Estrenos de cine en España: 23-II-2018

Posted in Cine, Estreno on 23 febrero, 2018 by belakarloff

En la sombra (Aus dem Nichts / In the Fade).

Alemania, Francia 2017

Género: drama – thriller

Director: Fatih Akin

Actores: Diane Kruger (Katja Sekerci), Denis Moschitto (Danilo Fava), Numan Acar (Nuri Sekerci), Samia Muriel Chancrin

En la sombra

La enfermedad del domingo

España 2018

Género: drama

Director: Ramón Salazar

Actores: Susi Sánchez (Anabel), Bárbara Lennie (Chiara), Miguel Ángel Solá (Bernabé), Greta Fernández (Greta), Richard Bohring…

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Una familia feliz (Happy Family / Monster Family)

Reino Unido, Alemania 2017

Género: animación – comedia – fantasía

Director: Holger Tappe

Actores: Emily Watson (Emma (voz)), Jason Isaacs (Drácula (voz)), Nick Frost (Frank (voz)), Jessica Brown Findlay (Fay (voz)),…

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Lady Bird (Lady Bird)

EE.UU. 2017

Género: comedia dramática

Director: Greta Gerwig

Actores: Saoirse Ronan (Lady Bird McPherson), Laurie Metcalf (Marion McPherson), Tracy Letts (Larry McPherson), Lucas Hedges…

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Todo el dinero del mundo (All the Money in the World)

EE.UU. 2017

Género: biográfica – drama – thriller

Director: Ridley Scott

Actores: Michelle Williams (Gail Harris), Christopher Plummer (J. Paul Getty), Mark Wahlberg (Fletcher Chase), Timothy Hutton…

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Yo, Tonya (I, Tonya)

EE.UU. 2017

Género: biográfica – drama

Director: Craig Gillespie

Actores: Margot Robbie (Tonya Harding), Sebastian Stan (Jeff Gillooly), Allison Janney (LaVona Golden), Julianne Nicholson…

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Cazador de forajidos (The Tin Star) (1957)

Posted in Cine, Reseña, Western on 22 febrero, 2018 by belakarloff

A una población del Oeste llega un cazador de recompensas con el cadáver de un forajido al que ha abatido. Todos los habitantes del lugar lo acogen con desprecio, hasta que, a la espera de cobrar la recompensa, consigue hospedarse en casa de una mujer que tuvo un hijo con un indio. El joven e inexperto sheriff del lugar aprovechará para pedirle que le enseñe a ser más diestro con el revólver.

Dirección: Anthony Mann. Producción: Perlsea Co., Paramount Pictures. Productores: George Seaton, William Perlberg. Guion: Dudley Nichols, según una historia de Joel Kane, Barney Slater. Fotografía: Loyal Griggs. Música: Elmer Bernstein. Montaje: Alma Macrorie. Dirección artística: J. McMillan Johnson, Hal Pereira. Intérpretes: Henry Fonda (Morgan ‘Morg’ Hickman), Anthony Perkins (sheriff Ben Owens), Betsy Palmer (Nona Mayfield), Michel Ray (Kip Mayfield), Neville Brand (Bart Bogardus), John McIntire (Dr. Joseph Jefferson ‘Doc’ McCord), Mary Webster (Millie Parker), Lee Van Cleef (Ed McGaffey), Russell Simpson (Clem Hall), Peter Baldwin, Richard Shannon, James Bell, Howard Petrie, Hal K. Dawson, Jack Kenny, Mickey Finn, Richard Farsnworth, ‘Snub’ Pollard, Frank Cordell… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957. Duración y datos técnicos: 93 min. B/N 1.85:1.

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El arranque de esta extraordinaria película expone con claridad las coordenadas sobre las cuales se modularán los dos personajes principales de la misma. Los primeros planos muestran la llegada a la población de un individuo misterioso; planos detalle que no revelan su rostro, sino la mano crispada del muerto que porta, y la reacción de los lugareños; se trata de un personaje reservado, al que al fin veremos el rostro en los rasgos de Henry Fonda. El sheriff (Anthony Perkins), por su parte, nos será mostrado en un plano americano, directo, contundente, practicando con las armas y cayéndosele una; se trata de un joven inexperto, torpe, ansioso por agradar de cualquier manera a una población que se expone cínica, egoísta, falsa y traidora.

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A partir de ahí, la cinta expondrá ambos personajes y su relación con lo que les circunda. Morgan, el cazarrecompensas, es un ser repudiado: limpia lo que los habitantes de bien no se atreven a tocar, por lo cual habrá de compartir techo con una mujer repudiada, que no ve, como los demás, a los indios como escoria, sino como seres sensibles. Ben, el sheriff, por su parte, es un joven torpe que está aprendiendo los rudimentos de relacionarse en sociedad, por lo cual aún no sabe cómo tratar a sus conciudadanos, de los que no está al tanto que lo están utilizando para sus fines. En un momento determinado, Morgan le narrará cómo, en el momento de la verdad, cuando él trabajaba como sheriff, la gente bien de su población le dio la espalda, situación que se repetirá en el presente contexto con Ben.

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Es curioso comprobar la relación que Morgan establece con el niño y con el sheriff. Podría interpretarse que Morg acoge al crío como sustituto del hijo que perdió, siendo el reflejo de lo que fue en el momento de su muerte; Ben, por su parte, sería ese mismo hijo, ya crecido si no hubiese fallecido. A ambos los instruirá, les irá forjando su futuro. Un ser desplazado de la sociedad se integrará a esta por medio de su entrega a dos seres desvalidos de distinta manera, exorcizando de paso su angustia.

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Anthony Mann, con la presente película, abandonaba un tanto el ciclo de westerns que había iniciado en 1950 con Winchester 73 (Winchester ’73), la mayoría protagonizados por James Stewart y con guion de Borden Chase, ciclo con todo interrumpido de manera constante. Téngase en cuenta que Mann trabajaba de forma independiente, y actores y guionistas venían impuestos según la productora con la cual trabajara. Cazador de forajidos (The Tin Star, 1957), es una producción Paramount con guion de otro grande, Dudley Nichols, responsable de los libretos de gran cantidad de películas de John Ford, entre ellas la seminal La diligencia (Stagecoach, 1939), así como de otros soberbios westerns como El correo del infierno (Rawhide, Henry Hathaway, 1951), o Río de sangre (The Big Sky, Howard Hawks, 1952). Después de la presente escribiría otro western un tanto similar al presente, The Hangman [tv: El justiciero; dvd: El verdugo, 1959], dirigido por Michael Curtiz y protagonizado por Robert Taylor, este como un marshal sin escrúpulos que llega a una población donde, de igual modo, es visto con desconfianza, manteniendo una peculiar relación con el sheriff, aunque con resultados menos depurados que aquí.

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La dirección de Mann es potente, telúrica diríase, pese a la aparente placidez con que transcurre todo. La agreste y contrastada fotografía remite a otros westerns por él dirigidos como son los espléndidos Las Furias (The Furies) y La puerta del diablo (Devil’s Doorway) dirigidos ambos en 1950 y uno tras otro. La excelente composición de planos brinda contrapicados, escorzos irrumpiendo en el plano, violentando de ese modo esa referida placidez, y los escasos primeros planos sirven para subrayar estados emocionales, como debe ser. De igual modo, hace un portentoso uso de la profundidad de campo y emplea fluidos y elegantes travellings laterales con asiduidad. Mann se sirve, además, de un excelente reparto, encabezado por los ya referidos Henry Fonda y Anthony Perkins, pero conviene no olvidar a magníficos secundarios como Neville Brand, John McIntire (en un personaje, con todo, que es lo más débil del conjunto, el abnegado médico del pueblo, pese a la gran composición que hace del mismo) o el imprescindible Lee Van Cleef.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: The Tin Badge.
  • Título en Argentina y México: Venganza mortal.
  • Nominada en 1958 al Oscar al mejor guion escrito directamente para cine. Ese mismo año, nominada también al premio BAFTA como mejor película.
  • El papel protagonista estaba destinado inicialmente a James Stewart.
  • Debido a una enfermedad de Anthony Perkins, este estuvo a punto de ser sustituido por Jeffrey Hunter, pero finalmente se retrasó el rodaje para permitirle recuperarse.
  • En principio se pensaba rodar en color.
  • Rodada entre el 22 de octubre y el 6 de diciembre de 1956, con escenas adicionales en enero de 1957.
  • Estrenada en Estados Unidos el 6 de noviembre de 1957, tras una premier en Nueva York el 23 de octubre. En España se estrenó el 24 de abril de 1961 en Madrid.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

CALIFICACIÓN: *****

  • bodrio * mediocre ** interesante *** buena **** muy buena ***** obra maestra

 

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La forma del agua (The Shape of Water) (2017)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Fantasía, Reseña, Terror on 20 febrero, 2018 by belakarloff

Una muchacha muda trabaja en la limpieza de un centro de estudios científicos. Un día traen al lugar un recipiente conteniendo un nuevo elemento de análisis: una criatura mitad anfibia mitad humanoide. Entre mujer y monstruo comenzará a desarrollarse una amistad…

Dirección: Guillermo del Toro. Producción: Bull Productions, Double Dare You, Fox Searchlight Pictures. Productores: J. Miles Dale, Guillermo del Toro. Productor asociado: Daniel Kraus. Guion: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor, según argumento de G. del Toro. Fotografía: Dan Laustsen. Música: Alexandre Desplat. Montaje: Sidney Wolinsky. Diseño de producción: Paul D. Austerberry. FX: Legacy Effects (efectos de maquillaje y criatura), Mr. X (efectos visuales). Intérpretes: Sally Hawkins (Elisa Esposito), Michael Shannon (Richard Strickland), Richard Jenkins (Giles), Octavia Spencer (Zelda Fuller), Michael Stuhlbarg (Dr. Robert Hoffstetler), Doug Jones (hombre anfibio), David Hewlett (Fleming), Nick Searcy (general Hoyt), Stewart Arnott (Bernard), Nigel Bennett (Mihalkov), Lauren Lee Smith (Elaine Strickland), Martin Roach (Brewster Fuller), Allegra Fulton (Yolanda), John Kapelos (Mr. Arzoumanian), Morgan Kelly, Marvin Kaye, Dru Viergever, Wendy Lyon, Cody Ray Thompson, Diego Fuentes, Madison Ferguson, Jayden Greig, Karen Glave, Danny Waugh, Dan Lett, Deney Forrest, Brandon McKnight, Clyde Whitham… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 123 min. Color-B/N 1.85:1.

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Recuerdo hace unos años, en una charla de bar, entre lo mucho que hablamos Guillermo del Toro y yo de cine, me contó que, en su día, Universal contactó con él para rodar una nueva versión de La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, Jack Arnold, 1954)[1]. En la versión que él pergeñó, y que no fue aceptada, mujer y monstruo follaban al final, y todo se desarrollaba en un ambiente de iconografía verniana, como las películas de Karel Zeman.

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No sé si La forma del agua (The Shape of Water, 2017) es el resultado de la enésima revisión de ese primitivo libreto, que habrá sufrido determinados cambios a lo largo del tiempo —uno de ellos, eliminar las referencias al original—, o si, en la actualidad, Del Toro ha tenido esta idea que, casualmente, coincide en ciertos puntos con la que otrora se planteó. Sea como fuere, de La mujer y el monstruo conserva determinados rasgos; se refiere que la criatura ha sido atrapada en un río de Sudamérica, si bien, curiosamente, más que parecerse a la primera entrega de la saga, reverberan ciertos ecos a la segunda, Revenge of the Creature [DVD: La venganza de la criatura, Jack Arnold, 1955], con el monstruo atrapado y alojado en un instituto, e incluso con la subvalorada tercera parte, The Creature Walks Among Us [DVD: La criatura camina entre nosotros, John Sherwood, 1956], en lo que respecta a la contraposición entre la inocencia del monstruo y la monstruosidad oculta de algunos seres humanos. Si bien este último elemento está implícito en gran parte de la filmografía del director mexicano.

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La acción se ha trasladado en esta ocasión a los años sesenta del pasado siglo, en plena época de la Guerra Fría entre las dos grandes potencias mundiales, los Estados Unidos y la URSS. Pese a ese entorno histórico real, la película tiene una envoltura de fábula moral que la hace intemporal, como esa protagonista que vive encima de un cine que está casi siempre vacío, y un entorno urbano saturado de tonalidades de verde ­—distintos tonos de verde aguamarina­— solo vulneradas ocasionalmente por otros matices de color que vienen a complementarlo o violentarlo.

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Tal como en buena fábula, los personajes representan arquetipos, pero, al tiempo, van más allá de estos. La heroína viene representada por Elisa (exquisita Sally Hawkins), una mujer de la limpieza, solitaria y melancólica, aunque con un punto de auto-ironía y positivismo.

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El héroe está escindido en dos personajes, las dos caras sobre las cuales Del Toro ejercita su especulación moral. Por un lado tenemos a Richard Strickland (sólido Michael Shannon), nuevo jefe de seguridad del lugar, que se cree, en el sentido estricto de los términos, un héroe y una buena persona. Para confirmar esa postura, la casa que habita diríase es un entorno idílico: está toda iluminada con colores dorados, y tiene una familia encantadora formada por una bella esposa y dos hijos amantísimos; la mujer está siempre dispuesta a acostarse con su triunfador marido. Claro que ese hipotético “héroe” tiene más de un punto oscuro: en realidad, es un cabrón despreciable. Acosa sexualmente a Elisa, y tortura al hombre anfibio que tiene confinado en el laboratorio. A lo largo de la película, Strickland actúa de cara a sí mismo como un héroe de una película de acción de los años cincuenta, pongamos por caso, como esos agentes del gobierno que aparecían en series de la época como Hong-Kong (Hong Kong; 1960-1961), que curiosamente se está emitiendo en casa de Zelda cuando va a entrevistar a esta.

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El otro héroe es el hombre anfibio (sensible Doug Jones), un monstruo escamoso que es confinado en el lugar para someterlo a teóricos experimentos, pero sobre el que Strickland descarga su ira de forma constante. Elisa y él comienzan a desarrollar algo que no puede sino definirse como “una relación”, y el “monstruo” —que no es tal, e incluso es descrito como “bello” en alguna ocasión— se muestra como un galán noble en todo momento.

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Alrededor de estos pivotan otros personajes, caracterizados, como Elisa, por pertenecer a alguna minoría que es despreciada. Elisa, como se ha dicho, es muda; su mejor amiga es su compañera Zelda (excelente Octavia Spencer), que es de raza negra; su mejor amigo es Giles (sobrio Richard Jenkins), que es homosexual; y el científico que acaba sufriendo por el monstruo, el doctor Robert Hoffstetler (apropiado Michael Stuhlbarg) es comunista. Y el propio monstruo, desde luego.

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Todos estos personajes pivotan alrededor de la historia, forjando esta con sus comportamientos, con sus anhelos y características intrínsecas. Es destacable también la escena en la cual Giles se halla en la cafetería donde trabaja el camarero que le gusta. Cuando intenta un leve acercamiento, este le rechaza con violencia, y justo acto seguido aparece una pareja de raza negra a la que expulsa despreciativamente, identificando así ambas acciones como iguales. En verdad, tenemos una serie de personajes idealizados e idealistas que viven una realidad gris, turbia, que impide el normal desenvolvimiento de una existencia de felicidad. Los prejuicios, el odio, el egoísmo, es el verdadero monstruo de la película, encarnado en ese personaje al que da rostro Michael Shannon.

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Volvamos al personaje de la criatura, cuya apariencia física semeja una mezcla entre el tradicional monstruo de la Laguna Negra, de cuello para abajo, y con un rostro muy semejante al Abe Sapien al que dio vida el propio Doug Jones para Del Toro en el díptico Hellboy, y que en su globalidad es una creación excelente por parte de la compañía Legacy Effects, donde destaca en especial elementos como esos párpados que se mueven desde fuera hacia dentro, en lugar de arriba hacia abajo, o las aletas dorsales que se ponen en posición recta cuando se irrita.

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Este elemento hace entroncar el film con previas cintas del director de Cronos (Cronos, 1993), pero otros elementos también sirven para conectar con su peculiar universo, desde la textura visual hasta el fondo moral donde se contraponen dos tipos de monstruos, el físico y el moral, siendo más pernicioso el segundo, a veces incluso positivo el primero.

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Así, el largometraje número diez de la filmografía de Guillermo del Toro se muestra como una fábula moral para adultos, hermosa e inteligente, narrada con un estupendo tempo que remite al cine de la época en que se circunscribe, más que en el presente, así como por su narración por medio de unos planos largos y una espléndida música que sirve de perfecto soporte para esta monumental joya.

 

Anécdotas

  • Nominada a 13 Oscar, además de 87 premios y 251 nominaciones.
  • Existe versión novelizada, escrita por Guillermo del Toro y Daniel Kraus. Se editó en Estados Unidos en febrero de 2018.
  • Para desarrollar su personaje Sally Hawkins se inspiró en Charles Chaplin, Stan Laurel, Oliver Hardy, Buster Keaton y Audrey Hepburn.
  • El personaje de Richard Jenkins fue escrito originalmente para Ian McKellen. Muchos de los demás personajes fueron concebidos para los actores que finalmente los interpretan.
  • En casa de Strickland se ven un montón de cajas que lucen el nombre de Alland. William Alland fue el productor de La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, Jack Arnold, 1954), y quien concibió la idea original del film.
  • Inicialmente, Del Toro quiso rodar el film en blanco y negro.
  • El proyecto de este film comenzó en 2011.
  • Estrenada en Estados Unidos el 22 de diciembre de 2017. En España se estrenó el 16 de febrero de 2018.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

CALIFICACIÓN: *****

  • bodrio * mediocre ** interesante *** buena **** muy buena ***** obra maestra

 

[1] Desde 1982 se lleva hablando de esa nueva versión, y aparte de Guillermo del Toro, la productora contactó con cineastas como John Landis, John Carpenter y Peter Jackson.

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“La última pieza”, de Joy Fielding

Posted in Literatura, Reseña, thriller on 19 febrero, 2018 by belakarloff

La última pieza; por Joy Fielding; traducción de Carlos Milla Soler. Barcelona: Plaza & Janés, 1999. Colección: Jet; nº 259 / Biblioteca de Joy Fielding; nº 5. T.O.: Missing Pieces (1997).

Género – materias: criminal – drama – psicópatas – relaciones familiares

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De vez en cuando me gusta hacer experimentos: coger un autor del que nada sé —pero que escriba, desde luego, temáticas que me interesan a prioriy leer un libro suyo. A veces el experimento falla, y debo abandonar la lectura desinteresado, pero otras he conseguido descubrir escritores de valía. Por supuesto, busco autores de los que no haya información habitual repartida por aquí y por allá, de los que pudiera hacerme una idea aproximada sobre su valía.

Joy Fielding nació en 1945 en Canadá. Fue actriz durante un breve período de su carrera, y salió en un episodio de La ley del revólver, con el nombre de Joy Tepperman. Pero decidió después ponerse a escribir, debutando con The Best of Friends (1972). Entre sus libros más conocidos figuran Decidle adiós a mamá (Kiss Mommy Goodbye, 1981) y ¡Huye, Jane, huye! (See Jane Run, 1991) —que dio origen al telefilm Mira a Jane correr (See Jane Run, John Patterson, 1995)—. Pese a residir en Toronto, su localidad de nacimiento, suele ambientar sus novelas en grandes ciudades de los Estados Unidos, según ella porque “las grandes ciudades norteamericanas, [como paisaje] parecen ser las mejores para [mis] temas de alienación urbana y pérdida de identidad”[1]. En una ocasión, en una entrevista declaró sobre sí misma: “Puede que no escriba ficción en el sentido literario. Pero escribo muy bien. Mis personajes son buenos. Mis diálogos son buenos. Y mis historias son realmente interesantes. Escribo exactamente el tipo de libros que me gusta escribir. Es el tipo de libros que me gusta leer. Son ficción comercial popular. Eso es lo que son”[2]. Sus novelas, por lo que he podido descubrir, son thrillers psicológicos con fuerte componente femenino.

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La autora

La última pieza —feo título, siendo más sugerente el original, Missing Pieces (Piezas perdidas)— está protagonizada por una psicoterapeuta, casada y con dos hijas adolescentes, la más mayor algo problemática; también aparecen en la historia la madre de ella, que está internada en una residencia y comienza a ofrecer los primeros síntomas de Alzheimer, y su hermanastra, algo tarambana e ida de olla. Un día, en la portada del periódico aparece un criminal que está siendo juzgado por violar y matar a un sinfín de mujeres, y la hermanastra le comunica: “Me voy a casar con él”. Al tiempo, en la vida de la protagonista reaparece un antiguo compañero de universidad, con el que tuvo una breve relación, y ella percibe que los rescoldos de lo que los unió aún se mantienen vivos en ella…

La trama va basculando entre todos esos elementos, mientras, poco a poco, la relación con la hermanastra y el psicópata va yendo a más.

Volvamos a la modesta auto-definición citada poco antes. El caso es que no es del todo desacertada. Sus personajes son interesantes, en especial al mostrar a todos ellos con un perfil que no evita los elementos negativos, en especial la protagonista. Por cierto que, para ser psicoterapeuta, se muestra de lo más manipulable a lo largo de toda la historia, en especial por parte de su hermanastra como del antiguo amor que reaparece.

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La historia resulta atractiva, aunque queda evidente para cualquier lector hacia dónde conduce, tanto en lo que respecta la trama del psicópata como a la de la hermanastra. Pero se sigue con interés, y tiene dos momentos muy emotivos, como es el momento en que la hermanastra rememora su pasado, como los párrafos finales, donde la protagonista hace recuento de lo que siente en esos momentos. Ahí es donde Fielding echa toda la carne en el asador y logra alcanzar momentos narrativos de gran fuerza.

Lo que menos me interesa de todo el libro son los instantes —por suerte, escasos— dedicados a la relación de la protagonista con ese amor de juventud, que cae en los más convencionales tópicos del folletín. Pero el resto del libro se lee de un tirón, capta la atención y, ciertamente, sin ser una estilista —ni pretenderlo­— Joy Fielding no escribe mal. Puede que, pasado un tiempo, busque algo más de ella.

Carlos Díaz Maroto

 

[1] http://www.joyfielding.com

[2] Wagner, Vit: “Okay With Being ‘Popular’; Author Not In The Same League as Joan Didion, But She’s Writing the Books She Wants to Write.” Toronto Star, 28 de marzo de 2008.

 

DocumentaMadrid cumple quince años y renueva la imagen del festival

Posted in Cine, Documental, Nota de Prensa, Noticias on 16 febrero, 2018 by belakarloff

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De izquierda a derecha y de arriba a abajo: ARRIBA / Antonio Delgado, primer director de DocumentaMadrid (2004 – 2010); Teresa Gómez Hermida, fotógrafa seleccionada en DocumentaTuMadrid; Jacobo Rivero, director de comunicación de Madrid Destino; Andrea Guzmán, directora artística de DocumentaMadrid; Mario Cano, Identidad Gráfica de Madrid Destino ; Juan Patiño, fotógrafo seleccionado en DocumentaTuMadrid; ABAJO / Carol Caicedo, fotógrafa seleccionada en DocumentaTuMadrid; Antonio Pérez Río, Director Escuela Lens; Javier Corcuera, coordinador creativo de Cineteca Madrid; David Varela, director artístico de Documenta Madrid; y Yolanda Pividal, coordinadora artística de Cineteca Madrid.

  • Las cuatro series fotográficas de la nueva imagen del festival se han elegido entre las más de 500 imágenes recibidas en la convocatoria #DocumentaTuMadrid.
  • El festival de cine impulsado por el Ayuntamiento de Madrid presenta el cartel de la próxima edición que se celebrará entre el 3 y el 13 de mayo de 2018.

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Madrid, 15 de febrero. Esta mañana el Festival Internacional de Cine Documental, DocumentaMadrid, ha presentado su nueva imagen en el centro de creación contemporánea Matadero Madrid. El festival, que prepara su decimoquinta edición, se celebrará entre el 3 y el 13 de mayo de 2018.

En la rueda de prensa han participado los directores artísticos de DocumentaMadrid, Andrea Guzmán y David Varela; el coordinador creativo de Cineteca Madrid, Javier Corcuera; la coordinadora artística de Cineteca Madrid, Yolanda Pividal; Jacobo Rivero, director de Comunicación y Gestión de Medios de Madrid Destino, y el responsable de la identidad visual de esta nueva edición, Mario Cano miembro del equipo de Identidad Gráfica de Madrid Destino. También nos han acompañado Teresa Gómez Hermida, Carol Caicedo y Juan Patiño, los autores de las series fotográficas seleccionadas en la convocatoria #DocumentaTuMadrid para formar parte de la nueva identidad del festival.

 Con motivo del quince aniversario de DocumentaMadrid, tras mostrar un vídeo con imágenes de sus anteriores ediciones, los directores artísticos del festival, Andrea Guzmán y David Varela, han explicado los motivos para esta renovación de identidad. “Hemos buscado actualizar la imagen del festival con una nueva propuesta estética y gráfica que represente visualmente los objetivos de futuro del proyecto”, adelantaba Guzmán. “El propósito de la nueva imagen de DocumentaMadrid 2018 es ser un reflejo de la vitalidad y la realidad poliédrica de una ciudad donde se interrelacionan con fluidez sus diversos contextos y formas de vida”, explicaba también David Varela durante su intervención.

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Entre los propósitos de la nueva edición de DocumentaMadrid Varela ha destacado “la búsqueda de nuevos lenguajes audiovisuales y la experimentación en la aproximación a la realidad, además de nuestro propósito de creación de un espacio vivo de pensamiento y reflexión no jerarquizado”. Asimismo, los directores han expresado su intención de aproximación a otras disciplinas artísticas contemporáneas y su compromiso con la divulgación del cine documental y la creación de nuevos públicos. Respecto a la relación del festival con la ciudad de Madrid, en su celebración de estos quince años Andrea Guzmán ha explicado cómo se proponen en la próxima edición facilitar “una mayor participación del público madrileño más allá de su rol tradicional de espectador” subrayando que el objetivo es “que el festival no acabe con el festival que, al acabar cada edición, algo haya cambiado en la ciudad”.

En este sentido, Javier Corcuera, ha querido intervenir no sólo como coordinador creativo de Cineteca Madrid, sino desde su experiencia como cineasta ligado a la historia del festival: “Creo que DocumentaMadrid es ya el Festival de Madrid por derecho propio. Es un festival que se celebra no solo para la ciudad de Madrid, sino con Madrid”. “Realmente es un privilegio para la ciudad de Madrid tener un festival público consolidado, que lleva quince años creciendo con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid”.

Desde el equipo de Madrid Destino, su director de comunicación Jacobo Rivero alababa el trabajo del actual equipo de dirección artística, “que ya se demostró en la anterior edición su intención y capacidad de acercar el cine documental al público y hacer crecer este proyecto”.

El Festival DocumentaMadrid se trasladó al Centro Cultural Matadero Madrid en el año 2010, y celebró su primera proyección en Cineteca Madrid en su edición del 2012. Con motivo de los quince años del festival, Yolanda Pividal, coordinadora artística de Cineteca Madrid, ha desvelado que con motivo de su aniversario tienen prevista la exposición “Madriles” de la obra de Rafael Jaramillo, creador de la primera identidad visual de DocumentaMadrid y responsable de la identidad gráfica hasta el año 2012;

Yolanda Pividal recordó que una de las novedades de la edición es que el Premio Cineteca Madrid del Público contará con una dotación económica de 7.500 euros en metálico para las películas mejor valoradas por los espectadores; repartidos en dos premios de 5.000 euros para el ganador en la categoría de largometraje y 2.500 euros para la categoría de cortometraje.

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#DocumentaTuMadrid recibe más de 500 fotografías en 4 semanas

Mario Cano, diseñador gráfico de la nueva identidad del festival y miembro del departamento de identidad gráfica de Madrid Destino, explicó durante el acto cómo se ha gestado la nueva imagen del festival “Desde el mismo punto de partida de este nuevo diseño, se ha pretendido expresar la voluntad de apertura de nuevos espacios de participación del público en el festival y su relación con otras disciplinas artísticas, para lo que se abrió en diciembre la convocatoria de fotografía #DocumentaTuMadrid”. A partir de las imágenes recibidas en esta convocatoria, se abrió un proceso creativo con la colaboración del propio público del festival. Durante la presentación, Cano explicó que “el objetivo de la convocatoria era crear un mapa visual de la ciudad de Madrid a través de una estructura orgánica horizontal”.

DocumentaTuMadrid es una convocatoria de fotografía lanzada a través de Instagram en colaboración con Lens Escuela de Artes Visuales para congregar las diversas miradas sobre la ciudad de Madrid que forman parte del festival. En total, esta convocatoria ha recibido más de 500 fotografías, entre las que que se han seleccionado cuatro series:

La serie seleccionada para el cartel principal se compone de las fotografías de Javier Domínguez “Jadoga”, que llevan por título Madrid, con cabeza.

Otra de las series seleccionadas para formar parte de la imagen de esta edición es “A veces llueve en Madrid”, de Teresa Gómez Hermida, “como gallega, en la soleada Madrid, la lluvia es para mí un viaje en en el tiempo, al tiempo aquel en que uno forja su identidad”. Sobre su serie “Notas sobre cabestro”, Carol Caicedo, que acaba de publicar un libro con esta obra, explicó en el acto cómo “el trazado urbanístico de la plaza de Cabestreros se convierte en arquitectura carcelaria y explora la idea de límites físicos, sociales y psicológicos del espacio”. La cuarta serie fotográfica seleccionada es obra de Juan Patiño, que para preparar su proyecto sobre la Gran Vía pasó un verano recogiendo instantáneas, “ha pasado ya algún tiempo de estas fotos, fue mi primer proyecto como fotógrafo y me gusta que estas imágenes formen parte de DocumentaMadrid”.

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Más de 1.500 películas recibidas

El Festival DocumentaMadrid ha recibido 860 largometrajes y 690 cortometrajes de 106 países. Los títulos están siendo valorados por la Dirección del Festival y el Comité de Selección, formado por Sandra Ruesga (cineasta y programadora), Guillermo G. Peydró (cineasta y programador), Jara Yáñez (crítica cinematográfica y programadora), Laura Gómez Vaquero (docente y programadora), Miquel Martí Freixas (crítico de cine y programador) y Ruth Somalo (cineasta y programadora).

Además, hasta el próximo 18 de febrero sigue abierta la convocatoria de CORTE FINAL, la I Edición del Foro Profesional de Cine Documental de Madrid. Este nuevo Foro apoya con importantes premios a aquellas producciones documentales independientes, con marcado carácter autoral, y que se encuentren en avanzado estado de montaje o postproducción. Un año más, el equipo de DocumentaMadrid está trabajando para ofrecer el mejor cine documental, nacional e internacional, las visiones más interesantes del documental del circuito independiente y, como siempre, la creación de un espacio de encuentro entre cineastas, público y profesionales.

 Durante sus quince años de historia, el festival se ha consolidado como una cita internacional ineludible para los creadores del cine documental y un espacio que impulsa a los nuevos cineastas españolas. El público madrileño ha tenido ocasión de descubrir y encontrarse con grandes cineastas como Frederick Wiseman, Rithy Pahn, Alanis Obomsawin, Luciano Emmer, Basilio Martín Patino, Patricio Guzmán, Margarita Ledo, Carlos Saura, Carmen Cobos, Nicolas Philibert y Helena Třeštíková, entre muchos otros.

 

Estrenos en cines en España: 16-II-2018

Posted in Cine, Estreno on 16 febrero, 2018 by belakarloff

Black Panther (Black Panther)

EE.UU. 2018

Género: acción – aventuras – fantasía – superhéroes – ciencia ficción

Director: Ryan Coogler

Actores: Michael B. Jordan (Eric Kilmonger), Chadwick Boseman (T´Challa / Black Panther), Lupita Nyong´o (Nakia), Martin Freeman…

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Boonie Bears y el gran secreto (Xiong Chu Mei Zhi Xiong Xin Gui Lai / Boonie Bears: The Big Top Secret)

China 2016

Género: animación – familiar – comedia

Director: Leon Ding

Actores: Wan Danqing ((voz)), Chen Guang ((voz)), Ma Haolun ((voz)), Joseph S. Lambert (Bramble / Herbert / Hugo (voz))…

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Celestial Camel (Nebesnyy verblyud)

Rusia 2015

Género: aventuras – familiar

Director: Yuriy Feting

Actores: Mikhail Gasanov (Bayir), Viktor Sukhorukov, Petr Novikov (Quarter), Irina Hurgunova (Dzhirgalka), Danzan Badrashkiev…

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Cuando dejes de quererme

España, Argentina 2018

Género: drama – thriller

Director: Igor Legarreta

Actores: Josean Bengoetxea (Zorita), Eduardo Blanco (Fredo), Antonio Dechent (Camacho), Miki Esparbé (Egoskue), Eneko Sagardoy…

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Deber cumplido (Thank You for Your Service)

EE.UU. 2017

Género: drama – biografía

Director: Jason Hall

Actores: Miles Teller (Adam Schumann), Haley Bennett (Saskia Schumann), Amy Schumer (Amanda Doster), David Morse (Fred Gusman)…

Gracias

 

La forma del agua (The Shape of Water)

EE.UU. 2017

Género: fantástica – drama – intriga

Director: Guillermo del Toro

Actores: Sally Hawkins (Elisa Esposito), Michael Shannon (Richard Strickland), Richard Jenkins (Giles), Octavia Spencer (Zelda)…

agua

The Party (The Party)

Reino Unido 2017

Género: comedia dramática

Director: Sally Potter

Actores: Timothy Spall (Bill), Kristin Scott Thomas (Janet), Patricia Clarkson (April), Bruno Ganz (Gottfried), Cherry Jones…

The-Party

 

15:17 Tren a París (The 15:17 to Paris) (2018)

Posted in Cine, Otros géneros, Reseña, thriller on 15 febrero, 2018 by belakarloff

Tres amigos norteamericanos viajan por Europa. Cuando están en un tren camino de París, a este sube un terrorista que intentará perpetrar una masacre en el vehículo…

Dirección: Clint Eastwood. Producción:  Warner Bros., Village Roadshow Pictures, Malpaso Productions. Productores: Clint Eastwood, Jessica Meier, Tim Moore, Kristina Rivera. Productor ejecutivo: Bruce Berman. Co-productor: David M. Bernstein. Guion: Dorothy Blyskal, basado en el libro de Anthony Sadler, Alek Skarlatos, Spencer Stone & Jeffrey E. Stern. Fotografía: Tom Stern. Música: Christian Jacob. Montaje: Blu Murray. Diseño de producción: Kevin Ishioka. Intérpretes: Ray Corasani (Ayoub), Alek Skarlatos (Alek), Anthony Sadler (Anthony), Spencer Stone (Spencer), Judy Greer (Joyce), Jenna Fischer (Heidi), Irene White (maestra de primaria), William Jennings (Spencer, 11-14), Bryce Gheisar (Alek, 11-14), Stephen Matthew Smith (compañero de clase), P. J. Byrne (Mr. Henry), Paul-Mikél Williams (Anthony, 11-14), Thomas Lennon, Tony Hale, Grant Weaver, Jaleel White, Robert Pralgo, Mark Moogalian, Isabelle Risacher Moogalian, Matt Thompson… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2018. Duración y datos técnicos: 94 min. Color 2.39:1.

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Mal que nos pese, los cinéfilos debemos acostumbrarnos a separar ideología de valores artísticos, aunque en ocasiones cueste. Al fin y al cabo, una cosa no está directamente relacionada con la otra, y desde tiempos del cine mudo tenemos ejemplos en ese sentido, con El nacimiento de una nación (The Birth of a Nation, David W. Griffith, 1915) u Octubre (Oktyabr, Sergei M. Eisenstein, 1928). Además, Clint Eastwood ha demostrado que, pese a ser de orientación derechista, se ha aproximado a su cine de un modo carente de prejuicios, y por ejemplo ha mostrado el cinismo de un país que manda a la mierda a sus héroes cuando ya no los necesita —la subvalorada Banderas de nuestros padres (Flags of Our Fathers, 2006)—, ha reflexionado acerca del racismo desde dentro —Gran Torino (Gran Torino, 2008)— o se ha acercado al tema de la homosexualidad con respeto —Medianoche en el jardín del bien y del mal (Midnight in the Garden of Good and Evil, 1997)—, por poner unos pocos ejemplos.

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Me aproximo a este proyecto con sentimientos ambivalentes. Es indudable que Eastwood es uno de los mejores directores norteamericanos actuales, pero cierto es que algunas de sus últimas películas no me han terminado de colmar. Me resultó muy decepcionante El francotirador (American Sniper, 2014) y, en lugar de parecer propia de él, semejaba más cercana a lo que podría hacer un director superficial y hueco como Ron Howard. La presente cinta, a priori, parte de un planteamiento que no me resulta atractivo, y menos aun contando como actores protagonistas con los personajes que vivieron el acontecimiento real que se narra.

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Y debo reconocer que 15:17 Tren a París (The 15:17 to Paris, 2018) no es una obra maestra como tantas otras películas que han salido de manos de Clint Eastwood. Pero tampoco resulta el espanto que se ha dicho por muchas partes. El realizador de Sin perdón (Unforgiven, 1992) tiene el suficiente oficio para no perpetrar una chapuza. Da la impresión de que ha querido encargarse de una película sencilla y fácil antes de hacer frente a un proyecto de mayores ambiciones[1]. El reparto desconocido (o casi) y el tono documentalista confieren al film un tono de cine independiente, casi como una versión de Antes del amanecer (Before Sunrise, Richard Linklater, 1995), diríase —algo más superficial, cierto es—.

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Mucha gente comenta que el acontecimiento, que meses atrás salió en las televisiones de todo el mundo, no da metraje para toda una película. Y es verdad, si nos atenemos a ese detalle concreto. Pero, por supuesto, un film ha de narrar más: tres chavales norteamericanos hacen frente a un terrorista en un tren y logran reducirlo. Cinco minutos de metraje, diríase. Pero, ¿por qué actuaron impelidos de ese modo? ¿Qué les indujo a participar y no huir, y cómo tenían los medios físicos necesarios para poder derrotarlo? A eso responde la cinta.

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El arranque ofrece la llegada del terrorista a la estación, rodado desde múltiples encuadres, pero siempre evitando mostrar su rostro. Después conocemos a los tres héroes, Alex, Anthony y Spencer. Y muy poco después tenemos un flashback que nos sitúa en su infancia, cuando tenían unos doce años, y ciertas experiencias que van forjando su personalidad. Estudian en un colegio católico, donde los profesores les aplican un tratamiento humillante; la sobreprotección de sus madres tampoco ayudan demasiado, pero, de algún modo, los chicos logran salir adelante, pese a que no todos sean muy brillantes, de hecho, el único que muestra algo de chispa es Anthony, el muchacho negro.

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Diferentes flashbacks nos muestran la predilección de los tres por las armas, en este estilo tan americano; juegan al paintball y, cuando son mayores, Spencer se alista en el ejército. Una de las “lecciones” que le enseñan es que, cuando hay un peligro, hay que salir corriendo, la cual no aplicará cuando acontezca el suceso puntero. Esas contradicciones, especie de “chasca en toda la boca”, se dan en más ocasiones a lo largo del film: en Alemania, un guía turístico corrige a uno de los chicos, diciéndole que “no siempre los americanos están al frente del todo” —comentario que acogen con humor—; se les informa masivamente que no vayan a Francia, que no es un lugar agradable: será ese el país que les honrará con la Legión de Honor.

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Una cosa que sorprende es que los tres muchachos muestran una labor interpretativa mejor de lo que cabría esperar. En una escena, sentados todos en el andén de la estación, Spencer ha de declamar una parrafada larga, y ahí desvela el actor sus limitaciones, recitando de carrerilla y sin entonación. Pero en el resto de las secuencias el trío se ofrece espontáneo, suelto y nada forzado. Anthony (el chico negro) es el que muestra mayores aptitudes interpretativas, después Spencer (el de la cabeza rapada) y por último Alek, el más tirante de los tres.

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Quedará olvidada en cuanto Eastwood estrene otra película, pero su visionado no resulta molesto, y se pasa hora y media entretenido, sin mayores exigencias, que no en todo momento vamos a exigir una obra maestra. No, ni siquiera de él.

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Anécdotas

  • Spencer muestra en su habitación, cuando es pequeño, un póster de La chaqueta metálica (Full Metal Jacket, Stanley Kubrick, 1987)… y otro de Cartas desde Iwo Jima (Letters from Iwo Jima, 2006), del propio Eastwood.
  • En un pequeño papel de profesor aparece Jaleel White, el Steve Urkel de Cosas de casa.
  • A mitad de los créditos finales hay otra escena.
  • Estrenada en Estados Unidos y en España el 9 de febrero de 2018.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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CALIFICACIÓN: **

o bodrio * mediocre ** interesante *** buena **** muy buena ***** obra maestra

 

[1] Con la celeridad que le caracteriza, ya está rodando Impossible Odds, basada en otro caso real, el secuestro de unos trabajadores sociales por piratas somalíes.

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