. Música: temas originales de TOSFotografía: Steve Anderson, Jimm Johnson, Josh Johnson, Jeff Lynk, Joel Sarchet, Mark Svara. Decorados: Jimm Johnson, Josh Johnson, Joel Sarchet, Jeff Lynk. Montaje: Jimm Johnson. Efectos ópticos: Jimm Johnson. Maquillaje: Jeff Lynk, Josh Johnson, Jimm Johnson. Vestuario: Jimm Johnson. Intérpretes: James Culhane [i.e. Jimm Johnson] (capitán John Quincy “Quince” Garrovicks), Joshua Caleb [i.e. Joshua Johnson] (oficial de comunicaciones, teniente andoriano B’fuselek), Michael Buford (jefe de seguridad, comandante Paul Cutty), Holly Guess (oficial científica jefe, comandante Jo Harris), Patrick Scullin (teniente Joseph “Joe” D’Agosta, de Seguridad), Keith St. Louis (gobernador andoriano Kinthmus, líder de la hermandad Tri’Leth), “Clint” Nathan Wolf (comandante klingon Chang), Brian Peter (andoriano, agente Número Siete), Ben Hazen (alférez Benjamin “Ben” Halley, de Seguridad), Mark Svara (oficial auxiliar de comunicaciones, alférez Marcus Hummel), Ian McLean (senador andoriano Therin), Richard Lamanchikafka (comodoro Jennings), Kegan Bader (teniente klingon), Jeff Lynx (klingon, Agente Número Seis), Jesse Johnson (guardia klingon), Clark Jones (oficial científico auxiliar, teniente Charles Watkins), Rolf Anderson (ingeniero USS Exeter), Charles Hackett (tripulante USS Exeter), Chris Cahoon (tripulante USS Exeter), Andy Heimstead (tripulante USS Exeter). Nacionalidad y año: Estados Unidos 2002. Duración y datos técnicos: 35 min. Color 1.33:1.

 

Agradecimientos: Fernando Martínez

 

Algunas direcciones de interés:

* Web oficial:

http://www.starshipexeter.com/

* Episodio 1: “The Savage Empire”

* Episodio 2: “The Tressaurian Intersection”

* “Making of The Savage Empire”, de Joel Sarchet

* Versión comentada por Jimm y Josh Johnson de “The Savage Empire”

* Antiguas web del Proyecto Starship Exeter:

http://web.archive.org/web/20120531064348/http://homepage.mac.com/starshipexeter/

http://web.archive.org/web/20080527194625fw_/http://homepage.mac.com/starshipexeter/exeterstudio/

 

 

[1] Herbert Solow y Robert H. Justman. New York: Pocket Books, 1996.

[2] Stephen Whitfield y Gene Roddenberry. New York: Ballantine Books, 1970.

[3] Franz Joseph. New York: Ballantine Books, 1975.

Rogue One: Una historia de Star Wars (Rogue One: A Star Wars Story) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno on 20 diciembre, 2016 by belakarloff

La pequeña Jyn Erso ha de huir cuando soldados del Imperio van a por sus padres. Cuando ya es mayor toma contacto con los rebeldes, y poco a poco se va implicando a la lucha contra los opresores.

Dirección: Gareth Edwards. Producción: Lucasfilm, Allison Shearmur Productions, Black Hangar Studios, Stereo D, Walt Disney Studios Motion Pictures. Productores: Simon Emanuel, Kathleen Kennedy, Allison Shearmur. Co-productores: Kiri Hart, John Swartz, Susan Towner. Productores ejecutivos: John Knoll, Jason D. McGatlin. Productor asociado: Toby Hefferman. Guion: Chris Weitz, Tony Gilroy, según argumento de John Knoll, Gary Whitta, basado en los personajes creados por George Lucas. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Greig Fraser. Diseño de producción: Doug Chiang, Neil Lamont. Montaje: John Gilroy, Colin Goudie, Jabez Olssen, Stuart Baird. Efectos especiales: Blind, Hybride Technologies, Industrial Light & Magic. Intérpretes: Felicity Jones (Jyn Erso), Diego Luna (Cassian Andor), Alan Tudyk (K-2SO), Donnie Yen (Chirrut Îmwe), Wen Jiang (Baze Malbus), Ben Mendelsohn (Orson Krennic), Forest Whitaker (Saw Gerrera), Riz Ahmed (Bodhi Rook), Mads Mikkelsen (Galen Erso), Jimmy Smits (Bail Organa), Alistair Petrie (general Draven), Genevieve O’Reilly (Mon Mothma), Ben Daniels (general Merrick), Paul Kasey (almirante Raddus), Stephen Stanton (almirante Raddus, voz), James Earl Jones (Darth Vader, voz), Ingvild Deila (princesa Leia), Guy Henry (Grand Moff Tarkin), Daniel Naprous (Darth Vader), Spencer Wilding (Darth Vader), Anthony Daniels (C-3PO), Ian McElhinney, Fares Fares, Jonathan Aris, Sharon Duncan-Brewster, Valene Kane, Beau Gadsdon, Dolly Gadsdon, Duncan Pow, Jordan Stephens, Babou Ceesay, Aidan Cook, Daniel Mays, Andy de la Tour, Tony Pitts, Martin Gordon, Eric MacLennan, Robin Pearce, Francis Magee, Bronson Webb, Geraldine James, Ariyon Bakare, Simon Farnaby, Drewe Henley, Angus MacInnes, Gabby Wong, Richard Glover, Toby Hefferman, Richard Cunningham… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 134 min. Color 2.35:1.

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Falto de Fuerza

Cuando George Lucas escribió y dirigió La guerra de las galaxias / Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza (Star Wars / Star Wars: Episode IV – A New Hope, 1977) recurrió a un par de detalles insignificantes como telón de fondo para su historia, o para hacer avanzar los sucesos. Dentro de su torpeza como artista, tenía el suficiente conocimiento de esos trucos para hacer progresar una aventura que se centra en los acontecimientos, en la progresión dramática. Ahora, casi cuarenta años después, se construye esta película a modo de precuela para explicar algo que, realmente, no es necesario. Salvando las distancias, me recuerda a otra película, El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 2007), de James Mangold, remake sobre-explicado de la soberbia El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 1957), de Delmer Daves, donde lo que en esta se recurre a la elipsis para eludir detalles insignificantes, en la nueva versión estos se magnifican, estirando la historia sin sentido y rehuyendo el desarrollo de personajes.

Rogue One: A Star Wars Story L to R: (Felicity Jones) & (Diego Luna) Ph: Film Frame ©Lucasfilm LFL

No sé yo si, en algún momento, podremos conocer cómo era la película originalmente. Tres meses después de finalizado el rodaje se volvió a filmar escenas adicionales durante más de un mes, y se contó con el montador Stuart Baird para intentar de conferir “algo” al resultado, pues los productores no quedaron contentos con el resultado inicial. Sea como fuere, lo que hemos visto en pantalla es lo único que podemos juzgar, y no puede sino considerarse un desastre.

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Parece que va siendo norma en el más reciente cine de género esos guiones deslavazados, carentes de coherencia y hasta de un mínimo de profesionalidad. Así, la primera hora es un auténtico desbarajuste, con constantes saltos de situaciones, localizaciones y personajes, acumulando un batiburrillo inconexo y que hace que te desconectes de lo que se está narrando. Puede que ello sea debido al caótico montaje, pero, sea como fuere, el resultado es que uno se despreocupa de la película. A ello tampoco ayuda una gran cantidad de personajes, casi ninguno de ellos con verdadera entidad y/o interés.

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En el aspecto positivo, resaltemos el de Cassian Andor, que aporta matices gracias a la habilidad interpretativa de su intérprete, el mexicano Diego Luna; o el robot K-2SO, que muestra una preciosidad de diseño y, aunque muchas de sus salidas humorísticas carezcan de gracia –como las de los demás personajes, incapacidad obvia para los diálogos por parte de los libretistas–, transmite una “personalidad” curiosa y chocante. En el lado negativo diríase que tenemos al resto de los personajes, aunque matrícula de honor, en ese sentido, a Chirrut Îmwe, especie de pseudo-jedi, que hace que la filosofía de George Lucas semeje de la complejidad de Aristóteles o Schopenhauer en vista de las necedades que aquél constantemente repite. Por cierto que su paseo a través de las balas semeja copiado al del personaje indio de la película Pequeño Gran Hombre (Little Big Man, 1970), de Arthur Penn. ¿Casualidad, homenaje, o directamente plagio?

Rogue One: A Star Wars Story (Donnie Yen) Ph: Film Frame ©Lucasfilm LFL

El director elegido, por lo demás, no parece el más adecuado para un film de estas características. Ya con anterioridad Gareth Edwards demostró su acercamiento esquivo al cine fantástico con las muy flojas Monsters (Monsters, 2010) y Godzilla (Godzilla, 2014). Una película que ha de transmitir dinamismo, emoción e implicación como la presente no parece la más adecuada para un director que semeja más interesado en narrar la conversación de dos personajes en torno a la mesa de una cocina mientras, fuera, llega el fin del mundo; Gareth no estaría interesado en el fin del mundo, ni siquiera en los personajes, sino en el juego “intelectual” de acercarse a esos planteamientos desde esa perspectiva soslayada. Así pues, una película de aventuras, directamente, se le va de las manos. Es muy posible que por ello haya que haber hecho esas reescrituras y nuevos rodajes.

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El resultado, como se dijo al inicio, es un absoluto desastre, de un aburrimiento inaudito, con una oscuridad pueril, que se transmite visualmente a un tratamiento fotográfico donde parece que ha habido un apagón en el estudio, una verborrea interminable que nada aporta, un clímax que parece copiado de una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial en la zona del Pacífico, muchas escenas que parecen remedos de otras aparecidas en La guerra de las galaxias y El imperio contraataca / Star Wars: Episodio V – El imperio contraataca (Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back, 1980)…

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La idea de rodar spin-offs de Star Wars, a mi juicio, era muy interesante: es este un universo tan amplio que da para narra muchas historias. Pero, con todas las opciones que había, ¿para qué narrar algo que, en realidad, no era preciso? Todo un universo por explorar y se quedan en esto… Dejemos para el final la patética aparición de Peter Cushing. Lo más fácil hubiera sido tomar imágenes del film original de Lucas y animar digitalmente solo la boca para ajustarlo a los nuevos diálogos; en su lugar, se recrea digitalmente al actor en su integridad, semejando un muñeco muy bien hecho de los que compras en las tiendas de merchandising, pero que muestra un rostro impasible e inexpresivo donde solo se anima una boca, impulsada por unos diálogos que en nada se parecen a la voz original del actor.

Tanto esfuerzo para tamaña inutilidad…

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Anécdotas

  • La película se ambienta unos días antes de lo que acontece en La guerra de las galaxias (1977) y cinco años después de lo que sale en la serie de animación Star Wars Rebels (2014).
  • Para el papel protagonista masculino fueron considerados Aaron Paul, Edgar Ramírez y Sam Claflin.
  • Rodada con un presupuesto estimado de doscientos millones de dólares.
  • Filmada originalmente entre el 8 de agosto de 2015 y el 11 de febrero de 2016; después, hubo nuevas filmaciones entre el 7 de junio y el 12 de julio de 2016.
  • Estrenada en Estados Unidos en premier el 10 de diciembre de 2016. En España se estrenó el 15 de diciembre, y en Estados Unidos el 16 de forma masiva.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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