El juego de Gerald (Gerald’s Game) (2017)

Posted in Cine, Reseña, Terror, thriller on 13 octubre, 2017 by belakarloff

El matrimonio Burlingame está entregado a cierto juego sexual, consistente en esposar a ella a la cabecera de la cama y él interpretar el personaje de un supuesto atacante. Pero entonces él muere de un ataque al corazón, y ella se queda allí, encadenada y en soledad, sin que nadie parezca estar disponible para prestar ayuda.

Dirección: Mike Flanagan. Producción: Intrepid Pictures. Productor: Trevor Macy. Co-productora: Melinda Nishioka. Productores ejecutivos: Ian Bricke, Matt Levin, D. Scott Lumpkin. Guion: Mike Flanagan, Jeff Howard, según la novela de Stephen King. Fotografía: Michael Fimognari. Música: The Newton Brothers. Montaje: Mike Flanagan. Diseño de producción: Patrick M. Sullivan Jr. Efectos especiales: Robert Kurtzman (efectos especiales de maquillaje), Bret Culp, Martin Tori (supervisores de efectos visuales). Intérpretes: Carla Gugino (Jessie Burlingame), Bruce Greenwood (Gerald Burlingame), Henry Thomas (Tom), Carel Struycken (Moonlight Man), Kate Siegel (Sally), Chiara Aurelia (Jessie de niña), Natalie Roers, Gwendolyn Mulamba, Jon Arthur, Tom Glynn, Kimberly Battista, Stu Cookson, Nikia Reynolds, Chuck Borden, Charles Adams, Victoria Hardway, Bill Riales, John Ceallach, Joseph Chadwick Kinney, Tony Beard, Dori Lumpkin, Clint Edwards, Brad Spiers, Karlie Bowman, Marcus Deshaun Richardson, Shannon J. Jackson, Michael Amstutz, Cliff Hamilton, Shane Jackson, Robert Gill, Adalyn Jones… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 103 min. Color 2.35:1.

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En cierta manera, El juego de Gerald (Gerald’s Game, 1992) es una novela que sigue una estructura similar a Cujo (Cujo, 1981); es decir, se centra en una única idea, sobre la cual pivota toda la narración. Aunque si en Cujo esa idea disponía de determinados preámbulos que derivaban en esa situación, aquí no sucede lo mismo, sino que arranca directamente con la propia situación. Por supuesto que un planteamiento así no tiene mucho que desarrollar, a menos que se “adorne” de alguna manera. Y esa manera es apelar a la memoria y los recuerdos, a los pensamientos y las reflexiones a las que Jessie, la protagonista, se ve obligada a recurrir mientras la angustia se va apoderando de ella poco a poco. Estos elementos son muy útiles para que Stephen King despliegue su entusiasmo hacia la divagación y hacer rememorar a los personajes situaciones pasadas. Algunos son interesantes, desde luego, pero el primer tercio de la novela se dilata en exceso, y puede conducir al abandono de la lectura a más de uno. Quizás con una estructura más corta, al estilo de Dolores Claiborne (Dolores Claiborne, 1992) –novela con la que forma una especie de díptico– hubiera obtenido más densidad y habría sido más directa. Aquí tenemos, pues, a la protagonista centrada en constante conversación con su conciencia, escindida metafóricamente en diversas personalidades.

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Desde 2014 se arrastraba la idea de adaptar la novela, ya con dirección de Mike Flanagan, hasta que al fin, gracias a la participación de la cadena de televisión Netflix, el proyecto ha salido adelante. El resultado es una de las películas más fieles al texto de King que existen, dado que incluso repite frases literales, tanto procedentes de los diálogos como del texto descriptivo, puesto este en boca de algún personaje.

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Como cabía esperar, gran parte de la carga introspectiva ha sido eliminada, para dar cabida a más argumento descriptivo. De ese modo, hay un prólogo de unos quince minutos que no existe en el libro, aunque se sobreentiende. Eso sí, el director ve la necesidad de justificar la presencia posterior del perro[1], así como hacer que por la radio surja una información sobre profanaciones en un cementerio, para conectar con lo que sucederá más tarde. Esa desesperante manía actual de tratar de explicarlo e hilvanarlo todo…

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El cambio más llamativo estriba en los “personajes” que se aparecen ante la protagonista, alegorías estas de sus reflexiones internas. En el libro eran tres: dos versiones diferentes de ella misma, en diferentes estadios de madurez, y una de una antigua compañera de universidad (que desaparece totalmente en el film); aquí tenemos a ella misma, y a su marido muerto, este último sin duda añadido para otorgar más papel a ese excelente actor que es Bruce Greenwood. El otro cambio drástico es el final, donde Jessie hace frente al criminal en medio de la corte; la reacción de la mujer en el libro me pareció algo bastante fuera de tono, con ella escupiendo a una persona que sin duda era un disminuido psíquico; en el film se resuelve con mayor diplomacia e inteligencia.

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Flanagan aprovecha esa trama para, por un lado, potenciar un ejercicio de suspense donde la desesperación de Jessie va yendo en aumento de modo paulatino; y por otro escarba en la personalidad de la mujer, lacerada a causa de un incidente acontecido en su pasado, cuando, durante un eclipse, su padre abusó sexualmente de ella. De ese modo, ambas situaciones pivotan en círculo, siendo una, en cierta manera, consecuencia de la otra, y habiendo de exorcizar ese fantasma del pasado para hacer frente al del presente.

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De esa manera, el personaje que acecha en la oscuridad, contemplándola en un aterrador silencio, ese psicópata violador de tumbas, así como de sus moradores, resultaría una enseña sobre el otro monstruo que tortura su existencia, esto es, su propio padre. Cuando por fin logra asumir esa circunstancia y pasar página, como si dijéramos, la circunstancia actual es también dada de lado, y Jessie logra seguir adelante. El monstruo desaparece, se quita la máscara, y se convierte también en una víctima.

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Pieza de cámara, con prácticamente un único escenario, salimos de ahí en tres ocasiones: el prólogo introductorio, el flashback del eclipse y el abuso, y el epílogo en el juzgado. Cada uno de ellos representa tres estadios emocionales diferentes de la protagonista, y cabe destacar el ambiente preciosista pero pesadillesco de los momentos del eclipse, ligado a ese trauma que marca la infancia y la edad de adulta de Jessie.

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Una película de esas características, desde luego, precisa unas interpretaciones que consigan que el espectador se crea esas situaciones, y se logra sobradamente por medio de una extraordinaria Carla Gugino como Jessie, que calibra con notable tino la gradación paulatina de la histeria en la cual va incursionando, intentando controlarse a sí misma; Bruce Greenwood como su marido, Gerald Burlingame, alguien en apariencia agradable, cercano y directo, aunque tras esa grata fachada se oculta un hombre con pliegues más oscuros; Henry Thomas como Tom, el padre de Jessie, un personaje que ha de luchar contra la monstruosidad que percibe en él mismo, que es al mismo tiempo verdugo y víctima, y que nos demuestra que el niño de E.T. ha madurado esplendorosamente, aunque siga una carrera dispersa; y por último, el entrañable Carel Struycken –La familia Addams, Twin Peaks, Star Trek: la nueva generación– como ese enfermo mental y con acromegalia, que se halla a mitad de camino entre los simbólico y lo real.

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No es una joya, como ha sido calificada ampliamente, pero sí una película más que interesante que mejora una de las novelas más flojas de su autor, calibrando con mayor precisión los distintos elementos que confluyen en ella.

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Anécdotas

  • Rodada en la localidad de Mobile, Alabama, entre el 17 de octubre y el 13 de noviembre de 2016.
  • El personaje “Moonlight Man” es descrito como que padece de acromegalia. El actor que lo interpreta, Carel Struycken, realmente sufre esa enfermedad, aunque ha sido caracterizado para exagerar sus rasgos.
  • En un momento dado Gerald llama al perro Cujo, en guiño a otra novela de King. El mismo personaje también hace una alusión a la saga de La Torre Oscura, a través de la frase “todo sirve al haz”.
  • La referencia de Jessie a una mujer y un pozo es un guiño a Dolores Clayborne, novela que se interconecta con El juego de Gerald por medio de una especie de conexión telepática entre ambas protagonistas.
  • Exhibida en Estados Unidos el 24 de septiembre de 2017 en el Fantastic Fest, y después estrenada por Netflix el 29 de septiembre de 2017.

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Bibliografía

  • El juego de Gerald; por Stephen King; traducción de María Vidal. Barcelona: Debolsillo, 2005. Colección: Bestseller; 102 – Biblioteca de Stephen King; 42. T.O.: Gerald’s Game (1992).

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] En el libro sabremos que el perro abandonado se llamaba Príncipe; la protagonista lo denominará así cuando le intenta dar de comer.

 

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Ya disponibles las actividades paralelas de Nocturna Madrid 2017

Posted in Actores, Ciencia ficción, Cine, Conferencia, Entrevista, Fantasía, Festivales, Ilustración, Libros de cine, Noticias, Presentaciones, Terror on 10 octubre, 2017 by belakarloff

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Un menú fantástico para todos los paladares

¡Más y mejor! Por quinto año consecutivo, el Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid presenta su programa de actividades paralelas, a celebrar durante las mañanas del 25 al 28 de octubre. Una extensa oferta de actos culturales en la que confluyen el cine, el cómic, la literatura y otras disciplinas artísticas en formato de coloquios y mesas redondas, presentaciones, encuentros y charlas. En definitiva, un espacio plural para la opinión y la reflexión sobre ese enorme “trozo” de cultura popular que une a todos los ponentes que nos acompañarán esos días en el fórum de FNAC Callao, con el público asistente: su pasión por el género fantástico.

 

Encuentros con…

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Lógicamente, el eje central de los actos lo conforman aquellos relacionados con el séptimo arte, en concreto los muy anhelados encuentros con los Premios Maestro del Fantástico y Galardones de Honor de Nocturna Madrid 2017. Y comenzamos con Jack Taylor, el veterano actor admirado por todo cinéfilo, de porte inconfundible y magnético rostro, que asoma -desde los años cincuenta- por la pequeña y gran pantalla en producciones rodadas por todo el mundo. Desde series como Curro Jiménez, o sus excelentes papeles protagonistas para Los libros (“Un hombre contra el sol” encarnando a Herman Melville), su “Ladrón de cadáveres” de El quinto jinete y un larguísimo etcétera, a sus aplaudidos trabajos en Dr. Jekyll y el hombre lobo junto a Paul Naschy, el Drácula de Jesús Franco, Viaje al centro de la Tierra, La venganza de la momia o La novena puerta a las órdenes de Polanski, por citar solo algunos de sus más recordados films.

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Con la inolvidable Caroline Munro tendremos a todo un referente del cine británico de terror y fantasía durante las décadas de los setenta y ochenta gracias a roles protagónicos como el del clásico El viaje fantástico de Simbad o su inolvidable princesa Dia en En el corazón de la Tierra, la space opera con la heroína Stella Star de Star Crash, o el film de  culto Maniac.

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Y, por último, el cineasta Don Coscarelli, una de las figuras clave del Fantástico de las últimas décadas con una inconfundible e irresistible iconografía, principalmente gracias a la saga de Phantasma y su “Hombre Alto”, pero también por otras cintas como Bubba Ho-Tep o John muere al final.

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A ellos se suma una mesa redonda en torno a nuestro gran Chicho  Ibáñez Serrador con esos apellidos que ya anuncian genialidad, maestría y una enorme dosis de entretenimiento, en la que, junto a estudiosos de su vida y obra, participará el director teatral e inolvidable actor Manuel Galiana, “monstruo” de la escena, Premio Nacional de Teatro, y que nos llevará a aquellas décadas de los sesenta y los setenta en los fue una de las figuras más destacadas en Televisión Española. Sin duda, el “reparto” ideal para recordar al realizador de La residencia, la escalofriante ¿Quién puede matar a un niño?, el inigualable éxito televisivo Historias para no dormir, o el longevo Un, dos, tres… responda otra vez.

Mesas redondas, presentaciones…

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Nocturna abre igualmente una ventana a Madrid, un coloquio con otros certámenes de la Comunidad centrados en la literatura fantástica y de ciencia ficción, el cine de serie B y Z o el rol. De Navacerrada a Fuenlabrada pasando por Rivas. Y, por supuesto, el noveno arte y disciplinas afines con la presentación de Heroes Comic Con Madrid, en la mesa que hemos decidido anunciar como “Tebeos fantásticos fantásticos tebeos”. Dos grandes maestros de la historieta mundial nos acompañarán esa mañana: Enrique Ventura (de profesión  sus Grouñidos en el desierto), que nos recordará, además de sus diversos trabajos en el Fantástico, su participación en la producción del film de culto El caballero del dragón. Y junto a él, una leyenda viva del cómic de terror. Vicente Alcázar celebrará con nosotros su enorme trayectoria a lo largo de cincuenta años, trabajando principalmente para Gran Bretaña y Estados Unidos. Desde -sus poco conocidas para el público español- adaptaciones de Espacio 1999 o Star Trek a su aplaudida etapa en editoriales como DC, Warren o Marvel y un sinfín de cabeceras de los  inolvidables magazines de terror de los años setenta.

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No faltarán a nuestra cita anual la tradicional mesa de fanzines (con el 5º aniversario de Exhumed Movies), presentaciones de películas como la esperada opera prima del conocido todo terreno Diego Arjona con un reparto encabezado por Carlos Librado, Juan Dávila, Erika Sanz y Laura Ríos entre otros, y de cortometrajes con un “dueto” formado por Sergio Morcillo (“viejo” amigo del certamen, que presenta este año Gotas en la sección oficial), y viajando desde Barcelona para la cita en Nocturna, Marc Nadal, con más de 550 Secciones Oficiales y 39 Premios de dirección, fotografía y guion en festivales internacionales.

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Habrá igualmente coloquios sobre Novedades Editoriales y presentaciones de libros, desde los Expedientes X de Miguel Ángel Plana, publicaciones de género infantil (Little Monster), al lujo de tener entre nosotros al último ganador del prestigioso Premio UPC de Literatura de Ciencia Ficción David Luna, con su novela Éxodo (o cómo salvar a la reina) de Apache Libros. Los documentales tendrán también su hueco en el programa de matinales en Callao, con la charla sobre el film 78/52, con la que conoceremos mil y un detalles en torno a la mítica escena de la ducha de Psicosis y a su no menos mítico realizador Alfred Hitchcock, de la mano del experto cinematográfico Carlos Díaz Maroto.

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Y otro experto, en esta ocasión, en los efectos especiales de maquillaje, Nacho Díaz, ofrecerá una Master Class en la que sin duda será una de las citas más concurridas de la semana. Sus créditos incluyen títulos como No habrá paz para los malvados, El hobbit, La Cumbre Escarlata o  la serie de HBO Juego de tronos. Además, ha cedido en exclusiva para el Festival piezas de su trabajo en La herencia Valdemar y del reciente film de Paco Plaza Verónica, para una “mini expo” que adorna durante todo el mes de octubre uno de los escaparates de FNAC.

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Otra oportunidad única de conocer el trabajo de nuestros artesanos será el encuentro con un grande de los efectos cinematográficos, el veterano maquetista y artista de fx Carlo de Marchis, que desde los años sesenta ha dejado su firma en títulos como Hasta que llegó su hora, Barbarella, Alien, En busca del fuego o Conan, el bárbaro, obteniendo dos premios  Goya por  Slugs, muerte viscosa  y La grieta. Sobran las palabras ante inmenso currículo.

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Pero, por supuesto, con ese broche de oro no finalizan las actividades paralelas del Festival de Cine Fantástico de Madrid. Hay mucho más que no vamos a revelar ahora. El resto lo descubrirás acercándote al fórum de FNAC a degustar el fantástico menú que Nocturna Madrid 2017 ha cocinado para todos los aficionados (o no) al  género. Como verás, este año mucho “más y mejor”.

Antonio Busquets

(Responsable actividades paralelas)

It’s Alive (2008)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña, Terror on 9 octubre, 2017 by belakarloff

Lenore abandona sus estudios universitarios para irse a vivir junto a su pareja, de quien espera un bebé, y el hermano adolescente de aquél, que está paralítico. Durante el parto los médicos y enfermeras son asesinados salvajemente, pero ella no recuerda nada debido a la anestesia. Afincada en la casa aislada en el bosque comienza a percibir inquietantes indicios sobre su hijo.

Dirección: Josef Rusnak. Producción: Millennium Films, Foresight Unlimited, Signature Pictures, Amicus Entertainment, IPW Productions, Aramid Entertainment Fund, Alive Productions. Productores: Simon Fawcett, Robert Katz, Marc Toberoff. Productores ejecutivos: Mark Damon, Boaz Davidson, Moshe Diamant, Danny Dimbort, J. Todd Harris, Avi Lerner, Trevor Short, Mark Brooke. Productores asociados: Tamara Birkemoe, Marc Marcum, Julie G. Moldo, James Portolese. Guion: Larry Cohen, Paul Sopocy, James Portolese, según el guion original de L. Cohen. Música: Nicholas Pike. Fotografía: Wedigo von Schultzendorff. Diseño de producción: Pier Luigi Basile. Montaje: James Herbert, Patrick McMahon. Efectos especiales: Timothy Huizing (efectos de mquillaje), Velichko Ivanov (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Bijou Phillips (Lenore Harker), James Murray (Frank Davis), Raphaël Coleman (Chris Davis), Owen Teale (sargento Perkins), Ty Glaser (Marnie), Oliver Coopersmith (Mike), Yoan Karamfilov (Adam), Jack Ellis (profesor Baldwin), Skye Bennett, Arkie Reece, Todd Jensen, Marianne Stanicheva, Alexis Bergemann, Michal Yanai, Gergana Bouzukova, Vlado Mihailov, Meglena Karalambova, Vesco Razpopov, Atanas Srebrev, Michael McCoy, Dimitar Shopov, Violeta Markovska, Sigal Diamant, Douglas A. Reno, Michael Straub, Mark W. Johnson, Sofia Vasileva, Miroslav Emilov, Laura Giosh… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2008. Duración y datos técnicos: 80 min. Color 2.35:1.

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Estoy vivo (It’s Alive!, 1974) es una típica producción setentera característica del cine de Larry Cohen: desmesurada y sutil a un tiempo, extravagante y equilibrada. No era una obra maestra, pero sí un film divertido, entretenido, que iba directo al asunto, con unas excelentes interpretaciones, unos míticos maquillajes (apenas entrevistos pero impactantes) de Rick Baker y una partitura magistral debida a Bernard Herrmann.

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En 2008, una vez más, la falta de imaginación de guionistas y productores condujo a este nuevo remake de un clásico. En el guion consta la participación del propio Cohen, pero mucho sospecho que simplemente ha sido tomado el libreto del autor de Q – La serpiente voladora (Q / Q – The Winged Serpent, 1982), y los otros dos guionistas han trabajado sobre él, hasta hacerlo casi irreconocible.

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Así, ha sido reemplazado el maduro matrimonio del film original (excelentes John P. Ryan y Sharon Farrell) por una pareja de veinteañeros (ella aún está en la universidad, aunque la abandona nada más empezar el film), para hacerlos más cercanos al público contemporáneo. Curiosamente, el personaje del otro hijo del matrimonio más o menos se conserva en la figura del adolescente cuñado de la protagonista, que es paralítico solo para otorgar de un hipotético poso de gravedad al conjunto, pues únicamente es aprovechado el elemento en una escena absurda: ¿qué hace el crío en la cama con la silla de ruedas lejos de él? De hecho, este detalle es un mero síntoma de por dónde conducen todos los tramos argumentales de este, digámoslo ya, absoluto desastre.

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Y es que todos los personajes del film se comportan de un modo absurdo para conducir la inane trama hacia donde sus muy poco imaginativos autores buscan. Tras un plano inicial del bebito como una criaturita adorable, dejamos de verle, y no sabemos muy bien si se transforma ocasionalmente, o los padres están tan alelados que lo creen ver encantador (ya sabemos que, por feo que sea un niño, los padres lo ven precioso, pero esto es pasarse). El policía, la amiga de la protagonista o el psiquiatra (en la nimia nómina de personajes que aparecen, superfluos además la mayoría de ellos) son meros títeres de los caprichos de los guionistas, y no existen para hacer evolucionar la trama, articular una relación entre ellos o desarrollar sus psicologías, sino como mera carnaza para irlos conduciendo en los momentos adecuados para ser asesinados por el glotón del niño (la madre no para de referir que tiene mucha hambre, pero lo único que parece hacer es mutilar sin ton ni son).

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Todo este descomunal bodrio lo dirige sin la menor tensión (pero con mucha predilección hacia los socorridos y cargantes golpes de efecto por medio de una música brusca) por Josef Rusnak, un alemán que debutó en su país en 1984, y que tiene en su haber una película de cierto predicamento como es Nivel 13 (The Thirteenth Floor, 1999). Aquí retrata rutinariamente a unos personajes vacíos, no logra conferir ritmo alguno al conjunto, y el escasísimo metraje se hace aburrido y pesado. A ello se añade una caterva de actores pésimos, donde sobresale, por su técnica atiplada, Owen Teale, quien encarna al policía.

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En cuanto a los efectos especiales, ya se ha mencionado antes que al bebito apenas se le ve: solo unos cuantos planos lejanos donde se vislumbra un tieso muñeco, que incluso según las escenas parece mayor o menor, y un espantoso primer plano diseñado por ordenador, y eso es todo. Por lo demás, cierta predilección en mostrar salpicones de sangre, único elemento vertebrador del conjunto.

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En suma, un engendro absolutamente inadmisible, ni siquiera recomendable para los concienciados cinéfilos completistas del género. A huir de él.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y México: ¡Está vivo! Título en Perú: Está vivo.
  • Rodado con un presupuesto de diez millones de dólares.
  • El rodaje tuvo lugar en Bulgaria.
  • Estrenado en Estados Unidos, directamente en DVD, el 6 de octubre de 2009. En España, salvo error, nunca se ha visto.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra (When Dinosaurs Ruled the Earth) (1970)

Posted in Aventuras, Cine, Fantasía, Reseña on 6 octubre, 2017 by belakarloff

Al principio de los tiempos, la Tierra carecía de Luna. El Sol, considerado un benefactor, recibía sacrificios humanos por parte de una tribu, que les entregaba a aquellas doncellas cuyos cabellos fuesen dorados. Una de ellas, Sanna, logra salvarse del sacrificio ante un cataclismo cuando la Tierra atrapa un satélite, y vagando va a parar a la tribu de Tara, de quien se enamora.

Dirección: Val Guest. Producción: Hammer Film Productions. Productora: Aida Young. Guion: Val Guest, a partir de un tratamiento de J. G. Ballard. Fotografía: Dick Bush. Música: Mario Nascimbene. Montaje: Peter Curran. Director de segunda unidad: Jim Danforth. Efectos visuales: Jim Danforth, Dave Allen. Efectos especiales: Roger Dickens. Intérpretes: Victoria Vetri (Sanna), Robin Hawdon (Tara), Patrick Allen (Kingsor), Drewe Henley (Khaku), Sean Caffrey (Kane), Magda Konopka (Ulido), Imogen Hassall (Ayak), Patrick Holt (Ammon), Jan Rossini, Carol Hawkins, Maria O’Brien, Connie Tilton, Maggie Lynton, Jimmy Lodge, Billy Cornelius, Ray Ford… Nacionalidad y año: Reino Unido 1970. Duración y datos técnicos: 96/100 min. color 1.75:1.

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En 1966 la Hammer tuvo un gran éxito con el estreno de Hace un millón de años (One Million Years B.C., Don Chaffey). No es de extrañar que, pasado un tiempo, la co-productora asociada de aquélla, Aida Young, se hiciese cargo de una especie de secuela, Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra (When Dinosaurs Ruled the Earth, 1970). En 1968 se diseñó un llamativo póster (un dinosaurio con una chica en la boca, lo cual se mantiene en el film), con el fin de vender el proyecto a la Warner, quien distribuiría el film mundialmente.

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No se trata de una secuela directa, ni aparecen los mismos personajes, pero tiene toda la apariencia de ambientarse en el mismo universo, dada la coincidencia de idioma que utilizan los cavernícolas. La idea de un lenguaje propio para los trogloditas proviene de la versión antigua de Hace un millón de años (One Million B.C., 1940, Hal Roach Jr. y Hal Roach), que la Hammer rehizo con Ray Harryhausen al cargo de los efectos especiales. El detalle del idioma en el remake de Hace un millón de años, por cierto, fue saludado por la crítica con no poca guasa; años después, cuando Jean-Jacques Annaud hizo lo mismo con su antropológica (y excelente) En busca del fuego (La guerre du feu, 1981), donde contó con el escritor Anthony Burgess[1] para crear el nuevo lenguaje, la idea fue saludada como el colmo de la originalidad e ingenio.

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Para la presente película, la Hammer decidió contratar al prestigioso escritor de ciencia ficción J. G. Ballard[2], quien escribió un tratamiento de unas pocas páginas con destino directo al film. Después, el habitual de la Casa del Martillo (aunque jamás estuvo bajo contrato para ella), Val Guest[3], escribió el guion, a partir de esa premisa, y dirigió la película. Realizador de notable talento, aún no ha llegado a dispensársele la valoración que precisa. De hecho, la presente cinta goza de una pésima fama (incluso disgustaba enormemente al propio Val Guest), aparte de la referida referencia al uso del “idioma troglodita”.

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Para cualquier persona con un mínimo de cultura queda evidente que la presente es una película de fantasía. Parece una obviedad, pero es algo que ha de matizarse. Los dinosaurios se extinguieron en el Cretáceo, unos 65 millones de años antes de la aparición de la especie humana; en cuanto a la Luna, se especula que se formó hace 4.527 ± 0.010 mil millones de años[4], desgajada de la Tierra por medio de fuerzas centrífugas, aunque existen distintas teorías sobre el tema. Nada que ver, por tanto, con lo que presenta la película. Desde que en 1914 David Wark Griffith mostró juntos dinosaurios y humanos en su corto Brute Force, parece un estereotipo unir ambas especies en un mismo período histórico, pero hoy día es de conocimiento común que tal circunstancia jamás se produjo. Por tanto, insisto, esto es una mera fantasía, sin ningún ánimo de divulgación antropológica, una fantasía del mismo modo que lo fueron El experimento del doctor Quatermass, Drácula (Dracula, 1958), o Mujeres prehistóricas (Prehistoric Women, 1967). Casi podría integrarse el film dentro de las coordenadas del cine de fantasía heroica, abriendo un poco el margen del mismo.

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Guest aplica a las imágenes un tono telúrico, primitivo, pese al aspecto atractivo y actual de la mayoría de las mujeres (y hombres) que aparecen en la cinta. Para ello no cabe duda de que gran ayuda recibe por parte de Mario Nascimbene, quien, al igual que en Hace un millón de años, compone una partitura musical acompañada de percusiones primitivas y unos coros que contribuyen a crear un aura sobrenatural, como en la estremecedora escena de la ceremonia funeraria, donde el muerto es abandonado a la deriva en el mar en una balsa ardiente[5].

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El gran Jim Danforth, discípulo de Ray Harryhausen, realiza la labor de director de segunda unidad, y de igual modo encabeza los efectos visuales (ayudado por otro grande, el desaparecido Dave Allen), diseñando y dirigiendo los efectos, realizando la animación por stop-motion, las pinturas matte, los efectos de cámara y retroproyección. Su labor es extraordinaria[6], dispensando una impresionante credibilidad a los dinosaurios que concibe, otorgándoles el mismo grado de personalidad que le enseñó Harryhausen, así la hembra que adopta a Victoria Vetri. Cabe destacar, con todo, los apasionantes cangrejos que crea para los momentos finales, cuando la formación del tsunami provoca una playa interminable de la que brotan los crustáceos, a los que otorga una apariencia peculiar; ello, unido a la apocalíptica fotografía de Dick Bush, otro habitual de los estudios, tributa a esos instantes un aire estremecedoramente irreal.

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Esos momentos extraños, inquietantes, alienígenas diríase, se ven también distinguidos por los instantes donde la nueva Luna se va forjando. El contrapunto lo ponen los intervalos humorísticos con Sanna disfrutando de su familia de adopción, los dinosaurios que la acogen como una más del grupo.

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Cuando los dinosaurios dominaban la Tierra es, en definitiva, una delicia, una maravillosa fantasía de una época inexistente donde el ser humano se mostraba en toda su belleza pero, al tiempo, estaba delimitado a una existencia primitiva, en la cual la propia naturaleza, animal, vegetal y mineral, suponía un peligro a cada paso.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: When Dinosaurs Ruled the World.
  • Candidata a los Oscar en 1972 en la categoría de efectos especiales.
  • En marzo de 1971 la Warner distribuyó la película en Estados Unidos en programa doble con The Valley of Gwangi [tv/dvd: El valle de Gwangi, 1969), de Jim O’Connolly, con efectos especiales de Ray Harryhausen.
  • La versión inglesa incluye algunos planos de desnudos, con una toma de una troglodita a la que un hombre arranca el sujetador, una escena de amor dentro de una cueva entre Sanna y Tara, y un baño de ambos; en su distribución internacional fueron cortados. Sin embargo, cuando se estrenó en el Reino Unido se eliminaron algunos planos violentos, como la lucha con la serpiente, el pterodáctilo y la planta gigante. La versión que hay actualmente en DVD está completa del todo.
  • El rodaje tuvo lugar en Gran Canaria y Fuerteventura, Islas Canarias. Los interiores se hicieron en los Estudios Shepperton de Londres, y ocupó desde el 14 de octubre de 1968 a principios de enero de 1969.
  • Victoria Vetri, con su nombre real de Angela Dorian, fue Playmate del mes de septiembre de 1967 y después Playmate del año en 1968.
  • Los planos de los dinosaurios peleando (dos lagartos con aletas falsas) están tomados del film El mundo perdido (The Lost World, 1960), de Irwin Allen. Como esa película se rodó en formato panorámico, aparecen ligeramente comprimidos, para ajustarse al formato. Los planos de archivo de los buitres volando también tienen el mismo defecto de formato.
  • El tríptico de cine prehistórico de la Hammer se completa con Criaturas olvidadas del mundo (Creatures the World Forgot, 1971, Don Chaffey), donde retorna Toomak pero no hay aparición de dinosaurios.
  • El lenguaje troglodita del film se supone basado en el fenicio, latín y sánscrito, y está formado por veintisiete palabras; he aquí el sucinto diccionario prehomínido-castellano: neecha: “alto” o “vuelve”; zak: “ido” o “desaparecido”; akita: “mira” o “ahí”; neecro: “malo” o “maligno”; m’kan: “matar” o “asesinado”; mata: “muerto”; yo kita: “ir”.
  • Estrenada en el Reino Unido el 25 de octubre de 1970. En España se estrenó el 21 de febrero de 1972.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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[1] Anthony Burgess (1917-1993) fue el autor de la novela La naranja mecánica (A Clockwork Orange, 1962). En ella experimentó con el lenguaje creando un argot llamado nadsat, derivado del ruso.

[2] James Graham Ballard (1930-2009) fue autor de obras como El mundo de cristal (The Crystal World, 1966), La exhibición de atrocidades (The Atrocity Exhibition, 1969), Crash (Crash, 1973), La isla de cemento (Concrete Island, 1974) o El imperio del sol (Empire of the Sun, 1984), entre otras.

[3] Valmond Guest (1911-2006) dirigió para la Hammer El experimento del doctor Quatermass (The Quatermass Xperiment, 1955), The Abominable Snowman [tv/dvd: El abominable hombre de las nieves, 1957] o Ayer enemigos (Yesterday’s Enemy, 1959), entre otras. También dirigió un clásico de la ciencia ficción como The Day the Earth Caught Fire [tv: El día que la Tierra se incendió, 1961], y fue de igual modo un consumado director de filmes de suspense. Por lo general, también era guionista.

[4] Esta edad es calculada a partir de la datación del isótopo de las rocas lunares.

[5] Casi un precedente, pues, de un entierro vikingo. Curiosamente, Nascimbene también puso música a la estupenda Los vikingos (The Vikings, 1958, Richard Fleischer), donde había una escena muy similar.

[6] Pese a ello, se le escapa un defecto: cuando un dinosaurio asola el poblado y es asediado por medio del fuego, en un momento determinado la imagen del monstruo se ve reflejada en el cristal trasero.

 

Los cortos de Nocturna 2017

Posted in Ciencia ficción, Cine, Concurso, Cortometrajes, Festivales, Proyecciones, superhéroes, Terror on 5 octubre, 2017 by belakarloff

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Parece que lo han tenido difícil. Este año han sido más de quinientos cortos los que ha recibido el festival, de muy alto nivel, dicen, así que han tenido que hacer una selección. Y, finalmente, los cortometrajes que optarán al premio al mejor Cortometraje Nacional de NOCTURNA MADRID 2017 son:

  • JULES D. (Norma Vila)
  • DEFUNCIONARIO, (Wiro Berriatúa)
  • EL EXTRAÑO CASO DEL SR. TOÑITO (José Manuel Serrano Cueto)
  • BYE BYE BABY (Pablo S. Pastor)
  • CARONTE (Luis Tinoco)
  • LA DAMA DE SAL (Mario Venegas)
  • LEICA STORY (Raúl Mancilla)
  • MARTA NO VIENE A CENAR (Macarena Astorga)
  • GOTAS (Sergio Morcillo)

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Por su parte, los seleccionados para competir por el premio Nocturna Madrid 2017 al mejor corto internacional, son:

  • KEEP OUT OF CHILDREN´S REACH (Gustavo Sánchez)
  • I AM THE DOOR WAY (Robin Kasparik)
  • SIYAH CEMBER (Hasan Can Dagli)
  • FATHER´S DAY (Mat Johns)
  • ROBOT & SCARECROW (Kibwe Tavares)

Además, habrá cuatro seleccionados más fuera de concurso que son:

  • RIP (Albert Pintó y Caye Casas)
  • EL TRAJE DE SUPERMAN (Juan Manuel Díaz Lima)
  • THE APP (Julián Merino)
  • FE (Juan de Dios Garduño)

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¡Enhorabuena a todos los seleccionados! Nos vemos en Nocturna Madrid 2017.

The Airship Destroyer (1909)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Cine mudo, Reseña on 5 octubre, 2017 by belakarloff

Un inventor pretende a una muchacha, pero su padre lo rechaza violentamente. Entonces, una flotilla de zeppelines de una potencia extranjera ataca el Reino Unido. El inventor hará uso de sus ingenios científicos para contraatacar.

Dirección: Walter R. Booth. Producción: Charles Urban Trading Company. Productor: Charles Urban. Guion: Walter R. Booth, según una historia de Jules Verne. Efectos especiales: Walter R. Booth. Nacionalidad y año: Reino Unido 1909. Duración y datos técnicos: 20/11/7 min. B/N tintado 1.33:1.

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Walter Robert Booth (1869-1938) fue un mago inglés que, con el nacimiento del cine, se inclinó hacia este nuevo arte. Primero trabajó con el productor Robert W. Paul, y más adelante con Charles Urban, responsable del presente film pionero de la ciencia ficción. La mayoría de las películas que realizó Booth eran de “trucos”, lo que en inglés se denominaba “trick films”, esto es, cortos de inicios del cine centrados en efectos especiales innovadores.

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Booth comenzó trabajando en la industria de la porcelana, siguiendo a su padre, pero pronto se volcó profesionalmente al mundo de la magia, a la cual era aficionado. Se supone que, mientras actuaba en el Egyptian Hall de Piccadilly, Londres, conoció a Robert W. Paul, que comenzaba a exhibir sus primeras producciones cinematográficas en 1896. Nuestro hombre empezó a trabajar para Paul ideando cortos de trucos, y más tarde dirigiéndolos, comenzando con The Miser’s Doom y Upside Down; or, the Human Flies (ambos de 1899). Algunos de los cortos eran de trucos escénicos, al estilo de los de Méliès, y en otros comenzó a trabajar con modelos a escala, como es el caso de A Railway Collision (1900). Más adelante haría Scrooge, or, Marley’s Ghost (1901), una breve adaptación del Cuento de Navidad de Dickens, o el cuento de hadas medieval The Magic Sword; or, A Medieval Mystery / Magical Sword (1901).

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En 1906 Booth pasó a trabajar con Urban, para quien construyó su propio estudio en el patio trasero de Neville Lodge, Woodlands, Isleworth, Londres. Allí, en colaboración con F. Harold Bastick, realizó The Hand of the Artist (1906), que es considerado el primer film británico de animación. En esa etapa rodó cerca de quince películas por año, algunas de las cuales eran de imagen real, pero con los efectos especiales realizados por animación. Entre sus films se cuentan cintas de trucos a lo Méliès, como The Sorcerer’s Scissors o When the Devil Drives (ambos de 1907), o pioneros de la ciencia ficción como The Aerial Submarine (1910), The Automatic Motorist (1911) o el que nos ocupa.

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Más adelante produjo películas publicitarias e inventó un método denominado Flashing Film Ads, descrito como “efectos de color únicos en luz y movimiento”. Poco más se sabe de su vida, y murió en algún momento de 1938 en Birmingham.

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The Airship Destroyer (1909) es un film de lenguaje aún primitivo. Los planos son fijos, no se acercan a los personajes y no se realizan cortes para mostrar imágenes detalladas. Pero esos planos fijos son breves, aportando ritmo a la narración. Los efectos especiales consisten en dibujos en cartón, recortados y movidos a mano, así los zeppelines que atacan la ciudad, o una maqueta, de cartón también, ardiendo, cuando se bombardea la ciudad. Existe un plano de una casa derrumbada, y al protagonista rescatando a una mujer y después extrayendo de las ruinas el cadáver de su marido, bastante impactante. Desde los cánones actuales, por supuesto, está obsoleto, pero viéndolo desde la perspectiva pertinente es una obra atractiva, vigorosa y de valor histórico y lúdico.

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Según parece, alguna versión más completa incorpora una secuencia inicial donde el protagonista sueña todo lo que acontece, tras presenciar el regreso de un navío aéreo a su escuadrón. La resumida copia alemana que hoy día puede presenciarse procede de un coleccionista privado, que lo donó a la Deutsche Kinemathek en la década de 1960. Más adelante, fue telecinada por el estudio británico Studio Cine, usando un sistema de restauración del color en 2003, por lo cual también se puede ver en una copia con tintados.

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En la época en que se hizo esta película estaban bastante de moda las narraciones sobre ataques aéreos a las ciudades, sin duda presagiando el inminente comienzo de la Primera Guerra Mundial. Existen diversos films pioneros con esas características, como el de Booth, ya citado, Aerial Submarine. A Startling Forecast. Piracy in Sea and Air (1910) o, también suyos, The Aerial Anarchists (1911) y The Menace of the Air (1915). E incluso en literatura hay precedentes como The Battle of Dorking (1871) de George Tomkyns Chesney, The Invasion of 1910 (1906) de William Le Queux y La guerra en el aire (The War in the Air, 1908) de H. G. Wells.

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Charles Urban, el productor

El film se anuncia como basado en una narración de Jules Verne, sin que sepamos muy bien de cuál se trata; suponemos que se refiere al “universo futurista” global del autor de Robur el conquistador (Robur-le-Conquérant, 1886), aunque tal vez la citada obra de Wells supusiera una inspiración más evidente.

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Anécdotas

  • Estrenada en el Reino Unido en octubre de 1909. En Estados Unidos se estrenó el 29 de diciembre de 1909.
  • Repuesta en el Reino Unido durante la Primera Guerra Mundial, en enero de 1915, como The Aerial Torpedo.
  • En Estados Unidos se estrenó con el título de The Battle in the Clouds, en una única bobina aunado a Le cascate di Caserta (1909), un documental italiano sobre un parque.
  • Existe una copia con el título alemán de Der Luftkrieg Der Zukunft, que es la que actualmente se puede conseguir, con la menor de las duraciones que se consignan.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

 

Homenaje y presentación de Don Coscarelli en Nocturna

Posted in Ciencia ficción, Cine, Festivales, Noticias, Premios, Presentaciones, Proyecciones, Terror on 4 octubre, 2017 by belakarloff

DON COSCARELLI

PREMIO MAESTRO DEL FANTÁSTICO

EN NOCTURNA MADRID

 

  • El director, productor y guionista presentará el sábado 28 de octubre a las 19h15 su mítica « PHANTASM »
  • En su V edición Nocturna Madrid rendirá homenaje a cuatro grandes figuras del fantástico: Chicho Ibáñez-Serrador, Caroline Munro, Jack Taylor y Don Coscarelli.

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El Festival Internacional de Cine Fantástico Nocturna Madrid homenajeará a uno de los grandes del Fantástico, DON COSCARELLI, por su aportación al género como productor, director, guionista, montador y director de fotografía.

Así, el director norteamericano acudirá en persona a recoger el premio MAESTRO DEL FANTÁSTICO antes de la proyección de uno de los títulos imprescindibles de su filmografía, PHANTASM, la película de 1979 que inició una de las sagas más influyentes del cine de terror moderno y que es una obra de culto entre los aficionados al cine fantástico. El pase de la copia remasterizada recientemente se llevará a cabo el próximo sábado 28 de octubre a las 19h15 en Cinesa Proyecciones gracias al apoyo y en colaboración con la distribuidora 39 Escalones Films.

Además se realizará un encuentro con los fans en el espacio Fórum Fnac Callao, donde se podrá repasar su carrera y se presentará el Pack Blu Ray de la saga “Phantasm” que 39 Escalones editará próximamente con todas las películas de la saga remasterizadas para la ocasión.

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DON COSCARELLI, REFERENTE DEL TERROR

Como ocurriera con las películas de zombis de George A. Romero, Don Coscarelli (Trípoli, Libia, 1954) es conocido mundialmente por el universo creado por la saga de culto Phantasm, de las que ha escrito y dirigido cuatro entregas, dando lugar a una de las sagas más importantes del cine fantástico y creando un personaje mítico encarnado por Angus Scrimm, el famoso “hombre alto”.

Criado en California, Coscarelli comenzó su carrera en el mundo del cortometraje y nunca fue a una escuela de cine. Sus múltiples reconocimientos hicieron que se convirtiera con diecinueve años en el director más joven en conseguir que un estudio comprara su primer largometraje Jim, el más grande del mundo (1976), drama sobre un adolescente alcohólico que escribió, dirigió y produjo con la ayuda de su gran colaborador, el actor Angus Scrimm, que después interpretaría al «hombre alto» en las películas Phantasm.

Es con esta saga con la que Don Coscarelli se convierte en 1979 en un nombre reconocido mundialmente por los amantes del género, arrasando en festivales como el Festival de Cine Fantástico de Avoriaz y convirtiéndose en un éxito de taquilla que se repitió en las secuelas Phantasma II: El regreso (1988), Phantasma III: El pasaje del terror (1994) y Phantasma IV: Apocalipsis (1998).

De bajo presupuesto, las películas de Phantasm son el mejor ejemplo del universo de terror de Don Coscarelli: cadáveres que desaparecen o enanos y puertas a otras dimensiones, y que le han hecho merecedor de su categoría de director de culto del cine fantástico contemporáneo, junto a nombres como Wes Craven, Sam Raimi o George A. Romero.

Don Coscarelli escribe y dirige además otros títulos de culto como El señor de las bestias (1982) o Bubba Ho-Tep (2002), que gana el premio Bram Stoker por su adaptación del relato de Joe R. Lansdale y el reconocimiento de festivales como Toronto, Austin, Florida o Hong Kong.

John muere al final (2012) es su última película como director hasta la fecha, aunque sigue escribiendo y produciendo obras como Phantasma V: Desolación, Applecart o Bubba Nosferatu,  y dirigió el piloto de la serie Masters of Horror.

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Filmografía de Don Coscarelli

2018 / Bubba Nosferatu. Guionista

2017 / Applecart. Productor

2016 / Phantasma V : Ravager. Argumento y productor

2012 / John muere al final. Director, productor y guionista

2002 / Bubba Ho-Teo. Director, productor y guionista

1998 / Phantasma IV: Apocalipsis. Director, productor y guionista

1994 / Phantasma III: El pasaje del terror. Director, productor y guionista

1991 / El señor de las bestias II: La puerta del tiempo. Argumento

1988 / Escuela de supervivencia. Director y guionista

1988 / Phantasma II: El regreso. Director y guionista

1982 / El señor de las bestias. Director y guionista

1979 / Phantasma. Director y guionista

1976 / Kenny y compañía. Director, productor y guionista

1976 / Jim, el más grande del mundo. Director, productor y guionista

La programación completa de Nocturna Madrid – que se celebrará del 25 al 29 de octubre de 2017 – se dará a conocer en los próximos días y se repartirá entre las dos nuevas sedes del festival: los Cinesa Proyecciones y la sala Azcona de Cineteca Madrid.

Puedes consultar toda la información en nuestra página web

http://www.nocturnamadrid.com

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