Archive for the Ciencia ficción Category

Luces del Norte. Antología de ciencia ficción finlandesa

Posted in Ciencia ficción, Fantasía, Literatura, Noticias on 23 marzo, 2017 by belakarloff

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Luces del norte, historias del lejano norte, donde los fantasmas y piratas nadan en las aguas del mar Báltico y las brujas son tan mortales como las víboras que envían. Acompáñenos en un viaje a realidades alternativas en las que la vida puede ser atrapada en latón y donde el lienzo de la vida es tejido por arañas.

Luces del norte. Antología de ciencia ficción finlandesa presenta nueve voces y nueves relatos del bizarro finlandés, ahora por primera vez en castellano: “La novia fría”, de Magdalena Hai; “El piano de cola”, de Kari Välimäki; “Pieles”, de Anne Leinonen; “”Sueños que entristecen las mañanas”, de J.S. Meresmaa; “El diablo se equivocó por un año”, de Janos Honkonen; “Gravedad perdida”, de Saara Henriksson; “Fundamentos del centelleo”, de Taru Kumara-Moisio; “El obsequio”, de Sari Peltoniemi; “Quien gira la rueda”, de Anni Nupponen.

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Saara Henriksson

La antología Luces del norte ha sido publicada por Osuuskumma, una cooperativa editorial fundada y dirigida por escritores. Como editorial, nuestros objetivos son dar a conocer nuevos talentos, resaltar el tipo de literatura que muchas veces pasa desapercibida para el canon y continuar con la tradición de publicar antologías de ciencia ficción especulativa finlandesa de primera calidad.

  • Luces del Norte. Antología de ciencia ficción finlandesa
  • Autor: Varios Autores, edición de Magdalena Hai y Anne Leinonen
  • Editorial: Usuuskumma
  • Traducción: Tanya Tynjala, Yasna Bravo, Outi Korhonen, Sergio Prudant Vilches, Clara Petrozzi, Laura Villella, Layla Martínez
  • Tipo de libro: Antología inédita
  • Fecha de publicación: 2016
  • Precio: 19,95€
  • Páginas: 272
  • Formato: 12,5×19 cm. Rústica con solapas
  • ISBN: 978-952-7215-15-9

Kate & Leopold (Kate & Leopold) (2001)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Humor, Reseña on 16 marzo, 2017 by belakarloff

1876. Leopold es un aristócrata aburrido de las convenciones sociales, y a quien le gusta desarrollar inventos. De pronto detecta a un extraño individuo que lo vigila, y persiguiéndolo cae tras él por un agujero temporal en el Nueva York de 2001.

Dirección: James Mangold. Producción: Konrad Pictures, Miramax. Productora: Cathy Konrad. Co-productor: Christopher Goode. Productores ejecutivos: Kerry Orent, Meryl Poster, Bob Weinstein, Harvey Weinstein. Guion: James Mangold, Steven Rogers, según argumento de S. Rogers. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Stuart Dryburgh. Diseño de producción: Mark Friedberg. Montaje: David Brenner. Efectos especiales: CIS Hollywood, Digital Backlot, Hunter/Gratzner Industries, Menace FX, New Deal Studios. Intérpretes: Meg Ryan (Kate McKay), Hugh Jackman (Leopold), Liev Schreiber (Stuart Besser), Breckin Meyer (Charlie McKay), Natasha Lyonne (Darci), Bradley Whitford (J. J. Camden), Paxton Whitehead (tío Millard), Spalding Gray (Dr. Geisler), Josh Stamberg, Matthew Sussman, Charlotte Ayanna, Philip Bosco, Andrew Jack, Stan Tracy, Kristen Schaal, William Sanford, Arthur J. Nascarella, Robert Ray Manning Jr., Roma Torre, Viola Davis… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2001. Duración y datos técnicos: 118/123 min. Color 1.85:1.

 

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Meg Ryan era la reina de la comedia romántica. Títulos como Cuando Harry encontró a Sally…, Algo para recordar, French Kiss, City of Angels o  Tienes un e-mail atestiguan ese “honor”, independientemente de la mayor o menor calidad intrínseca de cada uno de esos títulos. Hugh Jackman, por su parte, el año anterior había encarnado por primera vez a Lobezno en X-Men, y también había actuado en unas pocas comedias y películas de acción, pero aún carecía de la imagen que actualmente hay de él, que es la de un actor muy polifacético. Aquí, de hecho, Jackman da muestras ya de su versatilidad, mostrándose Meg Ryan, sin embargo, con la gazmoñería característica en ella.

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Kate & Leopold es una comedia romántica característica a otras películas de esta temática. El tono es acorde al de otros títulos de esta modalidad, como son los arriba citados. Sin embargo, existen ciertos elementos que le otorgan una personalidad especial. Por un lado tenemos la comparecencia de Liev Schreiber en el papel de Stuart Besser, un científico que localiza las fisuras espacio-temporales que permiten saltar entre diferentes épocas. Schreiber compone un personaje más acorde con la comedia disparatada, y se muestra como un buen histrión, chocando a quienes lo hemos visto siempre en cometidos dramáticos.

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El otro elemento es el ya apuntado: su inscripción en una temática de ciencia ficción. Aquí tenemos una justificación científica para el viaje de un personaje de una época a otra, lejos de coartadas más fantásticas en muestras previas, como pudieran ser narraciones como “Rip van Winkle” (“Rip van Winkle”, 1819) de Washington Irving o Un yanqui en la corte del rey Arturo (A Connecticut Yankee in King Arthur’s Court, 1889) de Mark Twain, y sus consiguientes adaptaciones, hasta clásicos del cine romántico como La plaza de Berkeley (Berkeley Square, 1933), de Frank Lloyd, y sus sucesivas versiones, basándose de partida en una obra teatral de John L. Balderston. Todos estos ejemplos justificaban el viaje de una forma tenue, casi alegórica, pues la idea era efectuar una confrontación de distintos pensamientos. En nuestros tiempos actuales el público busca un alegato más “racional”, de ahí la recurrencia a agujeros temporales[1]. Un punto de partida atractivo mas poco explorado; se da la curiosa circunstancia de que, en un momento dado, se menciona que los ascensores de la ciudad comienzan todos a fallar: nuestro héroe será el inventor del ascensor[2], y su ausencia en su tiempo real provoca que esa paradoja comience a tener sus consecuencias. Sin embargo este detalle es después olvidado.

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Pese a la recurrencia de personajes secundarios atractivos –al citado Stuart se puede sumar a Charlie, el hermano de Kate, así como un adorable perro que luego también desaparece de la trama– el film pivota sobre los personajes de Leopold y Kate, contraponiendo sus personajes y su situación amorosa y laboral: Leopold es un diletante que no necesitaría trabajar, pero que siente la imperiosa necesidad de hacer algo; al mismo tiempo, busca una mujer a la que amar, pese a que su tío pretende unirle con cualquier heredera con dinero. Kate, por su lado, ha sufrido para llegar a donde está, y sigue luchando por hacerse un lugar aún en la empresa publicitaria donde trabaja; aún sufre las secuelas emocionales de una ruptura dolorosa precisamente con Stuart. De ese modo, dos personajes pertenecientes a tiempos distintos perciben los modos disímiles en que se enfrentan a sus circunstancias personales, y cómo la interdependencia entre ambos da sentido a sus vidas.

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El resultado es una comedia fantástica simpática, que se ve con una sonrisa perenne, y con un poso dramático algo más espeso de lo que es norma. Dirige curiosamente James Mangold, un realizador con ciertas ínfulas autorales ocasionales, y que en este caso incluso participa en el guion al lado de Steven Rogers[3], creador de la idea original. Años después, Jackman y Mangold se volverían a unir para concebir nuevas aventuras del mutante con garras de adamantium.

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Anécdotas

 

  • En 2002 fue candidata a mejor canción (“Until”, de Sting) en los Oscar. Ese mismo año, en los Globos de Oro sí ganó la canción, y Hugh Jackman fue nominado como mejor actor en comedia o musical.
  • El papel de Kate originalmente estaba previsto para Sandra Bullock.
  • La excelente actriz Viola Davis aparece en un brevísimo papel como policía.
  • En la escena del rodaje del anuncio de la margarina aparecen algunos de los técnicos de rodaje auténticos de la película.
  • Leopold presume de sus conocimientos sobre La Bohème. Sin embargo, la ópera no se estrenó hasta 1896, cuando él procede de 1876.
  • En el montaje original se explica que Stuart es descendiente de Leopold.
  • En el guion primitivo no hay agujero temporal, sino una auténtica máquina del tiempo, y Kate es uno de los científicos que la desarrollan.
  • Estrenada en Estados Unidos el 25 de diciembre de 2001. En España se estrenó el 12 de abril de 2002.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Pese a ello, la Wikipedia española cita sus comentarios en la página «Rotten Tomatoes» con una argumentación anonadante: “La historia en el tiempo carece de cualquier lógica”.

[2] Pese a que ya hay artefactos rudimentarios ya por parte de Arquímedes (ca. 287 a. C. – ca. 212 a. C.), se suele considerar que el inventor del ascensor “moderno” fue el estadounidense Elisha G. Otis (1811-1861). Precisamente la película hace un chiste al respecto, dado que el valet de Leopold se llama Otis, y en un momento dado Kate descubre esa marca en un ascensor que monta.

[3] Su carrera se circunscribe al género romántico, de tonalidad más o menos suave: Siempre queda el amor, Quédate a mi lado, Postdata: te quiero…

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Logan (Logan) (2017)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña, superhéroes on 15 marzo, 2017 by belakarloff

Año 2029. Casi todos los mutantes han desaparecido. Logan sobrevive trabajando como chófer de limusina. Una mujer hispana se le presenta, intentando contratarle para que la escolte a ella y una niña de once años hacia el norte. Parece que alguien va tras ellas…

Dirección: James Mangold. Producción: Donners’ Company, Kinberg Genre, Marvel Entertainment, TSG Entertainment, Twentieth Century Fox Film Corporation. Productores: Simon Kinberg, Hutch Parker, Lauren Shuler Donner. Co-productores: Dana Robin, Kurt Williams. Productores ejecutivos: Joseph M. Caracciolo Jr., Stan Lee, James Mangold, Josh McLaglen. Guion: Scott Frank, James Mangold, Michael Green, según argumento creado por J. Mangold. Música: Marco Beltrami. Fotografía: John Mathieson. Diseño de producción: François Audouy. Montaje: Michael McCusker, Dirk Westervelt. Efectos especiales: Captured Dimensions, Gentle Giant Studios, Halon Entertainment, Image Engine Design, Institute for Creative Technologies at the University of Southern California, Lidar Guys, Lola Visual Effects, Rising Sun Pictures, Soho VFX. Intérpretes: Hugh Jackman (Logan / X-23), Patrick Stewart (Charles), Dafne Keen (Laura), Boyd Holbrook (Pierce), Stephen Merchant (Caliban), Elizabeth Rodriguez (Gabriela), Richard E. Grant (Dr. Rice), Eriq La Salle (Will Munson), Elise Neal (Kathryn Munson), Quincy Fouse (Nate Munson), Jason Genao (Rictor), James Handy (doctor anciano), Al Coronel, Frank Gallegos, Anthony Escobar, Reynaldo Gallegos, Krzysztof Soszynski, Stephen Dunlevy, Daniel Bernhardt, Ryan Sturz, Brandon Melendy, Jeremy Fitzgerald, Luke Hawx, Chris Palermo, Paul Andrew O’Connor, Clinton Roberts, Rocky Abou-Sakher, Keith Jardine, Jean Claude Leuyer, Andrew Arrabito, Jef Groff… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 137 min. Color 2.35:1.

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La fuga de Logan

Debo reconocer que antes no presté excesiva atención a la carrera de James Mangold. Vi El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 2007) debido a mi amor al western, y me pareció una insignificancia que se centraba en exceso en escenas superfluas que, sin embargo, la versión de 1957 de Delmer Daves eludía en inteligentes elipsis. La segunda entrega de la presente trilogía, Lobezno inmortal (The Wolverine, 2013), exhibía determinados elementos que ya presagiaban el tono de la que acontece, como el aire solemne y circunspecto, pero se perdía en un sinfín de pretensiones para manifestarse hueca, pomposa y dispersa.

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Aquí, sin embargo, parece que se ha templado y ha sabido adecuarse a ese tono buscado, equilibrando forma y fondo. Supongo que su acercamiento al western vendría derivado de su interés por el género –Copland (Cop Land, 1997) podría ser también una aproximación al mismo de un modo igualmente esquinado, por lo que parece–. Aquí, aunque ambiente la historia en el futuro, la inflexión buscada es sin duda la del western. Y no lo disimula en absoluto, al contrario, según algunas voces incluso lo subraya en exceso. Por un lado, tenemos un momento en que Charles Xavier contempla extasiado en la pequeña pantalla la magistral Raíces profundas (Shane, 1953), de George Stevens[1]; esa conexión con el film interpretado por Alan Ladd se establece nuevamente con el momento en que los protagonistas van a parar a la granja, y hacia el final, cuando la niña recita el diálogo del pistolero ante una tumba. Con ello Mangold nos quiere decir que Logan es como Shane: un personaje de paso, que no tiene asumida su situación en el mundo, que actúa por impulsos.

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Sin embargo, Logan está más cercana a los westerns crepusculares de los años sesenta del pasado siglo, tales como Duelo en la alta sierra (Ride the High Country, 1962), de Sam Peckinpah, o El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), de John Ford. De este modo, nuestro (anti)héroe es un personaje desarraigado, situado en un tiempo (el futuro) que no le pertenece; se siente, en suma, desubicado en un entorno que ya no comprende, representa un pasado marchito –la mayoría de los mutantes han desaparecido–. Y tal como sucede en esos espléndidos ejemplares fílmicos, la cinta representa una desmitificación y, simultáneamente, una re-mitificación de sus referentes a partir de lo previo. Logan deja de ser un símbolo para convertirse en un ser humano y, de ahí, de nuevo en símbolo, más potente que él mismo.

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En el film hay una constante e intencionada lucha por acercarlo a un realismo que impera en la actualidad en gran parte del cine de género, sea fantástico o no, y al tiempo buscar esa mitificación referida. Buen ejemplo de ello es el juego metalingüístico que representan los comics de la Patrulla X que lee Gabriela y que posee Laura, y que Logan juzgará con dureza: todo ello no son más que fantasías, exageraciones de una realidad. Ello no será óbice para que, a lo largo de la historia, los elementos ahí plasmados se perciban como auténticos, reales. Parafraseando una de las frases antológicas de El hombre que mató a Liberty Valance: «Entre la realidad y la leyenda hay que quedarse con la leyenda».

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De esta manera, Logan se articula en un constante juego de contrastes, de aportar un referente y su contrario al mismo tiempo, para reflexionar sobre la fragilidad de todo lo que acontece. Los personajes más fuertes muestran sus debilidades, y los débiles sus fortalezas. Y todos se interrelacionan entre sí mientras tratan de huir hacia delante con el pasado forjado a sus espaldas.

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Todo esto no aportaría la potencia que detenta si no fuera por un excelente reparto, perfectamente imbricado, donde además, a mayor importancia argumental, mejores son los resultados. Buen plantel de secundarios, excelente descubrimiento el de la niña, portentosa interpretación de Hugh Jackman y sublime la de Patrick Stewart; si no hubiera prejuicios hacia el cine de superhéroes sin duda estos dos últimos al menos estarían el año próximo nominados a los mejores actores en los Oscar. Qué más da. Nosotros somos los que sabemos disfrutar de estos placeres. Quedémonos solos con ellos si no los saben apreciar.

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En este sentido, Logan representa uno de los mejores ejemplares fílmicos en el cine de superhéroes, que equilibra a la perfección introspección y espectacularidad, aunque para los espectadores más vagos pueda parecer lenta. Ejemplares como el presente demuestran que pueden hacerse aproximaciones inteligentes a una temática de apariencia tan elemental como los superhéroes. Pero, como en ejemplos previos, volverá a caer en saco roto y se seguirán ofreciendo muestras cretinas para público de multi-centro. ¿Nos apostamos algo?

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Anécdotas

  • Stephen Merchant interpreta a Caliban. El personaje antes fue encarnado por Tómas Lemarquis en X-Men: Apocalipsis (2016).
  • Una de las pocas películas Marvel sin cameo de Stan Lee.
  • Tercera y última entrega de la trilogía formada también por X-Men orígenes: Lobezno (X-Men Origins: Wolverine, 2009) y Lobezno inmortal (The Wolverine, 2013), de J. Mangold. Aún con eso, también está vinculada al resto de los films X-Men.
  • El personaje de X-23 fue creado para la televisión, en la serie animada X-Men (X-Men: Evolution; 2000-2003). Aparece en el episodio 10 de la tercera temporada titulado “X-23”, con guion de Craig Kyle y Chris Yost, basado en el argumento de C. Kyle. Su primera aparición en los cómics fue en NYX nº 3 (2004), con Joe Quesada como guionista y Joshua Middleton como dibujante. El propio Quesada decidió que los guionistas y creadores del personaje en la serie televisiva, Kyle y Yost, escribiesen un cómic contando el origen de X-23; el dibujo corrió a cargo de Billy Tan. Después de varios años apareciendo en los tebeos acabó convirtiéndose en “New Wolverine”, traducida en España como Lobezna.
  • Rodada con un presupuesto estimado de 97 millones de dólares.
  • Estrenada el 3 de marzo de 2017, tanto en Estados Unidos como en España.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Se da la curiosa circunstancia de que Patrick Stewart también admira esta película, y se inspiró en ella para uno de los momentos de uno de los episodios que dirigió de Star Trek: La nueva generación (Star Trek: The Next Generation; 1991-1994), “A Fistful of Datas” (1992).

Kong: La Isla Calavera (Kong: Skull Island) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Fantasía, Reseña on 14 marzo, 2017 by belakarloff

Año 1973. Un equipo científico, apoyado por un destacamento militar recién evacuado de Vietnam, se traslada a la Isla Calavera para efectuar determinadas investigaciones. Pero cuando allí llegan se topan con una realidad descomunal…

Dirección: Jordan Vogt-Roberts. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Productores: Alex Garcia, Jon Jashni, Mary Parent, Thomas Tull. Co-productores: Jennifer Conroy, Tom C. Peitzman. Productores ejecutivos: Edward Cheng, Eric McLeod. Guion: Dan Gilroy, Max Borenstein, Derek Connolly, según argumento de John Gatins. Música: Henry Jackman. Fotografía: Larry Fong. Diseño de producción: Stefan Dechant. Montaje: Richard Pearson. Efectos especiales: Halon Entertainment, Hybride Technologies, Industrial Light & Magic, Prime Focus World, Rodeo FX, Shade VFX. Intérpretes: Tom Hiddleston (James Conrad), Samuel L. Jackson (Preston Packard), Brie Larson (Mason Weaver), John C. Reilly (Hank Marlow), John Goodman (Bill Randa), Corey Hawkins (Houston Brooks), John Ortiz (Victor Nieves), Tian Jing (San), Toby Kebbell (Jack Chapman / Kong [captura de movimientos]), Jason Mitchell (Mills), Shea Whigham (Cole), Thomas Mann (Slivko), Eugene Cordero (Reles), Marc Evan Jackson (Landsat Steve), Will Brittain (Marlow joven / Marlow hijo), Miyavi (Gunpei Ikari), Richard Jenkins (senator Willis), Terry Notary (Kong [captura de movimientos]), Allyn Rachel, Robert Taylor, James M. Connor, Thomas Middleditch, Brady Novak, Peter Karinen, Brian Sacca, Joshua Funk… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 118 min. Color 2.35:1.

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Apocalypse Now!

La presente película no tiene nada que ver con el King Kong de Peter Jackson, aunque en un inicio parece ser que pretendía ser una secuela, cuando los derechos pertenecían a Universal; pero al pasar el proyecto a Warner se replanteó el proyecto y se integró en un llamado MonsterVerse, iniciado con Godzilla (Godzilla, 2014), y a las que seguirán Godzilla: King of Monsters (2019) y Godzilla vs. Kong (2020)[1]. Se dice, por cierto, que el diseño de Kong pretende, a modo de homenaje, ser una mezcla del de 1933 y del (feísimo) de King Kong contra Godzilla, pero, sinceramente, los primeros planos me parecían idénticos al de Jackson, aunque es posible que en sus andares recuerde a la creación de Willis O’Brien.

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De todas maneras, cuando aparece una película de las presentes características es inevitable realizar comparaciones. Técnicamente, por supuesto, es absurdo enfrentarla al mítico Kong de los años treinta, pues las cuestiones técnicas y de enfoque son muy distintas. Inevitable o no, la comparación más obvia es establecerla con la película de Peter Jackson que, recordemos, se anunció como una declaración de amor al film original de Schoedsack y Cooper, cuando, a mi juicio, representó más bien un insulto. Es decir, la película del neozelandés me supuso una decepción ante las expectativas que me despertó; este, sin embargo, tiene un enfoque claro desde el inicio, que cumple, y dentro de esos cánones me parece más honesto que el previo, y sus resultados me convencen más, aun con sus (muchos) defectos.

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Y es que parece inevitable que, a estas alturas, las películas de esta índole ofrezcan una mera sucesión de escenas de acción, suponiendo las demás una excusa, o un compromiso irreemplazable. Así, tenemos que soportar paseos por la jungla de los soldados, desarrollando unos diálogos de un cretinismo irritante. Claro que, hasta cierto punto, eso es comprensible cuando comprobamos que el film pretende ser una crítica al estamento militar, muy poco sutil, cierto es. Esa falta de sutileza se prolonga a las constantes referencias a Apocalypse Now, el film de Francis Ford Coppola (en cualquier momento esperaba que comenzara a sonar “La cabalgata de las valquirias”). Para hacer esa alusión a la película de Coppola tenemos diversas referencias visuales, así como dos personajes, el protagonista, llamado Conrad, igual que el autor de la novela que la inspira, El corazón de las tinieblas, como otro llamado Marlow, y que en diversos aspectos se parece al protagonista homólogo del libro.

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Justificación intelectual para cubrir una película de acción sencilla y directa, aunque dramáticamente hay algunas otras alusiones, como esa teoría de la Tierra hueca, aparecida en literatura en tiempos tan lejanos como 1741 con Iter svbterranevm novam telluris theoriam ac historiam qvintae monarchiae adtur nobis incognitae exhibens Bibliotheca B. Abelini, del barón Ludvig Holberg (1684-1754), y editado en Hafniae y Lipsiae (Copenhagen y Leipzig) por Jacobi Prevssii[2], y que hoy es solo carne de cañón para las teorías conspiranoicas de alucinados. En todo caso, representa un punto de partida de espíritu pulp, que entronca con narraciones como At the Earth’s Core (1914) de Edgar Rice Burroughs[3].

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Es una lástima que el director, Jordan Vogt-Roberts[4], tenga tan poco estilo, y no perdone uno solo de los tópicos visuales inherente al más pedorro cine de acción contemporáneo. La saturación de cámaras lentas, movimientos de cámara enfáticos, poses chulescas de los personajes, planos en silencio seguidos del esperado susto, rebosan el metraje, haciéndolo cansino, formulario y plano. Puede decirse que el inicio de la película es lo peor (salvo la pequeña escena de John Goodman en las dependencias estatales, que promete que va a derivar en algo interesante), formalizado por medio de esos personajes tan poco atractivos, los diálogos cretinos y el estilo narrativo tan adocenado. Pero, a partir de cierto momento, pese a lo mecánico del desarrollo, brota algo, y la cinta se hace simpática, convirtiéndose en una monster movie sencilla y, hasta cierto punto, efectiva. A ello ayuda una acción imparable, unos monstruos realmente atractivos, en su diseño y su consecución, y un look de estética similar a las aventuras aportada por la Toho y rodadas en esplendoroso fujicolor.

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Puede que sea poco, pero, dado el escaso nivel del cine de evasión actual, al menos tenemos un entretenimiento medianamente efectivo. Eso sí, una vez obviados todos los inconvenientes referidos.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: Skull Island.
  • El actor Toby Kebbell interpreta tanto al soldado Jack Chapman como a Kong para la captura de movimientos. En esta última labor también participa Terry Notary, que ya hizo idéntica labor en Rise of the Planet of the Apes (2011) y Dawn of the Planet of the Apes (2014).
  • Will Brittain encarna tanto al Marlow joven, en el prólogo, como al Marlow hijo, en el epílogo.
  • Hay una escena después de los largos créditos finales, muy importante. En los títulos de crédito hay un spoiler que destripa esa escena (en una referencia a los copyrights).
  • John C. Reilly reemplazó a Michael Keaton y Samuel L. Jackson a J. K. Simmons en los papeles definitivos. Russell Crowe también fue considerado para algún papel.
  • La dirección fue ofrecida a Joe Cornish (Attack the Block), pero la rechazó. En cierta fase del desarrollo, Peter Jackson recomendó como director a Guillermo del Toro.
  • Rodada con un presupuesto estimado de 185 millones de dólares. En el primer fin de semana de su estreno en Estados Unidos logró una taquilla de 61 millones.
  • Estrenada en Estados Unidos y en España el 10 de marzo de 2017.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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[1] De momento, los guionistas integrados a ese proyecto son Lindsey Beer, Patrick McKay, T. S. Nowlin, John D. Payne, Terry Rossio, J. Michael Straczynski y Cat Vasko.

[2] Existe reciente edición en castellano: Viaje al mundo subterráneo; edición, traducción y notas, Carlos Castillo; Barcelona: Abraxas, 2002. Con anterioridad se publicó como Niels Klim descubre el fondo de la tierra; adaptación española por C.C.; Madrid: [s.n.], 1954 (Estades, imp.). Y añadamos una más reciente aún edición en catalán: El viatge a sota terra de Niels Klim; traducció del llatí de Vicenç Reglà; Martorell: Adesiara, 2011.

[3] Existen muchas ediciones en castellano, siendo la más reciente En el centro de la Tierra; traducción de Javier Jiménez Barco; Madrid: Costas de Carcosa, 2017. Colección Esmeralda; nº 1.

[4] Con anterioridad ha hecho diversas producciones televisivas, y dirigido el largometraje The King of Summer (2013), una comedia de superación adolescente.

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Insólita, nueva editorial centrada en la ciencia ficción

Posted in Ciencia ficción, Literatura, Noticias, Sin categoría on 10 marzo, 2017 by belakarloff

Una nueva empresa editorial, aventura más bien diríase, ha nacido. Responde al nombre de Insólita Editorial, su responsable es Christian Rodríguez, y se dedicará a publicar novedades dentro del género de la ciencia ficción. De momento tenemos dos aportaciones, que pudieran ampliarse a lo largo de este año a una tercera, y para el próximo año podrían aparecer una seis u ocho, entre traducciones y autores nacionales. De momento os adelantamos el contenido de esos dos primeros números:

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  • The Atrocity Archives de Charles Stross llegará en junio. Se trata de la primera entrega de la popular serie de novelas «The Laundry Files» y que incluye la novela corta ganadora del premio Hugo en 2005 The Concrete Jungle. La novela cuenta la historia de Bob Howard, un informático de una agencia secreta del gobierno que se dedica a investigar realidades alternativas, nazis que saltan entre dimensiones y horrores lovecraftianos. La traducción vendrá firmada por Blanca Rodríguez, autora de novelas infantiles y traductora de obras como El corazón de las tinieblas de Joseph Conrad o Muerte por videojuego de Simon Parkin.

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  • The Long Way to a Small, Angry Planet de Becky Chambers es la segunda de las novedades, que llegará en otoño y tiene ya segunda parte en inglés, titulada A Closed and Common Orbit. La primera novela de esta trilogía de space opera narra la historia de nueve eclécticos personajes que se dedican a crear agujeros de gusano a lo largo de la galaxia para ganarse la vida con transportes y comunicaciones interestelares. Se ha llegado a describir como una mezcla entre Firefly y Guardianes de la galaxia.

Train to Busan (Busanhaeng) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno, Terror on 27 enero, 2017 by belakarloff

Un ejecutivo se ve en la obligación de acompañar a su pequeña hija en un viaje en tren para que la niña se reúna con su madre. Pero el monótono desplazamiento se verá alterado cuando en el vehículo se desate una epidemia zombi.

Dirección: Sang-ho Yeon. Producción: RedPeter Film. Productores: Lee Dong-ha, Kim Yeon-Ho. Guion: Sang-ho Yeon, Park Joo-Suk. Música: Jang Young-gyu. Fotografía: Hyung-deok Lee.  Montaje: Yang Jin-mo. Efectos especiales: Jung Hwang-su (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Yoo Gong (Seok Woo), Soo-an Kim (Soo-an), Yu-mi Jeong (Sung Gyeong), Dong-seok Ma (Sang Hwa), Woo-sik Choi (joven Gook), Sohee (Jin-hee), Eui-sung Kim (Yong-Suk), Gwi-hwa Choi (mendigo), Jang Hyuk-Jin (Ki-chul), Seok-yong Jeong (capitán de KTX), Chang Hwan Kim (Kim Jin-mo), Myung-sin Park (Jong-gil), Eun-kyung Shim (chica que huye), Soo-jung Ye (In-gil)… Nacionalidad y año: Corea del Sur 2016. Duración y datos técnicos: 118 min. Color 1.85:1.

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Zombis a todo tren

Innovar en el ámbito de cine de zombis es difícil. Por un lado, por la propia limitación temática, y por otra, porque en cine existen restricciones también de carácter técnico: lo que en cómic, animación o literatura es factible, en el cine de imagen real resulta dificultoso si no existen medios económicos. De ahí la preponderancia a títulos de carácter intimista, entre los que podemos citar, de producción reciente, el muy atractivo y poco considerado Maggie (Maggie, 2015), de Henry Hobson.

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Resulta curioso que el director de Train to Busan (Busanhaeng, 2016), Sang-ho Yeon, proceda del mundo de la animación, con diversas realizaciones en ese ámbito, con cierta predilección por el thriller. Ese mismo año había rodado un film de animación titulado Seoul Station, que supone una precuela al presente, ambientándose un día antes. Y con el presente debuta en el cine de imagen real, aunque su campo de trabajo previo se percibe, en especial en las trepidantes escenas de acción.

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No sé, dentro del ámbito del cine surcoreano, si la presente es una producción cara, pero al menos tiene un empaque solvente y luce espectacular. Si bien el arranque entra dentro de la consideración de cine intimista que mencionábamos antes, con algunas escenas entre el protagonista y su madre, que hace preguntarse un tanto qué sentido tienen con lo que, imaginamos, vendrá después. Pero tiene importancia, puesto que Train to Busan busca ser cine de personajes, pese a su temática y su aire desmesurado, y todo lo que acontece tiene relación con lo que hagan los protagonistas y cómo reaccionan en todo momento.

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De esta manera, tenemos un reparto coral, aunque focalizado en el padre y la niña, donde una serie de personajes reaccionan de distintas maneras ante la catástrofe que se les echa encima. Es destacable el hecho de que los comportamientos egoístas se verán castigados, antes o después, si bien la abnegación tampoco será compensada, pues algunos personajes “positivos” caerán en la criba final. Y es que, como es norma en el cine oriental, el elemento de melodrama exacerbado es muy acusado, y los momentos finales del film son de llorar a moco tendido, con una intensidad que ni la conclusión de Imitación a la vida (Imitation of Life, 1959), de Douglas Sirk.

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Pero, por supuesto, el plato fuerte de la película son las escenas de zombis. En este sentido, cabe referir que se trata de la modalidad de “infectados”, que muerden masivamente, pero no existe gore en las escenas, y lo que más se ve con los maquillajes aparatosos, con venas azuladas en el rostro y ojos de pescado muerto.

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Es una buena idea ubicar la acción en un tren de gran velocidad, con los zombis anegando los pasillos, y sin tener los personajes lugar alguno al que huir… a menos que se tiren en marcha, lo que a ninguno se le ocurre. De este modo, tenemos una ambientación claustrofóbica, si bien al mismo tiempo se aporta un contexto novedoso. Si acaso, la película podría recordar a los momentos finales de la estupenda Pánico en el transiberiano / Horror Express (1972), de Eugenio Martín. Se nos ofrece la peculiaridad de que los infectados no ven en condiciones difíciles, así los personajes pueden recurrir a diversas técnicas para pasar inadvertidos, como los túneles que atraviesan ocasionalmente y otras.

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Una vez se desata la primera actividad zombi en el tren, es un no parar desde ahí hasta el final. La película dura casi dos horas, pero el viaje se hace rápido, la acción es trepidante y la cinta resulta sumamente divertida. Existe cierta exageración en todo momento, en ningún momento se busca hacer una cinta de horror realista, sino una cachondada pasada de rosca, con un leve perfil de humor, pero nada explícito.

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Train to Busan es una película gozosa, creada para entretener, pero con una fórmula pertinente, y donde en especial el director, Sang-ho Yeon, demuestra disponer de nervio y gran capacidad para la atmósfera. Será interesante seguir su carrera a partir de ahora. Y, por favor, a los distribuidores se les rogaría que intentaran rescatar alguna muestra de su trabajo previo. Creo que puede valer mucho la pena.

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Anécdotas

  • Título en Argentina: Invasión Zombie. Título en Chile y Perú: Estación Zombie. Título en México: Estación Zombie: tren a Busan.
  • En el Festival de Sitges de 2006 fue premiada a mejor director y a los efectos especiales. En los premios de los Korean Association of Film Critics fue galardonada a los efectos de maquillaje y entre las diez mejores películas del año. En el Fantasia Film Festival ganó el Cheval Noir a mejor película y el premio de la audiencia a mejor película oriental.
  • En dieciembre de 2016 se ha anunciado a través de Variety que Gaumont producirá un remake en inglés de Train to Busan.
  • La película se rodó entre el 26 de abril y el 19 de agosto de 2015.
  • Estrenada en Corea del Sur el 20 de julio de 2016. En España se estrenó el 5 de enero de 2017.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

Travelers (2016)

Posted in Ciencia ficción, Reseña, Televisión, thriller on 9 enero, 2017 by belakarloff

Una serie de viajeros del tiempo llegan al presente ocupando el cuerpo de gente a punto de morir. Evitan esa muerte y hacen un “borrado” de la personalidad del previo ocupante. Su misión es evitar una serie de percances que conducirán a un futuro infausto…

Creada por Brad Wright. Directores: Andy Mikita, Helen Shaver, William Waring… Guiones: Brad Wright, Pat Smith, Jason Whiting, Ashley Park… Intérpretes: Eric McCormack (Grant MacLaren), MacKenzie Porter (Marcy Warton), Nesta Cooper (Carly Shannon), Jared Abrahamson (Trevor Holden), Reilly Dolman (Philip Pearson), Patrick Gilmore (David Mailer), Leah Cairns (Kathryn MacLaren), Arnold Pinnock (Walt Forbes), J. Alex Brinson (Jeff Conniker), Jennifer Spence (Grace Day), William MacDonald (Gary Holden), Teryl Rothery (Patricia Holden)… 1 temporada, 12 episodios 45 min. Canadá, Estados Unidos 2016-…

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Serie producida por Peacock Alley Entertainment con destino a Showcase y Netflix, de momento tenemos una primera temporada que finaliza en un cliffhanger. Ha sido creada por Brad Wright, quien también escribió de forma masiva para Más allá del límite (The Outer Limits; 1995-2002) y creó Stargate (Stargate SG-1; 1997-2007) –a partir del guion de la película con guion de Roland Emmerich y Dean Devlin– así como algunas de sus derivaciones. En 2011 finalizó SGU Stargate Universe (2009-2011) y esta es su nueva aportación al universo catódico.

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Pese a no ser el colmo de la originalidad –recuerda un tanto a la excelente película Doce monos (Twelve Monkeys, 1995)–, el punto de partida es simpático y agradecido, e inspira curiosidad para ver cómo prosigue todo. Es poco arriesgada, a tal punto que cada capítulo podría representar “el caso de la semana”. Existe una subtrama que enlaza todos esos episodios independientes, y que se va perfilando poco a poco.

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De todas maneras, lo peor de la serie es su escaso interés en desarrollar los personajes psicológicamente, con toda la enjundia que podrían ofrecer. Se trata, como ya se ha dicho, de personas que se introducen en el cuerpo de otras. La personalidad antigua desaparece, y una nueva toma un cuerpo que puede que en nada coincida con él. Sin embargo, los guiones se olvidan o tratan aleatoriamente esa cuestión, cuando podría ser lo más interesante. En algunos personajes es tenido en cuenta, en otros aparece y desaparece, y en otros, sencillamente, no existe. Resulta curioso en el caso del protagonista, el agente del FBI Grant MacLaren (interpretado por Eric McCormack), de quien una compañera comenta al inicio que ambos, anfitrión y huésped, tienen una personalidad muy parecida… A lo largo de todos estos capítulos cada personaje parece el del anfitrión, con algunos conocimientos más, en lugar de un ente en “desacuerdo” con su cuerpo. Un juego psicológico muy interesante podría haber derivado de ahí, pero parece que eso no interesa al creador y a los guionistas.

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En su lugar, tenemos un thriller de acción con unos escasos elementos de ciencia ficción. En todo caso, ha de aceptarse que los personajes, dentro de su esquematismo, son interesantes, en especial el de la chica con limitaciones intelectuales (Carly Shannon: Nesta Cooper) y el del friki informático y drogata (Philip Pearson: Reilly Dolman). El menos interesante es el del adolescente (Trevor Holden: Jared Abrahamson) por lo arriba mencionado; en un momento dado se insinúa que el anfitrión es un hombre de edad avanzada, pero en todo momento se comporta como un adolescente, y esa incongruencia quita matices a un personaje de por sí elemental.

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De todas maneras, no todo han de ser obras maestras, y se agradece que una serie no intente descubrir el universo o crear tramas que arrancan con un golpe de efecto espectacular –que en muchas ocasiones no es capaz de mantenerse– y se ofrezca un entretenimiento menor pero simpático. Con sus muchas limitaciones, Travelers se deja ver, es sencilla, te hace interesarte por lo que acontece, y deja con la expectación de un final que esperamos ver resulto próximamente. Veremos.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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