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Ikarie XB 1 (Ikarie XB 1) (1963)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña on 4 agosto, 2017 by belakarloff

En el año 2163, la nave espacial Ikarie XB-1 se dirige hacia la constelación Alfa Centauri para buscar en ella una nueva forma de vida extraterrestre. Aunque para los astronautas el viaje dura veintiocho meses, cuando la misión llegue a su destino, en la Tierra habrán pasado quince años. Durante el viaje, cuarenta científicos de todos los países aprenden a vivir juntos y afrontan varias peripecias, entre ellas el encuentro con un aparato espacial del siglo XX, la inestabilidad mental de uno de los pasajeros y la aparición de síntomas de radioactividad.

Dirección: Jindrich Polák. Producción: Filmové studio Barrandov. Productor ejecutivo: Rudolf Wolf. Guion: Pavel Jurácek, Jindrich Polák, basándose en la novela Obłok Magellana de Stanislaw Lem. Música: Zdenek Liska. Fotografía: Jan Kalis, Sasa Rasilov. Diseño de producción: Karel Lukas, Jan Zázvorka. Montaje: Josef Dobrichovský. Efectos especiales: Karel Cisarovsky, Jirí Hlupý, Jan Kalis, Pavel Necesal, Milan Nejedlý, Frantisek Zemlicka. Intérpretes: Zdenek Stepánek (capitán Vladimir Abajev), Frantisek Smolík (Anthony Hopkins, el matemático), Dana Medrická (Nina Kirova, la socióloga), Irena Kacírková (Brigitta), Radovan Lukavský (comandante MacDonald), Otto Lackovic (Michal), Miroslav Machácek (Marcel Bernard), Jirí Vrstála (Erik Svenson, piloto), Rudolf Deyl (Ervin Herold, piloto), Jaroslav Mares (Milek Wertbowsky), Martin Tapák (Petr Kubes, biólogo), Marcela Martínková (Steffa, la esposa de Wertbowsky), Jozef Adamovic (Zdenek Lorenc), Jaroslav Rozsíval (doctor), Ruzena Urbanova (Eva, la historiadora), Svatava Hubenáková (Rena, esposa de MacDonald), Jan Cmíral, Vjaceslav Irmanov, Miroslav Abrahám, Nadesda Blazickova, Zdenek Jelínek, Bohumil Klika, Jan S. Kolár, Vera Kresadlová, Alena Martinovská, Ladislav Mrkvicka, Vladimír Navrátil, Olga Navrátilová, Marie Popelková, Hana Prazanová, Olga Schoberová, Gustav Vobornik… Nacionalidad y año: Checoslovaquia 1963. Duración y datos técnicos: 88 min. B/N 2.35:1.

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A más de medio siglo vista desde su realización, existen al menos dos formas de acercarse al contenido de Ikarie XB-1. La más sencilla es aludir a la influencia que sus imágenes han ejercido en renombrados y trascendentales exponentes del cine de ciencia ficción posterior. Entre ellos destacan Star Trek, de la que anticipa la idea de una misión multicultural destinada a explorar los confines del universo así como su visión optimista del futuro; Alien, el octavo pasajero, con la que comparte el costumbrismo con el que muestra el día a día de su tripulación, el encuentro con una vieja nave abandonada o un tramo pesadillesco en el que uno de sus tripulantes recorre los interminables pasillos de la embarcación huyendo de una amenaza cuya naturaleza desconoce; o, sobre todo y ante todo, 2001: una odisea en el espacio, de la que adelanta motivos argumentales, discursivos, escénicos y visuales, con encuadres idénticos, que ponen bien a las claras lo mucho que Stanley Kubrick tuvo presente Ikarie XB-1 a la hora de dar forma a su película. Pero, por encima mismo de su carácter precursor en el devenir del género, se encuentran los valores propios como obra cinematográfica de un film que durante décadas fue conocido en Occidente por la versión adulterada que comercializara la AIP bajo el título de Voyage to the End of the Universe, en la que, al igual que hiciera con otros ejemplares de ciencia ficción procedentes del otro lado del telón de acero, remontaba, modificaba y, en última instancia, desnaturalizaba la versión original, aligerada en al menos diez minutos de metraje[1].

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Rodada en los míticos estudios Barrandov de Praga, la existencia de Ikarie XB-1 se encuadra en un principio dentro de la guerra propagandística emprendida por el bloque comunista y los Estados Unidos. Con la idea de festejar los primeros éxitos conseguidos por la Unión Soviética en la incipiente carrera espacial, la película es concebida por el Partido Comunista checoslovaco en unos términos de lo más ambiciosos, productiva y artísticamente. Para dar forma a su argumento, se decide acometer la adaptación de la novela Obłok Magellana (1955) del polaco Stanislaw Lem, autor de la base literaria de otros de los clásicos del cine de ciencia ficción de Europa del Este durante el periodo comunista, Solaris de Andrei Tarkovskii. Para su realización se invierten alrededor de seis millones de coronas, cantidad que duplicaba ampliamente el presupuesto habitual de los largometrajes checoslovacos de la época, destinándose seis meses a su pre-producción. Durante este tiempo, sus responsables se reunirían con integrantes del programa espacial soviético con el fin de que les asesoraran a la hora de recrear toda la tecnología espacial que la historia demandaba. Pese a ello, “al carecer de verdaderos referentes en materia de películas de ciencia ficción”[2] (por más que la influencia de la norteamericana Planeta prohibido sea notoria, en especial por el robot que el más veterano de los integrantes de la tripulación tiene como compañero, cuyo diseño es sospechosamente similar al del popular Robby), “los autores del guion deben inventarlo todo partiendo desde cero”[3], con la máxima impuesta por su director, Jindrich Polák, de que todo lo que apareciera en pantalla y “fuera fruto de la imaginación de su equipo deberá tener una base real científica y una función lógica”[4].

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No por casualidad, en este apartado reside uno de los principales baluartes del conjunto. La aludida falta de referencias al respecto, unido a su enconada búsqueda de verosimilitud en la forma de representarlo, hace que la visión que ofrece de ese entorno espacial en el que transcurre su historia resultara de lo más revolucionaria en su momento, marcando la pauta a seguir por numerosos films a partir de entonces, mientras que el mimo y empeño puesto en su confección cristaliza en un imponente diseño de producción, singularizado por los cuidados interiores de la nave que da título al film, sin olvidar el acabado de unos efectos especiales que, a pesar del tiempo transcurrido, mantienen su eficacia. Todo ello redunda en el atractivo look visual que luce la película, a lo que no es ajena ni su magnífica fotografía en blanco y negro y formato cinemascope, en la que destaca su manejo de las luces y las sombras en determinadas escenas, ni la realización de Polák. Acreedor de una filmografía superior a la veintena de títulos que le revelan como un cineasta todoterreno, Polák articula su puesta en escena mediante la fluidez que le aportan sus movimientos de cámara y los juegos que establece con los ángulos de tiro para expresar el cada vez más confuso estado de ánimo que se apodera de la tripulación del Ikarie a medida que transcurre el viaje, demostrando buena mano para la creación de atmósferas opresivas en los dos capítulos que conforman la segunda parte del metraje, en los que también evidencia un extraordinario manejo de la tensión y el suspense. Dentro de su inspirado trabajo resalta la sutileza de detalles, como ese perro que adopta uno de los astronautas siendo un cachorro y, mediante cuyo progresivo crecimiento, se evidencia de forma implícita el paso de los meses en el desarrollo de la misión.

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A pesar de sus orígenes de producto propagandístico, lo cierto es que la carga política de Ikarie XB-1 es bastante tenue, máxime si se la compara con otros congéneres soviéticos y estadounidenses realizados en idéntico contexto. Por el contrario, sus responsables se cuidan mucho de cargar las tintas en este aspecto, y mucho menos de caer en lo panfletario. Dejando a un lado el concepto de esa tripulación internacional que trabaja en fraternidad y armonía en busca de vida extraterrestre, más otros pequeños apuntes desperdigados aquí y allá, el componente político se concentra en uno de los puntos culminantes del film: el encuentro de la Ikarie con una nave terrícola botada en el siglo XX que flota a la deriva. Alertado por su presencia, el capitán envía a dos de sus hombres en misión de reconocimiento. Cuando arriban a la nave, los astronautas descubren que su tripulación murió mientras jugaba a los dados vestidos de etiqueta a causa de un gas venenoso liberado por dos militares de alta graduación, cuando el nivel de oxigeno comenzó a menguar, y que acabaron disparándose entre sí. Siguiendo con las pesquisas, también comprueban que la nave está repleta de bombas nucleares, activando por accidente una de ellas, que detona antes de que escapen. La alegoría que se pretende establecer es obvia. La vieja nave, de procedencia occidental como atestiguan sus letreros en inglés, supone una representación de los peligros del sistema capitalista –resulta bien simbólico que lo primero que los astronautas encuentren al acceder al interior de la nave sea una mano sosteniendo un billete-, de su insolidaria individualidad y de su irresponsable uso de la energía nuclear como armamento.

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No obstante, este capítulo es también empleado para lanzar una reflexión sobre las grandezas y miserias del ser humano del siglo XX; el responsable de horrores indescriptibles como “Auschwitz, Oradour e Hiroshima”, como recuerda uno de los personajes, pero también el creador de obras de la sensibilidad de las melodías de Honeger, como le responde su interlocutor. Un componente este que entronca con el tono humanista que preside la propuesta. Y es que, en consonancia con el estilo de ciencia ficción practicado en la Europa comunista, Ikarie XB-1 centra su atención en el componente humano de la historia antes que en la aventura espacial y los aspectos derivados de ella, como solía ser habitual en su variante estadounidense. De este modo, su desarrollo se basa en una trama episódica compuesta en su primera mitad por pequeños fragmentos que ilustran la cotidianidad de la nave, adaptando para ello un estilo contemplativo mediante el que sumergirnos en la vida diaria de los cosmonautas[5]. Sentimientos tan humanos como el amor, el humor, la curiosidad o el compañerismo, pero también los celos, la añoranza por los seres queridos a causa del tiempo y la distancia o la incertidumbre por el futuro, desfilan a través de estos segmentos que según avanza el metraje plasman la evolución psicológica a la que conduce a los protagonistas el largo periodo de encierro en el interior de la nave y la monotonía que acarrea. Ello no quita para que en el desenlace se imponga el optimismo, y tras la tempestad se abra una puerta a la esperanza. Superados los problemas, la Ikarie alumbra el nacimiento de un bebé justo en el momento en que la misión alcanza su objetivo, al encontrar un planeta habitado. Un espíritu que es sintetizado por uno de los comentarios del capitán durante los últimos compases: “Fuimos a la búsqueda de vida y la vida nos ha encontrado”.

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Anécdotas

  • Título en México: Viaje al fin del universo.
  • Título anglosajón: Icarus XB 1.
  • En Estados Unidos, la AIP remontó la película, cortando unos 26 minutos, entre ellos toda la escena de exploración de la nave que encuentran. Además, por medio de los diálogos cambiaron el argumento, haciendo que se tratara de una nave extraterrestre rumbo a la Tierra, y en los momentos finales se incluyó el plano de la Estatua de la Libertad al final. El título de esta nueva película fue Voyage to the End of the Universe.
  • Estrenada en Checoslovaquia el 26 de julio de 1963. En España se estrenó oficialmente el 20 de julio de 2017.

José Luis Salvador Estébenez (Madrid. España)

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[1] Uno de los cambios efectuados en el remontaje se encuentra durante el desenlace, haciendo que en lugar del  desconocido planeta blanco de la original, la nave llega a la Tierra, tal y como es mostrado mediante la inclusión de una imagen de la Estatua de la Libertad semienterrada. Un clímax que, por diferentes motivos, se asemeja al de las posteriores El planeta de los simios y Terror en el espacio, esta última, por cierto, producida por la propia AIP.

[2] Extraído del dossier de prensa distribuido por Capricci con motivo del estreno de Ikarie XB 1 en España.

[3] Op. Nota cita 2.

[4] Ibídem.

[5] Nótese el paralelismo existente entre las videopantallas desde las que desde el puente de mando observan en numerosas ocasiones las acciones que suceden en distintos puntos de la Ikarie y la relación que se establece entre su público y la pantalla en la que visiona la película.

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Spider-Man: Homecoming (Spider-Man: Homecoming) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Reseña, superhéroes on 3 agosto, 2017 by belakarloff

Mientras Peter Parker intenta congraciar su vida diaria en el instituto, comienza a familiarizarse con el traje especial de Spider-Man que su mentor Tony Stark le ha preparado. Al mismo tiempo, Adrian Toomes está desarrollando junto a su equipo armamento especial desarrollado a partir de los restos de lo que los extraterrestres dejaron abandonado seis años atrás.

Dirección: Jon Watts. Producción: Columbia Pictures, Marvel Studios, Pascal Pictures. Productores: Kevin Feige, Amy Pascal. Co-productores: Mitchell Bell, Eric Hauserman Carroll, Rachel O’Connor. Productores ejecutivos: Victoria Alonso, Avi Arad, Louis D’Esposito, Jeremy Latcham, Stan Lee, Matt Tolmach, Patricia Whitcher. Guion: Jonathan Goldstein, John Francis Daley, Jon Watts, Christopher Ford, Chris McKenna, Erik Sommers, según argumento de J. Goldstein y J. F. Daley, basados en los personajes creados por Stan Lee y Steve Ditko (Spider-Man) y por Joe Simon y Jack Kirby (Captain America). Fotografía: Salvatore Totino. Música: Michael Giacchino. Montaje: Debbie Berman, Dan Lebental. Diseño de producción: Oliver Scholl. Efectos especiales: Digital Domain, Direct Dimensions, Exceptional Minds, Gentle Giant Studios, Iloura, Imageloom Visual Effects, Industrial Light & Magic, Lidar Guys, Luma Pictures, Method Studios, Sony Pictures Imageworks, Southbay Motion Picture Technologies, Stereo D, Trixter Film. Intérpretes: Tom Holland (Peter Parker / Spider-Man), Michael Keaton (Adrian Toomes / Buitre), Robert Downey Jr. (Tony Stark / Iron Man), Marisa Tomei (May Parker), Jon Favreau (Happy Hogan), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts), Zendaya (Michelle), Donald Glover (Aaron Davis), Jacob Batalon (Ned), Laura Harrier (Liz), Tony Revolori (Flash), Bokeem Woodbine (Herman Schultz / Conmocionador #2), Tyne Daly (Anne Marie Hoag), Abraham Attah (Abe), Hannibal Buress (entrenador Wilson), Kenneth Choi (director Morita), Selenis Leyva (Ms. Warren), Angourie Rice (Betty), Martin Starr (Mr. Harrington), Garcelle Beauvais (Doris Toomes), Michael Chernus (Phineas Mason / Tinkerer), Michael Mando (Mac Gargan), Logan Marshall-Green (Jackson Brice / Conmocionador #1), Jennifer Connelly (Karen / Suit Lady [voz]), Gary Weeks (agente Foster), Chris Evans (Steve Rogers / Capitán América), Kerry Condon (Friday [voz]), Christopher Berry, Jorge Lendeborg Jr., Tunde Adebimpe, Tiffany Espensen, Isabella Amara, Michael Barbieri, J. J. Totah, Hemky Madera, Zach Cherry, Kirk R. Thatcher, Yu Lew, Sondra James, Bob Adrian, Gary Richardson, Stan Lee… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 133 min. color 2.35:1 2D 3D.

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Spider-Man Go Home

Spider-Man, en las facciones de Tom Holland, ya apareció como secundario en Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War, 2016, Anthony Russo, Joe Russo). Sin embargo, esta película podría considerarse el inicio del nuevo reboot del Hombre Araña, después de la trilogía de Sam Raimi y el díptico de Marc Webb. Todo lo que antecede –salvo el film del Capi– está olvidado, y aquí tenemos un nuevo comienzo. Como novedad, el tío Ben ya está muerto, y Peter Parker adquirió los poderes un tiempo atrás (en una brevísima escena Peter menciona a su amigo Ned la picadura de una araña, y ya está). En cierto modo, Tony Stark retoma el rol de tutor del adolescente.

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La película arranca con un breve prólogo situado, más o menos, al acabar Los Vengadores (The Avengers, 2012, Joss Whedon), para después encadenar con los sucesos en el aeropuerto de Berlín habidos en Capitán América: Civil War, pero enfocados desde otro ángulo y resumidos. Y luego, digamos, entramos en situación. En este nuevo acercamiento al universo del Hombre Araña tenemos como realizador a Jon Watts, quien, tras trabajar en diversos cortos, telefilmes y series de televisión, dirigió las películas Clown (2014) —adaptación a largo de uno de sus cortometrajes— y Coche policial (Cop Car, 2015). Y, después, han puesto en sus manos un presupuesto estimado de ciento setenta y cinco millones de dólares para dirigir… esto.

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Muchos aficionados se han quejado de que esta película en poco se parece al Spìder-Man de toda la vida, pues se han olvidado muchos aspectos de su personalidad. En los comics, el Hombre Araña soltaba sandeces mientras se enfrentaba a sus enemigos. Mientras, en el instituto era un muchacho que era dado de lado, y tras una mente brillante se encontraba un chaval solitario y tímido que intentaba abrirse camino en la vida. Mientras Peter Parker sufría no pocos reveses, su personalidad de Spider-Man le servía para liberarse, para ser, en definitiva, otra persona. Aquí no hay nada de eso. Los ocasionales acosos de Flash los ignora, y de hecho está metido en un mismo grupo con él, y es igual de bromista en el insti que mientras lucha contra el Mal.

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Siendo todo lo que precede una absoluta necedad, tampoco me importaría demasiado si el resultado fuese sólido. El problema es que no hay dónde agarrarse a nada de lo que sucede en pantalla. Algo más de dos horas de metraje, seis guionistas y el presupuesto referido han sido necesarios para hacer una burda comedia de instituto carente de cualquier densidad dramática. Por lo que se dice, la fuente de inspiración principal fueron las comedias de John Hughes, y el director le pasó al reparto un lote de filmes suyos para verlos. Es curioso que, al final, el resultado sea tan poco similar a aquéllas —recuérdese, por ejemplo, la muy interesante El club de los cinco (The Breakfast Club, 1985)—, donde el humor era más suave. Aquí, el pitorreo es constante de principio a fin, y ni siquiera los escasos instantes de acción y tensión consiguen aliviar el tono de comedia tontorrona que impregna el film en su totalidad.

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De esta manera, no sorprende que no haya desarrollo alguno de personajes, más allá de las constantes tonterías que acometen (ese odioso amigo gordito), y la trama carece de cualquier asidero sólido al cual asirse. Tomemos, por ejemplo, el tema del supertraje. En una circunstancia así, lo lógico es que Spider-Man se entrenase con él bajo la supervisión de Tony Stark, explicándole este para qué sirve cada dispositivo. Sin embargo, sale a la ventura sin saber nada y, sobre la marcha, mientras se enfrenta a peligrosos delincuentes, va descubriendo a golpes todo lo que da de sí el adminículo. En realidad, todo ello es para, de nuevo, volver a hacer chistes y más chistes, que nos riamos a cada topetazo que el muchacho se da. Lo que pasa es que, en clave de comedia, la película tampoco funciona en absoluto.

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Tenemos, pues, un juguete super-caro, con la superficialidad de una comedia del Canal Disney (con una puesta en escena por parte de Jon Watts en consonancia), todo ello envuelto en un diseño de producción bárbaro y, por supuesto, unos efectos especiales de primerísimo nivel. Detrás de todo esto, cualquier atisbo de desarrollar algo sustancioso queda por completo olvidado. Y los pocos instantes dramáticos tampoco dan mucho de sí: todo lo que acontece con respecto a Adrian Toomes (un envarado Michael Keaton), su familia y la relación de estos con Peter Parker es una copia casi literal de lo que acontecía con Norman Osborn en el primer Spider-Man de Sam Raimi. Eso, por no decir el escaso control de seguridad de que disponen las industrias Stark para trasladar un material peligroso y que vale millones. Y toda la trama es previsible de principio a fin, incluidos los dos o tres detalles sorpresivos que adornan el cotarro.

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En fin, nada de eso importa, puesto que el guion está desarrollado con una desidia portentosa, a tal punto que da la impresión de que los responsables de este millonario juguete no se han esforzado en absoluto: saben que ya tienen creada una actividad que impulsa a millones de fans en todo el mundo a asistir al visionado de sus engaños, y que por mal que salga, la taquilla responderá. Han forjado una dinámica donde lo que menos importa es qué y cómo se cuenta. Solo es un envoltorio de lujo para que un público que ha perdido la capacidad de exigencia se siente, se lobotomice, y consuma todo en el centro comercial del mismo modo que ha devorado poco antes la hamburguesa y las palomitas. Bienvenidos al mundo de la fast-food cinematográfica.

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Anécdotas

  • Título en Argentina, Chile, México y Uruguay: Spider-Man: De regreso a casa.
  • El personaje del director Morita es nieto de Jim Morita, del Comando Aullador. En su despacho se puede ver una foto de su abuelo. Ambos personajes son interpretados por el mismo actor, aquí y en Captain America: The First Avenger (2011).
  • Donald Glover (Aaron Davis) puso voz a la versión Miles Morales de Spider-Man en la serie de animación Ultimate Spider-Man.
  • El guion original ofrecía a Nick Fury como mentor de Peter, antes de ser cambiado por Tony Stark.
  • El personaje de Peter se supone que tiene quince años en la película, coincidiendo con los inicios de los comics de Ditko. Tom Holland tenía en diecinueve y veinte durante el rodaje.
  • En el instituto de Peter pueden verse fotos de Howard Stark, Abraham Erskine y Bruce Banner.
  • Película número 16 del Universo Cinematográfico Marvel, y nº 4 de la Fase Tres de ese Universo.
  • Muchos actores lucharon por el papel de Spider-Man. Quienes mostraron su interés fueron Andrew Garfield, Dylan O’Brien, Logan Lerman, Daniel Radcliffe, Freddie Highmore, Alfred Enoch, Donald Glover, Josh Hutcherson y Grant Gustin. Entre los realmente considerados estuvieron Asa Butterfield, Nat Wolff, Liam James, Timothée Chalamet, Mingus Lucien Reedus (hijo de Norman Reedus), Chandler Riggs, Charlie Plummer y Tom Holland. Estos dos últimos fueron los que quedaron finalistas, pero se optó por Holland porque, en el momento de las pruebas, Plummer era demasiado joven, y eso hubiera dado problemas para las horas de rodaje que estipulan las leyes.
  • Gary Oldman optó al papel del Buitre. Con anterioridad, en el “Spider-Man 4” de Sam Raimi, que no llegó a hacerse, para ese cometido se había contratado a John Malkovich.
  • Directores que optaron para hacerse cargo del film: Jonathan Levine, Theodore Melfi, Jason Moore, Jared Hess, John Francis Daley y Jonathan Goldstein.
  • Estrenada en Estados Unidos el 7 de julio de 2017, tras una premiere en Los Ángeles el 28 de junio. En España se estrenó el 28 de julio.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

 

Quarantine 2: Terminal [dvd: Cuarentena terminal] (2011)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña, Terror on 25 julio, 2017 by belakarloff

Un pequeño grupo de personas toma un avión para un vuelo nocturno. Uno de ellos transporta en una jaula unos hamsters, uno de los cuales muerde a un pasajero cuando ayuda a guardarlos. Poco después, el pasajero comenzará a sentirse indispuesto…

Dirección: John Pogue. Producción: Third Street Pictures, RCR Media Group, Andale Pictures, Lightning Entertainment, Stage 6 Films, Vertigo Entertainment. Productores: Sergio Agüero, Marc Bienstock, Doug Davison, Roy Lee. Productores ejecutivos: Rui Costa Reis, Richard Goldberg, Marc Greenberg, Eliad Josephson. Guion: John Pogue, inspirado en el guion de John Erick Dowdle y Drew Dowdle para la película Quarantine y en el de Jaume Balagueró, Luiso Berdejo y Paco Plaza para Rec. Fotografía: Matthew Irving. Montaje: William Yeh. Diseño de producción: Hannah Beachler. Efectos especiales: Almost Human (efectos de maquillaje), Lion Visual Effects (efectos visuales). Intérpretes: Mercedes Mason (Jenny), Josh Cooke (Henry), Mattie Liptak (George), Ignacio Serricchio (Ed), Noree Victoria (Shilah), Bre Blair (Paula), Lamar Stewart (Preston), George Back (Ralph), Phillip DeVona (Nial), Julie Gribble (Susan), Erin Áine (Nicca), Lynn Cole (Bev), Tom Thon (Doc), Sandra Ellis Lafferty (Louise), Tyler Kunkle (Hvorst), John Curran (capitán Forrest), Andrew Benator (co-piloto Willsy), Jason Benjamin (CDC #1), Beau Turpin, Neko Parham, Judd Lormand, Ray Benitez, Nilsa Castro, Michael L. Covington, Keith Allen Hayes, Roger Herrera, Alphonse A. Lambert Jr., Ken Melde… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2011. Duración y datos técnicos: 86 min. color 1.78:1.

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En 2008 se estrenó Quarantine (Quarantine), dirigida por John Erick Dowdle, un remake norteamericano de la española [Rec] (2007), de Jaume Balagueró y Paco Plaza. Se trataba de una adaptación fiel más o menos en un noventa por ciento, es decir, la mayoría de los hallazgos de guion se conservaban, sin embargo la puesta en escena, pese a que repetía el mismo estilo de mockumentary, perdía espontaneidad y exhibía una rutinaria corrección de carácter televisivo.

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Esa película debió dar el suficiente dinero[1] como para programarse una secuela. Curiosamente, el referente esta vez no es [Rec]² (2009), sino que se plantea otra historia que sigue a la de la película norteamericana, tomando rumbos diferentes (o eso parece). En el aspecto temporal, la acción acontece más o menos de forma simultánea a la de Quarantine, pues hay un momento en que uno de los pasajeros está viendo las noticias en la pantalla de su ordenador, y se ve cómo se hallan en plena faena en el edificio de Los Ángeles. En el aspecto estilístico se abandona el estilo mockumentary, para ofrecer un modo de narración convencional, si bien hacia el final los personajes utilizan una especie de visor térmico, lo cual asemeja algunos de los planos a lo que se ofrecía en la primera, y no hay uso de música que no sea diegética (los títulos de crédito finales son solo a base de sonidos ambiente).

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Así pues, ahora tenemos a una serie de personajes (pocos, para ahorrar presupuesto, aunque se justifica por ser un vuelo nocturno, y esto último ayuda a otorgar la adecuada atmósfera tenebrosa) que van reuniéndose en un avión, como si de una peli catastrófica se tratara. Si bien se ve que el co-piloto está enfermo (dice que su perro le ha contagiado un catarro), será uno de los pasajeros quien, tras ser mordido por un hámster, sea el primero en manifestar los síntomas –se supone que por medio de la sangre se transmitirá el virus antes que por vía respiratoria–. Es decir, tenemos a determinados animales –perros, hamsters, ratas de laboratorio y gatos– que, a lo largo de la película, advertiremos como instigadores de la propagación de la epidemia. Da la impresión de que al guionista/director no le gustasen las mascotas y forjara esta trama para advertir del peligro que podrían desencadenar.

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El referido director y guionista es John Pogue, quien aquí debuta en el primero de los campos. Después hizo El estigma del mal (The Quiet Ones, 2014), y ahora tiene a punto de estreno el thriller de acción Blood Brother (2017), al que, en apariencia, seguirá una adaptación del cómic Brodie’s Law: Project Jameson de Daley Osiyemi y David Bircham. En la faceta de guionista se puede destacar la trilogía The Skulls (2000/2002/2004) o Rollerball (Rollerball, 2002, John McTiernan) y Ghost Ship – Barco fantasma (Ghost Ship, 2002, Steve Beck).

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Aquí, tras el referido arranque uno esperaría una especie de Zombis en el avión, pero cuando se manifiesta el primer contaminado les ordenan desde tierra que regresen al aeropuerto, y cuando allí llegan son cercados por los de enfermedades infecciosas. De ese modo, quedan atrapados en la terminal[2], donde se descargan las maletas, y así se recupera un tono muy similar al que ofrecía la primera película, reemplazando el edificio de vecinos por la referida terminal, donde la oscuridad, los recovecos y la maquinaria ayudan a establecer el adecuado entorno tenebroso donde pueden ocultarse los infectados.

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Antes o después de esta circunstancia, el planteamiento es rutinario y los personajes asazmente convencionales. Aunque, algo es algo, al menos el adolescente que aparece no es tan repelente como podría parecer en un inicio, y el señor buenorro que asoma no resulta ser el galán de turno y resulta ser un malote. Por lo demás, lo más interesante es una escena que abusa del exceso de diálogos, pero que explica cómo surgió todo y cuál es el destino de todo lo que acontece. Por lo demás, nada sorprende, y el clímax final es una reformulación apenas disimulada del del film originario.

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En el aspecto de realización, Pogue ostenta una rutina televisiva. Las (pocas) escenas de acción carecen de tensión, y la mayoría de ellas despliegan personajes hablando, hablando sin parar, y el guion tampoco dispone de un profundo estudio de caracteres para que eso resulte cautivante. Los efectos especiales resultan efectivos, y tiene unos pocos momentos gore, en especial uno con un ojo que hará que más de uno y una aparte la mirada. De todas maneras, es un entretenimiento menor y funcional, que no entusiasma, por supuesto, pero tampoco llega a cabrear. Para los tiempos que corren, démonos con un canto en los dientes.

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Anécdotas

  • Título en Argentina: Cuarentena 2: Terminal.
  • Secuela de Quarantine (Quarantine, 2008), de John Erick Dowdle, remake esa a su vez de la española [Rec] (2007), de Jaume Balagueró y Paco Plaza.
  • Rodada con un presupuesto estimado de cuatro millones de dólares.
  • La película Flight of the Living Dead: Outbreak on a Plane (2007, Scott Thomas) tiene un planteamiento muy similar.
  • Estrenada en Estados Unidos el 17 de junio de 2011, de forma limitada, y después editada en DVD el 2 de agosto. En España se editó directamente en DVD el 3 de agosto.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] Con un presupuesto estimado de doce millones de dólares, en el primer fin de semana de estreno en Estados Unidos hizo una taquilla de 14,211,321, es decir, recuperó el presupuesto, superándolo en más de dos millones.

[2] De ahí el título, no refiriéndose a la condición terminal de los infectados. O también podría ser un juego sutil de palabras, aunque no casa con la sencillez de los planteamientos.

The Night the World Exploded (1957)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña on 20 julio, 2017 by belakarloff

El doctor Conway desarrolla un ingenio para predecir terremotos. Su máquina prevé un inminente temblor de niveles catastróficos, por lo cual hace una advertencia al gobierno, pero no es tomado en consideración. Cuando el seísmo se da se convoca una reunión urgente. Pero Conway señala que eso solo es el principio, y que se acerca un terremoto que deja al anterior en pañales…

Dirección: Fred F. Sears. Producción: Clover Productions para Columbia Pictures. Productor: Sam Katzman. Guion: Jack Natteford, Luci Ward. Fotografía: Benjamin H. Kline, Irving Lippman. Música: George Duning, Friedrich Hollaender, Arthur Morton, Leith Stevens. Montaje: Paul Borofsky, Al Clark. Dirección artística: Paul Palmentola. Intérpretes: Kathryn Grant (Laura ‘Hutch’ Hutchinson), William Leslie (Dr. David Conway), Tristram Coffin (Dr. Ellis Morton), Raymond Greenleaf (gobernador Chaney), Charles Evans (general Bortes), Frank J. Scannell (sheriff Quinn), Marshall Reed (ayudante del general), Fred Coby (ranger Brown), Paul Savage (ranger Kirk), Terry Frost, Paul Bradley, John Close, Sam Harris, Robert Kino, Lyle Latell, Pierce Lyden, Philo McCullough, Paul McGuire, Dennis Moore, Charles Morton, John Phillips, Fred F. Sears, Natividad Vacío, Otto Waldis, John Zaremba… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957. Duración y datos técnicos: 64 min. B/N 1.85:1.

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The Night the World Exploded (1957) es una de las muchas películas de ciencia ficción de los años cincuenta del pasado siglo, de un nivel de calidad aceptable, que fueron totalmente ignoradas por los distribuidores españoles debido a sus habituales prejuicios hacia lo fantástico. Por esa misma época se estrenó un aluvión de films norteamericanos del género de la comedia, el western, la aventura o el policial, por citar algunos, que llegaron sin problema alguno (salvo por cuestiones de censura), de nivel similar o inferior al presente, pero que centraban su trama en el “realismo”.

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Y eso que la presente cinta busca su base en un cierto “realismo”. Así, no hay monstruos ni extraterrestres, sino que la trama se sustenta en fenómenos “naturales” que provocan desastres a nivel planetario. La película se alberga en la temática catastrófica, y podría decirse que es un precedente de títulos como Terremoto (Earthquake, 1974, Mark Robson) o, sobre todo, 2012 (2012, 2009, Roland Emmerich). Aquí, una serie de terremotos asola la Tierra, y un grupo de científicos intentará impedirlo. Para ello los protagonistas se sumergen en las entrañas del planeta, a través de las cuevas Carlsbad, bello paraje turístico norteamericano, sito en la Montañas Guadalupe, al sureste de Nuevo México. Gran parte de la cinta se concentra en esa localización, donde los investigadores descubren un nuevo elemento, el 112, causante de los fenómenos: son rocas de unos tres centímetros de diámetro que, al contacto con el aire, crecen, se calientan y, al fin, explotan.

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La película es sencilla y entretenida. No busca ser un film revolucionario en la historia del cine, sino un mero elemento de distracción de los que se proyectaban en los cines de la época en programas dobles. La trama está escrita por Jack Natteford, habitual en el cine del Oeste, junto a Luci Ward, sin duda la encargada de otorgar el punto de vista femenino necesario. La protagonista de la película, de hecho, es Kathryn Grant (la princesa Parisa de la sensacional Simbad y la princesa), por encima del elenco masculino, si bien su papel será el habitual del cine en la época, así, aunque sirva de ayudante de su prometido, el profesor Conway, por lo general solo le pasará una carpeta o el teléfono, y preparará café. Además, de ello, la muchacha tiene una perra terrible con casarse, mientras su novio intenta salvar el mundo.

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Dirige Fred F. Sears, habitual director, también, de westerns, pero que en los cincuenta realizó un puñado de cintas de ciencia ficción, así The Werewolf [dvd: Los colmillos del lobo, 1956] –cinta licantrópica con explicación científica–, The Earth versus the Flying Saucers [tv/dvd: La Tierra contra los platillos volantes, 1956] –la más famosa, con efectos de Ray Harryhausen– y The Giant Claw [dvd: La garra gigante, 1957], amén de la presente. Sears es un artesano con oficio, sencillo y sin filigranas, que va directo al asunto y busca efectuar su cometido con un presupuesto demasiado limitado. Aquí, muchos planos de terremotos son imágenes de archivo, ofreciendo solo efectos realizados a propósito en el derrumbe dentro de las cuevas, así como en la explosión final en la presa (donde también se intercalan algunos planos de archivo).

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Anécdotas

* Estrenada en programa doble junto a The Giant Claw (1957), de igual director y productor, en junio de 1957.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Nocturna 2017 ya tiene cartel

Posted in Ciencia ficción, Cine, Cortometrajes, Festivales, Noticias, Terror on 18 julio, 2017 by belakarloff

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El Festival Internacional de Cine Fantástico NOCTURNA MADRID presenta el cartel para su quinta edición, que se celebrará del 25 al 29 de octubre de 2017 con dos sedes principales: Cinesa Proyecciones y Cineteca Madrid.

El cartel, diseñado por Daniel Fumero, sobre un concepto del productor y director José Luis Alemán (La herencia Valdemar, El hombre que vio llorar a Frankenstein…) evoca la quimera del renacimiento de Frankenstein, inspirándose “en las antiguas películas protagonizadas por la criatura salida de la mente de Mary Shelley, donde una palanca vuelve a insuflar vida”.

NOCTURNA MADRID renueva su imagen para destacar la ciudad de Madrid que la acoge y ofrece las mejores películas de género, las visiones más interesantes del nuevo cine fantástico del circuito independiente, premieres internacionales, clásicos y, como siempre, la visita de los homenajeados. En el cartel, “se enciende en la ciudad un nueva edición de NOCTURNA MADRID, sin renunciar a su esencia”.

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Nocturna Madrid llega a Cineteca

En su quinta edición, Nocturna Madrid, Festival Internacional de Cine Fantástico, contará con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid y con la colaboración de Cineteca Madrid que por primera vez se suma como nueva sede del festival. Con el objetivo de dar a conocer e impulsar el potencial de los creadores españoles de género, el festival desembarcará en octubre dispuesto a volver a hacer del cine fantástico una fiesta.

Desde su primera edición en 2013, NOCTURNA MADRID ha traído a la capital lo mejor del Cine Fantástico, largometrajes y cortometrajes, muchas veces proyectados por primera (¡o única!) vez en España; homenajes a figuras como Robert Englund, Joe Dante, Tobe Hooper, John Landis, Álex de la Iglesia, Darío Argento o Jaume Balagueró, entre otros; encuentros con el público y actividades paralelas que han convertido a Madrid en el escaparate del cine de género durante esos días.

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La programación completa de Nocturna Madrid se dará a conocer en los próximos meses y se repartirá entre las dos sedes ya confirmadas como nuevos espacios del festival: los cines Proyecciones y las salas de Cineteca Madrid, ubicadas en el Matadero y gestionadas por el propio Ayuntamiento de Madrid.

El plazo de inscripción de cortometrajes y largometrajes, nacionales e internacionales, permanecerá abierto hasta el próximo 1 de septiembre.

La guerra del planeta de los simios (War for the Planet of the Apes) (2017)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Estreno, Reseña on 13 julio, 2017 by belakarloff

Han pasado cinco años desde el amanecer, y ahora los simios están enzarzados en una guerra abierta con los humanos. Cuando unos soldados, liderados por el Coronel, incursionan en el campamento, César decidirá ir tras ellos. A él se le unirán unos compañeros que no desean dejarlo solo…

Dirección: Matt Reeves. Producción: Chernin Entertainment para 20th Century Fox. Productores: Peter Chernin, Dylan Clark, Rick Jaffa, Amanda Silver. Co-productor: Ryan Stafford. Productores ejecutivos: Mark Bomback, Mary McLaglen, Jenno Topping. Guion: Mark Bomback, Matt Reeves, según los personajes creados por Rick Jaffa, Amanda Silver. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Michael Seresin. Diseño de producción: James Chinlund. Montaje: William Hoy, Stan Salfas. Efectos especiales: Halon Entertainment, Weta Digital. Intérpretes: Andy Serkis (César), Woody Harrelson (el Coronel), Steve Zahn (Simio Malo), Karin Konoval (Maurice), Amiah Miller (Nova), Terry Notary (Rocket), Ty Olsson (Red Donkey), Michael Adamthwaite (Luca), Toby Kebbell (Koba), Gabriel Chavarria (Preacher), Judy Greer (Cornelia), Sara Canning (Lake), Devyn Dalton (Cornelius), Aleks Paunovic (Winter), Alessandro Juliani (Spear), Max Lloyd-Jones (Blue Eyes), Timothy Webber, Lauro Chartrand, Shaun Omaid, Roger Cross, Mercedes de la Zerda, Doug Chapman, James Pizzinato, Chad Rook, Dean Redman, Steve Baran, Sandy Robson, Levi Meaden, Billy Wickman… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 140 min. Color 2.35:1.

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El gran combate

Si la serie simia original sirvió para efectuar reflexiones acerca de la problemática de la época, como la segregación racial o la guerra de Vietnam, la nueva franquicia también ha servido para deliberar. Así, la primera entrega, El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011, Rupert Wyatt), era más directa, y arremetía contra la experimentación y la crueldad hacia los animales. La segunda, El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes, 2014, Matt Reeves), en vista de su enfoque, estaba más encauzada hacia la acción, pero también servía para reflexionar con respecto a la tendencia del ser humano a implicarse en todo tipo de absurdas guerras. Esta nueva entrega, por descontado, también aprovecha, mientras efectúa un espectáculo visual de primer orden, para matizar cuestiones acerca de nuestra humanidad y nuestra inhumanidad.

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Matt Reeves, director de la previa entrega, repite en la presente. Recordemos que, con anterioridad, también nos ofreció las muy estimables Monstruoso (Cloverfield, 2008) y Déjame entrar (Let Me In, 2010)[1], y próximamente nos entregará la muy apetecible The Batman[2]. En El amanecer… compuso una historia épica e intensa, pero aquí ha aspirado a, sin alejarse de ese tono, introducir también parte del material reflexivo que potenciaba tanto el primer título. Así, ese tono antimilitarista que colmaba el título previo aquí se ve exaltado.

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El personaje del Coronel podría recordar al coronel Kurtz que encarnaba Marlon Brando en Apocalypse Now (Apocalypse Now, 1979, Francis Ford Coppola), y algo de eso hay: incluso en un momento dado, para subrayar ese acercamiento, en un túnel se ve una pintada donde se puede leer Ape-calypse Now!

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Sin embargo, pese a ese elemento, hay más proximidad en lo que se expone con la barbarie a la que sometió el ejército norteamericano –con el consentimiento de los altos cargos y del gobierno– a la población indígena del lugar. La frase “El único kong[3] bueno es el kong muerto”[4] es una mención a la cita “El único indio bueno es el indio muerto”, proclamada por el general Philip Sheridan (1831-1888) durante las Guerras Indias. Pero aparte de ello, todo el periplo que sufren los simios de la película resulta muy similar al de tantos westerns pro-indios del pasado, destacando en especial uno, El gran combate (Cheyenne Autumn, 1964, John Ford). La película, además, adquiere un acusado tono fordiano en muchos momentos, como su contraposición entre la épica y el tono intimista y familiar.

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Es ahí, en el campo emocional, donde la película logra subir aún más puntos en el cómputo global. A ello ayudan unos personajes muy bien definidos, como es el propio César, que película a película ha ido madurando en humanidad, uniéndose a ello los puntos negativos que ello comporta, y él es muy consciente de ello. La relación entre César y Maurice podría ser un reflejo de la del teniente coronel Thursday (Henry Fonda) y el capitán Kirby (John Wayne) de Fort Apache (Fort Apache, 1948, John Ford), con el segundo representando la conciencia del primero.

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Continuando los símiles fordianos, incluso tenemos un elemento humorístico en la figura de Simio Malo (Steve Zahn), que vendría a ser el equivalente de Andy Devine en tantas obras del autor de La diligencia (Stagecoach, 1939). Elemento humorístico, por cierto, que nada molesta, que resulta tierno y que, en cierta manera, contrasta con los momentos duros de la cinta, incrementando estos.

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Resulta también de gran interés el personaje de la niña Nova (Amiah Miller, todo un descubrimiento[5]). Cuando los simios la encuentran es una muchacha traumatizada y carente de emociones. El contacto con los protagonistas originará que ella, poco a poco, se vaya llenando de sentimientos y empatía, esto es, se irá “humanizando” a través de su contacto con los “animales”. Por contraste, los militares se rigen por unos comportamientos primitivos y animalescos, y resulta muy significativo el personaje de Preacher, quien a lo largo de toda la película esperamos que actúe de un determinado modo convencional, “frustrándonos” minuto a minuto.

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Por supuesto nada de ello se podría conseguir sin unas interpretaciones a la altura. Andy Serkis está, sencillamente, grandioso, y va siendo hora de que se le valore en su justa medida. La evolución psicológica que ha ido aportando a su personaje película a película resulta patente, y aquí es más maduro, pero más amargo también. A lo largo del metraje consigue que nos olvidemos de que se trata de una creación digital detrás de la cual hay un lenguaje corporal, una voz con una extraordinaria gama de matices y, en particular, una mirada que desarma. Woody Harrelson como el Coronel también logra un buen trabajo con un personaje muy difícil, y que en manos de otro actor con menos recursos podría haber caído en la caricatura. Él logra otorgarle templanza y credibilidad, y dentro de los rasgos totalmente negativos que arrostra el personaje se percibe un quiebro en su armadura (véase la fotografía de su hijo).

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Resulta un convencionalismo pero hay que mencionarlo, y es que una película de tamaña producción industrial ofrece una solución técnica y visual a la altura. Pese a que en algunos momentos determinados simios resalten contra el fondo, percibiéndose la mascarilla creada para fundir los diversos planos rodados en momentos distintos. Ello no importa, puesto que otro aliciente consigue que nos sumerjamos en la historia, y es la ya aludida parte emocional. La cinta consigue que la atención se mantenga en todo momento y estemos emocionalmente implicados en lo que acontece en esos simios que muestran más rasgos humanos que esos soldados exaltados y ebrios de sangre –magnífica escena de todos celebrando la victoria a los compases de America the beautiful, y que muchos interpretarán, témome, justo al revés–. A todo ello ayuda también la estupenda banda sonora creada por Michael Giacchino, un compositor que, sospecho, tampoco está siendo valorado como merece[6].

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En resumidas cuentas, nos encontramos con una rara avis como es un blockbuster efectuado de un modo que considera al público como alguien inteligente, y no la clásica verbena de fuegos artificiales sin nada más que aportar. Solo esperamos que el fin de esta supuesta trilogía no sea tal, sino que prosigan las aventuras de estos simios, y al mismo nivel de respeto como hasta ahora se ha mantenido.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: El planeta de los simios: La guerra.
  • El nombre del grupo de humanos rebeldes, Alfa y Omega, es una alusión a la bomba atómica de Regreso al planeta de los simios. El logo de los cascos y las banderas es el mismo que el de la bomba.
  • Andy Serkis, Terry Notary y Karin Konoval son los únicos actores que repiten en la de momento trilogía, encarnando a César, Rocket y Maurice, respectivamente.
  • Entregas previas de la saga: El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011, Rupert Wyatt); El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes, 2014, Matt Reeves).
  • Estrenada en España el 12 de julio de 2017. En Estados Unidos se estrena el día 14.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Y previas a esas tenemos diversas aportaciones televisivas, así como una comedia que no he visto, Mi desconocido amigo (The Pallbearer, 1996), con David Schwimmer, Gwyneth Paltrow y Michael Rapaport. Viniendo de él habrá que darle un voto de confianza.

[2] Con Ben Affleck como Bruce Wayne/Batman, y Jeremy Irons como Alfred.

[3] “Kong” es un apelativo despectivo por parte de los soldados hacia los simios, en alusión a King Kong.

[4] Ya se aludía en Regreso al planeta de los simios, por parte del general Ursus, y reemplazando “kong” por “simio”.

[5] En todo caso, esta no es su primera película, pues con anterioridad estuvo en Nunca apagues la luz (Lights Out, 2016, David F. Sandberg). También ha participado en diversas series televisivas.

[6] Atención a la careta inicial de la 20th Century Fox, que ofrece su famosa música orquestada con una instrumentación de carácter primitivo.

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Nebo zovyot (1959)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña on 11 julio, 2017 by belakarloff

Un periodista, fanático de la exploración cósmica, especula cómo será el futuro. En una estación espacial una nave rusa está pendiente de iniciar el primer vuelo tripulado a Marte cuando reciben la visita de un célebre astronauta y deportista estadounidense. Al enterarse los norteamericanos de los planes soviéticos hacen que su proyecto se adelante drásticamente para ser los primeros en llegar.

Dirección: Mikhail Karzhukov, Aleksandr Kozyr. Producción: A. P. Dovzenko Filmstudio. Guion: Mikhail Karzhukov, Yevgeni Pomeshchikov, Aleksei Sazanov. Música: Yuli Meitus. Fotografía: Nikolai Kulchitsky. Diseño de producción: T. Kulychichkaya. Montaje: L. Mkhitaryyanch. Efectos especiales: G. Lukashov, Y. Schvech. Intérpretes: Ivan Pereverzev (Yevgeny Petrovich Kornev), Aleksandr Shvorin (Andrei Gordienko), Konstantin Bartashevich (Klark), Larisa Borisenko (Olvra), V. Chernyak (Gregori Vasilivich Somov), Viktor Dobrovolsky (Demchenko), S. Filimonov (Troyan), Taisiya Litvinenko (Lena), L. Lobov (Sashko), Alla Popova (Korneva), Marina Samojlova (madre), Gurgen Tonunts (Herman Berst)… Nacionalidad y año: URSS 1959. Duración y datos técnicos: 77 min. Color 1.37:1.

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La ciencia ficción rusa es de gran tradición. A nivel literario, ya en 1769 podemos encontrar lo que pudiera ser la primera muestra de proto-ci-fi con Dvoryanin-filosof, de Fedor Dmitriev-Mamonov, una fábula filosófica voltairiana influida por Micromégas (1752). A mediados del siglo XIX se ofrecen algunas obras sobre viajes especulativos a diversos planetas de nuestro Sistema, como “Voyage to the Sun and Planet Mercury and All the Visible and Invisible Worlds” (1832) de Dmitry Sigov, “Correspondence of a Moonman with an Earthman” (1842) de Pyotr Mashkov, “Voyage to the Moon in a Wonderful Machine” (1844) de Semyon Dyachkov o “Voyage in the Sun” (1846) de Demokrit Terpinovich. En todo caso, en el sentido estricto, el primer escritor que puede ser considerado “de ciencia ficción” fue Alexander Veltman (1800-1870), que en 1836 publicaría Predki Kalimerosa: Aleksandr Filippovich Makedonskii, que es considerada no solo la primera novela de ciencia ficción rusa, sino también la primera obra en usar la temática del viaje en el tiempo. Sin embargo, puede que el primer ejemplo popular en este ámbito sea Aelita (Aelita, 1923) de Alekseï Nikolaevich Tolstoï, también considerada la primera aventura espacial soviética.

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En el cine, también hay una larga tradición, desde la propia versión cinematográfica de la novela de Tolstoï, Aelita (Aelita, 1924) de Yakov Protazanov. Desde entonces, el listado ha sido amplio, con clásicos como La Nebulosa de Andrómeda (Tumannost Andromedy, 1967), de Yevgeni Sherstobitov (que se anunció como el 2001 soviético), hasta las obras de Andrei Tarkovskii o las distintas adaptaciones que se han hecho de escritores como Stanislaw Lem o los hermanos Boris y Arkadii Strugatskii.

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Nebo zovyot (1959) [que se podría traducir como “El cielo cae”] gozó de dos directores. Por un lado Mikhail Karzhukov, autor de otro clásico del género como es Mechte navstrechu (1963)[1], que co-dirigió con Otar Koberidze. Y por otro lado Aleksandr Kozyr, del que solo conocemos su labor como productor asociado de una versión de La madre de Gorki en 1956[2], así como su trabajo de director de producción en el clásico Podvig razvedchika (1948), de Boris Barnet[3].

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Es un film, también, muy característico de su tiempo, que manifiesta el enfrentamiento entre ambos ejes. Así, los norteamericanos son representados como unos capitalistas que anteponen el éxito de una misión por encima del riesgo; la escena en la cual se ofrecen imágenes de un Nueva York luminoso con un noticiario que saca rendimiento publicitario de la misión a Marte parece casi paródica. Los rusos, por su parte, aparecen como concienzudos trabajadores, repletos de compañerismo y buen humor, que sacrificarán su misión por salvar la vida a los inconscientes yanquis. Al final, en todo caso, todo se articula por conformar un mensaje de unidad y camaradería ante la labor de la conquista espacial.

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Pero por encima mismo de su condición de “film de mensaje”, Nebo zovyot es una muy atractiva cinta de ciencia ficción, que parece creada un tanto a remolque de la norteamericana La conquista del espacio (Conquest of Space, 1955), producción de George Pal con dirección de Byron Haskin, con la cual comparte determinados esquemas argumentales, como es la nave que se dirige a la estación espacial, y la consiguiente misión con destino a Marte.

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La hermosa fotografía de Nikolai Kulchitsky, conformada en su mayoría a base de tonos ocres, se ve violentada en ocasiones con abruptos estallidos de rojos y verdes en las escenas de tensión. Los directores, además, se apoyan en crear atmósferas por medio de las sombras, componiendo imágenes de una gran belleza. Los estupendos efectos especiales y el hermoso diseño de producción aportan un aura hipnótico a una cinta de ciencia ficción “realista”, y donde, como se dijo, el mensaje de hermandad universal en forjar nuestro destino hacia el Cosmos es el más importante de sus objetivos.

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Anécdotas

  • Títulos anglosajones: The Heavens Call / The Sky Calls. A estos hay que sumar el citado remontaje de Coppola, Battle Beyond the Sun.
  • Estrenada en la Unión Soviética el 12 de septiembre de 1959. En España jamás se ha visto, más allá de algún pase en festivales o filmotecas.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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[1] Este gozaría de un famoso remontaje norteamericano producido por Roger Corman, Queen of Blood [tv: Planeta sangriento, 1966], de Curtis Harrington.

[2] Curiosamente, en la presente película hay también un papel menor pero importante de la madre de uno de los astronautas.

[3] Repitiendo lo ocurrido con la mencionada Mechte navstrechu, Roger Corman compró los derechos del presente film para Estados Unidos y lo hizo reeditar, con nuevas escenas dirigidas por Francis Ford Coppola (con el seudónimo de Thomas Colchart), estrenándose en 1962 como Battle Beyond the Sun [dvd: Batalla más allá del sol].

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