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El Superman animado de los hermanos Fleischer

Posted in Animación, Artículo, Cómic, Ciencia ficción, Cine, Cortometrajes, superhéroes on 4 enero, 2018 by belakarloff

por Luis Alboreca y Carlos Díaz Maroto

 

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Los Fleischer Studios fueron en su época los más fuertes rivales de Walt Disney en lo que se refiere a cine de animación en Estados Unidos. Fueron fundados en 1921 con el nombre de Inkwell Studios, y ejercieron hasta abril de 1942, momento en el cual la Paramount, compañía que distribuía sus cintas, se hizo con la empresa, convirtiéndola en Famous Studios. Los fundadores fueron Max Fleischer y Dave Fleischer, dos hermanos[1] que decidieron crear la compañía cuando Max inventó el rotoscopio, una técnica que consiste en rodar actores reales y después calcar sus movimientos, para que los dibujos animados tengan una movilidad de lo más natural. Durante la época del cine mudo crearon el personaje Koko el payaso, y más adelante ofrecieron a Betty Boop (que sufrió las iras de los censores) o Popeye el marino, entre otros.

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En 1937 Walt Disney estrenó Blancanieves y los siete enanos/Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs), el primer largometraje de animación de la historia, y donde se hacía uso de la técnica del rotoscopio en el personaje protagonista, así como en el del príncipe, y a este los Fleischer respondieron con Gulliver’s Travels [tv/vd/dvd: Los viajes de Gulliver, 1939], que también empleaba el sistema con el viajero. Tras esa película ofrecieron un nuevo largo, Mr. Bug Goes To Town (1941), y después surgió la idea de llevar a Superman por primera vez a la pantalla.

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En realidad, la propuesta vino por parte de la Paramount, que buscaba sacar provecho del éxito de los comics y del serial radiofónico acerca del Hombre de Acero, con la idea de hacer una serie de cortos de animación con destino a los cines[2]. El serial radiofónico, de hecho, fue el punto de partida de muchos de los proyectos posteriores en la pantalla, grande y pequeña, sobre la creación de Siegel y Schuster. Titulado The Adventures of Superman, se emitió por las ondas de 1940 a 1951, por diversas cadenas sucesivas, con una duración de quince o treinta minutos, y una periodicidad entre tres y cinco días a la semana, según la época. Con esponsorización de los cereales Kellogg’s, fue un enorme éxito, e implantó ciertos elementos iconográficos, desde la famosa presentación de “Look! Up in the Sky!” hasta “Esto es un trabajo para Superman”.

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El editor de la entonces National Comics (después DC) con los actores Bud Collyer y Joan Alexander

 

El protagonista que encarnaba a Superman/Clark Kent fue Bud Collyer, quien después también le pondría voz en la serie de los Fleischer y otras de carácter televisivo. Entre 1940 y 1946 mantuvieron la identidad del actor en secreto, hasta una entrevista en la revista Time con motivo de una campaña de tolerancia racial y religiosa. Los programas se hacían en directo, así pues para ofrecerle vacaciones a Collyer inventaron la kryptonita: en esos casos, Superman quedaba alelado y solo podía soltar gruñidos, que eran interpretados por cualquier otro actor; para reemplazarle añadieron en las aventuras a Batman y Robin, que debutaron el 2 de marzo de 1945[3]. Otros elementos que nacieron con el serial radiofónico fueron Perry White[4], Jimmy Olsen[5] o el inspector Henderson. Los guiones de los episodios serían escritos entre B. P. Freeman y Jack Johnstone. Tanto los seriales en imagen real como la serie de televisión de los cincuenta constan como basados en este serial radiofónico[6].

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Dado que el proyecto de hacer los cortos animados era muy problemático, y con el fin de desanimar a la Paramount, los Fleischer comentaron que cada corto exigiría un coste de cien mil dólares. La productora, sin embargo, no se achantó, y les ofreció cincuenta mil por corto, es decir, cerca del triple de lo que solía costar uno de Popeye.

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Los hermanos, pues, se pusieron a ello, y el 26 de septiembre de 1941 estrenaban en los cines el primer título de la serie, que respondía sencillamente a Superman (aunque en algunas copias se le ha re-titulado The Mad Scientist). El arranque (y que se repetiría a lo largo de todos los cortos) ofrecía el celebérrimo “¡Mira! ¡En el cielo! ¡Es un pájaro, es un avión, es…! ¡Superman!”. Después, en un rapidísimo resumen, se narraba la salida del pequeño del planeta Krypton justo en el momento en que estalla, cómo cae a la Tierra, es recogido por un ciclista y lo lleva a un orfanato (aquí, pues, aún no hay padres adoptivos de por medio). Y luego ya se encadena con Clark Kent sirviendo en el Daily Planet. De los comics (y el serial radiofónico) sólo se tomarían los personajes de este, así como Lois Lane y Perry White; nadie más, ni amigos ni enemigos. En el proceso de animar a Superman, los Fleischer consideraron ridícula la representación de ofrecerle brincando “más alto que un edificio”, así pues le otorgaron el poder de volar, adelantándose así a los comics en ese sentido. Ese primer corto, además, ofrecía al malvado científico con un buitre como mascota[7], animal este que caricaturizaba actitudes humanas, elemento único de tal índole en toda la serie. Al año siguiente el episodio sería nominado a un Oscar como mejor corto de dibujos animados, si bien sería derrotado por su más directa rival, la Disney. La animación era espléndida, y el hermoso colorido brindaba a ese corto una dinámica espectacular. Según Les Daniels “a Hollywood le tomó décadas duplicar de nuevo semejantes efectos”[8].

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El primer episodio de la serie animada para cines

 

La voz de Superman (y su alter ego Clark Kent) la ofrecía Bud Collyer, mientras que la de Lois Lane la hacía Joan Alexander; ambos provenían del serial radiofónico. La célebre música sería compuesta por Sammy Timberg, un habitual de los estudios Fleischer. Y de nuevo se hizo uso del sistema de rotoscopio, lo cual confería una pasmosa naturalidad a los movimientos de los personajes. A ello se suma el empleo de luces y sombras con el fin de crear efectos dramáticos, otorgándole a los resultados un look muy moderno y atractivo.

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Bud Collyer

 

Siempre con dirección de Dave Fleischer, y con Whitney Ellsworth, editor de los comics del personaje, como consultor de los argumentos, una tanda inicial contó con nueve cortos, finalizando con Terror on the Midway, estrenado el 28 de agosto de 1942. Sin embargo, en los estudios las cosas no iban bien; los hermanos Fleischer no se aguantaban el uno al otro y, finalmente, cada uno se fue por su lado, vendiendo los estudios a la Paramount, que les cambió el nombre por el de Famous Studios hasta 1956, en que volvieron a variar a Paramount Cartoon Studios, llegando su cierre en 1967. Otras fuentes, sin embargo, señalan que todo fue debido a las deudas contraídas en los intentos de pasarse a la producción de largometrajes, motivo por el cual la Paramount acabaría absorbiendo los estudios.

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Terror on the Midway

 

Así pues, ya con el sello Famous Studios, una nueva tanda de ocho cortos fueron realizados, y con la ausencia de los Fleischer en ellos, aunque muchas de las características permanecieron. Algunos guionistas de las primeras historias, como Seymour Kneitel o Isadore Sparber, pasaron a tomar el relevo de Dave Fleischer como directores de los cortos, manteniendo la fuerza en la planificación y el uso de las sombras chinescas para crear efectos dramáticos. Fue en esa nueva etapa, sin embargo, en que se reforzaron los elementos propagandísticos, aunque en realidad fueron pocos capítulos los que introdujeron japoneses o nazis en las historias, y mostraban un aire caricaturizado de éstos no muy diferente al de muchas películas “serias” de la época (o en los propios comics de Superman). También en esta etapa fue cuando se introdujo un nuevo personaje “fijo”, un botones del Daily Planet llamado Louis, que pretendía ser un elemento humorístico, pero que por suerte solo apareció escasos segundos en dos de los episodios. Los trucos dramáticos sigiueron siendo excelentes, como en el episodio Jungle Drums, donde los efectos de sombras cambiantes provocados por las hogueras, así como los encuadres inclinados otorgaban un espléndida atmósfera, solo enturbiada por los rasgos caricaturizados (ridiculizados) de los aborígenes. Fue la propia Paramount la que finiquitó los cortos, rebajando los presupuestos y después cancelando la producción.

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Jungle Drums

 

Según el libro All-Star Companion V. 4, también se planteó una serie de cortometrajes de Batman con igual equipo, pero la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial dio al traste con el proyecto.

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Bruce Timm se inspiró en la dinámica visual y estética del Superman de los Fleischer para su posterior y célebre serie televisiva sobre el Hombre Murciélago.

 

Los cortos no se estrenaron en España, debido a la censura sobre la imagen de Superman. Más adelante, con el éxito de la película de Richard Donner, se realizó un montaje de todos los episodios, y el larguísimo film resultante fue exhibido en nuestros cines como Las originales aventuras animadas de Superman (Animated Aventures of Superman), con estreno en nuestras pantallas el día 1 de diciembre de 1979. También se emitieron después, por televisión, a modo de serie regular con el título de Las aventuras de Superman, en las cadenas autonómicas.

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Los episodios están hoy día libres de derechos, motivo por el cual han aparecido masivamente en muy distintas ocasiones en ediciones de vídeo y DVD en condiciones muy económicas pero, también, con muy mala calidad de imagen, en grandes centros comerciales, por ejemplo. La edición más recomendable es la de Warner, en su lata especial con toda la saga de películas; en los extras del primer Superman viene la etapa Fleischer, y en los de Superman II la fase Famous Studios; la imagen es muy superior en calidad a las demás, aunque sigue viéndose dañada, y precisa una edición en condiciones[9].

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Dirección: Dave Fleischer (1-3-4-5-6-7-8-9); Seymour Kneitel (2-10-16-17); Isidore Sparber (11); Dan Gordon (12-15); I. Sparber (13-14). Arreglos musicales: Sammy Timberg. Intérpretes: Clayton ‘Bud’ Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane), Jackson Beck (narrador/Perry White).

  1. Superman (Superman/ The Mad Scientist). Fecha de estreno: 26-09-1941.
  2. The Mechanical Monster (Los monstruos mecánicos). 21-11-1941.
  3. Billion Dollar Limited (El tren del billón de dólares). 09-01-1942.
  4. The Artic Giant (El gigante del Ártico). 26-02-1942.
  5. The Bulleteers (Los hombres bala). 26-03-1942.
  6. The Magnetic Telescope (El telescopio magnético). 24-04-1942.
  7. Electronic Earthquake (Terremoto eléctrico). 15-05-1942.
  8. Volcano (El volcán/Volcán). 10-07-1942.
  9. Terror On The Midway (Terror en el boulevard/Terror en el circo). 30-08-1942.
  10. Japoteurs (Saboteadores). 18-09-1942.
  11. Showdown (Cara a cara). 16-10-1942.
  12. Eleventh Hour (La hora undécima/La undécima hora). 20-11-1942.
  13. Destruction, Inc. (La destrucción). 25-12-1942.
  14. The Mummy Strikes (La maldición de la momia). 19-02-1943.
  15. Jungle Drums (Tambores en la jungla/Tambores de la jungla). 26-03-1943.
  16. The Underground World (El mundo subterráneo). 18-06-1943.
  17. Secret Agent (Agente secreto). 30-07-1943.

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Secret Agent

 

[1] El hijo de Dave y sobrino de Max fue el gran realizador Richard Fleischer, responsable de joyas del cine como Veinte mil leguas de viaje submarino (20,000 Leagues Under the Sea, 1954), Los vikingos (The Vikings, 1958), Impulso criminal (Compulsion, 1959) o El estrangulador de Boston (The Boston Strangler, 1968), entre otras muchas.

[2] Los cines de la época solían programar cortos de animación como complemento a sus sesiones cinematográficas, y cada estudio disponía de su propia sección de animación, o contrataba alguna compañía para tal fin. Disney era por aquel entonces distribuido por RKO, Warner creó sus famosos Looney Tunes y la MGM aportó a Tom y Jerry, por ejemplo.

[3] Después, hubo intentos de crear un serial radiofónico centrado en Batman y Robin, primero en 1943 y luego en 1950, pero no dieron resultado.

[4] White apareció en el segundo capítulo del serial radiofónico, emitido el 14 de febrero de 1940; en el cómic no saldría hasta el Superman nº 7 (noviembre de 1940).

[5] En realidad, en el nº 6 de Action Comics (noviembre de 1938) aparece un personaje que muchos estudiosos consideran la primera aparición de Jimmy Olsen, aunque no se le menciona por su nombre. La primera aparición con tal nombre se produjo en la radio el 15 de abril de 1940, y después en el cómic en el Superman nº 13 (noviembre/diciembre de 1941).

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[6] Los programas de radio originales pueden ser escuchados aquí: http://www.archive.org/details/superman_otr

[7] Igual que Bela Lugosi en La legión de los hombres sin alma (White Zombie, 1932, Victor Halperin).

[8] DC Comics: Sixty Years: Sixty Years of the Worlds Favorite Comic Book Heroes; introducción de Jenette Kahn. Londres: Virgin Books, 1995; pág. 68.

[9] Sería deseable aprovechar el doblaje que se hizo para cines, añadiendo el audio original y subtítulos, por supuesto, y tirar, en cuestión de imagen, de las restauraciones habidas en Estados Unidos.

 

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“Historietas del tebeo 1917-1977”: Exposición en el Museo ABC de Madrid

Posted in Cómic, Exposiciones on 31 octubre, 2017 by belakarloff

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Esta muestra, que ha sido posible gracias al impulso de la Obra Social “la Caixa, recorre casi todo el siglo XX hasta 1977, cuando el tebeo se hace adulto con la publicación de la revista Totem. Reúne publicaciones y dibujos originales que se presentan en dos recorridos: uno cronológico –con las principales cabeceras e hitos– y un segundo donde, por temas, se descubren personajes tan míticos como Cuto, Capitán Trueno, Guerrero del Antifaz, Zipi y Zape, la Familia Ulises o Mortadelo y Filemón y a sus creadores. Hablamos de Jesús Blasco, Víctor Mora, Ambrós, Manuel Gago, Escobar, Benejam, Coll o Ibáñez, entre muchos otros.

En el cierre de la exposición el visitante podrá descubrir, entre otras cosas, cómo se aboceta, colorea e imprime un tebeo, o el mundo que rodea a estas publicaciones (fascículos, libros, cómics foráneos…). Nunca antes una exposición ha desarrollado tan ampliamente esta apasionante historia de la que todos tenemos recuerdos y anécdotas. Es el momento, en su centenario, de poner en valor a los tebeos, a sus personajes y a sus autores.

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EL ESPÍRITU DE LA MUESTRA

La exposición, comisariada por Antoni Guiral, es una revisión de la historia de los tebeos españoles aparecidos entre 1917 y 1977. La aparición y evolución de los tebeos, pero también del concepto de tebeo como género literario: su formato, sus rasgos identificativos… Respondiendo a las preguntas ¿cómo eran?, ¿por qué eran así y no de otra forma? El recorrido histórico sirve para recordar los autores, títulos y personajes con los que crecieron varias generaciones de niños españoles y que ahora son claves en nuestra historia cultural y patrimonio gráfico.

¿A qué llamamos tebeos? Los tebeos son las revistas de historietas, los cuadernos de aventuras y los monográficos del género. ¿Por qué la exposición se encuadra en esas fechas? 1917 se ha escogido como inicio de la muestra porque corresponde al nacimiento de la revista TBO, que con el tiempo dará nombre a todas las publicaciones de historietas. 1977 se ha considerado el fin del recorrido por ser un año en el que los cuadernos de aventuras han desaparecido y se inicia la edición de revistas de cómics para adultos, como Totem.

La exposición supone un estudio histórico del tebeo, un acercamiento a la filosofía y entidad del tebeo, pero sobre todo una oportunidad de disfrutar contemplando los tebeos de nuestra cultura popular, tanto las revistas impresas como los dibujos originales conservados por sus autores, familiares y coleccionistas.

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LA EXPOSICIÓN

La muestra se divide en tres ámbitos: la historia del tebeo, sus géneros -resaltando sus personajes y autores más populares-, y un epílogo con materiales complementarios.

CRONOLOGÍA HISTÓRICA

Los tebeos son fruto de un periodo histórico concreto, los acontecimientos de cada momento influyeron en sus contenidos y evolución.

1917—1939: desde la aparición de TBO hasta el final de la Guerra Civil. Es el momento de revistas importantes como Pulgarcito, Macaco, Aventurero, Mickey o La revista de Tim Tyler. Estas tres últimas introducen en España las tiras de prensa norteamericanas realistas. Por supuesto, hablaremos de los tebeos en la Guerra Civil, divididos en los dos bandos: el Nacional (Flechas y Pelayos, Chicos…) y el Republicano (Pionero Rojo, Camaradas…).

1940—1966: desde la más inmediata posguerra hasta 1951. Este año es importante por el retorno de TBO y Pulgarcito, la continuidad de Chicos y el nacimiento de Mis Chicas, Jaimito, Pocholo, El Coyote o Florita. Destacan, sobre todo, los populares cuadernos apaisados de aventuras (Roberto Alcázar y Pedrín, El guerrero del antifaz, Azucena, El jinete fantasma, Hazañas Bélicas). En 1951, el recién creado Ministerio de Información y Turismo anula la diversificación entre publicaciones «periódicas» y «folletos», con lo que administrativamente es factible publicar tebeos sin ningún tipo de restricciones. Esta es la etapa en la que se publica un mayor número de colecciones de tebeos.

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Es el momento de la aparición de títulos como: El Cachorro, El DDT, Aventuras del FBI, Tony y Anita, La Risa, Tío Vivo, El Capitán Trueno y los nuevos TBO y Pulgarcito.

1967-1977: la última etapa de los tebeos. El fin se debe a las estrictas normas de regularización del Estatuto de Publicaciones Infantiles y Juveniles. Incluso algunas escenas publicadas en los años cuarenta fueron censuradas en las reediciones de esta época porque un Estatuto de 1967 marca a hierro y fuego los contenidos de los tebeos. Los cuadernillos apaisados prácticamente desaparecen, en beneficio de las revistas y de las novelas gráficas para adultos. Aparecen revistas nuevas, más modernas, como Tintín, DDT o Bravo. Y desde 1968 (año clave), el mercado da un giro radical, con títulos como Delta 99, Dossier Negro, Gaceta Junior o Trinca.

Es también el momento de la masiva presencia de revistas de Bruguera (Mortadelo, Zipi y Zape), de la aparición de El Papus y la versión española del comix underground norteamericano.

La muestra finaliza en 1977, año en el que aparecen publicaciones como El Jueves y Totem, que definitivamente dan pie al cómic de autor en perjuicio de los tebeos, e incluso la palabra «tebeo» queda entonces ligada a productos infantiles y juveniles aparecidos durante el franquismo.

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LOS GÉNEROS. PERSONAJES Y AUTORES DEL TEBEO

En esta sección se muestran los títulos más importantes de los tebeos españoles separados por su temática, destacando en cada apartado los personajes y autores más populares.

LOS TEBEOS DE HUMOR. Los primeros en aparecer en nuestra historia y los más longevos e importantes: TBO, Pulgarcito, Pumby, El DDT, Jaimito… Son tebeos de humor cotidiano algo crítico (Pulgarcito) o, todo lo contrario, de tema fantástico (Hipo, Monito y Fifí). En este apartado, destacan series y personajes como Los grandes inventos de TBO o La Familia Ulises (TBO), El repórter Tribulete, Zipi y Zape, o Mortadelo y Filemón, Pulgarcito; y autores como Benejam, Coll, Opisso, Cifré, Peñarroya, Escobar, Vázquez, Ibáñez o Boix.

LOS TEBEOS DE AVENTURAS. Junto con el del humor, el género más importante por la calidad y cantidad de títulos. Se consideran tebeos de aventuras los géneros histórico, bélico, ciencia ficción y fantástico, policiaco, del Oeste y las aventuras exóticas. En este apartado se incluyen tanto las revistas (Chicos, El Coyote, Futuro) como los cuadernillos apaisados de aventuras (El guerrero del antifaz, Hazañas Bélicas, Aventuras del FBI, El Capitán Trueno, Diego Valor…). Destacan series y personajes como Cuto (Chicos), El guerrero del antifaz, Hazañas Bélicas, El Capitán Trueno, Pantera Negra o Diego Valor; y autores como Jesús Blasco, Emili Freixas, Manuel Gago, Boixcar, Víctor Mora, Ambrós o Pedro Quesada.

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LOS TEBEOS ‘OFICIALES’. Se revisa un fenómeno muy importante en la historia de los tebeos: la consolidación de «los tebeos confesionales». Algunos son financiados directamente por el régimen político del momento o por instituciones religiosas que intentaban adoctrinar a niños y jóvenes. En sus páginas aparecieron series como Cubillo y Pirracas o Antonio Barbas Heredia, y publicaron autores como Aróztegui, Castanys, Iranzo o Luis Vigil.

LOS TEBEOS ROMÁNTICOS. El cuarto gran género de los tebeos es aquel dirigido sobre todo a niñas y jovencitas, que narraban relaciones sentimentales intentado marcar y reforzar unos patrones ya desfasados para la mujer, como el de madre y ama de casa (Mis Chicas, Azucena, Florita, Sissi, Claro de Luna…). Paralelamente se muestran los primeros tebeos de «liberación femenina» en los que la heroína tiene un trabajo concreto (como Lilian, azafata del aire o Mary Noticias). En este apartado destacan la serie Patty’s World (Esther), y autores y autoras como Pili Blasco, Vicente Roso, Rosa Galcerán, Purita Campos o Carme Barbará.

SUPLEMENTOS DE TEBEO. A imitación de los suplementos dominicales de comics de los periódicos norteamericanos, algunos diarios españoles publicaron suplementos en formato de tebeo o revistas dirigidas al público infantil (Gente Menuda de ABC o los tebeos de Levante y La Prensa). Destaca la presencia de autores como Francisco López Rubio, Bartolozzi, Segura o Jaime Rumeu.

LAS NOVELAS GRÁFICAS. En sus cabeceras se leía «Novela gráfica para adultos» y eran tebeos de personajes y géneros distintos, casi siempre con historias completas de 64 páginas, lo que rompe el clásico «continuará» de las historietas por entregas como Hazañas Bélicas.

LAS AGENCIAS. Los profesionales españoles de la historieta pudieron formarse y ganar dinero —sobre todo a partir de 1958, cuando la industria española empezaba a flaquear— gracias a las agencias. Estas eran empresas creadas por los propios autores que viajaban por todo el mundo para buscar trabajo a los dibujantes que representaban. Agencias como Histograf, Selecciones Ilustradas o Bardon Art dieron trabajo a cientos de profesionales de la historieta española, publicados en Francia, Italia, Gran Bretaña, Suecia, Alemania o EE. UU., con presencia de dibujantes como Pepe González, Jesús Blasco, Longarón o Esteban Maroto.

LOS TEBEOS ROMPEDORES. Desde 1968 se marca una nueva pauta: los tebeos dirigidos a públicos más adultos, con historias que, aun pendientes de la censura, empezaban a mostrar una revisión de los géneros e, incluso, unos primeros apuntes de erotismo. Es el caso de publicaciones como Dossier Negro, El Papus, El Jueves o Trocha/Troya donde destacan como autores Carlos Giménez, Calatayud, Ja, Ivà, Felipe Hernández Cava o Kim.

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EL COMISARIO

ANTONI GUIRAL (Barcelona, 1959), comisario de la muestra, es editor y técnico editorial. Dirigió el Salón del Cómic de Barcelona en 1994 y trabajó como editor en Planeta-DeAgostini, donde se encargó de la Línea Laberinto, dedicada a la producción de cómics de autores españoles. Como periodista especializado ha publicado en periódicos y revistas como El País, El Periódico, Arbor o ABC; como guionista, ha escrito series publicadas en revistas nacionales y extranjeras. En su faceta de divulgador de la historieta ha impartido conferencias, ha coordinado cursos sobre cómic y ha comisariado varias exposiciones. Es autor de libros de estudio de la historieta como Cuando los cómics se llamaban tebeos, El Gran Libro de Mortadelo y Filemón o 100 años de TBO, y director de Del tebeo al manga: una historia de los cómics. En 2007 recibió el premio del Salón de Cómic de Barcelona por su tarea como divulgador.

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Antoni Guiral, comisario de la Exposición

 

SOBRE EL MUSEO ABC

El Museo ABC está ubicado en Madrid, en un moderno edificio de casi 4.000 m2 que acoge la Colección ABC. Inaugurado en 2010, tiene un fondo de 200.000 dibujos e ilustraciones firmados por más de 1.500 artistas.

Entre sus objetivos destacan conservar, estudiar y difundir la Colección ABC, así como diseñar y desarrollar actividades en torno al dibujo y la ilustración contemporánea –cómic, animación, graffiti, entre otros—. Se ha convertido en un lugar de referencia internacional en estas disciplinas y, gracias a su Colección y programación, es una propuesta única en España y en el continente.

HISTORIETAS DEL TEBEO. 1917 — 1977 EXPOSICIÓN DEL 31 OCT 2017 — 04 FEB 2018

MUSEO ABC Amaniel 29-31. 28015 Madrid

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Ghost in the Shell: El alma de la máquina (Ghost in the Shell) (2017)

Posted in Cómic, Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno, thriller on 31 marzo, 2017 by belakarloff

En un futuro indeterminado, los seres humanos se someten a implantes cibernéticos. Major es creada trasplantando su cerebro a un cuerpo robótico. Su misión es trabajar al lado de la justicia. Pero comienza a tener dudas acerca de su propio origen.

Dirección: Rupert Sanders. Producción: Arad Productions, DreamWorks, Grosvenor Park Productions, Paramount Pictures, Reliance Entertainment, Seaside Entertainment, Steven Paul Production. Productores: Ari Arad, Michael Costigan, Steven Paul. Co-productores: Holly Bario, Jane Evans, Maki Terashima-Furuta. Productores ejecutivos: Tetsuya Fujimura, Mitsuhisa Ishikawa, Yoshinobu Noma, Jeffrey Silver. Guion: Jamie Moss, William Wheeler, según el cómic de Masamune Shirow. Música: Lorne Balfe, Clint Mansell. Fotografía: Jess Hall. Diseño de producción: Jan Roelfs. Montaje: Billy Rich, Neil Smith. Efectos especiales: Atomic Fiction, Clear Angle Studios, Framestore, Gentle Giant Studios, Iloura, Lidar Guys, Lola Visual Effects, Moving Picture Company, Odd Studio, Painting Practice, Prime Focus World, Territory Studio, Weta Workshop. Intérpretes: Scarlett Johansson (Major), Pilou Asbæk (Batou), Takeshi Kitano (Aramaki), Juliette Binoche (doctora Ouelet), Michael Pitt (Kuze), Chin Han (Han), Danusia Samal (Ladriya), Lasarus Ratuere (Ishikawa), Yutaka Izumihara (Saito), Tawanda Manyimo (Borma), Peter Ferdinando (Cutter), Anamaria Marinca (doctora Dahlin), Daniel Henshall, Mana Hira Davis, Erroll Anderson, Kai Fung Rieck, Andrew Stehlin, Matthias Luafutu, John Luafutu, Kaori Momoi, Kaori Yamamoto… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 120 min. Color 1.85:1 2D – 3D.

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¿Sueñan los cyborgs con implantes mecánicos?

¿Para qué sirve un remake? Esa es una pregunta que, de forma periódica, asalta a algunos aficionados cuando surge una nueva versión de una película especialmente admirada. Aparte del obvio objetivo comercial, a veces, cuando se plantean con imaginación, pueden aportar algo diferente, ni mejor o peor implícitamente, con respecto al precedente. Este es uno de los casos.

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Téngase en cuenta que Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii, es un anime que adaptaba el manga homónimo de Masamune Shirow con ciertas libertades. Después ha habido otras dos versiones más, en 2006 y 2008 (véase el anecdotario). Esta adaptación hollywoodiense venía gestándose desde hacía tiempo, y al fin ha logrado ver la luz.

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En verdad, analizar la película desde la perspectiva comparativa con el original cinematográfico puede resultar fascinante. Recordemos que el film de Oshii planteaba dos líneas argumentales paralelas, por un lado acerca de ciertas intrigas empresariales, y por otro lado respecto a lo que rodeaba a su protagonista cibernética. Aquí los guionistas, Jamie Moss y William Wheeler, han efectuado una curiosa labor de transmutación: la historia de intrigas empresariales, hasta cierto punto, ha desaparecido, desarrollándose otra nueva; de este modo, no tenemos al Titiritero, sino a Kuze, aunque la trama sigue en cierto sentido muchos aspectos narrativos de su precedente, y algunos momentos están reproducidos fielmente, en imagen y/o en diálogos –así, inclusive, la secuencia de créditos, donde se crea a la protagonista–. Es decir, se nos narra otra historia, pero emulando momentos de la precedente, lo cual representa un singular ejercicio conversor. Por otro lado, esa nueva historia está articulada por completo con esa segunda sub-trama del film de Oshii, a tal punto que una no puede existir sin la otra, y una trama conduce irrevocablemente a la otra.

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De tal manera, todo lo que respecta a la aquí llamada Major –en el original japonés se trataba de Motoko Kusanagi[1]– es desarrollado a mayor profundidad. Pese a arrancar la historia en medio de una misión, con posterioridad se exploran sus orígenes y su pasado, siendo mucho más concienzuda en ese sentido que su homónimo animado.

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Luego todo dependerá de impresiones subjetivas en lo que concierne a la conjunción entre ese apartado digamos intimista y la espectacularidad de la propuesta, con respecto a la utilización de efectos especiales –abundantísima– y la de escenas de acción –generosas–. Por mi parte, creo que está bien conjuntado, y esta especie de mezcla entre Blade Runner, RoboCop y Matrix arroja saldos positivos. De esa manera, una parcela no devora a la otra, y el film exhibe un moderado equilibrio entre lo enfático y lo circunspecto. Por tanto tenemos un film espectacular, donde la mayoría de sus imágenes contienen efectos especiales, donde abundan las persecuciones y los disparos, pero que al tiempo se ocupa en desarrollar la psicología de su personaje principal, en una exploración de su pasado que contiene no pocas cotas emocionales.

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El director es Rupert Sanders, responsable de Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the Huntsman, 2012), que, sinceramente, no me molesté en ver. Pero es de destacar su habilidad para reproducir el ritmo visual y la estética de la animación por medio de imágenes reales. Mimetiza con estilo el talante hiperbólico de este tipo de narrativa, así como el del cine de acción contemporáneo, otorgándole algo de poso a la belleza estética que impera en este tipo de planos. Quién sabe, puede que en un futuro se desvele como un realizador a considerar.

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La película ofrece en su versión 3D algunos momentos llamativos, como cuando nuestra heroína atraviesa una cristalera a cámara lenta, en el más puro estilo Matrix, y los trozos de cristal parecen flotar sobre nosotros. Sin embargo, al menos al pase al que asistí, se percibía cierta doble imagen un tanto molesta, amén de oscurecer en exceso la imagen (véase la cena del inicio, donde la penumbra era excesiva). La versión en 2D[2] pierde esa espectacularidad, pero procura una imagen más limpia y uno puede centrarse en la trama sin perderse en adornos superfluos. Añadamos a nivel anecdótico que, en la versión original, los personajes hablan en inglés, salvo Takeshi Kitano y algún secundario, que lo hacen en japonés; sin embargo, en la interacción entre unos y otros personajes en dos idiomas distintos todos se entienden entre sí perfectamente. ¿Traductores simultáneos implantados en el cerebro? Quién sabe…

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Anécdotas

  • Título en Chile: Ghost in the Shell: Vigilante del futuro.
  • Margot Robbie (Harley Quinn en Escuadrón Suicida) fue considerada para el papel protagonista. Para el papel de Batou se pensó en Matthias Schoenaerts. Hubo conversaciones con Sam Riley para incorporar a Hideo.
  • En la versión doblada para el Japón algunos intérpretes repiten el rol del anime, así Atsuko Tanaka (Major), Akio Ôtsuka (Batou) y Kôichi Yamadera (Togusa).
  • En los títulos de crédito finales suena la música del anime.
  • Remake de Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii. Otros remakes previos: Kôkaku kidôtai: Stand Alone Complex Solid State Society (2006) [telefilm]; Ghost in the Shell 2.0 (2008).
  • Estrenada en premiere en Japón el 16 de marzo de 2017. En Estados Unidos se estrenó el 31 de marzo, así como en España.

 

Bibliografía

  • The Ghost in the Shell; por Masamune Shirow; traducción, Victoria Simó. Barcelona: Planeta-DeAgostini, 1998. T.O.: Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell (1989).

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] El convertir un personaje originalmente japonés en uno occidental, por supuesto, provocó no poca polémica y hasta protestas. Aunque ha de decirse que la primera aparición de Scarlett Johansson, por la posición y el maquillaje, hace aparentarle rasgos orientales.

[2] Asistí a un pase de prensa donde se proyectaron los quince primeros minutos en 3D y, después, la película entera en 2D, por lo cual resultó interesante comparar.

La 44ª edición del Curtas Film Festival unirá el cine y el cómic

Posted in Cómic, Ciencia ficción, Cine, Festivales, Noticias on 5 septiembre, 2016 by belakarloff

Los aficionados al cine, el cómic y la ilustración tienen una nueva cita

del 24 de octubre al 1 de noviembre en Vilagarcía de Arousa (Pontevedra)

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Del 24 de octubre al 1 de noviembre, el Certamen Audiovisual Internacional de Vilagarcía de Arousa, también conocido como CURTAS FILM FEST, llegará a su 44ª edición convirtiéndose en un evento multidisciplinar que acogerá a muchos invitados del mundo del cine y la televisión, proyecciones de largometrajes y cortometrajes, y numerosas actividades paralelas. Entre estas, las primeras Jornadas del Cómic de Vilagarcía acercarán a la ciudad algunos de los más conocidos artistas nacionales del noveno arte, así como exposiciones, sesiones de firmas, concursos de videojuegos y cosplay, juegos de rol, cartas y tablero.

Autores como Alfonso Azpiri, Juan Giménez o Salvador Larroca, entre otros, visitarán la localidad para presentar su arte y mantendrán encuentros con el público asistente, además de sendas sesiones de firmas que permitirán a los aficionados llevarse un recuerdo inolvidable a sus casas.

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En el apartado audiovisual, y como viene siendo habitual, el Curtas Film Fest también contará con una sección competitiva de cortometrajes con premios para el mejor cortometraje de imagen real, mejor corto de animación, mejor corto gallego, mejor director y mejor director gallego, para los que los cortometrajistas ya pueden enviar trabajos a través de las principales plataformas online.

La nostalgia también tendrá su hueco en el festival con Volta ós 80, ciclo que nos permitirá viajar en el tiempo para disfrutar de algunos de los títulos más destacados de una época irrepetible en la gran pantalla como Regreso al Futuro, Gremlins o Los Goonies. Otros ciclos que podrán disfrutarse en el festival serán De la viñeta a la pantalla, con Batman y Superman encabezando la lista de películas basadas en personajes del cómic, o Cinefílias, dedicado a los clásicos del séptimo arte y el cine de autor.

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Además el 31 de octubre el Festival celebrará el Samaín por todo lo alto, con talleres destinados a los más pequeños –y a los que no lo son tanto– en los que podrán esculpir su calabaza o maquillarse como un monstruo para luego recorrer las calles de Vilagarcía en el Desfile de la Santa Compaña, rematando la fiesta en el Baile de los Vampiros, una fiesta en la que además de disfrutar de buena música podrán ganar premios con su disfraz.

Muy pronto se presentará el cartel y el programa completo del evento organizado por la Asociación Cultural Curtas, que cuenta con el patrocinio del Ayuntamiento de Vilagarcía de Arousa, la Deputación de Pontevedra y el Liceo-Casino de Villagarcía de Arousa.

 

SOBRE LOS AUTORES:

 

6640gAlfonso Azpiri (Madrid, 1947) nace en el seno de una familia de músicos. A los 25 años colabora por primera vez en el mundo editorial con la revista Trinca, en la que salen las series Dos fugitivos en Malasia y Alpha Cosmos. Tras su cierre, los años siguientes trabaja en algunas revistas eróticas italianas. Fruto de esa experiencia nace en 1979 en las páginas de Mastia su personaje femenino más conocido: Lorna. Al igual que otros de sus cómics, Lorna se ha publicado internacionalmente en revistas como Penthouse o a través de Heavy Metal. En el año 1988 comienza la publicación de Mot en El Pequeño País. Las aventuras de este monstruo, creado junto a Ignacio Moreno (Nacho), continuarían durante cuatro años, y fueron recogidas luego en cinco libros recopilatorios. Unos años después también salió el cómic infantil El Bosque de Lump en el mismo medio. Otras obras suyas son Sueños Húmedos -premio al mejor cómic erótico del Saló del Còmic de Barcelona 2000-, Sensations, Despertares, Demon Wind, Cementerio Estelar -con el guion de Carlos Giménez-, Coxas de Miedo o El Fantasma de Palacio. Además, sus obras han aparecido en revistas míticas como Cimoc, 1984 o Zona 84. También publica adaptaciones de clásicos de la literatura en colaboración con Forges. Aparte de sus publicaciones en revistas, su inquietud le lleva en la década de 1980 por otros caminos como la informática, haciendo doscientas carátulas para juegos y programas de ordenador de varias compañías contemporáneas de software españolas (Dinamic Multimedia, Topo Soft y Opera Soft, entre otras) entre ellos dos de sus más famosos personajes Lorna y Mot. También se involucra en el cine, realizando story-boards, diseños de personajes, escenarios, etc.

 

220px-Juan_Gimenez_GetxonJuan Giménez (Mendoza (Argentina), 1943). Atraído desde muy pequeño por el dibujo, comienza a los diez años copiando las portadas de los libros de bolsillo que llegaban de España y de las revistas norteamericanas, motivado por la fascinación que estas le despertaban.  Su primer trabajo profesional como historietista lo hace a los 16 años. La facilidad para el dibujo, la constancia y sus posteriores estudios de Diseño Industrial fueron de gran utilidad para adentrarse en el mundo del cómic. Posteriormente trabaja para Agencias de Publicidad, realizando storyboards para spots publicitarios. A finales de los setenta deja Argentina y recala en Europa, donde comienza a trabajar para editoriales italianas, españolas y francesas. En 1979 publica Estrella Negra, su primer trabajo a color. Luego aparecerían Basura, Cuestión de Tiempo, El Cuarto Poder, Leo Roa y Juego Eterno, trabajos que denotarían su inclinación por lo fantástico y la ciencia ficción. La aceptación por parte del público y la crítica lo han hecho merecedor de numerosos galardones internacionales: Mejor dibujante elegido por los lectores de las revistas 1984 y Comix Internacional en los años 1983, 1984, 1985 y 1990; premio al mejor dibujante en el Salón del Cómic y la Ilustración de Barcelona en 1984; Yellow Kid otorgado por el Salón Internacional del Cómic de Lucca en 1990; Bulle D’Or…

Ninja Turtles: Fuera de las sombras (Ninja Turtles: Out of the Shadows) (2016)

Posted in Cómic, Ciencia ficción, Cine, Estreno, Reseña on 17 junio, 2016 by belakarloff

Shredder escapa de prisión y se une al científico Baxter Stockman, que tiene la capacidad de abrir dimensiones, lo cual provoca la llegada a la Tierra del extraterrestre Krang. Los tortugas y sus amigos habrán de hacerles frente a todos ellos, así como a dos delincuentes, Bebop y Rocksteady, que han sido convertidos por Stockman en un jabalí y un rinoceronte.

Dirección: Dave Green. Producción: Gama Entertainment Partners, Nickelodeon Movies, Paramount Pictures, Platinum Dunes. Productores: Michael Bay, Andrew Form, Bradley Fuller, Scott Mednick, Galen Walker. Productores ejecutivos: Josh Appelbaum, Eric J. Crown, Grant Curtis, André Nemec, Denis L. Stewart. Productores asociados: Basil Grillo, Lori Scowley. Guion: Josh Appelbaum, André Nemec, según los personajes creados por Peter Laird y Kevin Eastman. Música: Steve Jablonsky. Fotografía: Lula Carvalho. Diseño de producción: Martin Laing. Montaje: Bob Ducsay, Jim May. Efectos especiales: Direct Dimensions, Industrial Light & Magic, Lola Visual Effects, Prime Focus World, Shade VFX. Intérpretes: Megan Fox (April O’Neil), Will Arnett (Vernon Fenwick), Laura Linney (jefa de policía Vincent), Stephen Amell (Casey Jones), Noel Fisher (Michelangelo), Jeremy Howard (Donatello), Pete Ploszek (Leonardo), Alan Ritchson (Raphael), Tyler Perry (Baxter Stockman), Brian Tee (Shredder), Sheamus [Stephen Farrelly] (Rocksteady), Gary Anthony Williams (Bebop), Peter Donald Badalamenti II (Splinter), Tony Shalhoub (Splinter [voz]), Brad Garrett (Krang [voz]), Opal Alladin (oficial de seguridad), Brittany Ishibashi (Karai), Connor Fox (Trevor), Alessandra Ambrosio, Stan Demidoff, Jill Martin, Greg Hildreth, Dean Winters, Antoinette Kalaj, Alice Callahan, Jane Wu… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 112 min. Color 2.35:1 2D / 3D.

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La película previa de la saga tuvo un éxito enorme: con un presupuesto de 125 millones de dólares, el primer fin de semana logró una recaudación de más de 65 millones, es decir, habían recuperado la mitad de lo invertido. No es de extrañar que a los dos días de estar en cartel ya se planteara una secuela. Desde entonces –inicios de febrero de 2015– hasta ahora, los productores han invertido diez millones de dólares más en la realización de la presente. Ignoro si también dieron alguna orden a los guionistas Josh Appelbaum y André Nemec –también responsables de la previa, junto a Evan Daugherty– para que se esforzaran un poquito. Por los resultados, da la impresión de que no.

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Vamos a ver: todos sabemos qué es Tortugas ninja. No es Shakespeare, ni siquiera es buen cine de acción. Es una payasada para público de centro comercial, sin muchas exigencias cualitativas, que solo busca ver un montón de efectos especiales, peleas y chistes malos. Eso es todo. La presente película ofrece eso, y nada más. Claro que eso se puede hacer, dentro de sus limitaciones, con cierto sentido de respeto al espectador, intentando que, dentro de sus parámetros, luzca con cierta decencia. En ese sentido, lo único que destaca de forma positiva –al igual que en la entrega anterior– es su colorida fotografía, de una intensidad poco habitual en el cine contemporáneo. Por lo demás, su gran presupuesto no luce por lado alguno, y los efectos especiales son ramplones. Los actores, algunos de ellos hasta buenos, no parecen esforzarse lo más mínimo, acaso conscientes de la tontería en la cual están sumergidos, y da auténtica vergüenza ajena verlos desfilar por este engendro, que por tópico no perdona siquiera los socorridos chistes de pedos.

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Lo más chocante de esta nadería es que, pese a su innegable simplonería, en un momento determinado los guionistas de pronto parecen tener un acceso de remordimientos por el poco empeño ejercido en su labor y, de pronto, intentan proporcionar a la trama de un trasfondo: por un lado, la falta de madurez de sus hermanos de la que se queja el líder de las tortugas, que acaba por aceptar a sus compañeros tal como son, con sus limitaciones; y el propio discurso de que uno debe ser aceptado por su condición, sin necesidad de fingir lo que no se es; las máscaras (sociales) son innecesarias y quien no te acepte que le den…

'Teenage Mutant Ninja Turtles 2' movie set Where: Manhattan, New York, United States When: 12 May 2015 Credit: TNYF/WENN.com

 

El director de todo esto es Dave Green, que con anterioridad había dirigido cinco cortos, una serie televisiva de cortometrajes y el largo Tierra a Eco (Earth to Echo, 2014), que no llegué a ver. Al margen de esto, ha tenido una carrera cinematográfica breve, entre lo que figura trabajar de ayudante en Spider-Man 2 (2004) y Spider-Man 3 (2007). Con la presenta cinta se descubre como uno de esos clásicos realizadores sin personalidad, dóciles, muy útiles para los productores que carezcan de inquietudes artísticas y solo busquen el típico blockbuster simplón. Le auguro un gran futuro.

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Anécdotas

  • Dos días después del estreno de la anterior entrega se anunció esta secuela.
  • Judith Hoag, que hizo de April en la película de 1990, rodó un cameo aquí, pero su aparición fue eliminada del montaje definitivo. Otros actores de esa cinta, como Elias Koteas y Sam Rockwell, fueron invitados a hacer cameos, pero lo rechazaron.
  • El director es un gran fan de la franquicia desde niño. Se suele disfrazar de Donatello.
  • Kevin Eastman, creador de los personajes, aparece como repartidor de pizzas.
  • Secuela de Ninja Turtles (Teenage Mutant Ninja Turtles, 2014), de Jonathan Liebesman, que suponía un reboot de la franquicia.
  • Estrenada en Estados Unidos el 22 de mayo de 2016, en una premiere neoyorquina. En España se estrenó el 17 de junio.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War) (2016)

Posted in Cómic, Ciencia ficción, Cine, Crítica, superhéroes on 30 abril, 2016 by belakarloff

El capitán América, junto a un reducido grupo de Vengadores, actúa en Nigeria contra un enemigo, provocando una explosión que produce muertes de civiles. La protesta mundial no se hace esperar, y se decreta que los Vengadores han de ser controlados por un comité de las Naciones Unidas. Parte del grupo está a favor de este voto de censura, pero otros no…

Dirección: Anthony Russo y Joe Russo. Producción: Marvel Entertainment, Marvel Studios, Studio Babelsberg. Productor: Kevin Feige. Co-productores: Mitchell Bell, Christoph Fisser, Henning Molfenter, Charlie Woebcken. Productores ejecutivos: Victoria Alonso, Louis D’Esposito, Alan Fine, Stan Lee, Nate Moore, Patricia Whitcher. Productores asociados: Ari Costa, Trinh Tran, Lars P. Winther. Guion: Christopher Markus, Stephen McFeely, basado en el cómic de Mark Millar, según los personajes creados por Joe Simon y Jack Kirby. Fotografía: Trent Opaloch. Música: Henry Jackman. Montaje: Jeffrey Ford, Matthew Schmidt. Diseño de producción: Owen Paterson. Efectos especiales: Animal Logic, Base FX, Cantina Creative, Capital T, Cinesite, Direct Dimensions, Double Negative, Exceptional Minds, Industrial Light & Magic, Legacy Effects, Lola Visual Effects, Luma Pictures, Method Studios, Method Studios, Plowman Craven & Associates, Prime Focus World, RISE Visual Effects Studios, Scroggins Aviation, The Third Floor, Trixter Film. Intérpretes: Chris Evans (Steve Rogers / Capitán América), Robert Downey Jr. (Tony Stark / Iron Man), Scarlett Johansson (Natasha Romanoff / Black Widow), Sebastian Stan (Bucky Barnes / Winter Soldier), Anthony Mackie (Sam Wilson / Falcon), Don Cheadle (teniente James Rhodes / War Machine), Jeremy Renner (Clint Barton / Hawkeye), Chadwick Boseman (T’Challa / Black Panther), Paul Bettany (Vision), Elizabeth Olsen (Wanda Maximoff / Scarlet Witch), Paul Rudd (Scott Lang / Ant-Man), Emily VanCamp (Sharon Carter), Tom Holland (Peter Parker / Spider-Man), Daniel Brühl (Zemo), Frank Grillo (Brock Rumlow / Crossbones), William Hurt (Secretario de Estado Thaddeus Ross), Martin Freeman (Everett K. Ross), Marisa Tomei (May Parker), John Kani (rey T’Chaka), John Slattery (Howard Stark), Alfre Woodard (Miriam), Kerry Condon         (Friday, voz), Stan Lee (mensajero), Michael A. Cook, Laughton Parchment, Gene Farber, Florence Kasumba, Cornell John, Sven Hönig, Josh Peck, Brent McGee, Be Satrazemis, Blair Jasin, Oliver Bigalke, Rafael Banasik, David De Vries, John Curran, Katie Amess, Austin Sanders, Brett Gentile, Matthew Anderson… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 147 min. color 1.90:1 (versión IMAX, algunas escenas) 2.35:1 (versión cines) 2D – 3D.

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Los hermanos Anthony y John Russo dirigieron, con gran éxito de público, la entrega anterior del Capi, Capitán América: El Soldado de Invierno (Captain America: The Winter Soldier, 2014)[1]. Pese a cierta tendencia a la desmesura —inherente, de todos modos, a este tipo de productos—, el resultado no fue malo, así pues parecía buena idea contar de nuevo con ellos para esta tercera aventura del soldado congelado. Directores sin personalidad como estos son los más adecuados para unos productores que desean manejar las riendas completas de la película, que ofrezcan los elementos comerciales que busca el público masivo y no se entretengan con pretensiones de autoría. A veces, las piezas del mecanismo encajan. Otras no sucede así, y es lo que ha acaecido en esta ocasión.

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El mayor problema es un guion de gran torpeza, que parece hecho a remiendos, que divaga en exceso y no logra la necesaria homogeneidad narrativa. Además, confía demasiado en la ambigüedad decisoria de los personajes, es decir, las cosas suceden porque así lo desean los protagonistas —esto es, los guionistas—, no por una evolución lógica de los acontecimientos. Todo es muy gratuito, empezando por el propio punto de partida de la idea: si los Vengadores no hubiesen actuado, la Tierra ahora sería un bastión de los Chitauri, por poner un ejemplo. Las muertes de civiles y la destrucción de Nueva York es solo algo consecuencia del ataque de los extraterrestres, no de la intervención de los superhéroes. Sostener la tesis del film haciendo que ellos sean los causantes de todo es, como mínimo, absurdo.

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La primera mitad de la película —hasta que llega el enfrentamiento en el aeropuerto— ofrece un tono de cinta de espionaje de los setenta muy agradecido. Es una lástima la referida flojedad del guion, que va dando saltos de una situación a otra, y que no logra encauzar la narración en momento alguno, consiguiendo un resultado disperso y frío, una película sin alma, sin emoción. Además, las escenas físicas entre los actores, las peleas donde se les distingue el rostro, están rodadas de un modo pésimo, acelerando la imagen y efectuando trucos de montaje mediante la eliminación alterna de fotogramas. Teóricamente, eso otorga un gran ritmo a las escenas, pero resulta mareante —no quiero imaginarme cómo será verlas en 3D—, amén de apenas distinguirse lo que sucede. Las secuencias donde intervienen masivamente los efectos especiales, por el contrario, ofrecen una planificación más visible.

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La escena en la cual Tony Stark va a visitar a Peter Parker supone un punto de inflexión en la cinta, por fin las cosas se calman un poco y aparece algo de alma en la película, gracias a la estupenda dinámica que se establece entre Robert Downey Jr. y Tom Holland. Este último, además, aparte de adecuarse, al fin, en edad al personaje, logra conferir el tono preciso al mismo para que resulte simpático y no cargante. Cuando luego lo veamos en acción como Spider-Man será el clásico guasón de los tebeos, pero de nuevo bien integrado en la situación; en este sentido (y en otros) supera con creces a sus dos inmediatos predecesores.

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A continuación viene la referida escena del aeropuerto, la del enfrentamiento entre los dos grupos de Vengadores y, sencillamente, es una maravilla. Todo el esfuerzo parece haberse concentrado ahí, y la dinámica, la emoción, la diversión, todo ello brota con dinamismo, con sorpresa, y la secuencia entera supone un gozo enorme para el aficionado a los superhéroes.

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Lástima que después todo se derrumbe de nuevo, y la parte final carece de potencia, resultando inclusive anti-climática. Los momentos últimos en la fortaleza siberiana parecen más propios de un telefilm barato que de una película de alto presupuesto, y cuando se desvelan las motivaciones del malo —estupendo Daniel Brühl— resultan de lo más risibles. De nuevo aquí se desvela la flojedad de un guion que, como es habitual también, ofrece un planteamiento muy elemental, pero construido de un modo algo lioso para aparentar una complejidad inexistente.

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Cabe resaltar, con todo, que en el aspecto interpretativo la película eleva el nivel desde títulos anteriores. Tony Stark aquí no es el payaso incontrolable de otras entregas y se muestra huraño e irascible, lo cual posibilita que Robert Downey Jr. demuestre que, cuando quiere, es un excelente actor. Personalmente, me cautiva el tono con el cual Paul Bettany enfoca su rol de la Visión. Todo un descubrimiento ha sido la incorporación de los dos nuevos personajes, Spider-Man y Pantera Negra, interpretados respectivamente por Tom Holland y Chadwick Boseman con gran convicción. Incluso Paul Rudd está algo más soportable como Ant-Man que en la cinta que lo presentó. William Hurt, como siempre, con su sola presencia llena la pantalla. Y ya se ha mencionado el gran cometido que realiza nuestro Daniel Brühl con un personaje de una pieza, descrito con cuatro brochazos y cuatro tópicos, y que él llena de humanidad y lo hace, hasta cierto punto, cercano. El resto del reparto también funciona con habilidad.

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En definitiva, Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War, 2016) es el clásico producto realizado para entusiasmar a los previamente convencidos, pero que no efectúa el mínimo esfuerzo por aportar algo que eleve los resultados del mero producto de consumo masivo. Solo la escena de Stark y Parker y la del aeropuerto hacen concebir lo que hubiera podido ser si esa voluntad se hubiera aplicado al film en su totalidad.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y México: Capitán América: Guerra civil.
  • Títulos falsos de rodaje: Captain America: Serpent Society / Sputnik.
  • Títulos de rodaje: Captain America 3 / Captain America: The Fallen Son.
  • El dron que usa el Halcón, llamado Redwing, en el cómic es un halcón de verdad.
  • Con diecinueve años de edad, Tom Holland es el Spider-Man más joven que ha aparecido en cine o televisión, en imagen real.
  • Entre los finalistas para el papel de Spider-Man quedaron Tom Holland, Asa Butterfield, Judah Lewis, Matt Lintz, Charlie Plummer y Charlie Rowe.
  • El disfraz de Pantera Negra es una mezcla de traje real y efectos visuales.
  • William Hurt interpreta a Ross, papel que ya hizo en El increíble Hulk (2008).
  • Entrega nº 13 de la saga cinematográfica de Marvel.
  • Joe Russo, uno de los directores, ha citado como influencias para esta película Seven y Fargo [!].
  • Inicialmente, estaba previsto que en el film apareciera Hulk, pero finalmente fue eliminado y trasladado al film de Thor.
  • Para el papel de Pantera Negra fue considerado Chad L. Coleman (The Walking Dead).
  • A mitad de los créditos finales hay una escena más, y al final, otra.
  • La inmediata secuela a la presente será Thor: Ragnarok (Thor: Ragnarok, 2017), aunque también hay vías que conducen a Vengadores: La guerra del infinito – 1ª parte (Avengers: Infinity War – Part I, 2018), Ant-Man and the Wasp (2018) y sendas películas con Spider-Man —Spider-Man: Homecoming (2017)— y Pantera Negra —Black Panther (2018)—.
  • Estrenada en Estados Unidos, en una premiere de Los Ángeles, el 12 de abril de 2016, pero no se estrenará masivamente hasta el 6 de mayo. En España se estrenó el 29 de abril.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Su siguiente participación en el Universo Cinematográfico Marvel será rodar la próxima entrega de la saga de Los Vengadores, que se segará en dos partes.

Herald: Lovecraft & Tesla

Posted in Cómic, Ciencia ficción, Fantasía, Noticias, Terror on 29 septiembre, 2014 by belakarloff

El trabajo de H. P. Lovecraft (1890-1937) ha sido adaptado en bastantes ocasiones al mundo del tebeo; por mencionar, dos ejemplos en la serie HP Lovecraft, Master of Horror del sello editorial Adventure Comics, perteneciente a Malibu Graphics Publishing Group, donde varias historias del autor fueron trasplantadas a las viñetas, o Los mitos de Cthulhu del español Esteban Maroto, publicada en la revista El Capitán Trueno en 1986, donde éste adaptaba varios relatos. Pero también ha sido personaje él mismo, por ejemplo, en la serie de solo cuatro números editada de 2009 por Image Comics, The Strange Adventures of H.P. Lovecraft de Mac Carter, guionista, y Tony Salmons, dibujante, donde el escritor de Providence se enfrenta a sus propias creaciones. O con dos versiones juveniles de Lovecraft como Howard Lovecraft and the Kingdom of Madness de Bruce Brown y Thomas Boatwright editado por Arcana Studio, al que han seguido otras aventuras, y El joven Lovecraft de José Olivier (guion) y Bartolo Torres (dibujo), que empezó como un webcómic de Internet con tiras semanales que después han pasado al papel.

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En diciembre de 2014, en concreto el 24, se editará en Estados Unidos Herald: Lovecraft & Tesla de la editorial Action Lab Entertainment, de mano del guionista John Reilly y el dibujante Tom Rogers, siendo Dexter Weeks el encargado de las tintas y del color. Serán tres números y costará cada uno 3,99 dólares. El primer número tendrá dos portadas a cargo de Tom Rogers y Colin Dyer.

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Cuando la novia de Tesla, Amelia Earhart, va a parar a otra dimensión después de robar un artefacto inacabado de este, Tesla busca a Lovecraft por su destreza arcana para rescatarla. El viaje los enfrentará contra antiguos dioses, sociedades secretas, extrañas tecnologías y otros villanos históricos como Aleister Crowley y Thomas Edison. Aunque también Lovecraft tendrá sus propios problemas, ya que está investigando la identidad del “Heraldo de Cthulhu”.

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