La muerte llama a la puerta (Games) (1967)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 26 septiembre, 2016 by belakarloff

El joven matrimonio Montgomery, formado por la bella y millonaria Jennifer y el simpático Paul, suele obsequiar a sus amistades con fiestas donde imperan juegos de una ligera componente macabra. Cuando una vendedora de cosméticos que visita la casa se siente ligeramente indispuesta, el alojamiento momentáneo que le otorgan se va prolongando, al mismo tiempo que la mujer va involucrando a la pareja en juegos cada vez más tétricos…

Dirección: Curtis Harrington. Productor: George Edwards. Productor asociado: John W. Hyde. Producción: Universal Pictures. Guion: Gene R. Kearney, según argumento de George Edwards, Curtis Harrington. Fotografía: William A. Fraker. Música: Samuel Matlovsky. Montaje: Douglas Stewart. Dirección artística: William D. DeCinces, Alexander Golitzen. Intérpretes: Simone Signoret (Lisa Schindler), James Caan (Paul Montgomery), Katharine Ross (Jennifer Montgomery), Don Stroud (Norman), Kent Smith (Harry Gordon), Estelle Winwood (Miss Beattie), Marjorie Bennett (Nora), Ian Wolfe (Dr. Edwards), Anthony Eustrel (Winthrop), Eloise Hardt (Celia), George Furth (Terry), Peter Brocco   (Conde), William O’Connell, Ena Hartman, Joanne Medley, Jeff Scott, Carmen Phillips, Eddra Gale, Rachel Rosenthal, Luana Anders, Robert Aiken, Max Lewin, Florence Marly… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1967. Duración y datos técnicos: 100 min. color 2.35:1.

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Curtis Harrington (1926-2007) fue un interesante director muy aficionado al cine desde joven[1]; su cortometraje The Fall of the House of Usher, dirigido en 1942 con quince años, suele ser citado a menudo en muchos libros sobre cine de terror. Su primera película profesional fue la fascinante Night Tide [tv/dvd: Marea nocturna, 1961], y supuso el inicio de su relación con Roger Corman, para quien dirigió otras dos películas, Voyage to the Prehistoric Planet (1965), con el seudónimo de John Sebastian, y que no era sino un remontaje del film soviético El planeta de las tormentas (Planeta Bur, 1962), de Pavel Klushantsev, y la mítica Queen of Blood [tv/dvd: Planeta sangriento, 1966]. Tras dirigir ese mismo año dos episodios de la serie The Legend of Jesse James, fue captado por una gran productora como es la Universal para dirigir este Games (“Juegos” es la traducción del sugerente título original, mucho más seductor que la vulgar traducción española). No es el momento ahora y aquí para analizar su posterior carrera, y cómo tras estos prometedores inicios terminó dirigiendo episodios de series televisivas como Hotel, Dinastía o Los Colby.

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El mayor problema de la presente película estriba en el protagonismo de Simone Signoret. No porque haga una mala interpretación, de hecho resulta cautivante, sino porque su mera presencia pone la mosca tras la oreja al cinéfilo experimentado, pues le remite directamente a otra película centrada en un triángulo amoroso como fue la emblemática Las diabólicas (Les diaboliques, 1955) de Henri-Georges Clouzot. De hecho, Harrington concibió el papel para Marlene Dietrich (de ahí el nombre alemán del personaje), que sin duda hubiera dado otro matiz a su personaje.

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No cabe duda que, ante la oportunidad de saltar a la gran industria, Harrington se tomó con verdadero interés la presente película, que se percibe con una planificación estudiada a fondo, donde los planos se interrelacionan por medio de fundidos y encadenados, y con un diseño de producción muy trabajado potenciado con una ambientación antológica servida por una colorida fotografía de William A. Fraker, que en ocasiones puede recordar al Mario Bava de Las tres caras del miedo (I tre volti della paura, 1963). De hecho, mirada a fondo, la historia de la presente, así como su tratamiento, podría semejar una especie de mezcla entre dos de los tres episodios de la película del maestro italiano (eliminando Los vurdalak).

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El título original deja bien a las claras el contenido de la película, donde tres personajes (amén de un cuarto, un excelente Don Stroud) se implican en una serie de juegos macabros que, en un inicio, semejan anodinos, pero que de un modo paulatino van derivando hacia situaciones cada vez más peligrosas. Ese juego que se establece entre los personajes, a su vez, se ve reflejado hacia el propio espectador. Y es que Games pretende ser un juego con el público, no busca ser una película realista, y el propio artificio de su puesta en escena lo deja a las claras. Así, el arranque con la fiesta en la cual los protagonistas realizan experimentos con la electricidad, y esa misa negra con máscaras que interrumpe el abogado, son buen ejemplo de esa teatralidad que se transmite al resto del film, o la propia interpretación de Signoret, mística y afectada, pero al tiempo plausible dentro del entorno de la película.

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Leyendo la sinopsis puede ser que a un futuro espectador decepcione a partir de todas las implicaciones que podría tener un planteamiento así llevado bien lejos. De todos modos, hay que tener presente el tono lúdico del planteamiento y, sobre todo, la fecha de producción del film, 1967, cuando todavía imperaba en no poco la censura en la industria cinematográfica norteamericana. Pienso que un remake actual de Games por parte de Roman Polanski, por ejemplo, podría dar mucho juego, y nunca mejor dicho, pero distorsionando en no poco los planteamientos.

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Anécdotas

  • Título en México: La muerte toca la puerta.
  • El año 1969 la película fue candidata a un premio BAFTA en la categoría de mejor actriz de reparto (S. Signoret).
  • El papel de Lisa Schindler estaba destinado a Marlene Dietrich, pero los productores la vetaron y en su lugar eligieron a Signoret.
  • Estreno en Estados Unidos: 17 de septiembre de 1967. Estreno en España: 14 de abril de 1968, en Madrid, en los cines Carlos III, Consulado, Princesa, Regio y Roxy A. Previamente, en octubre de 1967 fue exhibida en la Semana Cine en Color de Barcelona.

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Bibliografía

ELLSON, Hal: La muerte llama a su puerta: basado en el guión de cine de Gene Kearney. Barcelona: Géminis, 1968. Colección: Cine Club. Traducción de Games (1967). [Novelización].

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] También fue crítico; en 1948 escribió un libro sobre Josef von Sternberg. Fue la fuerza motora que ayudó a localizar el film “desaparecido” El caserón de las sombras (The Old Dark House, 1932) de James Whale, y sirvió de asesor en la película Dioses y monstruos (Gods and Monsters, 1998), de Bill Condon.

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Estrenos fantásticos: 23-9-2016

Posted in Cine, Noticias, Terror on 23 septiembre, 2016 by belakarloff

Baskin (Baskin)

Basada en su exitoso cortometraje, Can Evrenol dirige esta aterradora película que sigue a dos policías turcos que, tras investigar una llamada de socorro, se topan con una misa negra practicada por una misteriosa secta.

  • Fecha de estreno: 23 de septiembre de 2016.
  • Director: Can Evrenol.
  • Actores: Mehmet Cerrahoglu, Muharrem Bayrak, Gorkem Kasal, Ergun Kuyucu, Fatih Dokgöz, Sabahattin Yakut, Berat Efe Parlar.
  • Nacionalidad y año de producción: EE.UU., Turquía, 2015.

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Estrenos fantásticos: 16-9-2016

Posted in Animación, Ciencia ficción, Cine, Fantasía, Noticias on 16 septiembre, 2016 by belakarloff

El pincel mágico (The Magic Brush)

Cinta de animación que adapta para los más pequeños un tradicional cuento chino, el de Ma Liang, un niño al que le encanta dibujar, pero que nunca pudo aprender el arte de pintar. Un pincel mágico le dará el poder de que sus creaciones cobren vida.

  • Fecha de estreno: 16 de septiembre de 2016
  • Director: Zhixing Zhong.
  • Actores: Haitian Hong, Xianglong Meng y Shao Yichen.
  • Nacionalidad y año de producción: China, 2016

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Morgan (Morgan)

Ópera prima de Luke Scott, hijo de Ridley Scott, que convierte a Kate Mara en una especialista en inteligencia artificial que, después de que el experimento de una empresa tecnológica se descontrole, tendrá que decidir si éste vive o es destruido.

  • Fecha de estreno: 16 de septiembre de 2016
  • Director: Luke Scott.
  • Actores: Kate Mara, Anya Taylor-Joy, Rose Leslie, Toby Jones, Michelle Yeoh, Brian Cox y Jennifer Jason Leigh.
  • Nacionalidad y año de producción: EE.UU., 2016

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Kubo y las dos cuerdas mágicas (Kubo and the Two Strings) (2016)

Posted in Animación, Cine, Crítica, Fantasía on 16 septiembre, 2016 by belakarloff

En el antiguo Japón, Kubo cuida de su madre enferma mientras se gana la vida como cuentacuentos y juglar, maravillando a sus vecinos con sus historias y sus figuras de origami animadas. Su vida transcurre plácidamente hasta que reaparece un espíritu del pasado que pondrá en peligro su vida. Para salvarse deberá encontrar la armadura de Hanzo, su padre fallecido.

Dirección: Travis Knight. Productores: Travis Knight, Arianne Sutner. Guion: Marc Haimes, Chris Butler, según una historia de Shannon Tindle y Marc Haimes. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Frank Passingham. Montaje: Christopher Murrie. Supervisor de efectos visuales: Steve Emerson. Intérpretes: Animación, con las voces (en la VO) de Charlize Theron (Mona), Art Parkinson (Kubo), Ralph Fiennes (Rey Luna), Matthew McConaughey (Escarabajo), George Takei (Hosato), Cary-Hiroyuki Tagawa (Hashi), Brenda Vaccaro (Kameyo), Rooney Mara (las hermanas), Meyrick Murphy (Mari), Minae Noji (Minae), Alpha Takahashi, Laura Miro, Ken Takemoto, Aaron Aoki, Luke Donaldson, Michael Sun Lee, Cary Y. Mizobe, Rachel Morihiro, Thomas Isao Morinaka, Saemi Nakamura, Zachary Alexander Rice, Mariel Sheets… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 101 min. Color 2:35:1.

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Magia y stop motion en el antiguo Japón

Ya desde su arranque Kubo y las dos cuerdas mágicas anuncia su carácter propio, dominado por una estética preciosista y un tono de fantasía oscura, sin renunciar por ello a contar una historia para todos los públicos; simplemente presupone la madurez suficiente para entender y disfrutar este filme.

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Así, la película concede bastante crédito al espectador proponiendo una trama oscura y sombría por momentos, trágica a veces, pero también cómica y épica, recorriendo un espectro pleno de emociones: amor, responsabilidad, madurez, heroísmo, sacrificio y redención.

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La historia se enmarca en arquetipos clásicos del género (el enfrentamiento entre el bien y el mal o la búsqueda), los cuales conforman el grueso de la acción (1), si bien el discurrir dramático se centra en la odisea personal. Así, no se trata de salvar el mundo sino de la salvación de Kubo, no es el enfrentamiento entre oscuridad y luz, sino la contraposición del mundo mágico con el humano y, de hecho, dos formas antagónicas de ver el destino del personaje principal (2), todo ello sin un ápice de maniqueísmo.

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No obstante, se puede achacar al guion cierta falta de estructura y consistencia, funcionando mediante set pieces y elipsis, a veces forzadas, que resienten el ritmo de la película. No todas resultan igualmente brillantes, a pesar de la habilidosa dirección de Travis Knight, que enriquece constantemente la narración con pequeños detalles. A lo que en absoluto se puede poner una pega es al diseño de producción, caracterización y animación de los personajes.

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Kubo y las dos cuerdas mágicas ofrece una excelencia artística basada en una acertada combinación de stop motion con renderizados por ordenador, dotando a la imagen una personalidad muy acusada, sin que afecte para nada a la expresividad de los personajes o la capacidad para crear imágenes poderosas y hermosas, baste citar el lenguaje corporal de Mona y Escarabajo, el rostro de Kubo o momentos como la tormenta inicial, la aparición de las dos tías -terrorífica- o ese set piece espectacular del esqueleto gigante.

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A ello se añade una recreación maravillosa de la cultura material del Japón feudal, así como de su ambiente idealizado, perfectamente incorporados en la narración. El primer tercio que transcurre en la aldea, con sus ritos y costumbres o la animación del mercado, son una buena muestra de ello. Más allá de sus indudables cualidades narrativas, la película por su aspecto visual ya merece nuestro tiempo.

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En su conjunto, la película que nos propone Laika Studios de la mano de su máximo responsable, Travis Knight, se convierte una reivindicación de un cine artesanal, totalmente alejado del mainstream (3) y cómo no ver en la impresionante secuencia, ya citada, del esqueleto gigante toda una declaración de intenciones. No sólo es la figura animada más grande diseñada hasta ahora (4), sino que es imposible ver un esqueleto animado por stop motion y no pensar en Ray Harryhausen, máximo exponente del artesano-artista. Por mucho que esa criatura esté basada en el gashadokuro japonés, no puede tratarse de una coincidencia. Como tampoco lo es la profesión del personaje principal, un contador de historias, otro elemento meta-narrativo que no hace más que enriquecer la propuesta de Kubo y las dos cuerdas mágicas.

El resultado final es notable y satisfactorio en todos los niveles en los que opera. Muy recomendable.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: Kubo y la búsqueda del samurai.
  • Con 101 minutos de duración, es la película de stop motion más larga rodada hasta ahora; supera en un minuto a Coraline (Coraline, 2009), también de Laika Studios.
  • Es el debut en la dirección de Trevor Knight, presidente del estudio.
  • La secuencia de la barca tardó en rodarse diecinueve meses.
  • El presupuesto estimado del film es de sesenta millones de dólares.
  • Estrenada en Estados Unidos el 19 de agosto de 2016. En España se ha estrenado el 26 de agosto.

 

Miguel Valle (Madrid. España)

Notas:

  1. De hecho, la anécdota, la aventura en sí, es lo más débil del filme por la falta de articulación entre cada hito de la búsqueda, aunque contenga algunos set pieces
  2. De hecho, las motivaciones del antagonista de Kubo, el Rey Luna, recuerdan poderosamente a las de la bruja Maca en otra reciente y estupenda cinta de animación, La canción del mar (Song of the Sea, 2015), de Tomm Moore.
  3. Las declaraciones del director de Laika Studios son palmarias: no creen en las secuelas y continuaciones. Quieren crear películas únicas. Su ritmo de producción -cuatro películas en su haber- dan fe de ello.
  4. El gashadokuro diseñado para Kubo y las dos cuerdas mágicas mide cerca de cinco metros. En los títulos de crédito aparece una secuencia a modo de documental sobre la animación de este gigante.

Estrenos fantásticos: 9-9-2016

Posted in Fantasía, Noticias on 13 septiembre, 2016 by belakarloff

El principito (The Little Prince / Le Petit Prince) (2015)

Mark Osborne se aleja temporalmente de la saga Kung Fu Panda para dirigir esta cinta que mezcla animación 3D y stop motion y que adapta libremente el clásico de la literatura infantil de Antoine de Saint-Exupery.

  • Fecha de estreno: 9 de septiembre de 2016
  • Director: Mark Osborne.
  • Actores: Jeff Bridges, Rachel McAdams, Paul Rudd, Marion Cotillard, James Franco, Benicio del Toro, Ricky Gervais, Paul Giamatti, Vincent Cassel.
  • Nacionalidad y año de producción: Francia, 2015

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Peter y el dragón (Pete’s Dragon) (2016)

Posted in Cine, Crítica, Fantasía on 12 septiembre, 2016 by belakarloff

Peter es un niño que vive en el bosque con su único amigo, Elliot, un enorme dragón capaz de volverse invisible.

Dirección: David Lowery. Producción: Walt Disney Productions. Productor: James Whitaker. Co-productor: Adam Borba. Productor ejecutivo: Barrie M. Osborne. Guion: David Lowery, Toby Halbrooks, basado en el guion de Malcolm Marmorstein, según la historia de Seton I. Miller y S. S. Field. Música: Daniel Hart. Fotografía: Bojan Bazelli. Montaje: Lisa Zeno Churgin. Diseño de producción: Jade Healy. Efectos especiales: Crafty Apes, Double Negative, Exceptional Minds, Legend3D, Peerless Camera Company, Proof, Weta Digital. Intérpretes: Bryce Dallas Howard (Grace), Robert Redford (Meachan), Oakes Fegley (Peter), Oona Laurence (Natalie), Wes Bentley (Jack), Karl Urban (Gavin), Isiah Whitlock Jr. (sheriff Gene Dentler), Marcus Henderson (Woodrow), Aaron Jackson (Abner), Phil Grieve (Bobby), Steve Barr, Keagan Carr Fransch, Jade Valour, Augustine Frizzell, Francis Biggs, Jasper Putt, Esmée Myers, Gareth Reeves, Levi Alexander, Jim McLarty, Brandie Stephens… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 103 min. Color 2:35:1 2D – 3D.

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Melancolía y una pizca de sense of wonder

Peter y el dragón es otra revisión de un clásico Disney, esta vez una película relativamente menor como Pedro y el dragón Elliot (Pete’s Dragon, 1977), pero que, gracias a la voluntad, planteamiento y visión de su director y guionista, posee una personalidad y voz propias que la alejan del blockbuster infantil veraniego habitual.

Esta apuesta de David Lowery, evitar un calco de la original, es posiblemente su mayor virtud y, a mi juicio, también su mayor debilidad.

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Lowery propone una historia demasiado anclada en la melancolía, rozando la tragedia, lo que le lleva a obviar chistes o gags fáciles para el público infantiloide -algo de agradecer-, pero también juega en contra de la vitalidad del relato, lo que debilita en cierto modo el sentido de la maravilla que debería impregnar la película y que persigue en determinados momentos.

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Un arranque, diríase que, inspirado en El libro de la selva, sitúa inmediatamente al espectador ante la tragedia y la pérdida; sensaciones que difícilmente podrá olvidar ya a lo largo del resto de metraje (1) y que debilitan especialmente el segmento siguiente donde se nos muestra la vida cotidiana de Peter en el bosque junto a su dragón, Elliot (2). Es difícil lograr una exaltación vitalista completa después del comienzo planteado, por lo que la sensación de maravilla -ese dragón tan bien recreado (3)- queda bastante atenuada.

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La esencia de la historia, más que la amistad entre Elliot y Peter, es el reencuentro con el amor humano, con la familia perdida -representado por Grace, Meacham, Jack y Natalie, dos familias incompletas que aspiran a completarse mediante la boda de Grace y Jack (4)-, y ya mucho más tangencialmente la irrupción del dragón -lo maravilloso en lo cotidiano-, aunque finalmente termina acaparando toda la atención, como no puede ser de otro modo, pero siempre con la sordina puesta, atenuando la sensación de maravilla, como si el director no quisiera que los fuegos de artificio desviaran la atención de los personajes principales.

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Para ello se apoya en un excelente reparto con Robert Redford a la cabeza, quien imprime sabiduría y cariño a cada momento; Bryce Dallas Howard, atrevida, maternal y completamente normal (5), y por supuesto los dos niños: Oakes Fegley, quien ofrece una acertada imagen de enfant sauvage, y Oona Laurence. Les secundan Wes Bentley y Karl Urban como dos hermanos de caracteres y objetivos contrapuestos, con su propia historia particular sabiamente esbozada y resuelta por el director.

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De hecho, es destacable cómo la película resuelve tramas secundarias y cierra los conflictos -el más evidente, el existente entre los hermanos- de una manera eficaz, concisa y sin digresiones innecesarias. Una muestra más de lo trabajado del filme.

Bryce Dallas Howard is Grace and Robert Redford is Mr. Meacham in Disney's PETE'S DRAGON, the adventure of a boy named Pete and his best friend Elliot, who just happens to be a dragon.

 

Trabajo que se refleja igualmente en el ritmo, tono, música y puesta en escena, así como el uso de la voz en off. Todo remite a una balada nostálgica sobre las leyendas del bosque, desde las canciones con decidido aire folk a la propia ambientación: un pueblo maderero al norte, perdido en las montañas, en una época pasada (6). Así como una dirección pausada, sin alardes estilísticos, con el plano medio y general dominando sobre el plano corto y especialmente sobre el acelerado -el ojo puede reposar en esta película-.

Oakes Fegley is Pete and Oona Laurence is Natalie in Disney's PETE'S DRAGON, the story of a boy named Pete and his best friend Elliot, who just happens to be a dragon.

 

Peter y el dragón es una película notablemente bien hecha, con una idea muy clara de lo que quiere contar, un tono pensado y una puesta en escena acorde, que si no termina de extraer toda la potencia de sus imágenes e ideas es precisamente por mantenerse fiel a sí misma.

No obstante, esa coherencia lleva a proponer un filme diferente, con un inusitado respeto por el espectador, incluidos los más jóvenes -su público potencial- a los que considera aptos para una historia melancólica.

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Anécdotas

  • Karl Urban reemplazó a Michael C. Hall.
  • El director menciona que, más que un remake, busca que su film sea una “reinvención”, y que tenga entidad propia. Como inspiración artística y visual se revisó las siguientes películas: El corcel negro (1979), Yume to kyôki no ôkoku (2013), Mi vecino Totoro (1988), El viaje de Chihiro (2001) y La bruja: Una leyenda de Nueva Inglaterra (2015).
  • En la versión original, el niño protagonista se llama Pete. En la española le han convertido en Peter.
  • Remake de Pedro y el dragón Elliot (Pete’s Dragon, 1977), de Don Chaffey.
  • Estrenada en Estados Unidos el 12 de agosto de 2016. En España se estrenó el 19 de agosto.

 

Miguel Valle (Madrid. España)

Notas:

  1. Un viaje bruscamente abortado por un accidente de tráfico, un niño perdido en el bosque y la aparición aterradora del dragón son elementos claramente diferenciadores respecto de la original, que arranca in media res con la relación entre ambos personajes ya establecida y sin necesidad de explicar la orfandad del protagonista.
  2. De igual modo, el origen del nombre de Elliot y el vínculo emocional con el pasado que representa vuelven a apuntar hacia la melancolía de la pérdida.
  3. Aunque se le podría reprochar su comportamiento excesivamente perruno, que reduce la majestuosidad normalmente asociada a esta criatura. El director y los diseñadores han optado por una visión acogedora, leal y protectora -en consonancia con la idea perseguida-.
  4. A pesar del tono de la película, son fácilmente identificables algunas constantes Disney como la orfandad del protagonista o el peso de la familia, si bien tratada de una manera nada melosa, otro punto a favor del filme.
  5. Muy alejada de los cánones de belleza actuales, algunos dirían que está gorda.
  6. Deliberadamente se prescinde de cualquier elemento tecnológico que corresponda a nuestra época -móviles, ordenadores, internet-, pudiendo ubicar la acción en la década de los setenta o principios de los ochenta del siglo XX.

The Curse of the Mummy’s Tomb [vd/tv/dvd: La maldición de la momia] (1964)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 8 septiembre, 2016 by belakarloff

1900. El millonario norteamericano Alexander King se ofrece como financiador para transportar los tesoros de la tumba del príncipe egipcio Ra a cambio de explotarlo como un espectáculo. Pero la momia resucitará y se dedicará a masacrar a aquellos que profanaron su tumba.

Dirección: Michael Carreras. Producción: Hammer Film Productions, Swallow Productions Ltd. Productor: Michael Carreras. Productor asociado: William Hill. Guion: Henry Younger [Michael Carreras]. Fotografía: Otto Heller. Música: Carlo Martelli. Montaje: Eric Boyd-Perkins. Diseño de producción: Bernard Robinson. Efectos especiales: Roy Ashton (maquillaje). Intérpretes: Terence Morgan (Adam Beauchamp / Re, hijo menor de Ramsés VIII), Ronald Howard (John Bray), Fred Clark (Alexander King), Jeanne Roland (Annette Dubois), George Pastell (Hashmi Bey), Jack Gwillim (Sir Giles Dalrymple), John Paul (inspector Mackenzie), Dickie Owen (la momia, Ra-Antef), Jill Mai Meredith (Jenny, la doncella), Michael Ripper (Achmed), Michael McStay (Ra-Antef), Harold Goodwin, Jimmy Gardner, Vernon Smythe, Marianne Stone, Olga Dickie, Nora Gordon, Pat Gorman, George Leech, Eddie Powell, Bernard Rebel, Roy Stewart, Larry Taylor…  Nacionalidad y año: Reino Unido 1964. Duración y datos técnicos: 78 min. color 2.35:1.

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Es curioso cómo, mientras que los ciclos de la Hammer pertenecientes a Drácula y Frankenstein tenían cierta continuidad título a título, en el dedicado a la momia ésta quedó ausente. Puede que fuera debido a que el personaje del resucitado egipcio careciera de suficiente entidad como para centrar diversas películas en él, y usar como protagonista de la saga a un mismo egiptólogo enfrentado a distintas maldiciones pudiera parecer el colmo de la casualidad y mala suerte.

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Sea como fuere, esta segunda entrega dedicada al zombi con vendas, después de La momia (The Mummy, 1959), de Terence Fisher, ofrece historia y personajes distintos, aunque conviene desarrollar determinadas precisiones. Así, una de las escenas en que la momia irrumpe en el domicilio de uno de los personajes está rodada exactamente igual a aquella del film de Fisher donde este hecho acontece en el domicilio de Peter Cushing, e incluso el diseño de la habitación por parte de Bernard Robinson es idéntico. Aparte de ello, el actor George Pastell aparece en ambas cintas: si en la primera encarnaba a un tal Mehemet Bey, aquí se llama Hashmi Bey. ¿Hermanos? Téngase en cuenta que la acción se desarrolla cinco años después de la previa.

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Por lo demás, si se analiza el guion, ciertas constantes permanecen de un film a otro, aunque se han intentado maquillar para semejar novedosas. Y, la verdad, el maquillaje queda aparente. La sobadísima historia de la reencarnación de la bella que es reconocida por la momia siglos después es reemplazada por una atractiva rivalidad entre hermanos, con uno benigno y otro maligno que, centurias después, podría parecer que invierten sus roles, si bien el personaje de Adam Beauchamp en ningún momento se hace simpático, salvo para la muy tonta de Annette Dubois, que se queda obnubilada con él a tal punto que hasta ignora groseramente a su prometido (yo de él hubiera dejado que la matara la momia).

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Por desgracia, el atractivo punto de partida del guion de Michael Carreras (encubierto en el seudónimo de Henry Younger) no logra encontrar la matización en el libreto definitivo, que queda en exceso disperso y no consigue centrar ni la acción ni los personajes, a tal punto que parece que pretende tirar por diversos rumbos antes de encontrar su norte. Y en un film de tan breve duración ese es un fallo muy grave.

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Como director Carreras se muestra algo más capacitado y, si bien es cierto que carece del genio de Terence Fisher para la puesta en escena y para sacar partido dramático de escasos elementos, sí logra al menos transmitir cierta elegancia en la planificación, aprovechando muy bien la composición panorámica, integrando en un mismo plano diversos elementos para de ese modo establecer una relación de causa y efecto entre unos y otros.

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Hay otro detalle curioso en el film, y es la obsesión de las manos amputadas. Resulta muy atrayente que la momia carezca de una de ellas por una sentencia de cuando estaba con vida, y finalmente su opositor sufra idéntico castigo; a ello, además, se suma ese mismo hecho justo al inicio de la película, con el padre de la chica protagonista. Esta constante temática será el leit motiv de la cuarta y última película del ciclo de la momia en la Hammer, la muy interesante Sangre de la tumba de la momia (Blood from the Mummy’s Tomb, 1971), de Seth Holt y Michael Carreras.

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Es sorprendente, por lo demás, cómo en la presente película se nos ofrece un plantel interpretativo donde apenas hay caras conocidas. Incluso la más destacada de ellas, el habitual secundario de la Hammer Michael Ripper, desaparece pronto de la trama. La protagonista femenina es la británica Jeanne Roland, de breve carrera y dos veces chica Bond, que es convertida en francesa por la trama, en esa otra obsesión de la Hammer por las bellezas del continente, y para lo cual se procedió a doblar a la actriz para conferirle acento.

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Anécdotas

  • Título en México: La maldición de la momia.
  • Michael Carreras firma el guion con el seudónimo de Henry Younger (Henry, “el más joven”). Se trata de un chiste dirigido a su compañero de la Hammer Anthony Hinds, que firmaba los guiones como John Elder (John, “el más anciano”).
  • Durante el flashback egipcio se oyen compases del tema original de La momia (1959) compuesto por Franz Reizenstein.
  • Siguiente película de la saga: The Mummy’s Shroud [tv/vd/dvd: El sudario de la momia, 1967], de John Gilling.
  • Estrenada en programa doble con La gorgona, el 18 de octubre de 1964. En España permaneció inédita.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)