Archive for the Animación Category

Mazinger Z – Infinity (Mazinger Z) (2018)

Posted in Animación, Ciencia ficción, Cine, Reseña on 22 enero, 2018 by belakarloff

Cuando el maligno doctor Infierno vuelve a atacar a la humanidad, Mazinger Z debe volver a salir de los hangares para combatir al pérfido genio del mal…

 Dirección: Junji Shimizu. Producción: Toei Studios. Productores: Yutaka Kanamaru, Kazuomi Nagai. Guion: Takahiro Ozawa, según el manga de Gô Nagai. Música: Toshiyuki Watanabe. Diseño de personajes: Hiroya Iijima. Diseños mecánicos: Takayuki Yanase. Direción artística: Makoto Ujiie (GREEN). Dirección de CG: Daiki Nakazawa, Tomohiko Takahashi. Ayudante de dirección: Yo Nakano. Intérpretes: Dibujos animados, con las voces (en la VO) de Showtaro Morikubo (Koji Kabuto), Ai Kayano (Sayaka Yumi), Sumire Uesaka (Lisa), Unshō Ishizuka (Dr. Infierno), Natsuki Hanae (Shiro Kabuto), Junpei Morita (primer ministro Yumi), Wataru Takagi (Boss), Toshihiko Seki (Tetsuya Tsurugi), Bin Shimada (Dr. Nossori), Kôzô Shioya (Dr. Sewashi), Kappa Yamaguchi (Mucha)… Nacionalidad y año: Japón 2018. Duración y datos técnicos: 95 min. Color 1.85:1.


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Pacific Rim (Pacific Rim, 2013) demostró que el cine de robots gigantes podía ser espectacular, vibrante y lleno de energía. Puños mecánicos propulsados impactaban con la carne de enormes monstruos gigantes venidos de otra dimensión. Su director, Guillermo del Toro, había captado a la perfección las sensaciones que le habían influenciado durante su infancia la series de robots gigantes, y las había devuelto a la vida con una rabiosa potencia. Parecía el hombre ideal para llevar a cabo una versión cinematográfica en imagen real de las aventuras del robot Mazinger Z. De momento, eso no se ha producido, pero el éxito de este largometraje resultó esencial para revivir el cine de “Mechas”, o robots tripulados por personas, vertiente fundada por Gô Nagai.

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Otros factores, como el éxito que cosechó Dragon Ball Z: La batalla de los dioses (Dragon Ball Z: Doragon bôru Z – Kami to Kami, Masahiro Hosoda, 2013) a la hora de revivir otro anime de impacto mundial, y a la vez conectar con las nuevas generaciones, han propiciado la idea de insuflar nueva energía a Mazinger, aquel robot gigante que dejó marcados de por vida a toda una generación.

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Así ha llegado el presente largometraje de animación, que adecuadamente sigue la línea de continuidad no solo del anime original, sino también de su secuela, Gran Mazinger. De hecho, nada más empezar la acción nos ponemos en situación con el protagonista de aquella serie, el piloto Tetsuya Tsurugi, en una espectacular secuencia donde lo vemos defendiendo una central de energía en Texas ante el acoso de una horda descomunal de bestias mecánicas. Más adelante descubriremos la aparición de un enorme nuevo robot, al que bautizan como Mazinger Infinity, y a Lisa, la “llave” para hacerlo funcionar sirviéndose de su sistema cibernético. Además, la trama nos va presentando a los personajes de la serie original, diez años después del fin de aquella. Sumido todo el planeta en una paz global, vemos que Koji Kabuto se ha convertido en un prestigioso científico. Sayaka, antigua piloto de Afrodita A, es la directora del Instituto de Investigaciones Fotónicas, y su padre el actual primer ministro de Japón.

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Como vemos, la continuidad es uno de los elementos más reseñables de este Mazinger Z Infinity, algo que es de agradecer por los seguidores del anime clásico, y que reconforta a aquellos que han invertido su tiempo, y acicalado su infancia, con las aventuras de estos personajes. Es por ello que, aunque dentro de un orden, la película puede ser vista por cualquier neófito; en un primer instante este tipo de espectadores puede verse saturado por la aglomeración de personajes que ya tienen un pasado, y unos villanos deseosos de volver a esparcir el terror. No obstante, la película tiene su público muy enfocado, y son ellos, los seguidores de Mazinger, quienes más disfrutarán al ver a Shiro, el hermano pequeño de Koji, o al trio histriónico formado por Boss, Mucha y Nuke. Sin olvidar las múltiples referencias, algunas más evidentes que otras, a todo un pasado de destrucción urbana.

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Otro de los aspectos menos destacables, en opinión del que suscribe, es el discurrir de la primera mitad de la película, más expositiva, donde tienen lugar las conversaciones entre los personajes para informarnos de lo que está ocurriendo. Quizás por el contraste creado por las espectaculares batallas, amén de una narración descuidada, estas secuencias palidezcan de cierta forma, y den la sensación de estar más dilatadas de lo que debieran. En cuanto a la trama, no termina de estar bien explicados algunos elementos, especialmente todo lo referente al intercambio de dimensiones. La narración, en este sentido, queda levemente confusa. Igualmente, algunas salidas del tono “solemne” general pueden llegar a confundir, como las protagonizadas por las Mazin-Girls, o las maniobras llevadas a cabo por Robot Boss y los científicos Sewashi y Nossori. Esto es algo inherente al producto original, que también estaba aderezado con estos brotes cómicos. En cambio, ese tono “sosegado” de algunas de las secuencias antes mencionado, aunque necesario para un largometraje, choca contra la acción trepidante encapsulada en la serie.

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Asimismo, en el filme podemos encontrar una serie de mensajes, algunos más sutiles que otros, que pueden llamar la atención en mayor o menor grado dependiendo del grado de tolerancia del espectador. Por ejemplo, encontramos un marcado sentimiento “pro-familia”, una vertiente ecológica, la incapacidad del ser humano por convivir en paz, o quizás el más interesante, aquel sobre aprovechar el tiempo que se nos ha dado.

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Estéticamente, la animación se basa por un lado en la vertiente “humana”, realizada de forma más clásica, acorde con los estándares actuales del anime por interpolación, creando a su vez un extraño círculo de retroalimentación, influenciada por productos evolucionados del manga de Nagai como Neon Genesis Evangelion (Shin Seiki Evangerion, Hideaki Anno, 1995). Por otra parte, las secuencias protagonizadas por los robots se han realizado con una estética más potenciada por la animación por ordenador. Si bien se echa en falta esos trazos fuertes para las bestias mecánicas, presentes en la animación original, y que le daban ese toque salvaje, añejo y visceral, ciertamente estas nuevas visuales de los robots potencian su espectacularidad.

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En este sentido, se ha de mencionar, en opinión del que suscribe, la secuencia más deslumbrante de toda la película. Y es aquella en que Koji se pone de nuevo a los mandos de Mazinger, vuelve a surcar los cielos, y termina enfrentándose contra todos los fantasmas de su pasado robótico. Todo es vertiginoso, los planos son frenéticos, la violencia colosal despide impactos por doquier, y volvemos de golpe a ese estado de la niñez donde nos sorprendíamos y maravillábamos por las aventuras de nuestros héroes.

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Por supuesto, en eso tiene mucho que ver la banda sonora compuesta para la película por Toshiyuki Watanabe, hijo de Michiaki Watanabe, el compositor original de las series Mazinger Z y Gran Mazinger. Su vástago ya demostró su dominio musical a la hora de enmarcar a bestias gigantes, como demuestra sus excelentes composiciones para la trilogía de Mothra de los años noventa (lo mejor de aquellas películas, sin duda), y aquí subraya ese control. Con algunas melodías más suaves para momentos más cálidos, la verdadera fiereza de Toshiyuki se desata cuando rescata las melodías de su padre, dotándolas de un vigor inaudito, y que, al ver despegar de nuevo al Planeador, todos nuestros recuerdos afloren súbitamente, como si la llave que los contuviese dependiera de una contraseña musical. Posteriormente, durante la batalla, mientras Koji exclama en voz alta el uso de sus armas, y maldice de nuevo a alguno de sus antiguos contrincantes, la catarsis musical es total.

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En conclusión, con un desarrollo y espíritu tradicional, la película no pretende innovar. Su misión es revivir al gigante de hierro, con las mismas condicionantes que lo llevaron a la cima del anime. Por tanto, tal como cierra la película, Mazinger Z Infinity va dirigida a aquellos niños que disfrutaron con rocambolescas montañas de metal, que aún pueden emocionarse viendo espectaculares batallas contra el cielo azul mientras enérgicas melodías vitorean sus hazañas.

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Anécdotas

  • Lanzada aprovechando el 45 aniversario del estreno del anime original, Mazinger Z (Majingâ Zetto; 1972-1974).
  • Hay momentos del film en que se ven brevemente planos de la Sagrada Familia de Barcelona, la Torre de Pisa en Italia y la Torre Eiffel de París. Se supone que son guiños para los fans españoles, italianos y franceses.
  • Estrenada en Japón el 13 de enero de 2018. En España se estrenó el 19 de enero (tras un pre-estreno en Barcelona el pasado 13 de diciembre de 2017).

 

Octavio López Sanjuán (Alicante. España)

 

CALIFICACIÓN: ***

  • bodrio * mediocre ** interesante *** buena **** muy buena ***** obra maestra

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El Superman animado de los hermanos Fleischer

Posted in Animación, Artículo, Cómic, Ciencia ficción, Cine, Cortometrajes, superhéroes on 4 enero, 2018 by belakarloff

por Luis Alboreca y Carlos Díaz Maroto

 

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Los Fleischer Studios fueron en su época los más fuertes rivales de Walt Disney en lo que se refiere a cine de animación en Estados Unidos. Fueron fundados en 1921 con el nombre de Inkwell Studios, y ejercieron hasta abril de 1942, momento en el cual la Paramount, compañía que distribuía sus cintas, se hizo con la empresa, convirtiéndola en Famous Studios. Los fundadores fueron Max Fleischer y Dave Fleischer, dos hermanos[1] que decidieron crear la compañía cuando Max inventó el rotoscopio, una técnica que consiste en rodar actores reales y después calcar sus movimientos, para que los dibujos animados tengan una movilidad de lo más natural. Durante la época del cine mudo crearon el personaje Koko el payaso, y más adelante ofrecieron a Betty Boop (que sufrió las iras de los censores) o Popeye el marino, entre otros.

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En 1937 Walt Disney estrenó Blancanieves y los siete enanos/Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs), el primer largometraje de animación de la historia, y donde se hacía uso de la técnica del rotoscopio en el personaje protagonista, así como en el del príncipe, y a este los Fleischer respondieron con Gulliver’s Travels [tv/vd/dvd: Los viajes de Gulliver, 1939], que también empleaba el sistema con el viajero. Tras esa película ofrecieron un nuevo largo, Mr. Bug Goes To Town (1941), y después surgió la idea de llevar a Superman por primera vez a la pantalla.

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En realidad, la propuesta vino por parte de la Paramount, que buscaba sacar provecho del éxito de los comics y del serial radiofónico acerca del Hombre de Acero, con la idea de hacer una serie de cortos de animación con destino a los cines[2]. El serial radiofónico, de hecho, fue el punto de partida de muchos de los proyectos posteriores en la pantalla, grande y pequeña, sobre la creación de Siegel y Schuster. Titulado The Adventures of Superman, se emitió por las ondas de 1940 a 1951, por diversas cadenas sucesivas, con una duración de quince o treinta minutos, y una periodicidad entre tres y cinco días a la semana, según la época. Con esponsorización de los cereales Kellogg’s, fue un enorme éxito, e implantó ciertos elementos iconográficos, desde la famosa presentación de “Look! Up in the Sky!” hasta “Esto es un trabajo para Superman”.

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El editor de la entonces National Comics (después DC) con los actores Bud Collyer y Joan Alexander

 

El protagonista que encarnaba a Superman/Clark Kent fue Bud Collyer, quien después también le pondría voz en la serie de los Fleischer y otras de carácter televisivo. Entre 1940 y 1946 mantuvieron la identidad del actor en secreto, hasta una entrevista en la revista Time con motivo de una campaña de tolerancia racial y religiosa. Los programas se hacían en directo, así pues para ofrecerle vacaciones a Collyer inventaron la kryptonita: en esos casos, Superman quedaba alelado y solo podía soltar gruñidos, que eran interpretados por cualquier otro actor; para reemplazarle añadieron en las aventuras a Batman y Robin, que debutaron el 2 de marzo de 1945[3]. Otros elementos que nacieron con el serial radiofónico fueron Perry White[4], Jimmy Olsen[5] o el inspector Henderson. Los guiones de los episodios serían escritos entre B. P. Freeman y Jack Johnstone. Tanto los seriales en imagen real como la serie de televisión de los cincuenta constan como basados en este serial radiofónico[6].

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Dado que el proyecto de hacer los cortos animados era muy problemático, y con el fin de desanimar a la Paramount, los Fleischer comentaron que cada corto exigiría un coste de cien mil dólares. La productora, sin embargo, no se achantó, y les ofreció cincuenta mil por corto, es decir, cerca del triple de lo que solía costar uno de Popeye.

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Los hermanos, pues, se pusieron a ello, y el 26 de septiembre de 1941 estrenaban en los cines el primer título de la serie, que respondía sencillamente a Superman (aunque en algunas copias se le ha re-titulado The Mad Scientist). El arranque (y que se repetiría a lo largo de todos los cortos) ofrecía el celebérrimo “¡Mira! ¡En el cielo! ¡Es un pájaro, es un avión, es…! ¡Superman!”. Después, en un rapidísimo resumen, se narraba la salida del pequeño del planeta Krypton justo en el momento en que estalla, cómo cae a la Tierra, es recogido por un ciclista y lo lleva a un orfanato (aquí, pues, aún no hay padres adoptivos de por medio). Y luego ya se encadena con Clark Kent sirviendo en el Daily Planet. De los comics (y el serial radiofónico) sólo se tomarían los personajes de este, así como Lois Lane y Perry White; nadie más, ni amigos ni enemigos. En el proceso de animar a Superman, los Fleischer consideraron ridícula la representación de ofrecerle brincando “más alto que un edificio”, así pues le otorgaron el poder de volar, adelantándose así a los comics en ese sentido. Ese primer corto, además, ofrecía al malvado científico con un buitre como mascota[7], animal este que caricaturizaba actitudes humanas, elemento único de tal índole en toda la serie. Al año siguiente el episodio sería nominado a un Oscar como mejor corto de dibujos animados, si bien sería derrotado por su más directa rival, la Disney. La animación era espléndida, y el hermoso colorido brindaba a ese corto una dinámica espectacular. Según Les Daniels “a Hollywood le tomó décadas duplicar de nuevo semejantes efectos”[8].

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El primer episodio de la serie animada para cines

 

La voz de Superman (y su alter ego Clark Kent) la ofrecía Bud Collyer, mientras que la de Lois Lane la hacía Joan Alexander; ambos provenían del serial radiofónico. La célebre música sería compuesta por Sammy Timberg, un habitual de los estudios Fleischer. Y de nuevo se hizo uso del sistema de rotoscopio, lo cual confería una pasmosa naturalidad a los movimientos de los personajes. A ello se suma el empleo de luces y sombras con el fin de crear efectos dramáticos, otorgándole a los resultados un look muy moderno y atractivo.

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Bud Collyer

 

Siempre con dirección de Dave Fleischer, y con Whitney Ellsworth, editor de los comics del personaje, como consultor de los argumentos, una tanda inicial contó con nueve cortos, finalizando con Terror on the Midway, estrenado el 28 de agosto de 1942. Sin embargo, en los estudios las cosas no iban bien; los hermanos Fleischer no se aguantaban el uno al otro y, finalmente, cada uno se fue por su lado, vendiendo los estudios a la Paramount, que les cambió el nombre por el de Famous Studios hasta 1956, en que volvieron a variar a Paramount Cartoon Studios, llegando su cierre en 1967. Otras fuentes, sin embargo, señalan que todo fue debido a las deudas contraídas en los intentos de pasarse a la producción de largometrajes, motivo por el cual la Paramount acabaría absorbiendo los estudios.

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Terror on the Midway

 

Así pues, ya con el sello Famous Studios, una nueva tanda de ocho cortos fueron realizados, y con la ausencia de los Fleischer en ellos, aunque muchas de las características permanecieron. Algunos guionistas de las primeras historias, como Seymour Kneitel o Isadore Sparber, pasaron a tomar el relevo de Dave Fleischer como directores de los cortos, manteniendo la fuerza en la planificación y el uso de las sombras chinescas para crear efectos dramáticos. Fue en esa nueva etapa, sin embargo, en que se reforzaron los elementos propagandísticos, aunque en realidad fueron pocos capítulos los que introdujeron japoneses o nazis en las historias, y mostraban un aire caricaturizado de éstos no muy diferente al de muchas películas “serias” de la época (o en los propios comics de Superman). También en esta etapa fue cuando se introdujo un nuevo personaje “fijo”, un botones del Daily Planet llamado Louis, que pretendía ser un elemento humorístico, pero que por suerte solo apareció escasos segundos en dos de los episodios. Los trucos dramáticos sigiueron siendo excelentes, como en el episodio Jungle Drums, donde los efectos de sombras cambiantes provocados por las hogueras, así como los encuadres inclinados otorgaban un espléndida atmósfera, solo enturbiada por los rasgos caricaturizados (ridiculizados) de los aborígenes. Fue la propia Paramount la que finiquitó los cortos, rebajando los presupuestos y después cancelando la producción.

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Jungle Drums

 

Según el libro All-Star Companion V. 4, también se planteó una serie de cortometrajes de Batman con igual equipo, pero la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial dio al traste con el proyecto.

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Bruce Timm se inspiró en la dinámica visual y estética del Superman de los Fleischer para su posterior y célebre serie televisiva sobre el Hombre Murciélago.

 

Los cortos no se estrenaron en España, debido a la censura sobre la imagen de Superman. Más adelante, con el éxito de la película de Richard Donner, se realizó un montaje de todos los episodios, y el larguísimo film resultante fue exhibido en nuestros cines como Las originales aventuras animadas de Superman (Animated Aventures of Superman), con estreno en nuestras pantallas el día 1 de diciembre de 1979. También se emitieron después, por televisión, a modo de serie regular con el título de Las aventuras de Superman, en las cadenas autonómicas.

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Los episodios están hoy día libres de derechos, motivo por el cual han aparecido masivamente en muy distintas ocasiones en ediciones de vídeo y DVD en condiciones muy económicas pero, también, con muy mala calidad de imagen, en grandes centros comerciales, por ejemplo. La edición más recomendable es la de Warner, en su lata especial con toda la saga de películas; en los extras del primer Superman viene la etapa Fleischer, y en los de Superman II la fase Famous Studios; la imagen es muy superior en calidad a las demás, aunque sigue viéndose dañada, y precisa una edición en condiciones[9].

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Dirección: Dave Fleischer (1-3-4-5-6-7-8-9); Seymour Kneitel (2-10-16-17); Isidore Sparber (11); Dan Gordon (12-15); I. Sparber (13-14). Arreglos musicales: Sammy Timberg. Intérpretes: Clayton ‘Bud’ Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane), Jackson Beck (narrador/Perry White).

  1. Superman (Superman/ The Mad Scientist). Fecha de estreno: 26-09-1941.
  2. The Mechanical Monster (Los monstruos mecánicos). 21-11-1941.
  3. Billion Dollar Limited (El tren del billón de dólares). 09-01-1942.
  4. The Artic Giant (El gigante del Ártico). 26-02-1942.
  5. The Bulleteers (Los hombres bala). 26-03-1942.
  6. The Magnetic Telescope (El telescopio magnético). 24-04-1942.
  7. Electronic Earthquake (Terremoto eléctrico). 15-05-1942.
  8. Volcano (El volcán/Volcán). 10-07-1942.
  9. Terror On The Midway (Terror en el boulevard/Terror en el circo). 30-08-1942.
  10. Japoteurs (Saboteadores). 18-09-1942.
  11. Showdown (Cara a cara). 16-10-1942.
  12. Eleventh Hour (La hora undécima/La undécima hora). 20-11-1942.
  13. Destruction, Inc. (La destrucción). 25-12-1942.
  14. The Mummy Strikes (La maldición de la momia). 19-02-1943.
  15. Jungle Drums (Tambores en la jungla/Tambores de la jungla). 26-03-1943.
  16. The Underground World (El mundo subterráneo). 18-06-1943.
  17. Secret Agent (Agente secreto). 30-07-1943.

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Secret Agent

 

[1] El hijo de Dave y sobrino de Max fue el gran realizador Richard Fleischer, responsable de joyas del cine como Veinte mil leguas de viaje submarino (20,000 Leagues Under the Sea, 1954), Los vikingos (The Vikings, 1958), Impulso criminal (Compulsion, 1959) o El estrangulador de Boston (The Boston Strangler, 1968), entre otras muchas.

[2] Los cines de la época solían programar cortos de animación como complemento a sus sesiones cinematográficas, y cada estudio disponía de su propia sección de animación, o contrataba alguna compañía para tal fin. Disney era por aquel entonces distribuido por RKO, Warner creó sus famosos Looney Tunes y la MGM aportó a Tom y Jerry, por ejemplo.

[3] Después, hubo intentos de crear un serial radiofónico centrado en Batman y Robin, primero en 1943 y luego en 1950, pero no dieron resultado.

[4] White apareció en el segundo capítulo del serial radiofónico, emitido el 14 de febrero de 1940; en el cómic no saldría hasta el Superman nº 7 (noviembre de 1940).

[5] En realidad, en el nº 6 de Action Comics (noviembre de 1938) aparece un personaje que muchos estudiosos consideran la primera aparición de Jimmy Olsen, aunque no se le menciona por su nombre. La primera aparición con tal nombre se produjo en la radio el 15 de abril de 1940, y después en el cómic en el Superman nº 13 (noviembre/diciembre de 1941).

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[6] Los programas de radio originales pueden ser escuchados aquí: http://www.archive.org/details/superman_otr

[7] Igual que Bela Lugosi en La legión de los hombres sin alma (White Zombie, 1932, Victor Halperin).

[8] DC Comics: Sixty Years: Sixty Years of the Worlds Favorite Comic Book Heroes; introducción de Jenette Kahn. Londres: Virgin Books, 1995; pág. 68.

[9] Sería deseable aprovechar el doblaje que se hizo para cines, añadiendo el audio original y subtítulos, por supuesto, y tirar, en cuestión de imagen, de las restauraciones habidas en Estados Unidos.

 

Colores (2017) [CM]

Posted in Animación, Cine, Cortometrajes, Otros géneros, Reseña on 18 diciembre, 2017 by belakarloff

Tito es un niño ciego que deja la ciudad para pasar unos días en un pueblo interior de Alicante con su abuela Fina, a la que no conocía. Allí encuentra la amistad desinteresada de Candela y a Patuchas, su perro, con los que conoce la sencillez de vivir en el campo, la libertad y la fuerza de poder valerse por sí mismo sin importar su discapacidad.

Dirección: Sami Natsheh, Arly Jones. Producción: Horizonte 6 Quince. Productor: José Antonio Saura. Guion: Sami Natsheh, según una idea de José Antonio Saura, Mila Angelini. Música: Alejandro Saura. Montaje: Sami Natsheh. Diseño artístico: Arly Jones. Animadores: Álex Muñoz Gil, Rocío Silveira-Márquez, Isabel Morcillo Ruiz, Javier Cano Marín, Ksenia Fetisova, Sergi Ferrándiz Brotons, Pablo Martínez Pérez, Rosa María Medina Camarena, Cristina Vaello Alumbreros, Massimiliano Nadalini, Alejandro Fernández Sánchez. Intérpretes: Francesc Anyó (padre), Iolanda Muñoz (madre), Máximo Pastor (Tito), Sara Ramos (Candela), Darío Torrent (locutor)… Nacionalidad y año: España 2017. Duración y datos técnicos: 19 min. color.

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Si el campo del cortometraje está muy ninguneado en España, en la categoría de animación lo es aún más, y ni siquiera los medios oficiales se molestan en aportar un apoyo absolutamente necesario. Es sorprendente cómo, pese a esos hándicaps, nuestro país siempre ha sido uno de los fundamentales en materia de animación, hemos exportado técnicos (posiblemente porque aquí no se les hacía caso) y en los últimos años se están produciendo largos de animación que pueden competir con orgullo contra otros de carácter internacional, aunque sería de desear un estilo más personal y menos imitativo de los moldes anglosajones.

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Los directores junto a los protagonistas del corto

Colores es un proyecto sencillo que, curiosamente, ha tenido un enorme éxito allá donde ha sido presentado. El punto de partida, leído más arriba, puede no resultar en exceso atractivo para muchos espectadores, con ese tono “buen rollista”. Sin embargo, en primera instancia logra esquivar ese difícil escollo y evitar un cierto carácter cursi apriorístico y exponerse con una naturalidad ejemplar, sin cargar las tintas en el aspecto ternurista. Tito es un niño ciego que vive con toda llaneza esa condición, y el propio corto se ve transmitido por esa actitud.

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Se podría decir que tenemos dos opciones narrativas: por un lado, la más obvia y sencilla, la de esas vacaciones de Tito en el pueblo y cómo se va abriendo a un nuevo mundo para él hasta entonces desconocido. Es abrir los ojos a experiencias nuevas. Y, por otro, tenemos la forma en que Tito experimenta las sensaciones. Los dos directores, Sami Natsheh y Arly Jones, han buscado mostrar visualmente la manera en que Tito percibe las impresiones, dándole a las imágenes un carácter casi experimental. Se utiliza el blanco y negro, los trazos minimalistas y el aproximar los diseños, casi esbozos, de lo que el chaval vislumbra a ciertas características pictóricas, aproximándolo a artistas como Picasso. Ese elemento, junto al diseño realista, directo y entrañable de los personajes (en especial la abuela) son lo mejor de esta pequeña (por su duración, aunque casi roza el mediometraje) joyita.

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Se ha mencionado a los directores. Arly Jones, salvo error, es la primera vez que debuta como realizador, y también efectúa aquí la labor del diseño artístico del corto, absolutamente apabullante. Sami Natsheh, por su parte, también es responsable del guion (a partir de una idea del productor) y del montaje, y no es un debutante en la materia. Comenzó dirigiendo cortos de imagen real, con obras tan descacharrantes como El ataque del increíble hombre de las manos pringosas que vino del espacio exterior (2003) y Proyecto Ovni: Verdades y mentiras del fenómeno Ovni en Andalucía (2007), aunque después se volcó a su pasión por la animación. Así, nos aportó el divertidísimo Espagueti western (2007) –ya candidato al Goya– y el bellísimo La leyenda del ladrón del árbol de los colgados (2009).

Esperemos que el éxito acompañe a esta empresa como hasta ahora ha hecho. Los responsables están desarrollando de manera paralela las ideas de convertirlo en un largo, o bien en serie televisiva. Sea como fuere, ambos proyectos suenan sumamente prometedores. Deseamos que el éxito les acompañe.

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Anécdotas

  • Candidato al premio Goya 2018 como mejor cortometraje de animación. Además, premio de la juventud en el Festival Internacional de Cine Andaluz de Burguillos (Sevilla), premio del público al cortometraje más molón, Festival Cine de Madrid PNR, premio del público en el Cutting Edge International Films Festival (Estados Unidos) y premio al mejor cortometraje de animación internacional en el Torrecinos Film Festival (Panamá).
  • Exhibido inicialmente en el Festival de Cine de Alicante el 21 de mayo de 2017.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

 

Novedades de 39 Escalones para el 5 de diciembre

Posted in Animación, Blu-ray, Cine, Documental, DVD, Noticias, Otros géneros, Televisión on 23 noviembre, 2017 by belakarloff

39 Escalones, la editora de cine, confirma los siguientes lanzamientos para el próximo día 5 de diciembre, en formato DVD o BD (se especifica en cada caso):

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LOS COMENSALES (DVD):

2016: Festival de Málaga: premio del público Zonazine

Una película de Sergio Villanueva con Silvia Abascal, Sergio Peris-Mencheta, Juan Diego Botto, Quique Fernández y Denise Despeyroux.

PVP: 9,95 €

3D NACIDO EN SIRIA 

NACIDO EN SIRIA (DVD):

2017: Premios Goya: nominada a mejor documental

2017: Premios Platino: mejor documental

2017: Premios Forqué: mejor documental

Uno de los documentales de mayor impacto de 2017. Dirigido por Hernán Zin.

 PVP: 9,95 €

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LA CASA DE LOS ESPÍRITUS (DVD/BD):

Dirigida por Bille August. Basada en la novela de Isabel Allende.

Con Jeremy Irons, Winona Ryder, Glenn Close, Meryl Streep, Antonio Banderas, Vanessa Redgrave, María Conchita Alonso, Vincent Gallo.

PVP DVD: 11,95 € / PVD BD: 14,95 €

 3D DON QUIJOTE DE LA MANCHA

DON QUIJOTE DE LA MANCHA (SERIE COMPLETA REMASTERIZADA). DIBUJOS ANIMADOS (DVD):

Adaptación en dibujos animados de la inmortal obra de Miguel de Cervantes que relata las aventuras del hidalgo Don Quijote (voz de Fernando Fernán-Gómez) y su fiel escudero Sancho Panza (voz de Antonio Ferrandis). 39 episodios.

PVP: 24,95 €

3D ANILLOS 

ANILLOS DE ORO (SERIE COMPLETA REMASTERIZADA) (DVD):

Una serie de PEDRO MASÓ, escrita por Ana Diosdado.

Con Ana Diosdado, Imanol Arias, Xabier Elorriaga. En 2018 se cumplirá su 35º aniversario. 13 episodios.

PVP: 21,95 €

 3D PUMPKIN REPORTS

PUMPKIN REPORTS (SERIE COMPLETA) (DVD):

La serie de dibujos animados líder de audiencia en Clan TV durante enero y febrero 2017. 52 episodios.

PVP: 18,95 €

 

La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast) (1991)

Posted in Animación, Cine, Fantasía, Humor, Otros géneros, Reseña, Terror on 21 marzo, 2017 by belakarloff

Bella es la chica rara del pueblo: le gusta leer, y pasa del machista y descerebrado cachas por el que todas las demás suspiran. Su padre es científico, y cuando sale para mostrar su último invento se pierde y va a parar al castillo de la Bestia, un príncipe hechizado. Bella pedirá quedarse en el lugar de su padre para compartir el resto de su vida junto a ese ser monstruoso…

Dirección: Gary Trousdale y Kirk Wise. Producción: Walt Disney Pictures, Silver Screen Partners IV, Walt Disney Feature Animation. Productor: Don Hahn. Productora asociada: Sarah McArthur. Productores ejecutivos: Howard Ashman, John Lasseter (versión en 3-D). Guion: Linda Woolverton, según argumento de Brenda Chapman, Chris Sanders, Burny Mattinson, Kevin Harkey, Brian Pimental, Bruce Woodside, Joe Ranft, Tom Ellery, Kelly Asbury, Robert Lence, basado en el cuento de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. Música: Alan Menken. Dirección artística: Brian McEntee, Ed Ghertner (edición especial). Montaje: John Carnochan, Bill Wilner (no acreditado), Ellen Keneshea (edición especial). Intérpretes: Dibujos animados, con las voces (en la VO) de Robby Benson (Bestia), Jesse Corti (Lefou), Rex Everhart (Maurice), Angela Lansbury (Mrs. Potts), Paige O’Hara (Belle), Jerry Orbach (Lumiere), Bradley Pierce (Chip), David Ogden Stiers (Cogsworth / narrador), Richard White (Gaston), Jo Anne Worley, Mary Kay Bergman, Brian Cummings, Alvin Epstein, Tony Jay, Alec Murphy, Kimmy Robertson, Hal Smith, Kath Soucie, Frank Welker, Jack Angel, Bruce Adler, Scott Barnes, Vanna Bonta, Maureen Brennan… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1991. Duración y datos técnicos: 84/91 min. Color 1.66:1.

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La Disney llevaba un tiempo de capa caída en lo que respecta a sus películas de animación. Los antiguos esplendores de Peter Pan, Alicia… o El libro de la selva parecían haber pasado. Todo cambió en 1989 cuando La sirenita (The Little Mermaid) representó un punto de inflexión en la animación Disney. Dirigida por Ron Clements y John Musker, y con canciones de Alan Menken y Howard Ashman, aportó una visión novedosa de los dibujos animados de la casa, apoyándose por un lado en la estructura tradicional del musical norteamericano[1], y por otro renovando la visión que habían ofrecido de los personajes, haciéndolos más modernos pero conservando sus raíces, tanto idiosincráticas como iconográficas.

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Después de La sirenita llegó La Bella y la Bestia, y ya nada fue igual. Fue la primera cinta de animación que consiguió una nominación al Oscar como mejor película, y desde entonces los éxitos de público han continuado llegando para sus siguientes aportaciones, e incluso algunas de las obras han conseguido un prestigio artístico tremendo.

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Otro de los rasgos identificativos de esa nueva hornada que comenzó con La sirenita y prosigue hasta la actualidad es el perfil psicológico que aplicó a sus heroínas, haciéndolas llegar al siglo XX y más allá. Realmente, uno de los elementos más interesantes que ofrece La Bella y la Bestia es su galería de personajes. Ahí tenemos, en primer lugar, a Bella, una muchacha dulce, delicada y sensible, a la que le encanta leer y que no muestra aprecio alguno por Gaston, un personaje rudo, machista y egocéntrico, que siempre va acompañado por un adulador, Lefou. De este modo, desaparece la figura femenina sumisa que ha de estar supeditada al hombre; algunas de las canciones satirizan con gracia ese estereotipo. En lo que respecta a la Bestia, representa una alegoría sobre la belleza interior, y que uno no ha de conformarse con lo que brindan las apariencias.

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Todo ello es narrado haciendo uso del cuento tradicional “La Bella y la Bestia”, tantas veces llevado al cine, aunque como las mejores podemos considerar La Bella y la Bestia (La Belle et la Bête, 1945), de Jean Cocteau y René Clement, y Panna a Netvor (1978), de Juraj Herz. Y, en verdad, la presente puede alzarse también en el podio de las tres vencedoras. Como se ha referido, se estructura con la urdimbre del musical tradicional norteamericano, cuyo ejemplo podría ser, por citar un solo título, Carousel (1945), de Richard Rodgers (música) y Oscar Hammerstein II (libreto y letras)[2]. Las canciones tienen vitalidad, emoción y resultan pegadizas, aunque personalmente mi favorita es “Be Our Guest”, coreografiada al estilo de Busby Berkeley, y cuya representación es todo un prodigio.

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También entra dentro del concepto, obvio es, de la fábula moral, y de igual modo participa del cine de terror, siendo especialmente memorable el ataque de los lobos a Bella, que está orquestado como si de un film de género se tratara. El propio personaje de la Bestia, por sus características, entronca con el fantástico. En esta ocasión el aspecto físico con la que se la representa podría ser el de un león, mas provisto de cuernos. Es interesante el detalle final, cuando desaparece el hechizo y recupera su aspecto humano, apareciendo de una belleza deslumbrante. Sin embargo, Bella lo mira con desconfianza, y solo tras tocar sus cabellos y reconocerlo por ese detalle será cuando lo acepte. Es decir, no le importa la apariencia, sino que se trata realmente de la persona de la que se había llegado a enamorar por su carácter.

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La Bella y la Bestia, en definitiva, es una de las grandes joyas de la Disney, una delicia que se puede contemplar una y otra vez sin que pierda el hechizo.

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Anécdotas

  • En 1992 consiguió el Oscar a la mejor música y mejor canción (“Beauty and the Beast”), así como nominaciones como mejor película, sonido y a las canciones “Belle” y “Be Our Guest”. En los Globos de Oro ganó como mejor película comedia o musical, música y canción (“Beauty and the Beast”). En los Hugo ganó como mejor representación dramática.
  • Howard Ashman, productor ejecutivo y letrista de las canciones, murió de sida ocho meses después de estrenada la película.
  • Rupert Everett optó para el papel de Gaston, pero lo rechazaron porque no sonaba lo suficientemente arrogante. Para Mrs. Potts se pensó en Julie Andrews. Patrick Stewart estaba previsto para el papel de Cogsworth, pero no pudo por sus compromisos en Star Trek: la nueva generación; también optó para el papel Ian McKellen. Como la voz de la Bestia se pensó en Tim Curry, Laurence Fishburne, Val Kilmer y Mandy Patinkin.
  • El diseño de Bella está inspirado ampliamente en Katharine Hepburn en la película Las cuatro hermanitas (1933), adaptación de Mujercitas.
  • El humo durante la escena de la transformación es real. Se rodó para Taron y el caldero mágico (1985) y se reutilizó aquí.
  • Tanto en los años treinta como en los cincuenta la Disney intentó adaptar el cuento, pero no logró crear un tratamiento dramático adecuado.
  • Jackie Chan dobla a la Bestia en la versión china al mandarín.
  • Reestrenada en IMAX en 2002, con diversos cambios, y en 2010 en 3-D.
  • Secuelas: Sing Me a Story with Belle (1996) (intento de serie de televisión con un único episodio); La bella y la bestia 2: Una Navidad encantada (Beauty and the Beast: The Enchanted Christmas, 1997), de Andrew Knight [direct-to-dvd]; El mundo mágico de Bella (Belle’s Magical World, 1998), de Bob Kline [direct-to-dvd].
  • Remake: La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 2017), de Bill Condon.
  • Estrenada en Estados Unidos el 22 de noviembre de 1991; en España se estrenó el 27 de noviembre; la versión original en nuestro país se ofreció con la primera bobina doblada, para aprovechar el plano rodado especialmente con los rótulos iniciales en castellano.

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Bibliografía

“Beldad y la Bestia”; por Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve. Inc. en El libro de hadas de Arthur Rackham; traducción de Alfonso Nadal. Barcelona: Juventud, 1992. T.O.: “La Belle et la Bête” (1740).

“La Bella y la Bestia”; por Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. Inc. en La Bella y la Bestia y otros cuentos; traducción de Elena del Amo. Madrid: Gaviota, 2005. T.O.: “La Belle et la Bête” (1756).

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Muchas de estas películas, de hecho, luego son trasladadas al musical. En lo que respecta a Beauty and the Beast, debutó en Broadway en 1994, después de un estreno de prueba el año anterior en Houston. Ofrecía música de Alan Menken, letras de Howard Ashman y Tim Rice, y libreto de Linda Woolverton. En 1999 se estrenó en Madrid.

[2] Curiosamente, este musical también es una adaptación de una obra sin canciones, en este caso la obra teatral Liliom (1909), de Ferenc Molnár. Y también es de carácter fantástico y ha sido llevada varias veces al cine (tanto la versión de Molnár como la musical), por artistas como Fritz Lang.

Estrenos fantásticos en España:23-XII-2016

Posted in Animación, Cine, Estreno, Fantasía, Sin categoría on 24 diciembre, 2016 by belakarloff

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Assassins Creed (Assassins Creed)

Ubi Soft desembarca en el cine con uno de sus videojuegos insignia. Michael Fassbender se convierte en Callum Lynch, un condenado a muerte al que intentarán recuperar los recuerdos de su antepasado, un experto asesino de una hermandad secreta en la España de la Inquisición.

  • Fecha de estreno: 23 de diciembre de 2016.
  • Director: Justin Kurzel.
  • Actores: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Charlotte Rampling, Carlos Bardem, Javier Gutiérrez.
  • Nacionalidad y año de producción: EE.UU., Francia, Reino Unido, Hong Kong, 2016.

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Belleza oculta (Collateral Beauty)

Will Smith protagoniza este drama en el que da vida a un ejecutivo de publicidad que, tras un hecho traumático, se sumerge en una espiral de depresión. Para ayudarle a salir de ahí, sus amigos idearán un inusual plan que traerá consigo resultados inesperados.

  • Fecha de estreno: 23 de diciembre de 2016.
  • Director: David Frankel.
  • Actores: Will Smith, Edward Norton, Kate Winslet, Michael Pena, Helen Mirren, Naomie Harris, Keira Knightley.
  • Nacionalidad y año de producción: EE.UU., 2016.

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Pixi Post y los genios de Navidad

Animación española proveniente del país vasco, sigue la gran aventura de Pixi Post, una chica elfo con dificultades para relacionarse con los suyos, que por accidente es elegida como única defensora de los Genios de la Navidad, objetivo de un terrible villano.

  • Fecha de estreno: 23 de diciembre de 2016.
  • Director: Gorka Sesma.
  • Nacionalidad y año de producción: España, 2016.

Estrenos fantásticos en España: 15-XII-2016 y 16-XII-2016

Posted in Animación, Ciencia ficción, Cine, Estreno, Fantasía, Noticias on 15 diciembre, 2016 by belakarloff

Rogue One: Una historia de Star Wars (Rogue One: A Star Wars Story)

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Gareth Edwards dirige el primero de los spin offs basados en el universo Star Wars y nos cuenta la desconocida historia del grupo de rebeldes, encabezados por Felicity Jones, que robaron los planos de la Estrella de la Muerte.

  • Fecha de estreno: 15 de diciembre de 2016.
  • Director: Gareth Edwards.
  • Actores: Felicity Jones, Mads Mikkelsen, Alan Tudyk, Diego Luna, Ben Mendelsohn, James Earl Jones, Forest Whitaker.
  • Nacionalidad y año de producción: EE.UU., 2016.

 

Axel, el pequeño gran héroe (Bonta 3D)

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Leo Lee dirige esta cinta de animación china protagonizada por Axel, un joven que se embarca en una fascinante aventura para encontrar el legendario bosque de Bonta, un lugar en el que se encuentra la planta mágica que podría salvar a su pueblo.

  • Fecha de estreno: 16 de diciembre de 2016.
  • Director: Leo Lee.
  • Actores: Yuri Lowenthal, Tim Curry, Matthew Lillard, George Takei, Edward Asner.
  • Nacionalidad y año de producción: China, 2014.