“Ojos verdes, negra sombra”, de Javier Quevedo Puchal

Posted in Fantasía, Literatura, Otros géneros, Reseña on 19 abril, 2018 by belakarloff

Ojos verdes, negra sombra; por Javier Quevedo Puchal;  portada y fotografías interiores de Fernando Villanueva Martín-Consuegra; prólogo de María Concepción Regueiro; ensayo de José Ángel de Dios. Ondara: Dilatando Mentes Editorial, 2018. Colección: Línea General; s/n.

  • Género – materia: drama – fantasía – poderes psíquicos – Santa Compaña – seres feéricos

PORTADA PARA CABECERA BLOG

 

En el prólogo escrito por María Concepción Regueiro, la autora relaciona esta novela de Quevedo Puchal con la película Lejos del cielo, en lo que se refiere a echar una mirada actual a una historia concebida con los mimbres del pasado. No es desventurada la comparación, pero existe otro filme que podría considerarse mucho más cercano en espíritu y forma a Ojos verdes, negra sombra, como es Las cosas del querer. Casi podría verse la presente obra como un reverso tenebroso de la cinta de Jaime Chávarri; en los elementos que unifican una y otra creación artística podría considerarse el uso de la copla como elemento narrativo de fondo (aunque en la película es, también, la base argumental), la homosexualidad, la huida de algún personaje para escapar de algo a lo que está ligado o la misma relación entre diversos personajes. Si Las cosas del querer 2 trasladaba la acción de España a Argentina, en Ojos verdes, negra sombra tenemos un arranque en Andalucía, para después reasentar la trama a la misteriosa Galicia.

Quevedo Puchal es un amante del fantastique, y eso se percibe. Pese a que, realmente, pocas de sus obras —al menos de las que yo he leído— se internan de forma desprejuiciada en el mismo. O, mejor dicho, su aproximación nunca es directa, sino esquinada. Inclusive en sus relatos pertenecientes a los Mitos de Cthulhu[1] su acercamiento está más concebido a partir del desarrollo de los personajes —algo que nunca fue virtud de H. P. Lovecraft— que de los grilletes que articulan los arquetipos temáticos de los relatos sobre los Primordiales.

Aquí, nuevamente, Quevedo crea unos personajes con urdimbres de hierro, con una psicología muy elaborada. Es a partir de ello, y de sus reacciones, que se va conformando la historia, que se crea la trama en la cual ellos se ven implicados. Una historia, a primera vista, que podría verse como una película española de los años treinta protagonizada por Imperio Argentina… en sus cuarenta primeras páginas, pero que después, cuando viaja hacia el norte, parecer más propio de una historia de Wenceslao Fernández Flórez, mas despojada de humor.

Poco a poco, pues, de un modo imperceptible, la atmósfera numinosa y sobrenatural que inunda el ambiente se va apoderando de la narración. Y eso que, desde el inicio, percibimos que algo anómalo acontece, desde la visita de la protagonista a las tres hermanas con fama de brujas, y los propios “poderes” que parece detentar aquélla.

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El autor

 

Es, sin embargo, y como decíamos, cuando Aurelia y su hermano Liberto se trasladan al norte, cuando la atmósfera fantástica va empapando el ambiente, como el relente nocturno va brotando al amanecer. En ese entorno los personajes se abrirán a una realidad mágica, mientras intentan solventar las situaciones aciagas que acontecen. El autor, además, incorpora dos lecturas a todo lo que acontece, una mágica y otra realista, pudiendo el lector adaptar la interpretación a lo que le sea más grato.

Quevedo Puchal utiliza una prosa sentida, que busca evocar el tono de una obra que pudiera haberse escrito en aquel entonces, pero sin resultar rancia ni forzada. Además, tiene la envidiable capacidad de lograr agarrar al lector y que este no se suelte durante toda la narración, disfrutando de la historia en su totalidad. Una joya, que tiene un final palpable, por lo cual sugerir una secuela se hace innecesario y forzado, aunque sería interesante que desarrollara otra historia con otros personajes en el mismo entorno.

El libro es como un buen DVD, es decir, aparte de la obra principal incorpora jugosos extras. Destaquemos, ante todo, la tipografía empleada en componer el texto, y que semeja propia también de la época, pareciendo proceder de una linotipia antigua. Amén del prólogo referido tenemos una serie de fotografías realizadas ex profeso por el artista Fernando Villanueva Martín-Consuegra, salvo la portada, que no se realizó para el libro, pero el autor la vio en la colección de su autor y le pareció perfecta. Se añade un ensayo, muy interesante, pero lamentablemente corto, de José Ángel de Dios, centrado en la mitología gallega. Y se añade, por lo demás un relato más de Quevedo Puchal, escrito hace años y que sirve de precedente para presentar un personaje que aparece en la novela (pero que es preferible leer después, tal como está maquetado).

En resumen, una joya, como ya dije.

Carlos Díaz Maroto

 

CALIFICACIÓN: *****

  • bodrio * mediocre ** interesante *** buena **** muy buena ***** obra maestra

 

[1] “YGST”. En Los nuevos mitos de Cthulhu; recopilación de  Rubén Serrano Calvo. Sevilla: Edge Entertainment, 2011. Colección: Los Mitos de Cthulhu; s/n. “Las flores de Tefía”. En Las mil caras de Nyarlathotep; recopilación de  Rubén Serrano Calvo. Sevilla: Edge Entertainment, 2012. Colección: Los Mitos de Cthulhu; s/n.

 

 

 

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“Ópera prima: de la independencia al blockbuster”, un libro coordinado por Miguel Ángel Plana

Posted in Ciencia ficción, Cine, Libros de cine, Noticias, Otros géneros, thriller on 17 abril, 2018 by belakarloff

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En la historia del cine han existido directores que, desde las propuestas más atrevidas e independientes, han realizado óperas primas que sirvieron como preludios de carreras posteriores más o menos exitosas y acordes a las expectativas despertadas. A finales del siglo pasado y comienzos de este surgió una generación de cineastas que se acercó al sistema no con la intención de desbancarlo, sino de entrar en él con pleno derecho.

Este libro se centra en una muestra selecta de esta estirpe de directores, que incluye nombres como Cristopher Nolan, Nicholas Winding Refn, Darren Aronofsky o Duncan Jones. A algunos de ellos les ha bastado un solo film para ser engullidos por la maquinaría, otros han seguido manteniendo su independencia a pesar de los presupuestos millonarios, y unos pocos se han convertido en fenómenos taquilleros casi sin proponérselo.

A través del análisis de expertos en la materia, el volumen explica qué ha quedado de la personalidad de estos autores una vez integrados en la industria de Hollywood, hasta qué punto la política del blockbuster ha fulminado su personalidad o de qué manera han seguido siendo independientes y manteniendo la identidad expuesta en sus óperas primas.

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Christopher Nolan

 

PRÓLOGO DE MIGUEL ÁNGEL VIVAS.

COORDINADO POR MIGUEL ÁNGEL PLANA.

TEXTOS DE CARLOS DÍAZ MAROTO, ÁNGEL GÓMEZ RIVERO, JESÚS PARRADO, MIGUEL ÁNGEL PLANA, MONTSE ROVIRA, CARLOS BENÍTEZ SERRANO, JOSÉ LUIS SALVADOR ESTÉBENEZ Y JAIRO SOBRINO RUBIO.

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Duncan Jones

 

 

Posted in Cine, Festivales, Noticias, Terror on 13 abril, 2018 by belakarloff

‘LOS EXTRAÑOS. CACERÍA NOCTURNA’ DE JOHANNES ROBERTS, INAUGURARÁ EL FESTIVAL DE CINE FANTÁSTICO DE BILBAO – FANT.

PRÓXIMO ESTRENO EN CINES EL 1 DE JUNIO.

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‘LOS EXTRAÑOS. CACERÍA NOCTURNA’, la última película del director estadounidense Johannes Roberts (47 metros), será la película que inaugurará la 24ª edición del Festival de cine Fantástico de Bilbao – FANT.

El experimentado director en cine de género Johannes Roberts se une Bryan Bertino, escritor y director de la primera entrega de Los extraños protagonizada por Liv Tyler (El señor de los anillos) y Scott Speedman (Underworld), para volver a aterrorizarnos con el regreso de “El hombre de la máscara”, “Dollface” y “Pin-up Girl”.

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‘LOS EXTRAÑOS. CACERÍA NOCTURNA’ está protagonizada por Christina Hendricks (Drive), Martin Henderson (Everest), Bailee Madison (No tengas miedo a la oscuridad) y Lewis Pullman (Lean on Pete). Cuando Cindy y su marido Mike deciden cambiar de vida y emprender un viaje con su rebelde hija adolescente Kinsey y su hijo Luke, lo que comenzó como una aventura familiar terminará convirtiéndose en su peor pesadilla. En un alejado campamento, unos golpes en la puerta de su caravana serán el inicio de una terrorífica noche. Tres enmascarados les obligarán a unirse para luchar por sus vidas.

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En palabras de su director: “Con esta película, no quería confiar en los sustos para hacer que el público reaccionase. No quería que alguien saliera de la oscuridad cuando menos te lo esperas e hiciera ‘¡Bu!’. Esta es una película de terror puro, con una atmósfera muy especial”.

‘LOS EXTRAÑOS. CACERÍA NOCTURNA’ llegará a nuestras pantallas el 1 de junio, tras su paso por el FANT.

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Estrenos de cine en España: 13-IV-2018

Posted in Cine, Estreno on 13 abril, 2018 by belakarloff

Alma mater (Insyriated / Une famille syrienne)

Bélgica, Francia, Líbano 2017

Género: drama social

Director: Philippe Van Leeuw

Actores: Hiam Abass (Oum Yazan), Diamand Bou Abboud (Halima), Juliette Navis (Delhani), Mohsen Abbas (Abou Monzer)…

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Blue Rai

España 2017

Género: acción – comedia

Director: Pedro B. Abreu

Actores: Pep Ambrós (Carlos), Santi Bayón (Rai García), Geoffrey Cowper, Fina Dómenech (señora Concha), Ignasi Guasch (Joaquín)…

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El buen maestro (Les grands esprits)

Francia 2017

Género: comedia dramática

Director: Olivier Ayache-Vidal

Actores: Denis Podalydès (François Foucault), Abdoulaye Diallo (Seydou), Marie-Julie Baup, Léa Drucker (Caroline)…

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Cariño, yo soy tú (L’un dans l’autre)

Francia 2017

Género: comedia – fantasía

Director: Bruno Chiche

Actores: Stéphane De Groodt (Pierre), Louise Bourgoin (Pénélope), Aure Atika (Aimée), Pierre-François Martin-Laval (Eric)…

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La casa torcida (Crooked House)

Reino Unido 2017

Género: misterio – thriller

Fecha de estreno: 13/04/2018

Director: Gilles Paquet-Brenner

Actores: Max Irons (Charles Hayward), Stefanie Martini (Sophia de Haviland), Glenn Close (Lady Edith de Haviland), Terence Stamp. Julian Sands, Gillian Anderson…

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La delgada línea amarilla (La delgada línea amarilla)

México 2015

Género: drama social – drama metafísico

Director: Celso R. García

Actores: Damián Alcázar (Toño), Joaquín Cosio (Gabriel), Silverio Palacios (Atayde), Gustavo Sánchez Parra (Mario)…

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Los hambrientos (Les affamés)

Canadá 2017

Género: terror

Director: Robin Aubert

Actores: Marc-André Grondin (Bonin), Monia Chokri (Tania), Micheline Lanctôt (Pauline), Marie-Ginette Guay (Thérèse)…

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Heartstone: Corazones de piedra (Hjartasteinn / Heartstone)

Islandia, Dinamarca 2016

Género: drama social – drama gay

Director: Guðmundur Arnar Guðmundsson

Actores: Baldur Einarsson (Þór), Blær Hinriksson (Kristján), Diljá Valsdóttir (Beta), Katla Njálsdóttir (Hanna), Jónína Þórdís…

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Leo Da Vinci: Misión Mona Lisa (Leo Da Vinci: Mission Mona Lisa)

Italia 2018

Género: animación – comedia – aventuras

Director: Sergio Manfio

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Matar a Jesús (Matar a Jesús)

Colombia 2017

Género: drama – thriller

Director: Laura Mora Ortega

Actores: Natasha Jaramillo (Paula), Giovanny Rodríguez (Jesús), Camilo Escobar (Jose Maria), Carmenza Cossio (Alicia)…

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October (October)

India 2018

Género: drama

Director: Shoojit Sircar

Actores: Varun Dhawan (Danish Walia), Gitanjali Rao, Banita Sandhu (Shiuli), Sahil Vedoliyaa (Manjeet)…

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Proyecto Rampage (Rampage)

EE.UU. 2018

Género: acción – fantasía – aventuras

Director: Brad Peyton

Actores: Dwayne Johnson (Davis Okoye), Jeffrey Dean Morgan (Agente Russell), Malin Akerman (Claire Wyden), Joe Manganiello…

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Rabbit School. Los guardianes del huevo de oro (Die Häschenschule: Jagd nach dem goldenen Ei)

Alemania 2017

Género: animación – aventuras

Director: Ute von Münchow-Pohl

Actores: Noah Levi (Max (voz)), Senta Berger (Madame Hermine (voz)), Friedrich von Thun (Eitelfritz (voz)), Jenny Melina Witez…

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El sueño de las lagartijas

España 2018

Género: comedia

Director: Pedro Pérez Rosado

Actores: María Minaya, Lola Moltó, Ximo Solano…

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Dinosaurus! [tv: Dinosaurio] (1960)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Reseña on 10 abril, 2018 by belakarloff

En una isla del Caribe se están realizando explosiones submarinas destinadas a unas obras para crear un puerto. Sin embargo, éstas provocan que aparezcan desenterrados del fondo marino, y congelados, un tiranosaurio, un brontosaurio y un hombre de Neanderthal, que al poco revivirán a causa de una cálida lluvia tropical.

Dirección: Irvin S. Yeaworth Jr. Producción: Fairview Productions. Productor: Jack H. Harris. Co-productor: Irvin S. Yeaworth Jr. Guion: Dan E. Weisburd, Jean Yeaworth, según una idea de Jack H. Harris. Fotografía: Stanley Cortez. Música: Ronald Stein. Montaje: John A. Bushelman. Dirección artística: Jack Senter. Efectos especiales: Tim Baar, Wah Chang, Gene Warren (efectos especiales fotográficos), Marcel Delgado (constructor del modelo de dinosaurio), Tom Holland, Phil Kellison, David Pal, Don Sahlin (animación por stop-motion), Ralph Rodine (ayudante de camera para stop-motion). Intérpretes: Ward Ramsey (Bart Thompson), Paul Lukather (Chuck), Kristina Hanson (Betty Piper), Alan Roberts (Julio), Fred Engelberg (Mike Hacker), Wayne C. Treadway (Dumpy), Lucita Blain (Chica), Howard Dayton (Mousey), Jack Younger (Jasper), James Logan (T. J. O’Leary), Wilhelm Samuel, Gregg Martell (el Neanderthal), Jack H. Harris… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1960. Duración y datos técnicos: 89 min. color 2.35:1.

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El productor Jack H. Harris fue uno de los nombres fundamentales del cine fantástico de serie B a partir de finales de los cincuenta, cuando debutó con el sobrevalorado clásico The Blob [tv/vd/dvd: La masa devoradora, 1958], dirigida por Irvin S. Yeaworth Jr., que se convertiría en un realizador habitual en sus productos.

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Dinosaurus! parte de un planteamiento muy familiar, derivado de una idea del propio productor, que convierten en guion Dan E. Weisburd y Jean Yeaworth. El primero fue un poco activo director de documentales y guionista televisivo, y esta fue su única incursión en el cine de ficción; la segunda era esposa del director, y fue supervisora musical de tres películas de su marido —La masa devoradora, 4D Man (1959) y Way Out (1967)­—, y guionista en otras tres —The Flaming Teenage (1956), la presente y Way Out—.

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Juntos pergeñan una historia muy sencilla, que pronto se divide en diversos frentes, con la gente dispersa debido a la presencia de los dinosaurios. Así, tenemos por un lado a los dos capataces de la obra, que liderarán un grupo que busca refugio en unas antiguas ruinas; por otro lado, el del clásico niño entrometido que parece inevitable en todo film de dinosaurios, que escapa del control de un tutor despótico y se pierde en la jungla; después tenemos a ese tutor, un individuo desalmado que, en unión a dos ayudantes algo tontos desean hacerse con el Neanderthal para explotarlo comercialmente; y el propio Neanderthal, una figura tragicómica que deambulará por un mundo que no comprende. A lo largo del film se producen encuentros y desencuentros entre todos estos grupos.

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El objetivo es, sin duda, un film familiar, de ahí que los ataques del tiranosaurio no sean excesivamente violentos: ataca un coche y a sus ocupantes, pero solo vemos cómo aplasta el vehículo, y luego tenemos el socorrido enfrentamiento entre los dos animales prehistóricos. Por otro lado, el niño del film, Julio —que recuerda bastante a otro niño mexicano, Juanito, que aparecía en la previa y muy atractiva The Black Scorpion (1957), de Edward Ludwig, y precedente del de The Valley of Gwangi [tv/dvd: El calle de Gwangi, 1969], de Jim O’Connolly— busca la complicidad del público infantil que vaya a ver la película, y que debe inspirar compasión y/o simpatía, y además es el que da lecciones de paleontología a los héroes, a través de unos muñequitos que colecciona. Y el personaje del Neanderthal está, en esencia, para convocar diversos números cómicos, algunos de los cuales, pese a su infantilismo, la verdad es que son simpáticos. También resulta entrañable el comportamiento de lealtad que detentará el cavernícola. Por cierto que, en vista de cómo maneja al brontosaurio, utilizándolo a modo de montura, el film da a entender que compartió época con los dinosaurios, constante de muchas películas prehistóricas desde tiempos del cine mudo.

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Por supuesto que a un film de semejantes características no se le puede pedir más de lo que pretende, siendo una obra menor y simpática que solo busca entretener a un público heterogéneo sin excesivas exigencias. Lo más destacado es su excelente fotografía debida a uno de los mitos del cine, Stanley Cortez (1908-1997), que trabajó en filmes como El cuarto mandamiento, Desde que te fuiste, Secreto tras la puerta, El hombre de la Torre Eiffel, The Neanderthal Man, La noche del cazador, The Angry Red Planet o Corredor sin retorno. Por cierto que fue despedido del rodaje del Chinatown de Polanski por no aportar las texturas que el realizador polaco requería.

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Por lo demás, el film interesará a los aficionados al cine de efectos especiales con cierta perspectiva histórica, pues en él confluyen nombres fundamentales como el modelista Marcel Delgado, habitual colaborador de Willis O’Brien, o Tim Baar, Wah Chang y Gene Warren, pertenecientes al equipo de George Pal, cuyo hijo David también trabaja aquí.

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Anécdotas

  • Título en México: Dinosaurio.
  • Los asesores técnicos de la película fueron los escritores de ciencia ficción Alfred Bester y Algis Budrys.
  • El presupuesto estimado del film fue de 450.000 dólares.
  • Inicialmente, el protagonista previsto era Steve McQueen, que ya había trabajado para el mismo productor y director en La masa devoradora, pero como era de un trato tan difícil decidieron prescindir de él.
  • El productor Jack H. Harris aparece en un pequeño cometido como un turista a bordo de un bote.
  • Durante el rodaje, el modelo de brontosaurio fue también aprovechado para rodar un mítico episodio de la serie Dimensión desconocida (The Twilight Zone; 1959-1964) titulado “The Odyssey of Flight 33”. También se empleó el metraje de los dinosaurios en la serie televisiva It’s About Time (1966-1967).
  • Marcelo Delgado solicitó al estudio de cinco a seis semanas para confeccionar los dos modelos de dinosaurio, pero dos semanas después le dijeron que empezaban a rodar el martes.
  • La editorial DELL realizó ese mismo año una versión de la película a cómic, en el número 1120 de la colección Movie Classic, obra de Jesse Marsh.
  • Estrenada en Estados Unidos, el 10 de agosto de 1960, en programa doble con el thriller británico S.O.S. Pacífico (SOS Pacific, 1959), de Guy Green. En España no se estrenó, y ha sido emitido solo ocasionalmente por las televisiones autonómicas.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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La Tumba de las Luciérnagas: Guerra sin pan

Posted in Animación, Artículo, Bélico, Cine, Fantasía, Otros géneros on 9 abril, 2018 by belakarloff

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Con motivo de la muerte del cineasta japonés Isao Takahata ofrecemos aquí un artículo por parte de J. P. Bango, ya publicado con anterioridad, y centrado en esta bellísima película, y que nos ofrece revisado para Pasadizo. Muchas gracias.

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Isao Takahata, veterano director televisivo responsable de series como Heidi, Marco o Ana de las Tejas Verdes, y cofundador del estudio Ghibli junto a Hayao Miyazaki y Toshio Suzuki, concibe la realización de una película de animación de carácter instructivo basada en la novela de corte biográfico de Akiyuki Nosaka, La Tumba de las Luciérnagas[1]. De forma paralela, y para compartir gastos, el estudio Ghibli financia una de las obras más personales de Hayao Miyazaki, Mi Vecino Totoro, una historia con no pocos elementos en común con la cinta de Takahata, a pesar de que sus pretensiones y resultado final parezcan (solo eso) singularmente opuestos. El paso del tiempo termina por complementarlas y, juntas, compondrán un díptico claramente valioso, si bien será La Tumba de las Luciérnagas, una película preñada de un pesimismo furibundo, la que va a concentrar una mayor dosis de desesperanza en su entramado cuando niega no ya la posibilidad de un final feliz (impensable en una historia como ésta), también al sentirse incapaz de encontrar un resquicio amable que nos reconcilie, si acaso tangencialmente, con la naturaleza destructiva que define al hombre como especie. No en vano, uno de los ítems característicos de la obra del autor nipón.

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Un bombardeo norteamericano en mitad de un poblado japonés (estamos en plena Segunda Guerra Mundial) separa el destino de dos hermanos, Seita (catorce años) y Setsuko (de cuatro), y de su madre, que finalmente acabará muriendo fruto de las quemaduras producidas por las bombas incendiarias. En esa situación de orfandad, y tras deambular por los restos de su antigua aldea, los dos hermanos se trasladan con unos familiares lejanos como almas en pena, sin saber muy bien qué pasa a su alrededor, mientras van sufriendo, de primera mano, las consecuencias desastrosas que lleva aparejada cualquier guerra ya sea en forma de bombardeos arbitrarios, de racionamientos de comida, de escasez generalizada o, todavía peor, habida cuenta su condición menesterosa, del recelo de la viuda que los hospeda, que ve en los dos pequeños una amenaza cierta a su propia pervivencia. Obligados por las circunstancias, los dos hermanos tratan de recomponer sus vidas al margen de los otros, viéndose impelidos a buscar refugio en una gruta cavernosa ubicada junto a un lago trufado de luciérnagas y piojos, que, a pesar de su naturaleza idílica, terminará exacerbando sus penurias alimenticias, higiénicas y existenciales.

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Víctimas colaterales de una contienda belicosa que los ha convertido primero en huérfanos y después en fantasmas sin hogar, espectadores pasivos de una historia truculenta, los dos hermanos se enfrentan a su realidad como buenamente pueden, cada vez más conscientes de la desesperanza que abate su futuro, enjugando sus lágrimas, porque no pueden hacer otra cosa, y añorando aquel tiempo en el que, por ejemplo, no tenían que vender las ropas de su madre para comprar arroz. Sin embargo, los niños no dejan de serlo en medio de la precariedad en la que se subsumen: construyen columpios, nadan en las playas, cazan luciérnagas…

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Takahata construye una película asaz turbadora, en absoluto indulgente, tan triste que se ve (como se lee la novela) con una punzada incesante en el corazón. Algunas de sus soluciones narrativas duelen tanto como el vientre, sembrado de guijarros, de la pequeña Setsuko. Pero duelen más aún las acciones en las que se ven envueltos los protagonistas, la irreprimible desazón que proyectan algunas de sus secuencias. Y es que nunca antes las consecuencias de una guerra, aquí más que nunca maldita, se filmó de un modo tan desgarrador que en esta película de animación de Isao Takahata. Seita, autoerigido protector de su hermana, se ve obligado a robar para conseguir comida; sufrirá entonces sobre sus costillas el apaleamiento de los propietarios; también el desdén de un pueblo orgulloso que se niega a claudicar a pesar de los pesares. Las consecuencias de todas esas decisiones que Seita toma resultan particularmente aciagas para ambos, no ya porque su hermana no podrá conseguir el remedio nutritivo que su enteritis exige, también porque nunca será capaz de revertir su condición de víctima azarosa de una realidad sociológica que, como epítome más cruento, se niega a prestar ayuda a los hijos de ese soldado que dio su vida por ellos.

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Takahata define la supervivencia en términos de casualidad. La calle se puebla de niños que juegan animosamente junto a los cuerpos calcinados de esos otros que no tuvieron la misma suerte, antes de regresar a las casas que permanecen intactas. En este ecosistema destruido, el autor nipón encuentra un gozoso espacio para los simbolismos al dotar de expresividad dramática a algunos objetos cotidianos, por ejemplo, a la caja de caramelos ajada que termina por convertirse en protagonista emocional de la película o, en su propio contexto, al pequeño cofre de mimbre que guarda las cenizas de la madre y que Seita lleva consigo a todos los lados. No menos importancia simbólica adquiere el enjambre de luciérnagas que alumbra la cueva al aportar una tenue luz a una realidad más bien obscura; o cuando se transforman en las bombas que vomitan los aviones al atardecer; o al evocar, silenciosamente, la silueta de un barco en el que podía estar viajando el padre de ambos; o al posar sus estómagos bioluminiscentes sobre la techumbre de esa gruta que semeja, de repente, un firmamento de estrellas inalcanzable.

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Sin embargo, el componente lírico de La Tumba de las Luciérnagas también se deja tentar por los efectismos, por ejemplo, cuando se muestra abiertamente el cadáver putrefacto de la madre, repleto de gusanos califóridos y vendas ensangrentadas, antes de ser enterrado en una fosa colectiva frente a la mirada de un niño (que jamás volverá a ser un niño) condenado a reprimir el llanto para no sabotear la integridad emocional de su pequeña hermana. Es, precisamente, esa singular atención a los comportamientos afectivos la que termina de definir una película singularmente emotiva que tiene su principal leitmotiv en el dolor inexorable que originan los bandos en contienda más allá de las trincheras. Con toda justicia, termina resultando una de las películas más tristes de la historia. Ninguno de los que la han visto podrá olvidarla nunca. Así se las gasta el Cine con los relatos que parten (d)el corazón como este La Tumba de las Luciérnagas del gran Isao Takahata.

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La tumba de las luciérnagas  (1988)

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Dirección: Isao Takahata. Producción:  Shinchosha Company, Studio Ghibli. Productores: David Del Rio, Toru Hara, Stephanie Shalofsky. Productores ejecutivos: Joey Goubeaud, John Ledford, Eiichi Takahashi. Guion: Isao Takahata, según la novela de Akiyuki Nosaka. Fotografía: Nobuo Koyama. Música: Michio Mamiya. Montaje: Takeshi Seyama. Dirección artística: Nizô Yamamoto. Intérpretes: Dibujos animados, con las voces (en la VO) de Tsutomu Tatsumi (Seita),  Ayano Shiraishi (Setsuko), Yoshiko Shinohara (madre), Akemi Yamaguchi (tía), Tadashi Nakamura… Nacionalidad y año: Japón 1988. Duración y datos técnicos: 89 min. Color 1.85:1.

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© J.P. Bango, 2018 (Ávila, España)

[1] La tumba de las luciérnagas ; Las algas americanas; por Akiyuki Nosaka; traducción de Lourdes Porta y Junichi Matsuura. Barcelona: Acantilado, 2007. Colección: Narrativa del Acantilado; nº 112. T.O.: Hotaru no Haka (1967); Amerika Hijiki (1967).

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Ready Player One (Ready Player One) (2018)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña on 6 abril, 2018 by belakarloff

Es el año 2045. Wade es un adolescente que vive en los suburbios de Columbus junto a su tía. Para evadirse de la deprimente realidad suele sumergirse en Oasis, un mundo digital creado por Halliday, un excéntrico multimillonario. Después de fallecer este último, en su testamento deja toda su fortuna y el control total de su creación a aquella persona que sea capaz de encontrar una serie de tesoros dentro de su propia creación. A partir de entonces Wade deberá hacer frente a todo tipo de rivales por dicho premio.

Dirección: Steven Spielberg. Producción: Amblin Entertainment, De Line Pictures, Farah Films & Management, Reliance Entertainment, Village Roadshow Pictures, Warner Bros. Productores: Donald De Line, Dan Farah, Steven Spielberg. Productores ejecutivos: Bruce Berman, Christopher DeFaria, Daniel Lupi, Adam Somner. Co-productora: Jennifer Meislohn. Guion: Zak Penn, Ernest Cline, basado en la novela de E. Cline. Fotografía: Janusz Kaminski. Música: Alan Silvestri. Montaje: Sarah Broshar, Michael Kahn. Diseño de producción: Adam Stockhausen. FX: Clear Angle Studios, Digital Domain, Direct Dimensions, Framestore, Gentle Giant Studios, Industrial Light & Magic, Territory Studio. Intérpretes: Tye Sheridan (Parzival / Wade), Olivia Cooke (Art3mis / Samantha), Ben Mendelsohn (Sorrento), Lena Waithe (Aech / Helen), T. J. Miller (I-R0k), Simon Pegg (Ogden Morrow), Mark Rylance (Anorak / Halliday), Philip Zhao (Sho), Win Morisaki (Daito), Hannah John-Kamen (F’Nale Zandor), Ralph Ineson (Rick), Susan Lynch (Alice), Clare Higgins (Mrs. Gilmore), Laurence Spellman, Perdita Weeks, Joel MacCormack, Kit Connor, Leo Heller, Antonio Mattera, Ronke Adekoluejo, William Gross, Gareth Mason, Sandra Dickinson, Lynne Wilmot… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2018. Duración y datos técnicos: 140 min. Color 2.39:1 2D – 3D.

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Es curioso, porque cuando uno está asistiendo a la proyección de Ready Player One, verdaderamente tiene que hacer un poco de esfuerzo para acordarse que en los créditos reza como director el rey Midas de Hollywood, y es que el filme que nos ocupa tiene menos de Spielberg que otro título como Poltergeist – Fenómenos extraños (Poltergeist, 1982), y que en cuyos créditos reza el bueno de Tobe Hooper, entiéndase esto como una suerte de chiste algo malévolo. Y es que a uno le encaja más un cineasta como Matthew Vaughn o Edgar Wright.

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Al margen de ese futuro cercano y toda la parafernalia tecnológica que puede acarrear el avance de la misma con el devenir de los años, la columna vertebral de la historia en el fondo recuerda en cierta forma a Tron (Tron, 1982): un protagonista que intenta luchar especialmente contra una empresa que intenta hacerse con el control del trabajo de otro (en la de Walt Disney era el del propio protagonista) y donde existe un mundo virtual donde héroe y antagonista tiene un reflejo virtual (avatar). También se pueden ver ciertas concomitancias con la película de Matrix (The Matrix, 1999).

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Creo el espectador que busque pasar un buen rato de acción lleno de guiños a la cultura pop, especialmente a los años ochenta, y sin complicarse demasiado, se lo pasará bien, aunque sinceramente anda a años luz de lo que es una película del cineasta de E.T. El extraterrestre (E.T.: The Extra-Terrestrial, 1982) y de lo que se puede entender como una buena película. Al film le falta alma, le falta una mayor narración dramática que te sumerja de verdad en la historia y unos personajes que enganchen, y es que ninguno llega a ser como mínimo atractivo y en cierta manera nos da lo mismo lo que les ocurra. Por el contrario, sí que nos topamos con un amasijo de infografía y de guiños, algunos más tontorrones que otros, y muy pocos de ellos verdaderamente agudos, que llegan un poco a hastiar, a inundar toda la historia, anegándonos en una narración con un estilo mucho más videojueguil que cinematográfica. Precisamente, se vislumbra desde hace tiempo en este tipo de acercamientos un intento de simbiosis de ambos mundos, el del videojuego y el del cine.

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Se entiende cierta crítica social en la cinta, donde los sectores más deprimidos y pobres de la sociedad se abandonan al mundo virtual para olvidar la dura realidad de sus vidas. Irónicamente, muchas de estas personas terminan empeñadas hasta las cejas con “items” que adquieren dentro de este mundo virtual para adquirir una deuda con la empresa de marras. Curioso, el detalle de los centros de la fidelización, donde el moroso de turno termina realizando trabajos forzados dentro de este mundo digital para poder pagar sus deudas. Nada nuevo bajo el sol esto de los “eternos” clientes, solo con la salvedad de que ahora se ha añadido otra capa nueva más creada para generar negocio, algo que ya vivimos en el presente.

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Si nos planteásemos la película como un videojuego, que es eso de alguna forma, podríamos hablar de fases o de universos, y es que la misma parece jalonada por los distintos objetivos que hay que ir consiguiendo pero sin excesiva unidad, todo un poco caótico. Al estar viéndola se me vino un par de veces a la cabeza Origen (Inception, 2011), la película de Nolan, por el tema de ir subiendo niveles en un “mundo” que no es el real, e incluso juega con la ambigüedad en cuanto a donde se encuentra en cierto momento de la película. Acá pasamos de una carrera de coches al más puro estilo Speed Racer (Speed Racer, 2008) a estar dentro de un hotel muy emblemático o en pleno asalto a una fortaleza, todo a ritmo de guiños.

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En cuanto a esos guiños, pues se podría rellenar hojas y hojas de todos los que aparecen de la cultura pop de estos años: videojuegos, películas, música, etc… Pero es tal el torbellino y lo rápido que se suceden que muchos de ellos son de disfrute instantáneo sin dejar poso alguno. Y eso que personalmente habrá muchos que no he pillado, en especial los referentes a los últimos años en videojuegos por mi condición más retro. Es curioso que los nipones —que tienen que decir mucho en esto de la cultura sobre todo del videojuego, aunque cae alguna cosilla respecto a ellos en cuanto a guiño— casi todo se resuma en la muestra de dos personajes del lejano Oriente. La aparición de dos consolas de juegos norteamericanas, en especial una, posiblemente la más emblemática, deja cierto tufillo a la historia contada desde el ombliguismo más yanqui (desconozco si la novela también tiene esa mirada en este sentido).

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A colación de lo que comentaba sobre lo raro que me parece que Spielberg esté detrás de esto, tres cuarto de lo mismo me pasa con una eminencia como es Janusz Kaminski. La verdad es que con tanto digital y con lo poco resultonas que me parecen las escenas reales, cuesta esfuerzo intuir el trabajo, imagino que más funcional que otra cosa, de este estupendo profesional. A la música tenemos a otro clásico, Alan Silvestri, el cual orquestó películas como aquella de El vuelo del Navegante (Flight of the Navigator, 1986), de temática nave espacial con niño dentro, bastante insufrible, y que quizás lo mejor de la función estuviese precisamente en el trabajo de este señor y precisamente en la anécdota de tener de los primeros efectos infográficos en el cine, algo que ha evolucionado enormemente en todo estos años debido a una mayor potencia por parte de la tecnología y el abaratamiento de la misma.

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Anécdotas

  • Título en Argentina, Chile y México: Ready Player One: Comienza el juego.
  • Antes de Spielberg, otros directores considerados para adaptar el libro fueron Christopher Nolan, Robert Zemeckis, Matthew Vaughn, Peter Jackson y Edgar Wright.
  • Antes de su muerte, Spielberg propuso a Gene Wilder aparecer en el film, pero este lo rechazó amablemente.
  • Michael Keaton fue considerado para el personaje de J. D. Halliday. Elle Fanning y Lola Kirke fueron consideradas para Art3mis. Nick Robinson, Nat Wolff y Dalton Vaughn fueron considerados para Wade Watts/Parzival.
  • Tercera película de Spielberg sin música de John Williams. Inicialmente debía componer él, pero por problemas de agenda —entre ello, la propia Los archivos del Pentágono (2017)— hubo de ser reemplazado.
  • Estrenada en España el 28 de marzo de 2018. En Estados Unidos se estrenó, de manera masiva, un día después, pero tuvo una premiere en el South by Southwest Film Festival el 11 de marzo.

 

Bibliografía

Ready Player One; por Ernest Cline; traducción de Juanjo Estrella. Barcelona: Ediciones B, 2011. Colección: Grandes Novelas; s/n. Traducción de: Ready Player One (2011).

 

                                               Jesús Mayoral Velázquez de Castro (Sevilla. España)

 

CALIFICACIÓN: *

  • bodrio * mediocre ** interesante *** buena **** muy buena ***** obra maestra