Archive for the Aventuras Category

Spider-Man: Homecoming (Spider-Man: Homecoming) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Reseña, superhéroes on 3 agosto, 2017 by belakarloff

Mientras Peter Parker intenta congraciar su vida diaria en el instituto, comienza a familiarizarse con el traje especial de Spider-Man que su mentor Tony Stark le ha preparado. Al mismo tiempo, Adrian Toomes está desarrollando junto a su equipo armamento especial desarrollado a partir de los restos de lo que los extraterrestres dejaron abandonado seis años atrás.

Dirección: Jon Watts. Producción: Columbia Pictures, Marvel Studios, Pascal Pictures. Productores: Kevin Feige, Amy Pascal. Co-productores: Mitchell Bell, Eric Hauserman Carroll, Rachel O’Connor. Productores ejecutivos: Victoria Alonso, Avi Arad, Louis D’Esposito, Jeremy Latcham, Stan Lee, Matt Tolmach, Patricia Whitcher. Guion: Jonathan Goldstein, John Francis Daley, Jon Watts, Christopher Ford, Chris McKenna, Erik Sommers, según argumento de J. Goldstein y J. F. Daley, basados en los personajes creados por Stan Lee y Steve Ditko (Spider-Man) y por Joe Simon y Jack Kirby (Captain America). Fotografía: Salvatore Totino. Música: Michael Giacchino. Montaje: Debbie Berman, Dan Lebental. Diseño de producción: Oliver Scholl. Efectos especiales: Digital Domain, Direct Dimensions, Exceptional Minds, Gentle Giant Studios, Iloura, Imageloom Visual Effects, Industrial Light & Magic, Lidar Guys, Luma Pictures, Method Studios, Sony Pictures Imageworks, Southbay Motion Picture Technologies, Stereo D, Trixter Film. Intérpretes: Tom Holland (Peter Parker / Spider-Man), Michael Keaton (Adrian Toomes / Buitre), Robert Downey Jr. (Tony Stark / Iron Man), Marisa Tomei (May Parker), Jon Favreau (Happy Hogan), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts), Zendaya (Michelle), Donald Glover (Aaron Davis), Jacob Batalon (Ned), Laura Harrier (Liz), Tony Revolori (Flash), Bokeem Woodbine (Herman Schultz / Conmocionador #2), Tyne Daly (Anne Marie Hoag), Abraham Attah (Abe), Hannibal Buress (entrenador Wilson), Kenneth Choi (director Morita), Selenis Leyva (Ms. Warren), Angourie Rice (Betty), Martin Starr (Mr. Harrington), Garcelle Beauvais (Doris Toomes), Michael Chernus (Phineas Mason / Tinkerer), Michael Mando (Mac Gargan), Logan Marshall-Green (Jackson Brice / Conmocionador #1), Jennifer Connelly (Karen / Suit Lady [voz]), Gary Weeks (agente Foster), Chris Evans (Steve Rogers / Capitán América), Kerry Condon (Friday [voz]), Christopher Berry, Jorge Lendeborg Jr., Tunde Adebimpe, Tiffany Espensen, Isabella Amara, Michael Barbieri, J. J. Totah, Hemky Madera, Zach Cherry, Kirk R. Thatcher, Yu Lew, Sondra James, Bob Adrian, Gary Richardson, Stan Lee… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 133 min. color 2.35:1 2D 3D.

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Spider-Man Go Home

Spider-Man, en las facciones de Tom Holland, ya apareció como secundario en Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War, 2016, Anthony Russo, Joe Russo). Sin embargo, esta película podría considerarse el inicio del nuevo reboot del Hombre Araña, después de la trilogía de Sam Raimi y el díptico de Marc Webb. Todo lo que antecede –salvo el film del Capi– está olvidado, y aquí tenemos un nuevo comienzo. Como novedad, el tío Ben ya está muerto, y Peter Parker adquirió los poderes un tiempo atrás (en una brevísima escena Peter menciona a su amigo Ned la picadura de una araña, y ya está). En cierto modo, Tony Stark retoma el rol de tutor del adolescente.

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La película arranca con un breve prólogo situado, más o menos, al acabar Los Vengadores (The Avengers, 2012, Joss Whedon), para después encadenar con los sucesos en el aeropuerto de Berlín habidos en Capitán América: Civil War, pero enfocados desde otro ángulo y resumidos. Y luego, digamos, entramos en situación. En este nuevo acercamiento al universo del Hombre Araña tenemos como realizador a Jon Watts, quien, tras trabajar en diversos cortos, telefilmes y series de televisión, dirigió las películas Clown (2014) —adaptación a largo de uno de sus cortometrajes— y Coche policial (Cop Car, 2015). Y, después, han puesto en sus manos un presupuesto estimado de ciento setenta y cinco millones de dólares para dirigir… esto.

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Muchos aficionados se han quejado de que esta película en poco se parece al Spìder-Man de toda la vida, pues se han olvidado muchos aspectos de su personalidad. En los comics, el Hombre Araña soltaba sandeces mientras se enfrentaba a sus enemigos. Mientras, en el instituto era un muchacho que era dado de lado, y tras una mente brillante se encontraba un chaval solitario y tímido que intentaba abrirse camino en la vida. Mientras Peter Parker sufría no pocos reveses, su personalidad de Spider-Man le servía para liberarse, para ser, en definitiva, otra persona. Aquí no hay nada de eso. Los ocasionales acosos de Flash los ignora, y de hecho está metido en un mismo grupo con él, y es igual de bromista en el insti que mientras lucha contra el Mal.

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Siendo todo lo que precede una absoluta necedad, tampoco me importaría demasiado si el resultado fuese sólido. El problema es que no hay dónde agarrarse a nada de lo que sucede en pantalla. Algo más de dos horas de metraje, seis guionistas y el presupuesto referido han sido necesarios para hacer una burda comedia de instituto carente de cualquier densidad dramática. Por lo que se dice, la fuente de inspiración principal fueron las comedias de John Hughes, y el director le pasó al reparto un lote de filmes suyos para verlos. Es curioso que, al final, el resultado sea tan poco similar a aquéllas —recuérdese, por ejemplo, la muy interesante El club de los cinco (The Breakfast Club, 1985)—, donde el humor era más suave. Aquí, el pitorreo es constante de principio a fin, y ni siquiera los escasos instantes de acción y tensión consiguen aliviar el tono de comedia tontorrona que impregna el film en su totalidad.

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De esta manera, no sorprende que no haya desarrollo alguno de personajes, más allá de las constantes tonterías que acometen (ese odioso amigo gordito), y la trama carece de cualquier asidero sólido al cual asirse. Tomemos, por ejemplo, el tema del supertraje. En una circunstancia así, lo lógico es que Spider-Man se entrenase con él bajo la supervisión de Tony Stark, explicándole este para qué sirve cada dispositivo. Sin embargo, sale a la ventura sin saber nada y, sobre la marcha, mientras se enfrenta a peligrosos delincuentes, va descubriendo a golpes todo lo que da de sí el adminículo. En realidad, todo ello es para, de nuevo, volver a hacer chistes y más chistes, que nos riamos a cada topetazo que el muchacho se da. Lo que pasa es que, en clave de comedia, la película tampoco funciona en absoluto.

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Tenemos, pues, un juguete super-caro, con la superficialidad de una comedia del Canal Disney (con una puesta en escena por parte de Jon Watts en consonancia), todo ello envuelto en un diseño de producción bárbaro y, por supuesto, unos efectos especiales de primerísimo nivel. Detrás de todo esto, cualquier atisbo de desarrollar algo sustancioso queda por completo olvidado. Y los pocos instantes dramáticos tampoco dan mucho de sí: todo lo que acontece con respecto a Adrian Toomes (un envarado Michael Keaton), su familia y la relación de estos con Peter Parker es una copia casi literal de lo que acontecía con Norman Osborn en el primer Spider-Man de Sam Raimi. Eso, por no decir el escaso control de seguridad de que disponen las industrias Stark para trasladar un material peligroso y que vale millones. Y toda la trama es previsible de principio a fin, incluidos los dos o tres detalles sorpresivos que adornan el cotarro.

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En fin, nada de eso importa, puesto que el guion está desarrollado con una desidia portentosa, a tal punto que da la impresión de que los responsables de este millonario juguete no se han esforzado en absoluto: saben que ya tienen creada una actividad que impulsa a millones de fans en todo el mundo a asistir al visionado de sus engaños, y que por mal que salga, la taquilla responderá. Han forjado una dinámica donde lo que menos importa es qué y cómo se cuenta. Solo es un envoltorio de lujo para que un público que ha perdido la capacidad de exigencia se siente, se lobotomice, y consuma todo en el centro comercial del mismo modo que ha devorado poco antes la hamburguesa y las palomitas. Bienvenidos al mundo de la fast-food cinematográfica.

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Anécdotas

  • Título en Argentina, Chile, México y Uruguay: Spider-Man: De regreso a casa.
  • El personaje del director Morita es nieto de Jim Morita, del Comando Aullador. En su despacho se puede ver una foto de su abuelo. Ambos personajes son interpretados por el mismo actor, aquí y en Captain America: The First Avenger (2011).
  • Donald Glover (Aaron Davis) puso voz a la versión Miles Morales de Spider-Man en la serie de animación Ultimate Spider-Man.
  • El guion original ofrecía a Nick Fury como mentor de Peter, antes de ser cambiado por Tony Stark.
  • El personaje de Peter se supone que tiene quince años en la película, coincidiendo con los inicios de los comics de Ditko. Tom Holland tenía en diecinueve y veinte durante el rodaje.
  • En el instituto de Peter pueden verse fotos de Howard Stark, Abraham Erskine y Bruce Banner.
  • Película número 16 del Universo Cinematográfico Marvel, y nº 4 de la Fase Tres de ese Universo.
  • Muchos actores lucharon por el papel de Spider-Man. Quienes mostraron su interés fueron Andrew Garfield, Dylan O’Brien, Logan Lerman, Daniel Radcliffe, Freddie Highmore, Alfred Enoch, Donald Glover, Josh Hutcherson y Grant Gustin. Entre los realmente considerados estuvieron Asa Butterfield, Nat Wolff, Liam James, Timothée Chalamet, Mingus Lucien Reedus (hijo de Norman Reedus), Chandler Riggs, Charlie Plummer y Tom Holland. Estos dos últimos fueron los que quedaron finalistas, pero se optó por Holland porque, en el momento de las pruebas, Plummer era demasiado joven, y eso hubiera dado problemas para las horas de rodaje que estipulan las leyes.
  • Gary Oldman optó al papel del Buitre. Con anterioridad, en el “Spider-Man 4” de Sam Raimi, que no llegó a hacerse, para ese cometido se había contratado a John Malkovich.
  • Directores que optaron para hacerse cargo del film: Jonathan Levine, Theodore Melfi, Jason Moore, Jared Hess, John Francis Daley y Jonathan Goldstein.
  • Estrenada en Estados Unidos el 7 de julio de 2017, tras una premiere en Los Ángeles el 28 de junio. En España se estrenó el 28 de julio.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

 

Tarzán y la cazadora (Tarzan and the Huntress) (1947)

Posted in Aventuras, Cine, Reseña on 27 julio, 2017 by belakarloff

La sempiterna expedición en busca de animales para proveer a diversos zoológicos llega a las inmediaciones donde moran Tarzán, Jane, Boy y Chita. El rey de una tribu cercana solo concede a los visitantes permiso para capturar una pareja de cada especie, pero el sobrino del regente tiene planes propios: hace matar a su tío y se erige en máximo mandatario, concediendo acción libre a los cazadores a cambio de dinero. Lógicamente, Tarzán no está dispuesto a consentirlo…

Dirección: Kurt Neumann. Producción: RKO. Productor: Sol Lesser. Productor asociado: Kurt Neumann. Guion: Jerry Gruskin, Rowland Leigh. Fotografía: Archie Stout. Música: Paul Sawtell. Montaje: Merrill G. White. Intérpretes: Johnny Weissmuller (Tarzán), Brenda Joyce (Jane), Johnny Sheffield (Boy), Patricia Morrison (Tanya Rawlins), Barton MacLane (Paul Weir), John Warburton, Charles Trowbridge, Ted Hecht, Wallace Scott, Mickey Simpson, Maurice Tauzin…. Nacionalidad y año: Estados Unidos 1947. Duración y datos técnicos: 70 min. B/N 1.37:1.

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Es Tarzán y la cazadora una de las muestras más débiles del presente ciclo RKO/Sol Lesser, con una elemental trama en la cual el Rey de la Selva observa a distancia las actuaciones de los cazadores hasta que, finalmente, decide entrar en acción e impedir sus actividades. El detalle más destacable en esta cinta ‒presente, de todos modos, en muchas películas de Tarzán‒ es su tono ecológico, con el hombre mono refiriendo que el lugar de los animales es la selva, no una jaula, y luchando abnegadamente a favor de aquéllos.

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Presenta la película, de igual modo, bastantes escenas ‒la escasa trama lo exigía‒ de vida hogareña de la familia selvática, percibiéndose las doctrinas educativas de Tarzán hacia Boy; Chita, por lo demás, ofrece algunas de sus más felices manifestaciones humorísticas.

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Se ve la película con agrado, pese a lo elemental de sus propuestas. Hacia el final se reservan las socorridas escenas de acción, con una ejemplar y cruel muerte del malo, siempre, como es evidente, de un modo un tanto casual, para que nuestro héroe no se manche las manos.

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Una vez más, por cierto, y como sucederá a lo largo de todo este ciclo (salvo en la previa producción Lesser, La venganza de Tarzán), sorprende la ausencia de nativos de color en una cinta ambientada en África, así pues los integrantes de la tribu son extras de raza blanca a los cuales se ha maquillado para proporcionales un somero tono playero. ¿A qué se debe este detalle? Solo se puede especular, acaso tal vez, a un exacerbado racismo por parte de Sol Lesser y su oposición a contratar gente de color, lo cual conduce a proporcionar a las películas de su etapa un involuntario tono fantástico (salvo las películas que manifiestan de forma intencionada esos elementos de fantasía, como sucederá en la siguiente producción, la simpática Tarzán y las sirenas).

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Anécdotas

  • Título de rodaje: Tarzan’s Dangerous Game.
  • Johnny Weissmüller comenzó interpretando a Tarzán para la Metro Goldwyn Mayer en Tarzán de los Monos (Tarzan the Ape Man, 1932), de W. S. Van Dyke, film al que seguirían Tarzán y su compañera (Tarzan and his Mate, 1934), de Cedric Gibbons [y Jack Conway], La fuga de Tarzán (Tarzan Escapes, 1936), de Richard Thorpe [y John Farrow, James Charles McCay y William A. Wellman], Tarzán y su hijo (Tarzan Finds a Son!, 1939), de Richard Thorpe, El tesoro de Tarzán [tv: El tesoro secreto de Tarzán] (Tarzan’s Secret Tresure, 1941), de R. Thorpe y Tarzán en Nueva York (Tarzan’s New York Adventure, 1942), de R. Thorpe. Tras ésta, la productora vendió los derechos a la RKO, que inició un segundo ciclo con Weissmüller, arrancando con El triunfo de Tarzán (Tarzan Triumphs, 1943), de William Thiele y siguiendo por Tarzán el temerario / Tarzán y el desierto misterioso (Tarzan’s Desert Mistery, 1943), de W. Thiele, Tarzán y las intrépidas amazonas / Tarzán y las amazonas (Tarzan and the Amazons, 1945), de Kurt Neumann, Tarzán y la mujer leopardo (Tarzan and the Leopard Woman, 1946), de K. Neumann, Tarzán y la cazadora y Tarzán y las sirenas (Tarzan and the Mermaids, 1948), de Robert Florey.
  • Última película de la serie Tarzán/RKO en la cual tiene aparición Boy, ya en exceso crecidito (el actor tenía dieciséis años). Este abandonaría para protagonizar su propia serie selvática, la saga de Bomba, según el ciclo de novelas juveniles creadas por Roy Rockwood (seudónimo editorial de Stratemeyer Syndicate, muchas fueron escritas en realidad por John William Duffield), iniciado en 1926. La saga cinematográfica constó de doce películas.

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  • Ofrece también la presencia de Jane, encarnada por Brenda Joyce, la actriz que más veces interpretaría al personaje tras la maravillosa e inolvidable Maureen O’Sullivan.
  • La escena de la estampida de elefantes fue dirigida por B. Reeves Eason.
  • El célebre escritor Leslie Charteris, creador de El Santo, fue el “constructor del guion”, sin acreditar.
  • Estrenada en Estados Unidos el 5 de abril de 1947. En España se estrenó el 19 de junio de 1954, en los cines Carlos III y Roxy de Madrid.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Wonder Woman (Wonder Woman) (2017)

Posted in Aventuras, Cine, Fantasía, Reseña, superhéroes on 29 junio, 2017 by belakarloff

Diana es hija de Hipólita, reina de las amazonas, y todas viven en la mágica isla de Themyscira. En el exterior acontece la Primera Guerra Mundial, y un avión va a estrellarse en las aguas que circundan la isla. Diana rescata al piloto Steve Trevor, agente secreto norteamericano que trabaja para los ingleses. Ella partirá al mundo “civilizado” junto a él para acabar con esa cruenta guerra…

Dirección: Patty Jenkins. Producción: Atlas Entertainment, Cruel & Unusual Films, DC Entertainment, Dune Entertainment, Tencent Pictures, Wanda Pictures, Warner Bros. Productores: Charles Roven, Deborah Snyder, Zack Snyder, Richard Suckle. Co-productores: Tommy Gormley, Curt Kanemoto. Productores ejecutivos: Jon Berg, Wesley Coller, Geoff Johns, Stephen Jones, Steven Mnuchin, Rebecca Steel Roven. Guion: Allan Heinberg, según argumento de Zack Snyder, A. Heinberg, Jason Fuchs, basado en el personaje creado por William Moulton Marston. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Matthew Jensen. Diseño de producción: Aline Bonetto. Montaje: Martin Walsh. Efectos especiales: Universal Production Partners, Centroid Motion Capture, Clear Angle Studios, Double Negative, Gener8 3D, Moving Picture Company, Proof, Snow Business International, Vitality Visual Effects. Intérpretes: Gal Gadot (Diana), Chris Pine (Steve Trevor), Connie Nielsen (Hippolyta), Robin Wright (Antiope), Danny Huston (Ludendorff), David Thewlis (Sir Patrick), Saïd Taghmaoui (Sameer), Ewen Bremner (Charlie), Eugene Brave Rock (el Jefe), Lucy Davis (Etta), Elena Anaya (doctora Maru), Lilly Aspell (Diana a los ocho años), Lisa Loven Kongsli (Menalippe), Ann Wolfe (Artemis), Ann Ogbomo (Philippus), Emily Carey (Diana a los doce años), James Cosmo (mariscal de campo Haig), Rachel Pickup (Fausta Grables), Wolf Kahler, Alexander Mercury, Martin Bishop, Flora Nicholson, Pat Abernethy, Freddy Elletson, Sammy Hayman, Michael Tantrum, Philippe Spall, Edward Wolstenholme, Ian Hughes, Marko Leht, Steffan Rhodri, Andrew Byron… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 141 min. Color 2.35:1 2D / 3D.

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Resultaba sospechoso que, tras ser destrozadas inmisericordemente en el aspecto crítico las dos entregas previas del “nuevo” Universo Cinematográfico DC, El hombre de acero (Man of Steel, 2013) y Batman v Superman: El amanecer de la justicia (Batman v Superman: Dawn of Justice, 2016), ambas dirigida por Zack Snyder, esta tercera entrega, una especie de interludio[1] que precede a Liga de la Justicia (Justice League, 2017), de nuevo a cargo de Snyder[2], haya lograda tal consenso positivo.

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Todo aficionado sabe, independientemente de sus filias y fobias, que mientras Marvel ha coordinado su Universo con una firmeza ejemplar, más allá de los logros artísticos, DC ha estado continuamente remoloneando por medio de indecisiones, cambios de mandos y de ideas. Para dirigir la presente película, después de muchos tientos, la elegida ha sido Patty Jenkins, quien ya en 2003, después de su éxito comercial –montones de premios incluidos– de Monster (Monster, 2003), estuvo prevista para dirigir una adaptación de la creación de William Moulton Marston, Harry G. Peter y Elizabeth Holloway Marston, pero en aquel entonces hubo de abandonar por un embarazo imprevisto, y el proyecto se canceló. A partir de entonces, la directora se focalizó en televisión, realizando episodios de series y telefilmes –tampoco muchos–. Ahora de nuevo fue abordada para hacer este trabajo en cine, con un presupuesto de casi ciento cincuenta millones. Sospecho que, en aquel entonces, Warner –que con esta película inicia el sello DC Films– se planteó que el resultado debía arrojar un saldo de taquilla sólido[3], y de paso huir de las ambiciones autorales de Jack Snyder, que estaba haciendo mucho daño a la franquicia. La solución, claro, ha sido marvelizar la película.

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Así, estructuralmente, la trama es una especie de copia sin disimulos de la estupenda Capitán América: El primer vengador (Captain America: The First Avenger, 2011, Joe Johnston), donde incluso aparecen una especie de Comandos Aulladores –bastante ineptos, dicho sea de paso–, y en el aspecto de tono podría equipararse, tal vez, a la tontorrona franquicia del dios del trueno, iniciada con Thor (Thor, 2011, Kenneth Branagh), alternando de esa manera chistecitos infantiles con momentos ridícula y burdamente solemnes.

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De esa manera, dentro de los muchos defectos de forma y fondo que ofrecían las dos entregas previas, al menos había cierto empaque en los resultados, lo cual aquí se precipita al vacío, y tenemos un film comercial del montón que, además, se hace largo y aburrido.

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La cinta se divide en dos partes: la que acontece en la isla de Themyscira y la que transcurre en el mundo “civilizado”. Esa primera parte recuerda poderosamente al muy atractivo film de animación Wonder Woman – La Mujer Maravilla (Wonder Woman, 2009, Lauren Montgomery)[4] en bastantes aspectos. Como es norma, los guionistas toman del universo del cómic lo que les interesa, desechando lo que no se ajuste a sus conveniencias; así, si en el cómic es imposible físicamente que un hombre pise la isla (Diana debe transportar a Trevor en brazos), aquí nada de eso sucede, y vemos todo un batallón de alemanes incursionando en el lugar. Esa libertad conduce a que la escena que deriva de ello, con una batalla entre amazonas y soldados alemanes, sea acaso lo mejor del film, pese a que la forma de rodarla sea –como, de hecho, el resto de las batallas– por medio de un recurso estilístico de lo más sobado en el cine de acción, con una profusión cansina de cámaras lentas y aceleradas.

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Y es que Patty Jenkins demuestra una carencia de estilo apabullante, rodando de un modo rutinario y sin personalidad, concibiendo un producto de estudio en un claro intento de reinsertarse profesionalmente en el mundo del cine y tener aseguradas las lentejas, y sin ninguna ambición artística. De hecho, esa es una constante en mucho del cine comercial, es decir, que sus responsables parecen creer que lo que hacen parece ir dirigido a un público de escasas exigencias y, por tanto, tienden a no aplicarse lo más mínimo. Ello es palpable en el escaso potencial del guion escrito por Allan Heinberg[5], que es más una sucesión de anécdotas, con chistes de escaso calado, antes que una trama con cierto espesor dramático.

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Ello nos conduce, desde luego, al tan archi-sobado tema del carácter feminista del film, el cual en realidad se reduce a cuatro frases dispersas a lo largo de la cinta, y que en varias de las ocasiones se basan en la independencia personal que busca Diana antes que en una noción de atribuir un concepto igualitario a las mujeres en general. Excepción es la escena donde ella irrumpe en el cónclave de militares, donde estos se muestran de una ceguera tan cerril que, antes que verlos como unos machistas –que lo son–, parecen más bien un hatajo de descerebrados, poniendo no en muy buen lugar al estamento militar. De todos modos, todo esto es anecdótico, trivial, en una trama que dura casi dos horas y media, y donde prevalece sobre todo un humor centrado en dobles sentidos sobre los atributos viriles de Steve Trevor, otras cuestiones de sexo o basado en tropezones de los personajes o que los actores hagan caritas, como si de una tele-comedia de estudiantes se tratara.

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La segunda parte del film, con Wonder Woman incursionando en el mundo real, y enfrentándose a una Europa asolada por la guerra, alterna esos momentos de comedia ligera con otros que pretenden mostrar los horrores de la batalla, lo cual produce un desequilibrio que saca de situación, amén de que la representación de la contienda es tan light como cabría esperar en un producto tan comercial como el presente, donde no se ve una sola gota de sangre, ni siquiera cuando la princesa guerrera atraviesa con su espada a uno de los malos.

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En cuanto a los intérpretes, Gal Gadot vuelve a procurar la buena impresión que ya ofreció en el film donde compartía créditos con Batman y Superman, y sin ser una actriz excepcional transmite carisma y potencia. Chris Pine vuelve a demostrar el pésimo actor que es, y utiliza los mismos recursos que empleaba para encarnar al capitán Kirk, sin variar un ápice el registro. David Thewlis como Sir Patrick es el único actor que muestra eficacia, aunque su personaje es tan esquemático y trivial que poco puede hacer. El resto del reparto, sencillamente, está para cobrar el cheque. A destacar, eso sí, Lilly Aspell, que interpreta a Diana con ocho años, y que resulta absolutamente odiosa con los mohínes que transmite a su interpretación.

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Por supuesto que, dados los millones gastados, estos lucen en pantalla, si bien se otorga al film un tejido cromático monocorde, siguiendo la cansina moda actual, y que sirve para disimular las texturas informáticas, pero que, sin embargo, brinda una artificiosidad a las imágenes que, en lugar de convocar un sentido de la maravilla, pone de relieve el aspecto industrial del producto, usurpándole toda fascinación.

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Anécdotas

  • Título en Argentina, Chile, México y Uruguay: Mujer Maravilla. Título en Venezuela: La Mujer Maravilla.
  • Algunos planos se rodaron con Gal Gadot embarazada de cinco meses. Notoriamente visible, se disimuló poniéndole una especie de faja verde, y por medio informáticos se le creó una cintura falsa.
  • Ya en 2005 hubo un proyecto de rodar esta película, por parte de Patty Jenkins. Pero entonces ella quedó embarazada y hubo que suspenderlo. En todo caso, ya en 1996 existió un proyecto de adaptar el cómic, con Ivan Reitman como guionista y director; en 2001, fue abordado Todd Alcott para escribir un libreto, luego reemplazado en 2003 por Laeta Kalogridis. En 2005 Joss Whedon firmó para escribir y dirigir una película, pero en 2007 abandonó por las socorridas “diferencias creativas”. En 2014 como directora fue contratada Michelle MacLaren, pero cuatro meses después abandonó… Sí, por diferencias creativas. A lo largo de todos esos años, las actrices consideradas como Wonder Woman fueron Kate Beckinsale, Sandra Bullock, Mischa Barton, Rachel Bilson, Catherine Zeta-Jones, Sarah Michelle Gellar, Angelina Jolie, Jessica Biel, Eva Green, Christina Hendricks, Kristen Stewart, Olga Kurylenko y Elodie Yung.
  • Zack Snyder aparece en un cameo como un soldado de la Primera Guerra Mundial.
  • Patty Jenkins, gran admiradora de la serie de televisión de los setenta, quería que Lynda Carter y Lyle Waggoner aparecieran en un cameo. Él está retirado, y ella quiso aparecer pero no pudo por motivos de agenda. También intentó meter en algún momento la canción de la serie, pero no pudo hallarlo.
  • Para el papel de Wonder Woman se consideró a Cobie Smulders, quien puso voz al personaje en La LEGO película (2014).
  • A Nicole Kidman se le ofreció el papel de Hipólita, pero lo rechazó. Más tarde aceptó ser la reina Atlanna, madre de Aquaman, en la película del personaje.
  • Para dirigir la película fueron consideradas Kathryn Bigelow, Catherine Hardwicke, Mimi Leder, Karyn Kusama, Julie Taymor y Tricia Brock.
  • Steve Trevor define la isla Themyscira como “isla Paraíso”. Así se la llamaba originalmente, hasta que en los ochenta George Perez la rebautizó en los comics, y ese fue a partir de entonces el nombre oficial aceptado.
  • Esta película supone el debut del sello productor DC Films, en un ciclo que ofrecerá los personajes de Batman, Superman, Wonder Woman, Flash, Cyborg, los Green Lanterns Hal Jordan y John Stewart, Lex Luthor en la Armadura de Batalla, el Joker, Black Adam, Ocean Master y Deathstroke junto con Mera, Harley Quinn, Deadshot, Enchantress y el Capitán Boomerang. Otros personajes que podrían aparecer son Green Arrow, Supergirl, Firestorm, Black Lightning, Darkseid, Martian Manhunter, Mr. Miracle, Big Barda, Catwoman, Nightwing, Batgirl, Mr. Freeze, Shazam (y Billy Batson), Solomon Grundy, Espectre, Swamp Thing, Kilowog, Mogo, Sinestro, Jessica Cruz, Atrocitus, Hawkman y Hawkgirl.
  • El presupuesto estimado de la película es de 149 millones de dólares.
  • Estrenada en Estados Unidos el 25 de mayo de 2017, en una premiere en Los Ángeles, y ya masivamente el 2 de junio. En España se estrenó el 23 de junio.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] No creo que represente un spoiler referir que la presente película acontece “intercalada” en medio de Batman v Superman: El amanecer de la justicia, con Diana recibiendo al inicio el envío que le hizo Batman que se ve en aquella, y entonces rememorando lo que es el grueso de todo el film, para luego recapitular y volver a ese momento inicial, esto es, el presente de ese Universo.

[2] Snyder abandonó la post-producción tras el suicidio de su hija, y las riendas fueron tomadas por Joss Whedon, quien supervisa el montaje final y rueda las habituales escenas adicionales que suelen tener todo este tipo de filmes. La película, por cierto, se estrenará en España el próximo 17 de noviembre de 2017.

[3] En el primer fin de semana en Estados Unidos ha conseguido una taquilla de 103.251.471 dólares, con lo cual ya ha recuperado más de dos tercios del presupuesto, y para el 22 de junio ha logrado 293.205.158, esto es, casi ha duplicado los costes del film.

[4] Pasó sin pena ni gloria en su día, por lo cual Warner ha decidido relanzarlo en DVD y BD aprovechando en estreno de esta película, añadiéndole unos cuantos atractivos extras.

[5] También ha escrito guiones para series como Cinco en familia, Sexo en Nueva York, O.C. o Anatomía de Grey.

La momia (The Mummy) (2017)

Posted in Aventuras, Cine, Fantasía, Reseña, Terror on 15 junio, 2017 by belakarloff

Nick Morton es un pilluelo que sobrevive estafando, dentro del mundo de la arqueología. Mientras está en Irak contacta con Jenny Halsey, que es arqueóloga de verdad, y juntos topan con la tumba de Ahmanet, que fue momificada en vida por matar a su padre, el faraón, a su madrastra y a su sobrino… Ahmanet pactó con Set, dios de los muertos, y…

Dirección: Alex Kurtzman. Producción: Universal Pictures, Perfect World Pictures, Sean Daniel Company, Secret Hideout. Productores: Sarah Bradshaw, Sean Daniel, Alex Kurtzman, Chris Morgan. Productores ejecutivos: Jeb Brody, Roberto Orci. Guion: David Koepp, Christopher McQuarrie, Dylan Kussman, según argumento de Jon Spaihts, Alex Kurtzman, Jenny Lumet. Música: Brian Tyler. Fotografía: Ben Seresin. Diseño de producción: Jon Hutman, Dominic Watkins. Montaje: Gina Hirsch, Paul Hirsch, Andrew Mondshein. Efectos especiales: Factory VFX, Clear Angle Studios, Double Negative, Furious FX, Industrial Light & Magic, Lola Visual Effects, Moving Picture Company, Proof. Intérpretes: Tom Cruise (Nick Morton), Russell Crowe (Dr. Henry Jekyll), Annabelle Wallis (Jenny Halsey), Sofia Boutella (Ahmanet), Jake Johnson (Chris Vail), Courtney B. Vance (coronel Greenway), Marwan Kenzari (Malik), Simon Atherton, Stephen Thompson, James Arama, Matthew Wilkas, Sohm Kapila, Sean Cameron Michael, Rez Kempton, Erol Ismail, Selva Rasalingam, Shanina Shaik, Javier Botet (Set), Hadrian Howard, Dylan Smith, Parker Sawyers, Neil Maskell, Rhona Croker… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 110 min. Color 2.35:1 2D/3D.

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Desde hace ya bastantes años Universal intenta resucitar (nunca mejor dicho) su galería de monstruos clásicos. Hace ya mucho, directores de la talla de John Carpenter y Guillermo del Toro fueron tanteados para dirigir una nueva versión de La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, 1954, Jack Arnold). En 2010 tuvimos la excelente El hombre lobo (The Wolfman), dirigida por Joe Johnston, pero su atronador fracaso comercial hizo que quedase en el olvido por parte de la productora[1]. Según parece, el inicio de este Dark Universe había de haber sido la película Drácula: La leyenda jamás contada (Dracula Untold, 2014, Gary Shore), pero por extraños motivos fue desechada –no creo que la razón fuese la asaz mediocridad de sus resultados, porque la carencia de calidad nunca ha sido una preocupación de las productoras, salvo que ello repercutiera en taquilla–.

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La momia, al contrario de otros monstruos clásicos, carece de un origen literario concreto. Existen historias donde tiene aparición, como el relato “El lote nº 249” (“Lot No. 249”, 1892), de Sir Arthur Conan Doyle, o la novela La joya de las siete estrellas (The Jewel of Seven Stars, 1903), de Bram Stoker. Sin embargo, a la hora de abordar a esta criatura, la Universal –y, a través de ella, el guionista John L. Balderston, a partir de un argumento de Nina Wilcox Putnam y Richard Schayer– recurrió en La momia (The Mummy, 1932, Karl Freund) a un especie de refundición del libreto de Drácula (Dracula, 1931, Tod Browning) –de hecho, Balderston era el responsable de la adaptación americana de la obra teatral británica de Hamilton Deane de la que partía el film de Browning–.

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Como otros monstruos, la momia tuvo sus secuelas y remakes. Recientemente fue resucitada por Universal con La momia (The Mummy, 1999, Stephen Sommers). Sin embargo, el acercamiento empleado en esta no era el tono de terror de todos los títulos previos, sino más bien uno aventurero y desenfadado, en una obvia imitación de la inflexión de las aventuras de Indiana Jones, pero en una actitud más guasona. Tamaña tontería se saldó con un enorme éxito comercial, lo cual devino en secuelas y spin-offs varios.

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De nuevo es abordada la criatura vendada en esta nueva visión de 2017 y, ahora sí, esta es la primera entrega del Dark Universe de la Universal, a menos que sea un fracaso manifiesto y se cancele, cosa que dudo. Tras pasar por el proyecto diversos directores (véase anecdotario) al final quien se ha hecho cargo del film es Alex Kurtzman, guionista habitual de la camarilla de J. J. Abrams, y que ha escrito en series de televisión como Hércules: sus viajes legendarios, Alias, Fringe (Al límite), Sleepy Hollow y Hawai 5.0, así como en Mission: Impossible III (Mission: Impossible III, 2006) –precisamente dirigida por Abrams– o la nueva franquicia de Star Trek, incluyendo la inminente serie televisiva.

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Como director, Kurtzman, aparte de algunos episodios televisivos, se hizo cargo de la comedia dramática Así somos (People Like Us, 2012). También productor, entre sus proyectos futuros figuran, dentro del Dark Universe, Bride of Frankenstein, The Invisible Man y Van Helsing, la primera a dirigir por Bill Condon –Dioses y monstruos (Gods and Monsters, 1998)–.

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Lo que sorprende frente a un film de las presentes características es toparse con un plantel de guionistas de cierto peso. Así, tenemos al excelente David Koepp, entre cuyos libretos cabe destacar, acaso, Atrapado por su pasado (Carlito’s Way, 1993, Brian De Palma), Ojos de serpiente (Snake Eyes, 1998, B. De Palma), El último escalón (Stir of Echoes, 1999), dirigida por él mismo, La guerra de los mundos (War of the Worlds, 2005, Steven Spielberg)… Christopher McQuarrie, por su parte, es director y guionista de esa estupenda película de acción que es Jack Reacher (Jack Reacher, 2012), y también es responsable en ambos campos de la muy notable Misión: Imposible – Nación secreta (Mission: Impossible – Rogue Nation, 2015). El menos conocido es Dylan Kussman, habitual actor, y del que destaca como creador la web-serie The Steps (2010).

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También sorprende que gente de tan demostrada solvencia se haya puesto a trabajar con el único fin de cobrar el cheque y muestre tan escaso esfuerzo en la labor. Supongo que les habrán dicho que escriban para cubrir una hora de metraje, y que lo demás lo rellenarían con escenas de acción. Pero es que ni esa escasa trama ofrece un mínimo de solvencia, forjando un collage de ideas procedentes de diferentes películas, siendo las más obvias Un hombre lobo americano en Londres (An American Werewolf in London, 1981, John Landis) y Lifeforce: Fuerza vital (Lifeforce, 1985, Tobe Hooper), pero es que también copian el detalle de la nube de polvo con rostro humano de La momia de Sommers, y hasta aparecen los templarios de Amando de Ossorio.

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Aparte de eso, el estereotipo es el que rige en la creación de personajes, no salvándose ni uno de la rutina y el aburrimiento, desde ese protagonista que cambia de carácter porque así lo disponen los guionistas, pero sin una justificación psicológica que lo resguarde, hasta ese odioso amigo/sidekick, pasando por la arqueóloga buenorra o por el científico con aviesas intenciones. Todo muy arquetípico, convencional, a lo que no ayuda, desde luego, las muy primarias interpretaciones de todo el elenco principal, con el trío masculino tendente a la sobreactuación, tanto Tom Cruise, que, cuando quiere, puede demostrar que es un actor solvente –no es este el caso–, como Russell Crowe, que hace años trabaja con el piloto automático puesto y dejó de ser ese soberbio actor que era, o Jake Johnson, ese horroroso amigo graciosito que tiene que haber siempre. En cuanto a las féminas, por el contrario, estas se muestran de una sosería apabullante, así Annabelle Wallis como la arqueóloga Jenny Halsey, y Sofia Boutella como la malvada Ahmanet, quien previamente, en Kingsman: Servicio secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014, Matthew Vaughn) y en Star Trek: Más allá (Star Trek Beyond, 2016, Justin Lin), mostraba bastante solvencia, pero que aquí se ve contagiada por el síndrome de “¿para qué esforzarme en esta mierdecilla?” que asalta a todo el plantel técnico-artístico del film.

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Así, la exigua trama únicamente busca excusas para ofrecer escenas de acción imparables, todas ellas, por supuesto, tendentes a la sobresaturación y exageración, con explosiones, explosiones y más explosiones. Y lo peor de todo es que, con un pequeño esfuerzo, esto es, eliminando escenas de acción superfluas y reemplazándolas por una trama más elaborada, exigiendo a los actores que perseveraran más, quitando el humor cretino para público de galería comercial, y buscándose un director de verdad, podría haber salido algo bastante decente.

Lo que tenemos, en cambio, es una primera entrega de este Dark Universe que quitan las ganas de interesarse más por él.

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Anécdotas

  • El diseño y sexo de la momia fue cambiado una vez visto el aspecto de Apocalypse en la escena post-créditos de X-Men: Días del futuro pasado (2014).
  • Para el papel del doctor Jekyll fueron considerados Javier Bardem, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy y Eddie Redmayne.
  • Los directores previos del film debieron ser Len Wiseman (Underworld), Baltasar Kormákur (Everest) y Andrés Muschietti (Mamá, It). El último abandonó por “diferencias creativas”.
  • El presupuesto estimado de este film es de 125 millones de dólares.
  • Estrenada en Estados Unidos el 9 de junio de 2017, al igual que en España.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] No obstante, se hizo una especie de spin-off con el direct-to-DVD Hombre Lobo: la bestia entre nosotros (Werewolf: The Beast Among Us, 2012, Louis Morneau).

 

Odisea bajo el mar (The Neptune Factor) (1973)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Reseña on 9 junio, 2017 by belakarloff

Mientras realizan investigaciones submarinas, un terremoto arroja un laboratorio implantado en el fondo y cae por una sima. Para rescatar a los integrantes del recinto parte en su auxilio un submarino de bolsillo, el Neptuno. A medida que se interna en la fosa descubren que una mutación ha hecho aumentar de tamaño las criaturas marinas.

Dirección: Daniel Petrie. Producción: Conquest of the Deeps Limited and Company, Quadrant Films, Bellevue Pathé (Qué) Ltée. Productor: Sandy Howard. Productores ejecutivos: Harold Greenberg, David Perlmutter. Guion: Jack DeWitt. Fotografía: Harry Makin. Música: Lalo Schifrin, William McCauley. Montaje: Stan Cole. Diseño de producción: Dennis Lynton Clark, Jack McAdam. Efectos especiales: Lee Howard (consultor de efectos especiales), Bill Hansard (coordinador de retroproyecciones). Intérpretes: Ben Gazzara (comandante Adrian Blake), Walter Pidgeon (Dr. Samuel Andrews), Ernest Borgnine (submarinista principal Don MacKay), Yvette Mimieux (Dra. Leah Jansen), Donnelly Rhodes (submarinista Bob Cousins), Chris Wiggins (capitán Williams), Michael J. Reynolds, Mark Walker, Leslie Carlson, Stuart Gillard, Ed McGibbon, David Renton, Joan Gregson, David Yorston, Ken Pogue, Dave Mann, Frank Perry, Kei Fujiwara, Dan MacDonald, Richard Whelan… Nacionalidad y año: Canadá 1973. Duración y datos técnicos: 95 min. color 2.35:1.

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Sandy Howard (1927-2008) fue de esos productores característicos de los setenta-ochenta, si bien su carrera como tal comenzó en 1958 y finalizó en 1989[1]. Tocó gran cantidad de géneros, siendo de destacar Un hombre llamado Caballo (A Man Called Horse, 1970, Elliot Silverstein) como su mayor éxito, si bien se le percibe cierta predilección hacia el género fantástico, del cual, empero, solo citaremos unos pocos títulos: La lluvia del diablo (The Devil’s Rain, 1975, Robert Fuest), La isla del Doctor Moreau (The Island of Dr. Moreau, 1977, Don Taylor), Meteoro (Meteor, 1979, Ronald Neame), Cavernas fantasmas (What Waits Below/Secrets of the Phantom Caverns, 1984, Don Sharp)…

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Sus películas, por lo general, demuestran más buena voluntad que logros, y buen ejemplo de ello es Odisea bajo el mar (The Neptune Factor, 1973), precisamente la primera de las cintas de carácter fantástico que produjo, si bien de manera tímida. Esa buena voluntad se traslada al interés con el que se tomó el proyecto; así, consultó a gran cantidad de biólogos marinos, oceanógrafos e ictiólogos durante dos años antes de llevar adelante el rodaje. Ello hace sospechar que, en el aspecto científico, el film está minuciosamente documentado, y de hecho da la impresión de hallarse más bien uno ante un capítulo de la serie Mundo submarino (The Undersea World of Jacques Cousteau; 1968-1976), a bordo del Calypso.

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Así, nos hallamos ante la minuciosa narración del intento de rescate de un laboratorio perdido en una sima submarina. El descenso del Neptuno, el ingenio que partirá en su busca, se narra de manera minuciosa, y los personajes ajustan controles, activan palancas y lo que sea necesario para llevar a cabo su lento avance.

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La cinta se rodea de un pequeño grupo de actores sólidos, Ben Gazzara, Walter Pidgeon, Ernest Borgnine e Yvette Mimieux, en concreto, que intentan aportar inmediatez al espectador, al reconocerlos. Se les procura dar cierto fondo humano, pero es escaso, más allá de la preocupación de Yvette Mimieux o la cobardía de Ben Gazzara, pero solamente el gran Ernest Borgnine logra aplicar ese perfil a su personaje, el único que se hace cercano.

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Jack DeWitt, habitual en las producciones de Howard, escribe un guion plúmbeo y pesado, que dirige Daniel Petrie con su habitual carencia de personalidad. De origen canadiense, trabajó mucho en televisión, entre lo que destaca un apreciable telefilm, La tercera víctima (Mousey, 1974), con un sensacional papel para Kirk Douglas, y sobre todo la espléndida mini-serie Sybil (1976). Sin embargo, en cine no logró insuflar ese interés, y para hacernos una idea de sus limitaciones citemos Distrito Apache (Fort Apache the Bronx, 1981), puesto al servicio de Paul Newman en su etapa más histriónica.

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Con respecto a la temática fantástica, esta es muy ligera, ofreciendo una mutación de la fauna marina a consecuencia de la actividad volcánica del lugar, haciendo que crezca de un modo monstruoso. Para representar las criaturas se ofrecen planos cercanos y panorámicas muy lentas de peces de colores, o una maquetita minúscula circulando entre animales normales. La sensación de peligro es nula, pues en momento alguno se percibe la proximidad de los seres, ni siquiera en el supuesto clímax, cuando un grupo de anguilas acecha a los infortunados.

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Pese a lo anteriormente referido, el film tampoco es tan desdeñable, tiene una fotografía bonita, unos actores solventes y unos planos submarinos atractivos. Es algo aburridilla, pero se deja ver con moderada curiosidad. La vi por primera vez un sábado por la tarde, en televisión, y ese es su margen de visionado recomendable.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: Conquest of the Deeps. Título completo: The Neptune Factor – An Underwater Odyssey. Título en la televisión norteamericana: The Neptune Disaster.
  • En 1975 la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films nominó la presente película a un premio Saturn como mejor film de ciencia ficción (ganó Cuando el destino nos alcance).
  • Se importaron cerca de dos mil animales marinos para el rodaje.
  • El presupuesto fue de dos millones y medio de dólares canadienses.
  • El rodaje ocupó entré el 25 de septiembre y el 16 de diciembre de 1972.
  • Estrenada en Canadá el 26 de junio de 1973. En España se estrenó el 6 de diciembre de 1973.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Antes fue director, entre 1947 y 1968, de un puñado de producciones televisivas, así como de la película Diary of a Bachelor (1964), de los planos para el montaje americano de El mundo bajo el terror (Daikaijû Gamera, 1965, Noriaki Yuasa), conocido como Gammera the Invincible (1966), y de la supuesta supervisión de El rey de África/Caccia ai violenti/King of Africa (1968, Giovanni Scolaro).

 

 

La calle del Delfín Verde (Green Dolphin Street) (1947)

Posted in Aventuras, Cine, Otros géneros, Reseña on 6 junio, 2017 by belakarloff

A la calle del Delfín Verde llega el doctor Ozanne, antiguo amor de la señora Patourel, acompañado de su hijo, William. Pronto, las hijas de los Patourel, Marianne y Marguerite, comienzan a rondar a William. Mientras, Timothy está enamorado en secreto de Marianne, pero esta ni conoce su existencia. Marianne, además, es una fina manipuladora que no ceja en sus empeños…

Dirección: Victor Saville. Producción: Metro-Goldwyn-Mayer. Productor: Carey Wilson. Guion: Samson Raphaelson, [Carey Wilson, sin acreditar], según la novela Green Dolphin Country de Elizabeth Goudge. Fotografía: George J. Folsey. Música: Bronislau Kaper. Montaje: George White. Dirección artística: Cedric Gibbons, Malcolm Brown. Efectos especiales: A. Arnold Gillespie, Warren Newcombe (efectos visuales), Douglas Shearer, Michael Stenore (efectos de sonido). Intérpretes: Lana Turner (Marianne Patourel), Van Heflin (Timothy Haslam), Donna Reed (Marguerite Patourel), Richard Hart (William Ozanne), Frank Morgan (Dr. Edmond Ozanne), Edmund Gwenn (Octavius Patourel), Dame May Whitty (madre superiora), Reginald Owen (capitán O’Hara), Gladys Cooper (Sophie Patourel), Moyna MacGill (Mrs. Metivier), Linda Christian (Hine-Moa), Bernie Gozier, Patrick Aherne, Al Kikume, Edith Leslie, Gigi Perreau, Pedro de Córdoba, William Fawcett, Lamsden Hare, Douglas Walton… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1947. Duración y datos técnicos: 141 min. B/N 1.37:1.

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Según parece, por lo que anuncian los créditos del film, así como el tráiler, MGM debió constituir un concurso literario, sin duda con fines de hacerse con los derechos del resultado y convertirlo en una película. Es curioso que fuera esta la obra premiada, porque, sin haber leído la novela, tiene toda la pinta de que esta fue masivamente resumida para su traslación a la pantalla[1]. Lo lógico hubiera sido tirar por algo más adaptable, aunque posiblemente buscaron escoger algo que mostrara espectacularidad amén de una historia que atrajera a una diversidad de público amplio. A primera vista, parece el típico melodrama para señoras, pero ofrece suficientes escenas de “acción” –entre ellas un terremoto que resulta apabullante– para que los hombres no se remuevan en el asiento.

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Lana Turner acababa de rodar la emblemática El cartero siempre llama dos veces (The Postman Always Rings Twice, 1946, Tay Garnett) cuando se puso al frente de esta cinta. Con anterioridad ya había hecho otros protagonistas –pocos–, y algunos de ellos en melodramas, pero podría decirse que este es el primer gran melodrama que protagoniza la que después sería conocida como dama del género. Su papel en el clásico de James M. Cain también prefigura su “especialización”, que aquí también se da, como fría calculadora, cuando no mala con todas las de la ley, personaje que se consolidaría con su espléndida Lady de Winter de Los tres mosqueteros (The Three Musketeers, 1948, George Sidney).

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Para la dirección del film la Metro optó por Victor Saville (1895-1979), un británico que había debutado en su país natal en tiempos del cine mudo. En 1940 se trasladó a los Estados Unidos, yendo a trabajar para la productora del león, donde comenzó dirigiendo las escenas de exteriores londinenses para The Earl of Chicago (1940, Richard Thorpe), amén de producir el film. Después, en el cargo de director, trabaja en el film colectivo Siempre y un día (Forever and a Day, 1943), teniendo como compañeros de realización a Edmund Goulding, el actor Cedric Hardwicke, Frank Lloyd, Robert Stevenson, Herbert Wilcox y René Clair, y al fin su nombre luce en solitario con el musical Esta noche y todas las noches (Tonight and Every Night, 1945).

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Saville dirigió pocas películas en esa etapa, hasta retirarse tras la muy poco valorada El cáliz de plata (The Silver Chalice, 1954), pero siempre aportó elegancia y refinamiento a sus cintas. La más recordada de sus obras puede que sea Kim de la India (Kim, 1950), según el clásico de Rudyard Kipling, cinta que, por cierto, comparte con la presente la inclusión de un sutil elemento fantástico; aquí tenemos una tribu de maoríes que tienen visiones: percibirán la llegada de una carta de William, así como la inminencia del terremoto.

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Saville juega mucho en La calle del Delfín Verde (Green Dolphin Street, 1947) con la espléndida fotografía en blanco y negro de George J. Folsey –recuérdese, sin embargo, su impresionante tratamiento del color para joyas como Meet Me in St. Louis [tv/dvd: Cita en St. Louis, 1944, Vincente Minnelli] o Planeta prohibido (Forbidden Planet, 1956, Fred M. Wilcox)–, creando efectos de sombras para reflejar estados emocionales, así ese apabullante plano de la pérfida china entre el entablillado de la persiana, para reflejar su turbiedad moral, o esos primeros planos, los cuales nos recuerdan el pésimo uso que se hace de ellos en la actualidad, simplemente para acercar al personaje. Por dos veces, además, repite un elemento muy interesante, como es mostrar un plano amplio con enfoque en todos sus detalles, incluido un primerísimo plano a un lado de un sobre sostenido por una mano, efecto realizado, sin duda, rodando cada toma por separado y luego fusionándolas por efectos visuales.

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El guion está escrito por Samson Raphaelson, quien trabajaría particularmente en comedias o musicales, pero que también colaboró en dramas tan potentes como Remordimiento (Broken Lullaby, 1932, Ernst Lubitsch) o Sospecha (Suspicion, 1941, Alfred Hitchcock). También el libreto ofrece aportaciones sin acreditar de Carey Wilson, el productor del film[2]. De nuevo he de acudir a mi desconocimiento del libro, pero el resumen del mismo queda muy patente cuando, a mitad de la película, y después del terremoto, un rótulo nos indica lo que sucedió en los años siguientes. Además, en el trailer se distinguen al menos dos momentos que no aparecen en el film. Con una duración de dos horas y cuarto, tiene toda la apariencia de que fue resumido con amplitud.

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El reparto, desde luego, luce a los actores habituales de la Metro, como Frank el mago de Oz Morgan, Reginald Owen, Dame May Whitty o Edmund Gwenn, quien ya trabajó con Saville en Inglaterra. Y se ofrece el debut de Richard Hart, actor de amplia trayectoria teatral, como William Ozanne. Fue este un actor muy sólido, pero trabajó solamente en tres películas más, pasando a televisión, donde fue el detective Ellery Queen en la serie de 1950. Murió con treinta y cinco años en 1951, de un ataque al corazón. En todo caso, en la presente aparenta una edad muy superior. La película luce un reparto espléndido, como es norma de la casa, y Lana Turner, una actriz que tuvo muchas limitaciones interpretativas, sin embargo da el perfil.

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Ya se ha mencionado varias veces el terremoto, el plato fuerte del film. Visto hoy en día sigue impresionando, y sorprende el espléndido nivel de detalle que ofrece, percibiéndose el esfuerzo en su confección, pues durando unos cinco minutos, su realización costó medio millón de dólares[3], siendo recompensado con un Oscar. Ofrece la peculiaridad de mostrar un seísmo en ambiente boscoso, e impresiona ver los enormes árboles precipitarse sobre los indígenas o brotar de las entrañas de la tierra. El terremoto está rodado mezclando grandes decorados a tamaño natural con maquetas y proyecciones, resultando de un realismo sorprendente. El efecto se completa con una riada igualmente espléndida.

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La calle del Delfín Verde es un melodrama que, como era norma en la época, insinúa muchas cosas pasando de puntillas sobre ellas. William sale del bazar chino para buscar a un marinero que lleve la carta de amor que ha escrito a Marguerite, para después regresar al local, con la indudable idea de acostarse con la muchacha china. Más tarde, William se casa por error con Marianne; por supuesto, todo lo que acontece a partir de la misma boda hasta tiempo después queda obviado, sin que tengamos muy claro qué clase de vida marital han desempeñado, pese al patente disgusto de él, hasta que se nos informa que ella está embarazada –como es norma en el cine de la época, no hay bombo a la vista ni siquiera pocos instantes antes del parto: la oficina Hays hizo mucho daño al cine norteamericano–. Y lo que peor trato recibe es el personaje de Timothy, interpretado por un esforzado Van Heflin, quien atraviesa la película sacrificándose sin que podamos percibir muy bien la lucha interna que se establece en él, para después deshacerse los guionistas del personaje de un modo muy fácil.

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Con todo, la mayor parte de la trama se sigue con interés, resultando menos atractiva la parte final, cuando el personaje de Marguerite, tras sufrir no pocos reveses, decide meterse a monja. El modo en que el guion retuerce los sucesos para hacernos creer que es feliz con esa decisión hace fruncir el ceño con escepticismo, y semeja el clásico arreglo que, en la época, la censura hacía retorcer las cosas, máxime en una productora conservadora como era la Metro-Goldwyn-Mayer.

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El todo caso, el resultado es un film muy sólido, un melodrama enérgico y ejemplar, con un toque de aventuras marinas y otro exótico, que acontece en Nueva Zelanda con unos maoríes que más semejan indios norteamericanos, y que además nos aporta una escena esencial para los amantes del cine catastrófico y que, como se ha dicho, también flirtea con el fantástico.

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Anécdotas

  • Ganadora en 1948 del Oscar a los mejores efectos especiales. También fue candidata en la categoría de fotografía en blanco y negro, montaje y sonido.
  • Pese a que en el trailer se anuncia que tomó dos años su rodaje, este ocupó entre septiembre de 1946 y enero de 1947.
  • El tema central de la película fue convertido en canción, “Green Dolphin Street” o también “On Green Dolphin Street”, con letra de Ned Washington, y se ha convertido en un estándar jazzístico, interpretado por artistas de la talla de Ella Fitzgerald, Miles Davis y Bill Evans.
  • Lana Turner, famosa por su (falso) pelo rubio, aquí luce su auténtico cabello castaño.
  • Para el papel de William optó Gregory Peck, y para el de Marguerite, Laraine Day y June Allyson.
  • Katharine Hepburn compró los derechos del libro con vistas a protagonizarlo.
  • El 19 de septiembre de 1949 se hizo una adaptación radiofónica de sesenta minutos para Lux Radio Theater, con Lana Turner y Van Heflin repitiendo sus papeles.
  • Estrenada en Estados Unidos el 15 de octubre de 1947 en Nueva York, y después el 5 de noviembre por el resto del país. En España se estrenó el 22 de noviembre de 1948.

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Bibliografía

El país del delfín verde; por Elizabeth Goudge; traducción, Guillermo Marigó Petit. Madrid: Aguilar, 2004. Colección: El novelón de la Ser; s/n. T.O.: Green Dolphin Country (1944). [La traducción procede de la primera edición española, en 1946, por Luis de Caralt].

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] Una vez buscada información para consignar el apartado de “bibliografía” (véase abajo), confirmo que la reciente edición española tiene una extensión de 754 páginas, en un formato de 21 cm.

[2] Comenzó escribiendo guiones en 1920, pero a partir de 1935 diríase que el noventa por ciento de las películas en que participó su labor en ese cometido aparece sin acreditar. Se decía que era el guionista favorito de Louis B. Mayer.

[3] La película tuvo un gran éxito de público: en Estados Unidos y Canadá tuvo una taquilla superior a los cuatro millones de dólares (de la época), y casi tres millones a nivel mundial. Sin embargo, debido a lo alto de su presupuesto total, solo alcanzó 339.000 dólares de beneficios.

Kong: La Isla Calavera (Kong: Skull Island) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Fantasía, Reseña on 14 marzo, 2017 by belakarloff

Año 1973. Un equipo científico, apoyado por un destacamento militar recién evacuado de Vietnam, se traslada a la Isla Calavera para efectuar determinadas investigaciones. Pero cuando allí llegan se topan con una realidad descomunal…

Dirección: Jordan Vogt-Roberts. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Productores: Alex Garcia, Jon Jashni, Mary Parent, Thomas Tull. Co-productores: Jennifer Conroy, Tom C. Peitzman. Productores ejecutivos: Edward Cheng, Eric McLeod. Guion: Dan Gilroy, Max Borenstein, Derek Connolly, según argumento de John Gatins. Música: Henry Jackman. Fotografía: Larry Fong. Diseño de producción: Stefan Dechant. Montaje: Richard Pearson. Efectos especiales: Halon Entertainment, Hybride Technologies, Industrial Light & Magic, Prime Focus World, Rodeo FX, Shade VFX. Intérpretes: Tom Hiddleston (James Conrad), Samuel L. Jackson (Preston Packard), Brie Larson (Mason Weaver), John C. Reilly (Hank Marlow), John Goodman (Bill Randa), Corey Hawkins (Houston Brooks), John Ortiz (Victor Nieves), Tian Jing (San), Toby Kebbell (Jack Chapman / Kong [captura de movimientos]), Jason Mitchell (Mills), Shea Whigham (Cole), Thomas Mann (Slivko), Eugene Cordero (Reles), Marc Evan Jackson (Landsat Steve), Will Brittain (Marlow joven / Marlow hijo), Miyavi (Gunpei Ikari), Richard Jenkins (senator Willis), Terry Notary (Kong [captura de movimientos]), Allyn Rachel, Robert Taylor, James M. Connor, Thomas Middleditch, Brady Novak, Peter Karinen, Brian Sacca, Joshua Funk… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 118 min. Color 2.35:1.

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Apocalypse Now!

La presente película no tiene nada que ver con el King Kong de Peter Jackson, aunque en un inicio parece ser que pretendía ser una secuela, cuando los derechos pertenecían a Universal; pero al pasar el proyecto a Warner se replanteó el proyecto y se integró en un llamado MonsterVerse, iniciado con Godzilla (Godzilla, 2014), y a las que seguirán Godzilla: King of Monsters (2019) y Godzilla vs. Kong (2020)[1]. Se dice, por cierto, que el diseño de Kong pretende, a modo de homenaje, ser una mezcla del de 1933 y del (feísimo) de King Kong contra Godzilla, pero, sinceramente, los primeros planos me parecían idénticos al de Jackson, aunque es posible que en sus andares recuerde a la creación de Willis O’Brien.

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De todas maneras, cuando aparece una película de las presentes características es inevitable realizar comparaciones. Técnicamente, por supuesto, es absurdo enfrentarla al mítico Kong de los años treinta, pues las cuestiones técnicas y de enfoque son muy distintas. Inevitable o no, la comparación más obvia es establecerla con la película de Peter Jackson que, recordemos, se anunció como una declaración de amor al film original de Schoedsack y Cooper, cuando, a mi juicio, representó más bien un insulto. Es decir, la película del neozelandés me supuso una decepción ante las expectativas que me despertó; este, sin embargo, tiene un enfoque claro desde el inicio, que cumple, y dentro de esos cánones me parece más honesto que el previo, y sus resultados me convencen más, aun con sus (muchos) defectos.

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Y es que parece inevitable que, a estas alturas, las películas de esta índole ofrezcan una mera sucesión de escenas de acción, suponiendo las demás una excusa, o un compromiso irreemplazable. Así, tenemos que soportar paseos por la jungla de los soldados, desarrollando unos diálogos de un cretinismo irritante. Claro que, hasta cierto punto, eso es comprensible cuando comprobamos que el film pretende ser una crítica al estamento militar, muy poco sutil, cierto es. Esa falta de sutileza se prolonga a las constantes referencias a Apocalypse Now, el film de Francis Ford Coppola (en cualquier momento esperaba que comenzara a sonar “La cabalgata de las valquirias”). Para hacer esa alusión a la película de Coppola tenemos diversas referencias visuales, así como dos personajes, el protagonista, llamado Conrad, igual que el autor de la novela que la inspira, El corazón de las tinieblas, como otro llamado Marlow, y que en diversos aspectos se parece al protagonista homólogo del libro.

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Justificación intelectual para cubrir una película de acción sencilla y directa, aunque dramáticamente hay algunas otras alusiones, como esa teoría de la Tierra hueca, aparecida en literatura en tiempos tan lejanos como 1741 con Iter svbterranevm novam telluris theoriam ac historiam qvintae monarchiae adtur nobis incognitae exhibens Bibliotheca B. Abelini, del barón Ludvig Holberg (1684-1754), y editado en Hafniae y Lipsiae (Copenhagen y Leipzig) por Jacobi Prevssii[2], y que hoy es solo carne de cañón para las teorías conspiranoicas de alucinados. En todo caso, representa un punto de partida de espíritu pulp, que entronca con narraciones como At the Earth’s Core (1914) de Edgar Rice Burroughs[3].

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Es una lástima que el director, Jordan Vogt-Roberts[4], tenga tan poco estilo, y no perdone uno solo de los tópicos visuales inherente al más pedorro cine de acción contemporáneo. La saturación de cámaras lentas, movimientos de cámara enfáticos, poses chulescas de los personajes, planos en silencio seguidos del esperado susto, rebosan el metraje, haciéndolo cansino, formulario y plano. Puede decirse que el inicio de la película es lo peor (salvo la pequeña escena de John Goodman en las dependencias estatales, que promete que va a derivar en algo interesante), formalizado por medio de esos personajes tan poco atractivos, los diálogos cretinos y el estilo narrativo tan adocenado. Pero, a partir de cierto momento, pese a lo mecánico del desarrollo, brota algo, y la cinta se hace simpática, convirtiéndose en una monster movie sencilla y, hasta cierto punto, efectiva. A ello ayuda una acción imparable, unos monstruos realmente atractivos, en su diseño y su consecución, y un look de estética similar a las aventuras aportada por la Toho y rodadas en esplendoroso fujicolor.

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Puede que sea poco, pero, dado el escaso nivel del cine de evasión actual, al menos tenemos un entretenimiento medianamente efectivo. Eso sí, una vez obviados todos los inconvenientes referidos.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: Skull Island.
  • El actor Toby Kebbell interpreta tanto al soldado Jack Chapman como a Kong para la captura de movimientos. En esta última labor también participa Terry Notary, que ya hizo idéntica labor en Rise of the Planet of the Apes (2011) y Dawn of the Planet of the Apes (2014).
  • Will Brittain encarna tanto al Marlow joven, en el prólogo, como al Marlow hijo, en el epílogo.
  • Hay una escena después de los largos créditos finales, muy importante. En los títulos de crédito hay un spoiler que destripa esa escena (en una referencia a los copyrights).
  • John C. Reilly reemplazó a Michael Keaton y Samuel L. Jackson a J. K. Simmons en los papeles definitivos. Russell Crowe también fue considerado para algún papel.
  • La dirección fue ofrecida a Joe Cornish (Attack the Block), pero la rechazó. En cierta fase del desarrollo, Peter Jackson recomendó como director a Guillermo del Toro.
  • Rodada con un presupuesto estimado de 185 millones de dólares. En el primer fin de semana de su estreno en Estados Unidos logró una taquilla de 61 millones.
  • Estrenada en Estados Unidos y en España el 10 de marzo de 2017.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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[1] De momento, los guionistas integrados a ese proyecto son Lindsey Beer, Patrick McKay, T. S. Nowlin, John D. Payne, Terry Rossio, J. Michael Straczynski y Cat Vasko.

[2] Existe reciente edición en castellano: Viaje al mundo subterráneo; edición, traducción y notas, Carlos Castillo; Barcelona: Abraxas, 2002. Con anterioridad se publicó como Niels Klim descubre el fondo de la tierra; adaptación española por C.C.; Madrid: [s.n.], 1954 (Estades, imp.). Y añadamos una más reciente aún edición en catalán: El viatge a sota terra de Niels Klim; traducció del llatí de Vicenç Reglà; Martorell: Adesiara, 2011.

[3] Existen muchas ediciones en castellano, siendo la más reciente En el centro de la Tierra; traducción de Javier Jiménez Barco; Madrid: Costas de Carcosa, 2017. Colección Esmeralda; nº 1.

[4] Con anterioridad ha hecho diversas producciones televisivas, y dirigido el largometraje The King of Summer (2013), una comedia de superación adolescente.

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