Archive for the Ciencia ficción Category

Night Shadows [vd/tv: Mutant] (1984)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña, Terror on 7 abril, 2017 by belakarloff

Dos hermanos, de excursión por Estados Unidos, van a parar a una pequeña población. Encuentran un cadáver en un callejón, pero cuando vuelven con el sheriff el cuerpo ha desaparecido. Tras pasar la noche en una pensión, el hermano menor también desaparece…

Dirección: John ‘Bud’ Cardos, [Mark Rosman, sin acreditar]. Producción: Laurelwood Productions. Productor: Igo Kantor. Co-productor: Dick Clark [sin acreditar]. Productor asociado: Nathaniel James Dunn.  Productores ejecutivos: Henry Fownes, Edward L. Montoro. Guion: Michael Jones, John C. Kruize, Peter Z. Orton, según argumento de M. Jones, J. C. Kruize. Música: Richard Band. Fotografía: Alfred Taylor. Dirección artística: Tony Kupersmith. Montaje: Michael J. Duthie. Efectos especiales: Paul Stewart, Vern Hyde (efectos especiales), David B. Miller (prótesis). Intérpretes: Wings Hauser (Josh Cameron), Bo Hopkins (sheriff Will Stewart), Jody Medford (Holly Pierce), Lee Montgomery (Mike Cameron), Marc Clement (Albert Hogue), Cary Guffey (Billy), Jennifer Warren (doctora Myra Tate), Danny Nelson (Jack), Mary Nell Santacroce (Mrs. Mapes), Stuart Culpepper (Mel), Johnny Popwell (capitán Tom Dawson), Ralph Redpath, Larry Quackenbush, Ralph Pace, Wallace Wilkinson, Charles Franzen, Lit Connah, Elijah Christopher Perry, Chester Clark, Joshua Lee Patton, Pat Moss, Tina Kincaid… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1984. Duración y datos técnicos: 100 min. Color 1.37:1 (ratio del negativo) 1.85:1 (ratio de proyección).

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John ‘Bud’ Cardos es un director apreciado por los aficionados al fantástico por una simpática y atmosférica cinta de terror, temática bichos malos, como es Tarántula (Kingdom of the Spiders, 1977). Aparte de esto, ha trabajado como actor –de niño formó parte de La pandilla–, adiestrador de animales –en Los pájaros (The Birds, 1963) de Hitchcock mismamente–, especialista, director de segunda unidad, transportista y encargado de producción, entre otros menesteres pequeños, en particular en cintas de género de serie B, aunque, por ejemplo, ha participado en una joya como Grupo Salvaje (The Wild Bunch, 1969), de Sam Peckinpah. En el campo de la realización cabe destacar otras muestras de serie B del fantastique como son The Dark [vd: Oscuridad, 1979] –donde reemplazó a Tobe Hooper, nada menos–, The Day Time Ended [vd: Explosión galáctica, 1979] y Outlaw of Gor [vd: Gor II – Fuera de la ley de Gor, 1988], ninguna de las cuales he podido ver, aunque las dos primeras despiertan mi interés.

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Mutant es una clásica película ochentera de bajo presupuesto, con todo lo que implica, tanto desde el punto de vista negativo como positivo. Obsérvese su excesiva duración para lo habitual en una serie B, la cual dedica a desarrollar algo más de la norma la relación entre los personajes, en especial los dos hermanos que inician un viaje por el país, con el fin de que el pequeño –Lee Montgomery, el hijo de Dean Jones en Millonarios por una pata (The Million Dollar Duck, 1971), su debut interpretativo, así como el niño de Ben [vd: Ben, 1972], de Phil Karlson, y Pesadilla diabólica (Burnt Offerings, 1976), de Dan Curtis– olvide un desengaño amoroso. Si este episodio, hasta el momento en que el chaval desaparece, hubiese recurrido a las habituales elipsis dentro de este tipo de cine, el actor tendría un papel muy secundario, cuando en realidad resulta notoriamente importante, e inclusive cuando abandona la escena su presencia se sigue imponiendo.

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Por supuesto, el recurso argumental de la escasa presencia de actores es de carácter presupuestario, pero se justifica dramáticamente con los terribles sucesos que acontecen en el pueblo, y se nos muestra una serie de personajes más interesantes que de costumbre, en especial la médico –encarnada con intensidad por Jennifer Warren, protagonista femenina en la sólida La noche se mueve (Night Moves, 1975), de Arthur Penn–, una profesional frustrada que busca desarrollar una tarea de mayor valía laboral.

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En un momento determinado todo se hace evidente de cara a los protagonistas, y a partir de ahí la acción se hace imparable. En ese sentido, cabe destacar la excelente escena ambientada en el colegio, donde a su intensidad atmosférica se aúna la emoción de lo que acontece, y en la que tiene una muy breve participación –¿recortes?– Cary Guffey, el adorable niño de Encuentros en la tercera fase (Close Encounters of the Third Kind, 1977), de Spielberg, aquí ya con doce añitos.

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Cardos dirige todo como si de un film de veinte años atrás se tratase, y cabe destacar la excelente fotografía, de plácidos tonos pastel, lo cual le otorga al film una apariencia más vistosa de lo que industrialmente en verdad es. Y también destaca el chocante maquillaje de los infectados, pálidos y con unas ojeras terribles, otorgándoles una apariencia de producto amateur, diríase, acrecentado por el modo de atacar que tienen, garras en ristre como en una película, esta vez, de cincuenta años atrás, por lo menos. Sin lugar a dudas tal elemento provocará la carcajada y el desprecio de muchos aficionados actuales al género, pero es precisamente eso lo que le otorga ese tono naíf, que acreciente el atractivo de esta divertida y desprejuiciada serie B, a mitad de camino entre el subproducto y el terror psicológico inspirado un tanto en Stephen King, en lo que a creación y desarrollo de personajes se refiere.

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No es un film fundamental en el género, ni mucho menos, pero si se ve con los ojos adecuados puede representar una diversión de lo más gozosa. Cosas mucho menos trabajadas son hoy día piezas de culto.

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Anécdotas

  • Título del guion original: The Pestilence.
  • Títulos de rodaje: Pestilence / Toxic Waste.
  • Título de rodaje y del video: Mutant.
  • La película la comenzó a rodar Mark Rosman (Siete mujeres atrapadas, Una cenicienta moderna), pero fue despedido por su lentitud y reemplazado a los dos días por John ‘Bud’ Cardos.
  • Debido al fracaso comercial del film, fue el último producido por Film Ventures International (FVI). Edward L. Montoro, presidente de FVI, que en esos momentos también atravesaba un costoso divorcio, se largó poco después con un millón de dólares (otras fuentes citan varios millones) de la contabilidad de la compañía, y nada más se ha sabido de él desde entonces. Se supone que está en algún lugar de Sudamérica.
  • Según el guionista Kruize, el guion original, titulado The Pestilence, trataba de un proyecto secreto del ejército, en las Montañas Rocosas, que se descontrolaba. Admite que la influencia fue la novela Apocalipsis de Stephen King.
  • Según el guionista Kruize, poco antes del estreno se cambió el título por Mutant para aprovechar el éxito de Alien.
  • Según el guionista Kruize, no estaba previsto que los zombis lucieran ese maquillaje.
  • Según los guionistas Kruize y Jones, el guion original pretendía ser terrorífico y atmosférico, no violento. Por contrato se les obligó a reescribir por completo el libreto en treinta días. Lo hicieron en dos semanas, aprovechando festivos y fines de semana.
  • Rodada con un presupuesto estimado de dos millones y medio de dólares.
  • A inicios de la década del 2000 se escribió un guion para una secuela, pero no se llegó a hacer. Bo Hopkins fue contactado para repetir su papel, y una parte fue escrita especialmente para Ken Foree.
  • Estrenada en Estados Unidos el 24 de agosto de 1984. En España salió editada directamente en vídeo por IVS.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Vuelve Neutrón con el FANDOM-MANÍA: Crono-guía de publicaciones sobre el fantástico

Posted in Ciencia ficción, Cine, Fantasía, Fanzines, Libros de cine, Noticias, Revistas, Terror on 6 abril, 2017 by belakarloff

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Fantastic Films-Neutrón, fanzine editado por Txema Gil, vuelve con su número 7 en la segunda época para ofrecer la primera entrega de un proyecto ambicioso. Con el título de FANDOM-MANÍA: Crono-guía de publicaciones sobre el fantástico, pretende reunir información cronológica sobre todo tipo de publicaciones –revistas, libros, fanzines, álbumes de cromos… – centrados en el cine fantástico, de terror y ciencia ficción. No entran, por ejemplo, revistas generalistas, tipo Fotogramas, aunque sí algún especial dedicado al género.

El propio Txema lo explica en el editorial de este primer número: «Esta crono-guía es eminentemente gráfica, y pretendo que las imágenes sean a buen tamaño y en la mejor calidad de reproducción posible. Ello se representará por décadas en números del fanzine, y cuando la guía se haya terminado será actualizada y publicada en forma de libro, para lo cual tengo ya dos editoriales que quieren publicarlo. Este primer volumen que tenéis en las manos abarca el primer periodo, desde los inicios hasta 1979».

Los colaboradores con los que cuenta este primer número, aparte del propio Txema, son, por orden de aparición: Carlos Díaz Maroto, Rubén Risco Fidalgo, Adrián Encinas, Niño Ortea, Miguel Ángel Plana, Armando Boix, Ángel Gómez Rivero, Luis Galeano Rojo, Marcos Ordóñez, José Manuel Villena Pastor y José Gracia.

Ya podéis reservarlo en: klandestine666@hotmail.esYA PODÉIS RESERVARLO EN: klandestine666@hotmail.es YA PODÉIS RESERVARLO EN: klandestine666@hotmail.es

¡¡¡VIVA EL FANTÁSTICO Y EL PAPEL!!!

Ghost in the Shell: El alma de la máquina (Ghost in the Shell) (2017)

Posted in Cómic, Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno, thriller on 31 marzo, 2017 by belakarloff

En un futuro indeterminado, los seres humanos se someten a implantes cibernéticos. Major es creada trasplantando su cerebro a un cuerpo robótico. Su misión es trabajar al lado de la justicia. Pero comienza a tener dudas acerca de su propio origen.

Dirección: Rupert Sanders. Producción: Arad Productions, DreamWorks, Grosvenor Park Productions, Paramount Pictures, Reliance Entertainment, Seaside Entertainment, Steven Paul Production. Productores: Ari Arad, Michael Costigan, Steven Paul. Co-productores: Holly Bario, Jane Evans, Maki Terashima-Furuta. Productores ejecutivos: Tetsuya Fujimura, Mitsuhisa Ishikawa, Yoshinobu Noma, Jeffrey Silver. Guion: Jamie Moss, William Wheeler, según el cómic de Masamune Shirow. Música: Lorne Balfe, Clint Mansell. Fotografía: Jess Hall. Diseño de producción: Jan Roelfs. Montaje: Billy Rich, Neil Smith. Efectos especiales: Atomic Fiction, Clear Angle Studios, Framestore, Gentle Giant Studios, Iloura, Lidar Guys, Lola Visual Effects, Moving Picture Company, Odd Studio, Painting Practice, Prime Focus World, Territory Studio, Weta Workshop. Intérpretes: Scarlett Johansson (Major), Pilou Asbæk (Batou), Takeshi Kitano (Aramaki), Juliette Binoche (doctora Ouelet), Michael Pitt (Kuze), Chin Han (Han), Danusia Samal (Ladriya), Lasarus Ratuere (Ishikawa), Yutaka Izumihara (Saito), Tawanda Manyimo (Borma), Peter Ferdinando (Cutter), Anamaria Marinca (doctora Dahlin), Daniel Henshall, Mana Hira Davis, Erroll Anderson, Kai Fung Rieck, Andrew Stehlin, Matthias Luafutu, John Luafutu, Kaori Momoi, Kaori Yamamoto… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 120 min. Color 1.85:1 2D – 3D.

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¿Sueñan los cyborgs con implantes mecánicos?

¿Para qué sirve un remake? Esa es una pregunta que, de forma periódica, asalta a algunos aficionados cuando surge una nueva versión de una película especialmente admirada. Aparte del obvio objetivo comercial, a veces, cuando se plantean con imaginación, pueden aportar algo diferente, ni mejor o peor implícitamente, con respecto al precedente. Este es uno de los casos.

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Téngase en cuenta que Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii, es un anime que adaptaba el manga homónimo de Masamune Shirow con ciertas libertades. Después ha habido otras dos versiones más, en 2006 y 2008 (véase el anecdotario). Esta adaptación hollywoodiense venía gestándose desde hacía tiempo, y al fin ha logrado ver la luz.

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En verdad, analizar la película desde la perspectiva comparativa con el original cinematográfico puede resultar fascinante. Recordemos que el film de Oshii planteaba dos líneas argumentales paralelas, por un lado acerca de ciertas intrigas empresariales, y por otro lado respecto a lo que rodeaba a su protagonista cibernética. Aquí los guionistas, Jamie Moss y William Wheeler, han efectuado una curiosa labor de transmutación: la historia de intrigas empresariales, hasta cierto punto, ha desaparecido, desarrollándose otra nueva; de este modo, no tenemos al Titiritero, sino a Kuze, aunque la trama sigue en cierto sentido muchos aspectos narrativos de su precedente, y algunos momentos están reproducidos fielmente, en imagen y/o en diálogos –así, inclusive, la secuencia de créditos, donde se crea a la protagonista–. Es decir, se nos narra otra historia, pero emulando momentos de la precedente, lo cual representa un singular ejercicio conversor. Por otro lado, esa nueva historia está articulada por completo con esa segunda sub-trama del film de Oshii, a tal punto que una no puede existir sin la otra, y una trama conduce irrevocablemente a la otra.

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De tal manera, todo lo que respecta a la aquí llamada Major –en el original japonés se trataba de Motoko Kusanagi[1]– es desarrollado a mayor profundidad. Pese a arrancar la historia en medio de una misión, con posterioridad se exploran sus orígenes y su pasado, siendo mucho más concienzuda en ese sentido que su homónimo animado.

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Luego todo dependerá de impresiones subjetivas en lo que concierne a la conjunción entre ese apartado digamos intimista y la espectacularidad de la propuesta, con respecto a la utilización de efectos especiales –abundantísima– y la de escenas de acción –generosas–. Por mi parte, creo que está bien conjuntado, y esta especie de mezcla entre Blade Runner, RoboCop y Matrix arroja saldos positivos. De esa manera, una parcela no devora a la otra, y el film exhibe un moderado equilibrio entre lo enfático y lo circunspecto. Por tanto tenemos un film espectacular, donde la mayoría de sus imágenes contienen efectos especiales, donde abundan las persecuciones y los disparos, pero que al tiempo se ocupa en desarrollar la psicología de su personaje principal, en una exploración de su pasado que contiene no pocas cotas emocionales.

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El director es Rupert Sanders, responsable de Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the Huntsman, 2012), que, sinceramente, no me molesté en ver. Pero es de destacar su habilidad para reproducir el ritmo visual y la estética de la animación por medio de imágenes reales. Mimetiza con estilo el talante hiperbólico de este tipo de narrativa, así como el del cine de acción contemporáneo, otorgándole algo de poso a la belleza estética que impera en este tipo de planos. Quién sabe, puede que en un futuro se desvele como un realizador a considerar.

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La película ofrece en su versión 3D algunos momentos llamativos, como cuando nuestra heroína atraviesa una cristalera a cámara lenta, en el más puro estilo Matrix, y los trozos de cristal parecen flotar sobre nosotros. Sin embargo, al menos al pase al que asistí, se percibía cierta doble imagen un tanto molesta, amén de oscurecer en exceso la imagen (véase la cena del inicio, donde la penumbra era excesiva). La versión en 2D[2] pierde esa espectacularidad, pero procura una imagen más limpia y uno puede centrarse en la trama sin perderse en adornos superfluos. Añadamos a nivel anecdótico que, en la versión original, los personajes hablan en inglés, salvo Takeshi Kitano y algún secundario, que lo hacen en japonés; sin embargo, en la interacción entre unos y otros personajes en dos idiomas distintos todos se entienden entre sí perfectamente. ¿Traductores simultáneos implantados en el cerebro? Quién sabe…

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Anécdotas

  • Título en Chile: Ghost in the Shell: Vigilante del futuro.
  • Margot Robbie (Harley Quinn en Escuadrón Suicida) fue considerada para el papel protagonista. Para el papel de Batou se pensó en Matthias Schoenaerts. Hubo conversaciones con Sam Riley para incorporar a Hideo.
  • En la versión doblada para el Japón algunos intérpretes repiten el rol del anime, así Atsuko Tanaka (Major), Akio Ôtsuka (Batou) y Kôichi Yamadera (Togusa).
  • En los títulos de crédito finales suena la música del anime.
  • Remake de Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii. Otros remakes previos: Kôkaku kidôtai: Stand Alone Complex Solid State Society (2006) [telefilm]; Ghost in the Shell 2.0 (2008).
  • Estrenada en premiere en Japón el 16 de marzo de 2017. En Estados Unidos se estrenó el 31 de marzo, así como en España.

 

Bibliografía

  • The Ghost in the Shell; por Masamune Shirow; traducción, Victoria Simó. Barcelona: Planeta-DeAgostini, 1998. T.O.: Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell (1989).

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] El convertir un personaje originalmente japonés en uno occidental, por supuesto, provocó no poca polémica y hasta protestas. Aunque ha de decirse que la primera aparición de Scarlett Johansson, por la posición y el maquillaje, hace aparentarle rasgos orientales.

[2] Asistí a un pase de prensa donde se proyectaron los quince primeros minutos en 3D y, después, la película entera en 2D, por lo cual resultó interesante comparar.

Luces del Norte. Antología de ciencia ficción finlandesa

Posted in Ciencia ficción, Fantasía, Literatura, Noticias on 23 marzo, 2017 by belakarloff

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Luces del norte, historias del lejano norte, donde los fantasmas y piratas nadan en las aguas del mar Báltico y las brujas son tan mortales como las víboras que envían. Acompáñenos en un viaje a realidades alternativas en las que la vida puede ser atrapada en latón y donde el lienzo de la vida es tejido por arañas.

Luces del norte. Antología de ciencia ficción finlandesa presenta nueve voces y nueves relatos del bizarro finlandés, ahora por primera vez en castellano: “La novia fría”, de Magdalena Hai; “El piano de cola”, de Kari Välimäki; “Pieles”, de Anne Leinonen; “”Sueños que entristecen las mañanas”, de J.S. Meresmaa; “El diablo se equivocó por un año”, de Janos Honkonen; “Gravedad perdida”, de Saara Henriksson; “Fundamentos del centelleo”, de Taru Kumara-Moisio; “El obsequio”, de Sari Peltoniemi; “Quien gira la rueda”, de Anni Nupponen.

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Saara Henriksson

La antología Luces del norte ha sido publicada por Osuuskumma, una cooperativa editorial fundada y dirigida por escritores. Como editorial, nuestros objetivos son dar a conocer nuevos talentos, resaltar el tipo de literatura que muchas veces pasa desapercibida para el canon y continuar con la tradición de publicar antologías de ciencia ficción especulativa finlandesa de primera calidad.

  • Luces del Norte. Antología de ciencia ficción finlandesa
  • Autor: Varios Autores, edición de Magdalena Hai y Anne Leinonen
  • Editorial: Usuuskumma
  • Traducción: Tanya Tynjala, Yasna Bravo, Outi Korhonen, Sergio Prudant Vilches, Clara Petrozzi, Laura Villella, Layla Martínez
  • Tipo de libro: Antología inédita
  • Fecha de publicación: 2016
  • Precio: 19,95€
  • Páginas: 272
  • Formato: 12,5×19 cm. Rústica con solapas
  • ISBN: 978-952-7215-15-9

Kate & Leopold (Kate & Leopold) (2001)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Humor, Reseña on 16 marzo, 2017 by belakarloff

1876. Leopold es un aristócrata aburrido de las convenciones sociales, y a quien le gusta desarrollar inventos. De pronto detecta a un extraño individuo que lo vigila, y persiguiéndolo cae tras él por un agujero temporal en el Nueva York de 2001.

Dirección: James Mangold. Producción: Konrad Pictures, Miramax. Productora: Cathy Konrad. Co-productor: Christopher Goode. Productores ejecutivos: Kerry Orent, Meryl Poster, Bob Weinstein, Harvey Weinstein. Guion: James Mangold, Steven Rogers, según argumento de S. Rogers. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Stuart Dryburgh. Diseño de producción: Mark Friedberg. Montaje: David Brenner. Efectos especiales: CIS Hollywood, Digital Backlot, Hunter/Gratzner Industries, Menace FX, New Deal Studios. Intérpretes: Meg Ryan (Kate McKay), Hugh Jackman (Leopold), Liev Schreiber (Stuart Besser), Breckin Meyer (Charlie McKay), Natasha Lyonne (Darci), Bradley Whitford (J. J. Camden), Paxton Whitehead (tío Millard), Spalding Gray (Dr. Geisler), Josh Stamberg, Matthew Sussman, Charlotte Ayanna, Philip Bosco, Andrew Jack, Stan Tracy, Kristen Schaal, William Sanford, Arthur J. Nascarella, Robert Ray Manning Jr., Roma Torre, Viola Davis… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2001. Duración y datos técnicos: 118/123 min. Color 1.85:1.

 

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Meg Ryan era la reina de la comedia romántica. Títulos como Cuando Harry encontró a Sally…, Algo para recordar, French Kiss, City of Angels o  Tienes un e-mail atestiguan ese “honor”, independientemente de la mayor o menor calidad intrínseca de cada uno de esos títulos. Hugh Jackman, por su parte, el año anterior había encarnado por primera vez a Lobezno en X-Men, y también había actuado en unas pocas comedias y películas de acción, pero aún carecía de la imagen que actualmente hay de él, que es la de un actor muy polifacético. Aquí, de hecho, Jackman da muestras ya de su versatilidad, mostrándose Meg Ryan, sin embargo, con la gazmoñería característica en ella.

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Kate & Leopold es una comedia romántica característica a otras películas de esta temática. El tono es acorde al de otros títulos de esta modalidad, como son los arriba citados. Sin embargo, existen ciertos elementos que le otorgan una personalidad especial. Por un lado tenemos la comparecencia de Liev Schreiber en el papel de Stuart Besser, un científico que localiza las fisuras espacio-temporales que permiten saltar entre diferentes épocas. Schreiber compone un personaje más acorde con la comedia disparatada, y se muestra como un buen histrión, chocando a quienes lo hemos visto siempre en cometidos dramáticos.

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El otro elemento es el ya apuntado: su inscripción en una temática de ciencia ficción. Aquí tenemos una justificación científica para el viaje de un personaje de una época a otra, lejos de coartadas más fantásticas en muestras previas, como pudieran ser narraciones como “Rip van Winkle” (“Rip van Winkle”, 1819) de Washington Irving o Un yanqui en la corte del rey Arturo (A Connecticut Yankee in King Arthur’s Court, 1889) de Mark Twain, y sus consiguientes adaptaciones, hasta clásicos del cine romántico como La plaza de Berkeley (Berkeley Square, 1933), de Frank Lloyd, y sus sucesivas versiones, basándose de partida en una obra teatral de John L. Balderston. Todos estos ejemplos justificaban el viaje de una forma tenue, casi alegórica, pues la idea era efectuar una confrontación de distintos pensamientos. En nuestros tiempos actuales el público busca un alegato más “racional”, de ahí la recurrencia a agujeros temporales[1]. Un punto de partida atractivo mas poco explorado; se da la curiosa circunstancia de que, en un momento dado, se menciona que los ascensores de la ciudad comienzan todos a fallar: nuestro héroe será el inventor del ascensor[2], y su ausencia en su tiempo real provoca que esa paradoja comience a tener sus consecuencias. Sin embargo este detalle es después olvidado.

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Pese a la recurrencia de personajes secundarios atractivos –al citado Stuart se puede sumar a Charlie, el hermano de Kate, así como un adorable perro que luego también desaparece de la trama– el film pivota sobre los personajes de Leopold y Kate, contraponiendo sus personajes y su situación amorosa y laboral: Leopold es un diletante que no necesitaría trabajar, pero que siente la imperiosa necesidad de hacer algo; al mismo tiempo, busca una mujer a la que amar, pese a que su tío pretende unirle con cualquier heredera con dinero. Kate, por su lado, ha sufrido para llegar a donde está, y sigue luchando por hacerse un lugar aún en la empresa publicitaria donde trabaja; aún sufre las secuelas emocionales de una ruptura dolorosa precisamente con Stuart. De ese modo, dos personajes pertenecientes a tiempos distintos perciben los modos disímiles en que se enfrentan a sus circunstancias personales, y cómo la interdependencia entre ambos da sentido a sus vidas.

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El resultado es una comedia fantástica simpática, que se ve con una sonrisa perenne, y con un poso dramático algo más espeso de lo que es norma. Dirige curiosamente James Mangold, un realizador con ciertas ínfulas autorales ocasionales, y que en este caso incluso participa en el guion al lado de Steven Rogers[3], creador de la idea original. Años después, Jackman y Mangold se volverían a unir para concebir nuevas aventuras del mutante con garras de adamantium.

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Anécdotas

 

  • En 2002 fue candidata a mejor canción (“Until”, de Sting) en los Oscar. Ese mismo año, en los Globos de Oro sí ganó la canción, y Hugh Jackman fue nominado como mejor actor en comedia o musical.
  • El papel de Kate originalmente estaba previsto para Sandra Bullock.
  • La excelente actriz Viola Davis aparece en un brevísimo papel como policía.
  • En la escena del rodaje del anuncio de la margarina aparecen algunos de los técnicos de rodaje auténticos de la película.
  • Leopold presume de sus conocimientos sobre La Bohème. Sin embargo, la ópera no se estrenó hasta 1896, cuando él procede de 1876.
  • En el montaje original se explica que Stuart es descendiente de Leopold.
  • En el guion primitivo no hay agujero temporal, sino una auténtica máquina del tiempo, y Kate es uno de los científicos que la desarrollan.
  • Estrenada en Estados Unidos el 25 de diciembre de 2001. En España se estrenó el 12 de abril de 2002.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Pese a ello, la Wikipedia española cita sus comentarios en la página «Rotten Tomatoes» con una argumentación anonadante: “La historia en el tiempo carece de cualquier lógica”.

[2] Pese a que ya hay artefactos rudimentarios ya por parte de Arquímedes (ca. 287 a. C. – ca. 212 a. C.), se suele considerar que el inventor del ascensor “moderno” fue el estadounidense Elisha G. Otis (1811-1861). Precisamente la película hace un chiste al respecto, dado que el valet de Leopold se llama Otis, y en un momento dado Kate descubre esa marca en un ascensor que monta.

[3] Su carrera se circunscribe al género romántico, de tonalidad más o menos suave: Siempre queda el amor, Quédate a mi lado, Postdata: te quiero…

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Logan (Logan) (2017)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña, superhéroes on 15 marzo, 2017 by belakarloff

Año 2029. Casi todos los mutantes han desaparecido. Logan sobrevive trabajando como chófer de limusina. Una mujer hispana se le presenta, intentando contratarle para que la escolte a ella y una niña de once años hacia el norte. Parece que alguien va tras ellas…

Dirección: James Mangold. Producción: Donners’ Company, Kinberg Genre, Marvel Entertainment, TSG Entertainment, Twentieth Century Fox Film Corporation. Productores: Simon Kinberg, Hutch Parker, Lauren Shuler Donner. Co-productores: Dana Robin, Kurt Williams. Productores ejecutivos: Joseph M. Caracciolo Jr., Stan Lee, James Mangold, Josh McLaglen. Guion: Scott Frank, James Mangold, Michael Green, según argumento creado por J. Mangold. Música: Marco Beltrami. Fotografía: John Mathieson. Diseño de producción: François Audouy. Montaje: Michael McCusker, Dirk Westervelt. Efectos especiales: Captured Dimensions, Gentle Giant Studios, Halon Entertainment, Image Engine Design, Institute for Creative Technologies at the University of Southern California, Lidar Guys, Lola Visual Effects, Rising Sun Pictures, Soho VFX. Intérpretes: Hugh Jackman (Logan / X-23), Patrick Stewart (Charles), Dafne Keen (Laura), Boyd Holbrook (Pierce), Stephen Merchant (Caliban), Elizabeth Rodriguez (Gabriela), Richard E. Grant (Dr. Rice), Eriq La Salle (Will Munson), Elise Neal (Kathryn Munson), Quincy Fouse (Nate Munson), Jason Genao (Rictor), James Handy (doctor anciano), Al Coronel, Frank Gallegos, Anthony Escobar, Reynaldo Gallegos, Krzysztof Soszynski, Stephen Dunlevy, Daniel Bernhardt, Ryan Sturz, Brandon Melendy, Jeremy Fitzgerald, Luke Hawx, Chris Palermo, Paul Andrew O’Connor, Clinton Roberts, Rocky Abou-Sakher, Keith Jardine, Jean Claude Leuyer, Andrew Arrabito, Jef Groff… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 137 min. Color 2.35:1.

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La fuga de Logan

Debo reconocer que antes no presté excesiva atención a la carrera de James Mangold. Vi El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 2007) debido a mi amor al western, y me pareció una insignificancia que se centraba en exceso en escenas superfluas que, sin embargo, la versión de 1957 de Delmer Daves eludía en inteligentes elipsis. La segunda entrega de la presente trilogía, Lobezno inmortal (The Wolverine, 2013), exhibía determinados elementos que ya presagiaban el tono de la que acontece, como el aire solemne y circunspecto, pero se perdía en un sinfín de pretensiones para manifestarse hueca, pomposa y dispersa.

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Aquí, sin embargo, parece que se ha templado y ha sabido adecuarse a ese tono buscado, equilibrando forma y fondo. Supongo que su acercamiento al western vendría derivado de su interés por el género –Copland (Cop Land, 1997) podría ser también una aproximación al mismo de un modo igualmente esquinado, por lo que parece–. Aquí, aunque ambiente la historia en el futuro, la inflexión buscada es sin duda la del western. Y no lo disimula en absoluto, al contrario, según algunas voces incluso lo subraya en exceso. Por un lado, tenemos un momento en que Charles Xavier contempla extasiado en la pequeña pantalla la magistral Raíces profundas (Shane, 1953), de George Stevens[1]; esa conexión con el film interpretado por Alan Ladd se establece nuevamente con el momento en que los protagonistas van a parar a la granja, y hacia el final, cuando la niña recita el diálogo del pistolero ante una tumba. Con ello Mangold nos quiere decir que Logan es como Shane: un personaje de paso, que no tiene asumida su situación en el mundo, que actúa por impulsos.

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Sin embargo, Logan está más cercana a los westerns crepusculares de los años sesenta del pasado siglo, tales como Duelo en la alta sierra (Ride the High Country, 1962), de Sam Peckinpah, o El hombre que mató a Liberty Valance (The Man Who Shot Liberty Valance, 1962), de John Ford. De este modo, nuestro (anti)héroe es un personaje desarraigado, situado en un tiempo (el futuro) que no le pertenece; se siente, en suma, desubicado en un entorno que ya no comprende, representa un pasado marchito –la mayoría de los mutantes han desaparecido–. Y tal como sucede en esos espléndidos ejemplares fílmicos, la cinta representa una desmitificación y, simultáneamente, una re-mitificación de sus referentes a partir de lo previo. Logan deja de ser un símbolo para convertirse en un ser humano y, de ahí, de nuevo en símbolo, más potente que él mismo.

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En el film hay una constante e intencionada lucha por acercarlo a un realismo que impera en la actualidad en gran parte del cine de género, sea fantástico o no, y al tiempo buscar esa mitificación referida. Buen ejemplo de ello es el juego metalingüístico que representan los comics de la Patrulla X que lee Gabriela y que posee Laura, y que Logan juzgará con dureza: todo ello no son más que fantasías, exageraciones de una realidad. Ello no será óbice para que, a lo largo de la historia, los elementos ahí plasmados se perciban como auténticos, reales. Parafraseando una de las frases antológicas de El hombre que mató a Liberty Valance: «Entre la realidad y la leyenda hay que quedarse con la leyenda».

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De esta manera, Logan se articula en un constante juego de contrastes, de aportar un referente y su contrario al mismo tiempo, para reflexionar sobre la fragilidad de todo lo que acontece. Los personajes más fuertes muestran sus debilidades, y los débiles sus fortalezas. Y todos se interrelacionan entre sí mientras tratan de huir hacia delante con el pasado forjado a sus espaldas.

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Todo esto no aportaría la potencia que detenta si no fuera por un excelente reparto, perfectamente imbricado, donde además, a mayor importancia argumental, mejores son los resultados. Buen plantel de secundarios, excelente descubrimiento el de la niña, portentosa interpretación de Hugh Jackman y sublime la de Patrick Stewart; si no hubiera prejuicios hacia el cine de superhéroes sin duda estos dos últimos al menos estarían el año próximo nominados a los mejores actores en los Oscar. Qué más da. Nosotros somos los que sabemos disfrutar de estos placeres. Quedémonos solos con ellos si no los saben apreciar.

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En este sentido, Logan representa uno de los mejores ejemplares fílmicos en el cine de superhéroes, que equilibra a la perfección introspección y espectacularidad, aunque para los espectadores más vagos pueda parecer lenta. Ejemplares como el presente demuestran que pueden hacerse aproximaciones inteligentes a una temática de apariencia tan elemental como los superhéroes. Pero, como en ejemplos previos, volverá a caer en saco roto y se seguirán ofreciendo muestras cretinas para público de multi-centro. ¿Nos apostamos algo?

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Anécdotas

  • Stephen Merchant interpreta a Caliban. El personaje antes fue encarnado por Tómas Lemarquis en X-Men: Apocalipsis (2016).
  • Una de las pocas películas Marvel sin cameo de Stan Lee.
  • Tercera y última entrega de la trilogía formada también por X-Men orígenes: Lobezno (X-Men Origins: Wolverine, 2009) y Lobezno inmortal (The Wolverine, 2013), de J. Mangold. Aún con eso, también está vinculada al resto de los films X-Men.
  • El personaje de X-23 fue creado para la televisión, en la serie animada X-Men (X-Men: Evolution; 2000-2003). Aparece en el episodio 10 de la tercera temporada titulado “X-23”, con guion de Craig Kyle y Chris Yost, basado en el argumento de C. Kyle. Su primera aparición en los cómics fue en NYX nº 3 (2004), con Joe Quesada como guionista y Joshua Middleton como dibujante. El propio Quesada decidió que los guionistas y creadores del personaje en la serie televisiva, Kyle y Yost, escribiesen un cómic contando el origen de X-23; el dibujo corrió a cargo de Billy Tan. Después de varios años apareciendo en los tebeos acabó convirtiéndose en “New Wolverine”, traducida en España como Lobezna.
  • Rodada con un presupuesto estimado de 97 millones de dólares.
  • Estrenada el 3 de marzo de 2017, tanto en Estados Unidos como en España.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Se da la curiosa circunstancia de que Patrick Stewart también admira esta película, y se inspiró en ella para uno de los momentos de uno de los episodios que dirigió de Star Trek: La nueva generación (Star Trek: The Next Generation; 1991-1994), “A Fistful of Datas” (1992).

Kong: La Isla Calavera (Kong: Skull Island) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Fantasía, Reseña on 14 marzo, 2017 by belakarloff

Año 1973. Un equipo científico, apoyado por un destacamento militar recién evacuado de Vietnam, se traslada a la Isla Calavera para efectuar determinadas investigaciones. Pero cuando allí llegan se topan con una realidad descomunal…

Dirección: Jordan Vogt-Roberts. Producción: Legendary Entertainment, Warner Bros. Productores: Alex Garcia, Jon Jashni, Mary Parent, Thomas Tull. Co-productores: Jennifer Conroy, Tom C. Peitzman. Productores ejecutivos: Edward Cheng, Eric McLeod. Guion: Dan Gilroy, Max Borenstein, Derek Connolly, según argumento de John Gatins. Música: Henry Jackman. Fotografía: Larry Fong. Diseño de producción: Stefan Dechant. Montaje: Richard Pearson. Efectos especiales: Halon Entertainment, Hybride Technologies, Industrial Light & Magic, Prime Focus World, Rodeo FX, Shade VFX. Intérpretes: Tom Hiddleston (James Conrad), Samuel L. Jackson (Preston Packard), Brie Larson (Mason Weaver), John C. Reilly (Hank Marlow), John Goodman (Bill Randa), Corey Hawkins (Houston Brooks), John Ortiz (Victor Nieves), Tian Jing (San), Toby Kebbell (Jack Chapman / Kong [captura de movimientos]), Jason Mitchell (Mills), Shea Whigham (Cole), Thomas Mann (Slivko), Eugene Cordero (Reles), Marc Evan Jackson (Landsat Steve), Will Brittain (Marlow joven / Marlow hijo), Miyavi (Gunpei Ikari), Richard Jenkins (senator Willis), Terry Notary (Kong [captura de movimientos]), Allyn Rachel, Robert Taylor, James M. Connor, Thomas Middleditch, Brady Novak, Peter Karinen, Brian Sacca, Joshua Funk… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 118 min. Color 2.35:1.

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Apocalypse Now!

La presente película no tiene nada que ver con el King Kong de Peter Jackson, aunque en un inicio parece ser que pretendía ser una secuela, cuando los derechos pertenecían a Universal; pero al pasar el proyecto a Warner se replanteó el proyecto y se integró en un llamado MonsterVerse, iniciado con Godzilla (Godzilla, 2014), y a las que seguirán Godzilla: King of Monsters (2019) y Godzilla vs. Kong (2020)[1]. Se dice, por cierto, que el diseño de Kong pretende, a modo de homenaje, ser una mezcla del de 1933 y del (feísimo) de King Kong contra Godzilla, pero, sinceramente, los primeros planos me parecían idénticos al de Jackson, aunque es posible que en sus andares recuerde a la creación de Willis O’Brien.

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De todas maneras, cuando aparece una película de las presentes características es inevitable realizar comparaciones. Técnicamente, por supuesto, es absurdo enfrentarla al mítico Kong de los años treinta, pues las cuestiones técnicas y de enfoque son muy distintas. Inevitable o no, la comparación más obvia es establecerla con la película de Peter Jackson que, recordemos, se anunció como una declaración de amor al film original de Schoedsack y Cooper, cuando, a mi juicio, representó más bien un insulto. Es decir, la película del neozelandés me supuso una decepción ante las expectativas que me despertó; este, sin embargo, tiene un enfoque claro desde el inicio, que cumple, y dentro de esos cánones me parece más honesto que el previo, y sus resultados me convencen más, aun con sus (muchos) defectos.

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Y es que parece inevitable que, a estas alturas, las películas de esta índole ofrezcan una mera sucesión de escenas de acción, suponiendo las demás una excusa, o un compromiso irreemplazable. Así, tenemos que soportar paseos por la jungla de los soldados, desarrollando unos diálogos de un cretinismo irritante. Claro que, hasta cierto punto, eso es comprensible cuando comprobamos que el film pretende ser una crítica al estamento militar, muy poco sutil, cierto es. Esa falta de sutileza se prolonga a las constantes referencias a Apocalypse Now, el film de Francis Ford Coppola (en cualquier momento esperaba que comenzara a sonar “La cabalgata de las valquirias”). Para hacer esa alusión a la película de Coppola tenemos diversas referencias visuales, así como dos personajes, el protagonista, llamado Conrad, igual que el autor de la novela que la inspira, El corazón de las tinieblas, como otro llamado Marlow, y que en diversos aspectos se parece al protagonista homólogo del libro.

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Justificación intelectual para cubrir una película de acción sencilla y directa, aunque dramáticamente hay algunas otras alusiones, como esa teoría de la Tierra hueca, aparecida en literatura en tiempos tan lejanos como 1741 con Iter svbterranevm novam telluris theoriam ac historiam qvintae monarchiae adtur nobis incognitae exhibens Bibliotheca B. Abelini, del barón Ludvig Holberg (1684-1754), y editado en Hafniae y Lipsiae (Copenhagen y Leipzig) por Jacobi Prevssii[2], y que hoy es solo carne de cañón para las teorías conspiranoicas de alucinados. En todo caso, representa un punto de partida de espíritu pulp, que entronca con narraciones como At the Earth’s Core (1914) de Edgar Rice Burroughs[3].

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Es una lástima que el director, Jordan Vogt-Roberts[4], tenga tan poco estilo, y no perdone uno solo de los tópicos visuales inherente al más pedorro cine de acción contemporáneo. La saturación de cámaras lentas, movimientos de cámara enfáticos, poses chulescas de los personajes, planos en silencio seguidos del esperado susto, rebosan el metraje, haciéndolo cansino, formulario y plano. Puede decirse que el inicio de la película es lo peor (salvo la pequeña escena de John Goodman en las dependencias estatales, que promete que va a derivar en algo interesante), formalizado por medio de esos personajes tan poco atractivos, los diálogos cretinos y el estilo narrativo tan adocenado. Pero, a partir de cierto momento, pese a lo mecánico del desarrollo, brota algo, y la cinta se hace simpática, convirtiéndose en una monster movie sencilla y, hasta cierto punto, efectiva. A ello ayuda una acción imparable, unos monstruos realmente atractivos, en su diseño y su consecución, y un look de estética similar a las aventuras aportada por la Toho y rodadas en esplendoroso fujicolor.

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Puede que sea poco, pero, dado el escaso nivel del cine de evasión actual, al menos tenemos un entretenimiento medianamente efectivo. Eso sí, una vez obviados todos los inconvenientes referidos.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: Skull Island.
  • El actor Toby Kebbell interpreta tanto al soldado Jack Chapman como a Kong para la captura de movimientos. En esta última labor también participa Terry Notary, que ya hizo idéntica labor en Rise of the Planet of the Apes (2011) y Dawn of the Planet of the Apes (2014).
  • Will Brittain encarna tanto al Marlow joven, en el prólogo, como al Marlow hijo, en el epílogo.
  • Hay una escena después de los largos créditos finales, muy importante. En los títulos de crédito hay un spoiler que destripa esa escena (en una referencia a los copyrights).
  • John C. Reilly reemplazó a Michael Keaton y Samuel L. Jackson a J. K. Simmons en los papeles definitivos. Russell Crowe también fue considerado para algún papel.
  • La dirección fue ofrecida a Joe Cornish (Attack the Block), pero la rechazó. En cierta fase del desarrollo, Peter Jackson recomendó como director a Guillermo del Toro.
  • Rodada con un presupuesto estimado de 185 millones de dólares. En el primer fin de semana de su estreno en Estados Unidos logró una taquilla de 61 millones.
  • Estrenada en Estados Unidos y en España el 10 de marzo de 2017.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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[1] De momento, los guionistas integrados a ese proyecto son Lindsey Beer, Patrick McKay, T. S. Nowlin, John D. Payne, Terry Rossio, J. Michael Straczynski y Cat Vasko.

[2] Existe reciente edición en castellano: Viaje al mundo subterráneo; edición, traducción y notas, Carlos Castillo; Barcelona: Abraxas, 2002. Con anterioridad se publicó como Niels Klim descubre el fondo de la tierra; adaptación española por C.C.; Madrid: [s.n.], 1954 (Estades, imp.). Y añadamos una más reciente aún edición en catalán: El viatge a sota terra de Niels Klim; traducció del llatí de Vicenç Reglà; Martorell: Adesiara, 2011.

[3] Existen muchas ediciones en castellano, siendo la más reciente En el centro de la Tierra; traducción de Javier Jiménez Barco; Madrid: Costas de Carcosa, 2017. Colección Esmeralda; nº 1.

[4] Con anterioridad ha hecho diversas producciones televisivas, y dirigido el largometraje The King of Summer (2013), una comedia de superación adolescente.

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