Mazinger Z – Infinity (Mazinger Z) (2018)

Posted in Animación, Ciencia ficción, Cine, Reseña on 22 enero, 2018 by belakarloff

Cuando el maligno doctor Infierno vuelve a atacar a la humanidad, Mazinger Z debe volver a salir de los hangares para combatir al pérfido genio del mal…

 Dirección: Junji Shimizu. Producción: Toei Studios. Productores: Yutaka Kanamaru, Kazuomi Nagai. Guion: Takahiro Ozawa, según el manga de Gô Nagai. Música: Toshiyuki Watanabe. Diseño de personajes: Hiroya Iijima. Diseños mecánicos: Takayuki Yanase. Direción artística: Makoto Ujiie (GREEN). Dirección de CG: Daiki Nakazawa, Tomohiko Takahashi. Ayudante de dirección: Yo Nakano. Intérpretes: Dibujos animados, con las voces (en la VO) de Showtaro Morikubo (Koji Kabuto), Ai Kayano (Sayaka Yumi), Sumire Uesaka (Lisa), Unshō Ishizuka (Dr. Infierno), Natsuki Hanae (Shiro Kabuto), Junpei Morita (primer ministro Yumi), Wataru Takagi (Boss), Toshihiko Seki (Tetsuya Tsurugi), Bin Shimada (Dr. Nossori), Kôzô Shioya (Dr. Sewashi), Kappa Yamaguchi (Mucha)… Nacionalidad y año: Japón 2018. Duración y datos técnicos: 95 min. Color 1.85:1.


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Pacific Rim (Pacific Rim, 2013) demostró que el cine de robots gigantes podía ser espectacular, vibrante y lleno de energía. Puños mecánicos propulsados impactaban con la carne de enormes monstruos gigantes venidos de otra dimensión. Su director, Guillermo del Toro, había captado a la perfección las sensaciones que le habían influenciado durante su infancia la series de robots gigantes, y las había devuelto a la vida con una rabiosa potencia. Parecía el hombre ideal para llevar a cabo una versión cinematográfica en imagen real de las aventuras del robot Mazinger Z. De momento, eso no se ha producido, pero el éxito de este largometraje resultó esencial para revivir el cine de “Mechas”, o robots tripulados por personas, vertiente fundada por Gô Nagai.

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Otros factores, como el éxito que cosechó Dragon Ball Z: La batalla de los dioses (Dragon Ball Z: Doragon bôru Z – Kami to Kami, Masahiro Hosoda, 2013) a la hora de revivir otro anime de impacto mundial, y a la vez conectar con las nuevas generaciones, han propiciado la idea de insuflar nueva energía a Mazinger, aquel robot gigante que dejó marcados de por vida a toda una generación.

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Así ha llegado el presente largometraje de animación, que adecuadamente sigue la línea de continuidad no solo del anime original, sino también de su secuela, Gran Mazinger. De hecho, nada más empezar la acción nos ponemos en situación con el protagonista de aquella serie, el piloto Tetsuya Tsurugi, en una espectacular secuencia donde lo vemos defendiendo una central de energía en Texas ante el acoso de una horda descomunal de bestias mecánicas. Más adelante descubriremos la aparición de un enorme nuevo robot, al que bautizan como Mazinger Infinity, y a Lisa, la “llave” para hacerlo funcionar sirviéndose de su sistema cibernético. Además, la trama nos va presentando a los personajes de la serie original, diez años después del fin de aquella. Sumido todo el planeta en una paz global, vemos que Koji Kabuto se ha convertido en un prestigioso científico. Sayaka, antigua piloto de Afrodita A, es la directora del Instituto de Investigaciones Fotónicas, y su padre el actual primer ministro de Japón.

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Como vemos, la continuidad es uno de los elementos más reseñables de este Mazinger Z Infinity, algo que es de agradecer por los seguidores del anime clásico, y que reconforta a aquellos que han invertido su tiempo, y acicalado su infancia, con las aventuras de estos personajes. Es por ello que, aunque dentro de un orden, la película puede ser vista por cualquier neófito; en un primer instante este tipo de espectadores puede verse saturado por la aglomeración de personajes que ya tienen un pasado, y unos villanos deseosos de volver a esparcir el terror. No obstante, la película tiene su público muy enfocado, y son ellos, los seguidores de Mazinger, quienes más disfrutarán al ver a Shiro, el hermano pequeño de Koji, o al trio histriónico formado por Boss, Mucha y Nuke. Sin olvidar las múltiples referencias, algunas más evidentes que otras, a todo un pasado de destrucción urbana.

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Otro de los aspectos menos destacables, en opinión del que suscribe, es el discurrir de la primera mitad de la película, más expositiva, donde tienen lugar las conversaciones entre los personajes para informarnos de lo que está ocurriendo. Quizás por el contraste creado por las espectaculares batallas, amén de una narración descuidada, estas secuencias palidezcan de cierta forma, y den la sensación de estar más dilatadas de lo que debieran. En cuanto a la trama, no termina de estar bien explicados algunos elementos, especialmente todo lo referente al intercambio de dimensiones. La narración, en este sentido, queda levemente confusa. Igualmente, algunas salidas del tono “solemne” general pueden llegar a confundir, como las protagonizadas por las Mazin-Girls, o las maniobras llevadas a cabo por Robot Boss y los científicos Sewashi y Nossori. Esto es algo inherente al producto original, que también estaba aderezado con estos brotes cómicos. En cambio, ese tono “sosegado” de algunas de las secuencias antes mencionado, aunque necesario para un largometraje, choca contra la acción trepidante encapsulada en la serie.

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Asimismo, en el filme podemos encontrar una serie de mensajes, algunos más sutiles que otros, que pueden llamar la atención en mayor o menor grado dependiendo del grado de tolerancia del espectador. Por ejemplo, encontramos un marcado sentimiento “pro-familia”, una vertiente ecológica, la incapacidad del ser humano por convivir en paz, o quizás el más interesante, aquel sobre aprovechar el tiempo que se nos ha dado.

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Estéticamente, la animación se basa por un lado en la vertiente “humana”, realizada de forma más clásica, acorde con los estándares actuales del anime por interpolación, creando a su vez un extraño círculo de retroalimentación, influenciada por productos evolucionados del manga de Nagai como Neon Genesis Evangelion (Shin Seiki Evangerion, Hideaki Anno, 1995). Por otra parte, las secuencias protagonizadas por los robots se han realizado con una estética más potenciada por la animación por ordenador. Si bien se echa en falta esos trazos fuertes para las bestias mecánicas, presentes en la animación original, y que le daban ese toque salvaje, añejo y visceral, ciertamente estas nuevas visuales de los robots potencian su espectacularidad.

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En este sentido, se ha de mencionar, en opinión del que suscribe, la secuencia más deslumbrante de toda la película. Y es aquella en que Koji se pone de nuevo a los mandos de Mazinger, vuelve a surcar los cielos, y termina enfrentándose contra todos los fantasmas de su pasado robótico. Todo es vertiginoso, los planos son frenéticos, la violencia colosal despide impactos por doquier, y volvemos de golpe a ese estado de la niñez donde nos sorprendíamos y maravillábamos por las aventuras de nuestros héroes.

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Por supuesto, en eso tiene mucho que ver la banda sonora compuesta para la película por Toshiyuki Watanabe, hijo de Michiaki Watanabe, el compositor original de las series Mazinger Z y Gran Mazinger. Su vástago ya demostró su dominio musical a la hora de enmarcar a bestias gigantes, como demuestra sus excelentes composiciones para la trilogía de Mothra de los años noventa (lo mejor de aquellas películas, sin duda), y aquí subraya ese control. Con algunas melodías más suaves para momentos más cálidos, la verdadera fiereza de Toshiyuki se desata cuando rescata las melodías de su padre, dotándolas de un vigor inaudito, y que, al ver despegar de nuevo al Planeador, todos nuestros recuerdos afloren súbitamente, como si la llave que los contuviese dependiera de una contraseña musical. Posteriormente, durante la batalla, mientras Koji exclama en voz alta el uso de sus armas, y maldice de nuevo a alguno de sus antiguos contrincantes, la catarsis musical es total.

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En conclusión, con un desarrollo y espíritu tradicional, la película no pretende innovar. Su misión es revivir al gigante de hierro, con las mismas condicionantes que lo llevaron a la cima del anime. Por tanto, tal como cierra la película, Mazinger Z Infinity va dirigida a aquellos niños que disfrutaron con rocambolescas montañas de metal, que aún pueden emocionarse viendo espectaculares batallas contra el cielo azul mientras enérgicas melodías vitorean sus hazañas.

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Anécdotas

  • Lanzada aprovechando el 45 aniversario del estreno del anime original, Mazinger Z (Majingâ Zetto; 1972-1974).
  • Hay momentos del film en que se ven brevemente planos de la Sagrada Familia de Barcelona, la Torre de Pisa en Italia y la Torre Eiffel de París. Se supone que son guiños para los fans españoles, italianos y franceses.
  • Estrenada en Japón el 13 de enero de 2018. En España se estrenó el 19 de enero (tras un pre-estreno en Barcelona el pasado 13 de diciembre de 2017).

 

Octavio López Sanjuán (Alicante. España)

 

CALIFICACIÓN: ***

  • bodrio * mediocre ** interesante *** buena **** muy buena ***** obra maestra

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Estrenos de cine en España: 19-01-2018

Posted in Cine, Estreno on 19 enero, 2018 by belakarloff

120 pulsaciones por minuto (120 battements par minute). Francia 2017

Género: drama gay

Director: Robin Campillo

Actores: Nahuel Pérez Biscayart (Sean Dalmazo), Arnaud Valois (Nathan), Adele Haenel (Sophie), Antoine Reinartz (Thibault), Ariel Borenstein (Jérémie), Félix Maritaud (Max), Aloïse Sauvage (Eva)

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Los archivos del Pentágono (The Post). EE.UU. 2017

Género: histórica – thriller – drama

Director: Steven Spielberg

Actores: Meryl Streep (Kay Graham), Tom Hanks (Ben Bradlee), Sarah Paulson (Tony Bradlee), Bob Odenkirk (Ben Bagdikian), Bradley Whitford (Arthur Parsons), Bruce Greenwood (Robert McNamara), Alison Brie (Lally Graham)

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Europa. España 2017

Género: fantástica – drama

Director: Miguel Ángel Pérez Blanco

Actores: Alexei Solonchev, Virginie Legeay, Roman Rymar, Cristina Otero

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Las heridas del viento. España 2017

Género: drama

Director: Juan Carlos Rubio

Actores: Daniel Muriel (David), Kity Manver (Juan)

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El joven Karl Marx (Le jeune Karl Marx). Alemania, Francia, Bélgica 2017

Género: biográfica – drama – histórica

Director: Raoul Peck

Actores: August Diehl (Karl Marx), Stefan Konarske (Friedrich Engels), Vicky Krieps (Jenny von Westphalen-Marx), Olivier Gourmet (Pierre-Joseph Proudhon), Hannah Steele (Mary Burns), Alexander Scheer (Wilhelm Weitling), Ivan Franek (Mikhail Aleksandrovich Bakunin)

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El mar nos mira de lejos. España 2017

Género: documental

Director: Manuel Muñoz Rivas

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Mazinger Z Infinity (Mazinger Z). Japón 2017

Género: animación – ciencia ficción – acción

Director: Junji Shimizu

Actores: Natsuki Hanae (Shiro Kabuto (voz), Unshô Ishizuka (Dr. Hell (voz), Ai Kayano (Sayaka Yumi (voz), Masami Kikuchi (Nuke (voz), Shôtarô Morikubo (Kouji Kabuto (voz), Junpei Morita (Primer Ministro Yumi (voz), Bin Shimada (Dr. Nossori (voz)

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Me estás matando Susana (Me estás matando Susana). México 2016

Género: comedia dramática

Director: Roberto Sneider

Actores: Gael García Bernal (Eligio), Verónica Echegui (Susana), Ashley Hinshaw (Irene), Jadyn Wong (Altagracia), Björn Hlynur Haraldsson (Slawormir), Adam Hurtig (Bryan), Andrés Almeida (Adrian)

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Plan de chicas (Girls Trip). EE.UU. 2017

Género: comedia

Director: Malcolm D. Lee

Actores: Regina Hall (Ryan Pierce), Queen Latifah (Sasha Franklin), Jada Pinkett Smith (Lisa Cooper), Tiffany Haddish (Dina), Larenz Tate (Julian Stevens), Mike Colter (Stewart Pierce), Kate Walsh (Elizabeth Davelli)

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Salvando al reino de Oz (Urfin Dzhyus i ego derevyannye soldaty). Rusia 2017

Género: animación – fantasía

Director: Fyodor Dmitriev, Darina Shmidt, Vladimir Toropchin

Actores: Dmitriy Dyuzhev (Bear [voz]), Konstantin Khabenski (Urfin Jus [voz]), Sergey Shnurov (General [voz])

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Zama. Argentina, España, Francia, Países Bajos, EE.UU., Brasil, México, Portugal, Líbano, Suiza 2017

Género: drama

Director: Lucrecia Martel

Actores: Daniel Giménez Cacho (Don Diego de Zama), Lola Dueñas (Luciana Piñares de Luenga), Matheus Nachtergaele (Vicuña Porto), Juan Minujín (Ventura Prieto), Nahuel Cano (Manuel Fernández), Mariana Nunes, Daniel Veronese (Gobernador)

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Estrenos de cine en España: 12-01-2018

Posted in Cine, Estreno on 19 enero, 2018 by belakarloff

Call TV. España 2017

Género: thriller – comedia

Director: Norberto Ramos del Val

Actores: María Hervás (Lucía), Ismael Martínez (Charly), Álvaro Lafora (Hugo), Ana del Arco (Avril), Javier Albalá (Arsenio), Aroa Gimeno (Salma), Emilio Buale (Fernando)

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El extranjero (The Foreigner). EE.UU., RU 2017

Género: acción – thriller

Director: Martin Campbell

Actores: Jackie Chan (Quan Ngoc Minh), Pierce Brosnan (Liam Hennessy), Katie Leung (Fan), Michael McElhatton (Jim Kavanagh), Rufus Jones (Ian Wood), Mark Tandy (Simpson), Caolan Byrne (McCormick)

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El instante más oscuro (Darkest Hour). RU 2017

Género: biográfica – drama – histórica

Director: Joe Wright

Actores: Gary Oldman (Winston Churchill), Kristin Scott Thomas (Clemmie), Ben Mendelsohn (rey Jorge VI), Lily James (Elizabeth Layton), Ronald Pickup (Neville Chamberlain), Stephen Dillane (vizconde de Halifax), Nicholas Jones (Sir John Simon)

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The Jungle Bunch. La panda de la selva (Les as de la jungle). Francia 2017

Género: animación – comedia

Director: David Alaux

Actores: Paul Borne (voz), Philippe Bozo (voz), Pascal Casanova (voz), Laurent Morteau (voz), Emmanuel Curtil (voz), Michel Mella (voz), Céline Montsarrat ((Voz))

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Loving Vincent (Loving Vincent). RU, Polonia 2017

Género: animación – biografía – drama

Director: Dorota Kobiela, Hugh Welchman

Actores: Douglas Booth (Armand Roulin), Chris O´Dowd (Joseph Roulin), Saoirse Ronan (Marguerite Gachet), Jerome Flynn (Doctor Gachet), Eleanor Tomlinson (Adeline Ravoux), John Sessions (Pere Tanguy), Helen McCrory (Louise Chevalier)

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Most Beautiful Island (Most Beautiful Island). EE.UU. 2017

Género: thriller – drama

Director: Ana Asensio

Actores: Ana Asensio (Luciana), Natasha Romanova (Olga), David Little (Doctor Horowitz), Nicholas Tucci (Niko), Larry Fessenden (Rudy), Caprice Benedetti (Vanessa), Anna Myrha (Nadia)

CALIFICACIÓN: *

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Thi Mai – Rumbo a Vietnam. España 2017

Género: comedia

Director: Patricia Ferreira

Actores: Pedro Casablanc, Antonio Gil, Carmen Machi, Adriana Ozores, Pedro Miguel Martínez, Dani Rovira, Aitana Sánchez-Gijón

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Tres anuncios en las afueras (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri). EE.UU., RU 2017

Género: drama – thriller

Director: Martin McDonagh

Actores: Frances McDormand (Mildred), Caleb Landry Jones (Red Welby), Kerry Condon (Pamela), Sam Rockwell (Dixon), Woody Harrelson (Willoughby), Abbie Cornish (Anne), Peter Dinklage (James)

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First Man Into Space [tv: El primer hombre en el espacio] (1959)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña on 18 enero, 2018 by belakarloff

Durante unas pruebas de vuelo por parte de la aviación estadounidense, el piloto a cargo de ello se entusiasma y decide seguir el ascenso, para convertirse en el primer hombre en el espacio. Lo consigue, a costa de que la nave se estrelle. Sin embargo, él ha sobrevivido, pero convertido en algo deforme con ansias asesinas…

Dirección: Robert Day. Producción: Amalgamated Productions. Productores: John Croydon, Charles F. Vetter. Productor ejecutivo: Richard Gordon. Guion: John C. Cooper [John Croydon], Lance Z. Hargreaves [Charles F. Vetter], según un argumento de Wyott Ordung. Fotografía: Geoffrey Faithfull. Música: Buxton Orr. Montaje: Peter Mayhew. Dirección artística: Denys Pavitt. Efectos especiales: Flo Nordhoff, Karl-Ludwig Ruppel. Intérpretes: Marshall Thompson (comandante Charles Ernest Prescott), Marla Landi (Tia Francesca), Bill Edwards (teniente Dan Milton Prescott), Robert Ayres (capitán Ben Richards), Bill Nagy (jefe de policía Wilson), Carl Jaffe (Dr. Paul von Essen), Roger Delgado (cónsul mexicano, Ramón de Guerrera), John McLaren (Harold Atkins), Spencer Teakle, Chuck Keyser, John Fabian, Richard Shaw, Bill Nick, Helen Forrest, Roland Brand, Barry Shawzin, Mark Sheldon, Michael Bell, Sheree Winton, Franklyn Fox, Larry Taylor… Nacionalidad y año: Reino Unido 1959. Duración y datos técnicos: 77 min. B/N 1.66:1.

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En 1958 el actor estadounidense Marshall Thompson (Cult of the Cobra, It! The Terror from Beyond Space) trabajó para la productora británica Amalgamated Productions[1] en la película Fiend Without a Face (1958), de Arthur Crabtree. Era un intento de realizar un film que se hiciera pasar por norteamericano en el mercado internacional, y en particular en los propios Estados Unidos. Idéntica idea anima First Man Into Space [tv: El primer hombre en el espacio, 1959], ahora realizada por Robert Day (n. en 1922), veterano realizador británico iniciado pocos años antes con la comedia The Green Man (1956), co-dirigida con Basil Dearden, y que a lo largo de los años se haría cargo de títulos con esos mismos visos internacionales, como su largo ciclo de filmes de Tarzán, y que aportaría a la Hammer uno de sus clásicos con La diosa de fuego (She, 1965).

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El arranque de la presente película parece intentar emular a otras cintas de la época que buscaban reflejar de un modo más o menos realista la conquista espacial, tal como pudiera ser Con destino a la Luna (Destination: Moon, 1950), de Irving Pichel, o Riders to the Stars [tv: Viajeros a las estrellas, 1954], debut en la dirección del actor Richard Carlson, ayudado por Herbert L. Strock. Así, tenemos una serie de pruebas de vuelo por parte de la aviación norteamericana con el fin de estudiar la altitud que puede alcanzar un modelo experimental llamado Y-13. Sin embargo, el piloto, el teniente Dan Milton Prescott, algo alocado e inconsciente —tal como el Hal Jordan de la reciente Green Lantern (Green Lantern, 2011), de Martin Campbell— intenta convertirse en el primer hombre en el espacio, por lo cual toma vuelo ascendente para atravesar la ionosfera.

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Todo ello consume la media hora inicial de su metraje. A partir de ahí, y a consecuencia de los rayos cósmicos y polvo de meteoro, el piloto regresa convertido en un ser deforme, que ha de succionar la sangre de los seres vivos (y en especial de los humanos, faltaría más) para subsistir. La apariencia del monstruo semeja la víctima de un agresivo fuego, con todo el cuerpo ennegrecido y arrugado[2]. Esta parte de la trama es una copia evidente de la mítica El experimento del doctor Quatermass (The Quatermass Xperiment, 1955), de Val Guest. Aunque cabe decir que después sería inspiración para un clásico menor como es Viscosidad (The Incredible Melting Man, 1977), de William Sachs.

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En todo caso, resulta curioso y sorprendente comprobar cómo, una vez más, da la impresión de que este film debió sin duda ser visto por el guionista de cómic Stan Lee y utilizado como inspiración para una de sus creaciones. En esta ocasión se trata de Los Cuatro Fantásticos (Fantastic Four), que apareció en el número 1 de la revista del mismo nombre publicada por Marvel con fecha de noviembre de 1961. Así, aquí tenemos un astronauta con el ansia de ser el primer hombre en el espacio, actitud que anima de igual modo a Reed Richards. Y la misión acaba con un accidente, con el vehículo estrellado y su tripulación alterada por motivo de los rayos cósmicos. El protagonista de este film verá su cuerpo deformado y convertido en un monstruo, al igual que el Ben Grimm del supergrupo. Para mayor claridad, uno de los personajes de la película se llama Ben Richards, cuyo nombre y apellido daría apelativo a ambos héroes de la Marvel.

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Por lo demás, se trata de un film sencillito y efectivo, no demasiado estimulante pero tampoco despreciable, dirigida sin especial brillo pero tampoco con defectos llamativos. Un típico ejemplar de cine comercial de la época, ni mejor ni peor que muchos de entonces, pero que se deja ver con moderado interés.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: Satellite of Blood.
  • Título en México: El primer piloto del espacio.
  • El presupuesto del film fue de cien mil libras.
  • El actor Bill Edwards está doblado en la versión original.
  • Las escenas de vuelo son imágenes de archivo donde se identifica a Chuck Yaeger, primer piloto en romper la barrera de sonido.
  • Estrenada en el Reino Unido en febrero de 1959. En España quedó inédita, hasta un pase televisivo.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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[1] La escasa filmografía de la productora, creada por John Croydon (1907-1994), está conformada por el film de aventuras West of Suez (1957), de Keefe Brasselle (aunque en las copias británicas se acreditó a Arthur Crabtree), los terrores Grip of the Strangler [tv: El estrangulador fantasma, 1958], y Corridors of Blood [tv: Corredores de sangre/Pasillos de sangre, 1959], de Robert Day, y el thriller The Secret Man (1958), de Ronald Kinnoch, también protagonizado por Marshall. Y los dos aquí referidos, desde luego.

[2] El director, Robert Day, no estaba contento con esta particularidad. Sugirió que el piloto volviera del espacio trastornado psíquicamente, pero los productores preferían ofrecer a un monstruo.

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Gran jugada en la Costa Azul (Mélodie en sous-sol) (1963)

Posted in Cine, Reseña, thriller on 16 enero, 2018 by belakarloff

Charles acaba de salir de la cárcel. Su mujer le propone montar un negocio en la Costa Azul y así empezar una nueva vida. Pero Charles, que ya no es joven, no se conforma con poco y desea dar un último gran golpe que le permita retirarse a lo grande. Para ello tiene un plan perfecto para acceder a la caja fuerte de un casino en Cannes, que guarda una gran suma de dinero. Para llevar a cabo el mismo necesita alguien que lo ejecute, y para ello cuenta con la complicidad de Francis, un joven compañero de prisión.

Dirección: Henri Verneuil Producción: Cité Films, Compagnia Cinematografica Mondiale, Compagnie Internationale de Productions Cinématographiques. Productores: Jacques Bar, Jacques Juranville. Guion: Albert Simonin, Michel Audiard, según la novela de John Trinian [Zekial Marko]. Fotografía: Louis Page Música: Michel Magne Howard Montaje: Françoise Bonnot. Diseño de producción: Robert Clavel Intérpretes: Jean Gabin (Charles), Alain Delon (Francis Verlot), Claude Cerval (comisario de policía), Viviane Romance (Ginette), Henri Virlojeux (Mario), Jean Carmet (barman), José Luis de Vilallonga (M. Grimp), Rita Cadillac (Liliane), Jimmy Davis (Sam), Dominique Davray (Léone), Dora Doll (condesa Doublianoff), Germaine Montero (Mme. Verlot), Maurice Biraud (Louis Naudin), Carla Marlier (Brigitte)… Nacionalidad y año: Francia, 1963. Duración y datos técnicos: 118 min. B/N. 2,35:1

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“Billares Olympic Club, calle de la Jetée, con cinco fotos de carné, a poder ser con corbata”. Estas son las palabras que suelta Charles, un magnífico y ya otoñal Jean Gabin, que se ha tirado a la sombra cinco años en su última visita a prisión y que parece traerse algo entre manos como para poder retirarse; su tiempo ha tenido para calcularlo bien. Al otro lado del teléfono, Francis, un jovencito Alain Delon, ex compañero de Charles en el trullo, es la otra pieza que falta del puzle.

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Henri Verneuil viene de dirigir Un mono en invierno (Un singer en hiver, 1962) y anteriormente El presidente (Le président, 1961), ambas protagonizadas por Jean Gabin precisamente (en la primera de ellas también aparece Jean-Paul Belmondo, con el que trabajaría bastante). Repiten Michel Audiard en las labores de guion y Louis Page en la de fotografía. Más tarde, Gabin, Delon y Verneuil se volverían a ver las caras en El clan de los sicilianos (Le clan des siciliens, 1969).

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El film del cineasta de I…como Ícaro (I… comme Icare, 1979) está estructurado, tal como lo suelen estar este tipo de películas, en una primera parte de presentación y búsqueda de los integrantes del equipo, una parte central donde se lleva a cabo la planificación del golpe y una tercera donde se ejecuta el mismo, sin olvidar la resolución.

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Hay escenas y comentarios verdaderamente gozosos. Cabe destacar la escena donde se revelan las argucias por parte de Charles para poner a prueba al cuñado de Francis y saber si es un tío de fiar y con aguante. O aquel momento en que Francis recaba información al camarero de la piscina del hotel; la situación está llena de comentarios chispeantes y ciertamente divertidos.

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No te dejes maravillar por el mar, siempre estuvo allí”, “No te sorprendas de la piscina, ya que te diste tu primer chapuzón a los dos años”, son solo un par de las gemas que escupe el personaje del Jean Gabin cuando le enumera algunas de las bondades del hotel donde se va a alojar Francis para llevar a cabo su plan (voz en off y acción en paralelo por parte de Francis en la localización, frente por frente al objetivo del futuro atraco).

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Memorable escena aquella donde el trío se encuentra reunido en la habitación de un hotel para ultimar bien los detalles del plan. El protagonista de La gran ilusión (La grande illusion, Jean Renoir, 1937) aparece enfundado en un pragmático y llamativo pijama mientras da las últimas instrucciones. Comentarios punzantes soltados con desdén y cierta sensación de hastío en ellos.

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El cometido de Francis, el de poder acceder entre bastidores a través del acceso a un espectáculo que se está preparando, entronca muy bien con el físico del actor, lo que aprovecha el film, dando pie al Delon más seductor y canalla que tiene que lidiar y codearse con el mundillo de los artistas para ganarse el acceso y así aprovecharlo en el instante adecuado, llegando a intimar lo suficiente con una corista para soltarle algunas perlas: “Si le doy una patada a una palmera caen cincuenta zorras como tú” o “A las putas, a medida que se acerca el invierno, les gustan más las pieles“.

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Hablando del mundillo, y como anécdota, comentar que el espectáculo que se lleva preparando a lo largo de todo el filme, a la hora de mostrarse luce poco glamuroso, con poca chispa. Uno no sabe muy bien si es por el tiempo de la película (no creo, ya que he visto películas mucho más antiguas con números de lo más efervescentes) o porque de alguna manera ese rancio es buscado a propósito.

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La ejecución del robo debe marchar como una pieza de relojería. Charles pone el cerebro y Francis pone el físico. El sigilo, los antifaces, alguna que otra acrobacia, la parquedad en palabras y alguna arma en ristre parece ser la conjunción perfecta para que todo salga bien. El robo, que se desarrolla a lo largo de un buen puñado de minutos, trascurre sin apenas diálogos, fiel a la tradición de un clasicazo como es Rififi (Rififi, 1955) de Jules Dassin.

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Todo desemboca en un clímax imponente, con unos minutos finales casi insoportables por la tensión generada y donde la fatalidad hace acto de presencia, primero en forma de periódico y luego pervirtiendo de alguna forma ese lugar de diversión en el que sus protagonistas aspiran a abandonarse para siempre, y que se torna en puro reverso. Todo ello muy contenido y con una excelente planificación, que lo convierte en uno de esos finales que dejan verdadera huella.

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A nivel interpretativo, tenemos a un Alain Delon que, como hemos dicho, se encuentra en su salsa, más que correcto; sale airoso y con nota en el papel de ese pillo guaperas y seductor. Por otro lado, tenemos a un Jean Gabin que es todo laconismo, ironía y cuyo personaje denota cierto hastío, todo ello desde una gran economía interpretativa, valorándose mucho más.

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Una excelente fotografía en blanco y negro por parte de Louis Page, que junto a un lustroso Cinemascope, realza especialmente ese glamuroso ambiente del Cannes de los años sesenta. En el apartado de la música tenemos a Michel Magne, un compositor de cierto recorrido que tiene en su haber casi un centenar de composiciones para el cine, y que aporta eficacia al mismo.

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La cinta está trufada de suculentos detalles y recursos técnicos, especialmente la fantástica planificación que se hace en el uso de los espejos a lo largo de todo el film o ese travelling que recorre parte de la piscina y que finaliza enmarcando la silueta de Delon usando esa especie de ojo de buey de la propia base del trampolín. Y es que se aprovecha muchos de los instantes para enmarcar determinados elementos (por ejemplo, otro también ayudándose del brazo en jarras del propio Francis para encuadrar a su futura “presa”). El uso de picados y contrapicados, especialmente entre los bastidores, adelantando la dificultad de la misión o en las escenas del robo, o aquel efecto en el que el actor que protagonizó El silencio de un hombre (Le samourai, 1967) de Melville, cierra los ojos mientras va en coche.

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Anécdotas: 

  • En los EEUU, se llamó Any Number Can Win y en el Reino Unido, The Big Snatch. En Francia salió con Mélodie en sous-sol (Melodía en el sótano). Por su parte, el título para Latinoamérica: Cualquiera puede ganar.
  • La novela original de Zekial Marko lleva de nombre The Big Grab (1960), y que fue escrita bajo el seudónimo de John Trinian.
  • Henry Verneuil fue uno de los directores que estuvo en el punto de mira de los críticos (luego algunos ya directores de la nouvelle vague), siendo repudiado.
  • Existe una versión coloreada de la película, que además elimina 13 minutos de metraje.
  • La edición de DVD de Impulso, que es la que he podido comprobar, tiene una calidad de imagen bastante buena y respeta la proporción de imagen original, aunque tiene el defecto que contiene subtítulos en castellano solo en aquellas escenas que fueron censuradas en su época y que ahora han sido añadidas para la edición del DVD. Una auténtica pena. Parece ser que La casa del cine para todos sacó una edición que sí contiene subtítulos en castellano; eso sí, desconozco si con el metraje completo.
  • Estrenada en Francia el 19 de marzo de 1963. En España se estrenó el 7 de octubre de 1963, en Madrid.

 

Jesús Mayoral Velázquez de Castro

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“La Legión del Espacio” de Jack Williamson

Posted in Ciencia ficción, Literatura, Relatos on 15 enero, 2018 by belakarloff

Título: La Legión del Espacio

Autor: Jack Williamson

Traducción: Eduardo Goligorsky

Pie de imprenta: Barcelona: Martínez Roca, 1976

Colección: Super-ficción; nº 9

T.O.: The Legion of Space (1934/1947).

Género – materia: novela – CF – space opera – imperios galácticos

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Jack Williamson (1908-2006) fue uno de los nombres fundamentales de la modalidad, dentro de la ciencia ficción, denominada space opera, que hoy día está totalmente despreciada por los aficionados más puristas y hard del género, y por lo general se suele identificar el término con la mala literatura de ciencia ficción. La space opera[1] no busca efectuar una plasmación realista de los últimos adelantos científicos (lo cual en muchas ocasiones provoca novelas de una documentación extraordinaria, pero literariamente flojas o arduas), sino solo trasladar las características de cierto tipo de literatura de aventuras clásica, como pudiera ser, por ejemplo, Los tres mosqueteros (Les trois mousquetaires, 1844), de Alexandre Dumas padre, a ambiente espacial.

La obra más famosa de Williamson fue La Legión del Espacio, que se publicó en seis partes en la revista Astounding en 1934 y, tras su éxito, fue recopilada a modo de libro en 1947 por parte de Fantasy Press. En España lo conocimos gracias a Martínez Roca en 1976. Ese éxito, a su vez, condujo a que Williamson conformara una saga ambientada en ese universo. Así, en 1950 se publicó The Cometeers, que estaba compuesta por un serial en cuatro partes aparecido en Astounding en 1936, más otro serial, titulado One Against the Legion, ahora en tres partes, surgido en la misma revista en 1939. Precisamente en 1967 se editó otro libro titulado One Against the Legion, conformado por ese serial, más una historia escrita ex profeso, “Nowhere Near”. La saga fue completada en 1983 con una nueva novela escrita en esa época con el título de The Queen of the Legion. Dado el paupérrimo ambiente editorial de nuestro país solo está publicada aquí la primera entrega de la serie.

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La alusión más atrás a Los tres mosqueteros[2] no es gratuita, pues Williamson se inspiró en el clásico de Dumas para componer los personajes principales de esta primera novela. Así, el protagonista John Ulnar, también llamado John Starr, recién licenciado en la Legión, sería nuestro nuevo D’Artagnan espacial, acompañado de sus nuevos Athos, Porthos y Aramis, respectivamente Giles Habibula, el comandante Jay Kalam y Hal Samdu (cuyo apellido es un anagrama de Dumas). Por otro lado, Habibula es, a su vez, un personaje inspirado en el Falstaff de William Shakespeare[3]; otrora fue un criminal, y en la actualidad sirve como soldado de la Legión, tiene la habilidad de abrir cualquier cerradura y no para de comer y de beber, amén de padecer una verborrea incontenible.

Juntos intentan defender a una bella princesa, Aladoree Anthar, que posee un arma de poder inconmensurable, el AKKA, que es codiciado por los enemigos del Imperio, aliados con una malvada raza extraterrestre, los Medusae (medusas en la traducción), entidades gelatinosas que habitan un planeta de atmósfera tóxica y ciclópeas ciudades, lo cual ofrece ciertas connotaciones lovecraftianas. La trama de la princesa, sus defensores y los rebeldes al sistema han conducido a que no pocos acusen a George Lucas de plagiar de ahí la premisa de su primera película de la saga Star Wars, La guerra de las galaxias / Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza (Star Wars / Star Wars: Episode IV – A New Hope, 1977). Si bien hay ciertas similitudes a lo largo del film, acusar a Lucas de plagio me parece excesivo, pues el film del autor de THX 1138 [tv/dvd: THX 1138, 1971) participa de la inspiración de muchas constantes de la space opera, el cómic Flash Gordon de Alex Raymond en cabeza, pero conformando un universo propio y característico.

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Jack Williamson

La novela no es una obra maestra, pero sí un ejemplar divertido, dinámico, entretenido y correcto de la corriente que representa, y su estructura de serial, con sus consiguientes cliffhangers, capta el interés, haciendo que la lectura sea rápida y se devore en un instante. Es una lástima, insisto, que el resto de las entregas de la saga no estén disponibles en nuestro país. Esperemos que pronto alguna editorial con ganas de salirse de la rutina nos ofrezca estos clásicos de la ciencia ficción.

Carlos Díaz Maroto

 

[1] El término fue acuñado por el fan (y después excelente escritor) Wilson Tucker en un artículo en 1942, y de hecho con carácter peyorativo. Véase: TUCKER, Bob: “Depts of the Interior”. Le Zombie 4 (1 (36)); enero de 1941.

[2] Precisamente Los tres mosqueteros apareció también publicada a modo de serial, en el periódico Le Siécle, entre marzo y julio de 1844.

[3] Falstaff aparece en tres obra del autor de Macbeth: las dos partes de Enrique IV (Henry IV, 1598/1623) y Las alegres comadres de Windsor (The Merry Wives of Windsor, 1602). Muy famosa es la encarnación por parte del gran Orson Welles en la magistral película Campanadas a medianoche / Chimes at Midnight (1965), con una apariencia idéntica al que ofrece un cuadro de Eduard von Grützner.

 

 

“El buque maldito” #28 ¡Ya disponible!

Posted in Cine, Fanzines, Noticias on 15 enero, 2018 by belakarloff

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Ya está a la venta el nuevo número del fanzine El Buque Maldito.

Centramos gran parte de su contenido en la crónica de la cincuenta edición del SITGES – Festival Internacional de Cinema Fantàstic de Catalunya y la XXVIII Semana de Cine Fantástico y de Terror de San Sebastián.

El reportaje del SITGES 2017 viene acompañado de las entrevistas a Tony Isbert (Nadie oyó gritar), Hélène Cattet & Bruno Forzani (Amer), Jaume Balagueró (Mientras duermes), Paul Urkijo (Errementari, el herrero y el diablo), Can Evrenol (Baskin) y Nick Antosca (Channel Zero).

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Tony Isbert

A la crónica de la Semana 2017 le siguen las interviús con la mítica actriz María José Cantudo y con el realizador Arturo de Bobadilla, artífice de la oculta Los resucitados.

En paralelo a los certámenes cinematográficos podréis leer una extensa entrevista con el director Paco Plaza centrada en su última película, Verónica; y con Fabio Frizzi y Antonella Fulci tras el encuentro el pasado mes de septiembre en la onceava edición del certamen Fimucité – Festival Internacional de Música de Cine de Tenerife.

PVP: 3,50€ + gastos de envío. 54 páginas.

También disponibles los últimos ejemplares de los números 23, 26 y 27.

 www.elbuquemaldito.com

PUNTOS DE VENTA:

FREAKS

C/. Ali Bei, nº10

Barcelona

 

ARKHAM COMICS

C/. Xuclà, nº16

Barcelona

 

CINEMASCOPE

C/. Torrent de l’olla, 101

Barcelona