Archive for the Crítica Category

Train to Busan (Busanhaeng) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno, Terror on 27 enero, 2017 by belakarloff

Un ejecutivo se ve en la obligación de acompañar a su pequeña hija en un viaje en tren para que la niña se reúna con su madre. Pero el monótono desplazamiento se verá alterado cuando en el vehículo se desate una epidemia zombi.

Dirección: Sang-ho Yeon. Producción: RedPeter Film. Productores: Lee Dong-ha, Kim Yeon-Ho. Guion: Sang-ho Yeon, Park Joo-Suk. Música: Jang Young-gyu. Fotografía: Hyung-deok Lee.  Montaje: Yang Jin-mo. Efectos especiales: Jung Hwang-su (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Yoo Gong (Seok Woo), Soo-an Kim (Soo-an), Yu-mi Jeong (Sung Gyeong), Dong-seok Ma (Sang Hwa), Woo-sik Choi (joven Gook), Sohee (Jin-hee), Eui-sung Kim (Yong-Suk), Gwi-hwa Choi (mendigo), Jang Hyuk-Jin (Ki-chul), Seok-yong Jeong (capitán de KTX), Chang Hwan Kim (Kim Jin-mo), Myung-sin Park (Jong-gil), Eun-kyung Shim (chica que huye), Soo-jung Ye (In-gil)… Nacionalidad y año: Corea del Sur 2016. Duración y datos técnicos: 118 min. Color 1.85:1.

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Zombis a todo tren

Innovar en el ámbito de cine de zombis es difícil. Por un lado, por la propia limitación temática, y por otra, porque en cine existen restricciones también de carácter técnico: lo que en cómic, animación o literatura es factible, en el cine de imagen real resulta dificultoso si no existen medios económicos. De ahí la preponderancia a títulos de carácter intimista, entre los que podemos citar, de producción reciente, el muy atractivo y poco considerado Maggie (Maggie, 2015), de Henry Hobson.

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Resulta curioso que el director de Train to Busan (Busanhaeng, 2016), Sang-ho Yeon, proceda del mundo de la animación, con diversas realizaciones en ese ámbito, con cierta predilección por el thriller. Ese mismo año había rodado un film de animación titulado Seoul Station, que supone una precuela al presente, ambientándose un día antes. Y con el presente debuta en el cine de imagen real, aunque su campo de trabajo previo se percibe, en especial en las trepidantes escenas de acción.

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No sé, dentro del ámbito del cine surcoreano, si la presente es una producción cara, pero al menos tiene un empaque solvente y luce espectacular. Si bien el arranque entra dentro de la consideración de cine intimista que mencionábamos antes, con algunas escenas entre el protagonista y su madre, que hace preguntarse un tanto qué sentido tienen con lo que, imaginamos, vendrá después. Pero tiene importancia, puesto que Train to Busan busca ser cine de personajes, pese a su temática y su aire desmesurado, y todo lo que acontece tiene relación con lo que hagan los protagonistas y cómo reaccionan en todo momento.

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De esta manera, tenemos un reparto coral, aunque focalizado en el padre y la niña, donde una serie de personajes reaccionan de distintas maneras ante la catástrofe que se les echa encima. Es destacable el hecho de que los comportamientos egoístas se verán castigados, antes o después, si bien la abnegación tampoco será compensada, pues algunos personajes “positivos” caerán en la criba final. Y es que, como es norma en el cine oriental, el elemento de melodrama exacerbado es muy acusado, y los momentos finales del film son de llorar a moco tendido, con una intensidad que ni la conclusión de Imitación a la vida (Imitation of Life, 1959), de Douglas Sirk.

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Pero, por supuesto, el plato fuerte de la película son las escenas de zombis. En este sentido, cabe referir que se trata de la modalidad de “infectados”, que muerden masivamente, pero no existe gore en las escenas, y lo que más se ve con los maquillajes aparatosos, con venas azuladas en el rostro y ojos de pescado muerto.

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Es una buena idea ubicar la acción en un tren de gran velocidad, con los zombis anegando los pasillos, y sin tener los personajes lugar alguno al que huir… a menos que se tiren en marcha, lo que a ninguno se le ocurre. De este modo, tenemos una ambientación claustrofóbica, si bien al mismo tiempo se aporta un contexto novedoso. Si acaso, la película podría recordar a los momentos finales de la estupenda Pánico en el transiberiano / Horror Express (1972), de Eugenio Martín. Se nos ofrece la peculiaridad de que los infectados no ven en condiciones difíciles, así los personajes pueden recurrir a diversas técnicas para pasar inadvertidos, como los túneles que atraviesan ocasionalmente y otras.

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Una vez se desata la primera actividad zombi en el tren, es un no parar desde ahí hasta el final. La película dura casi dos horas, pero el viaje se hace rápido, la acción es trepidante y la cinta resulta sumamente divertida. Existe cierta exageración en todo momento, en ningún momento se busca hacer una cinta de horror realista, sino una cachondada pasada de rosca, con un leve perfil de humor, pero nada explícito.

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Train to Busan es una película gozosa, creada para entretener, pero con una fórmula pertinente, y donde en especial el director, Sang-ho Yeon, demuestra disponer de nervio y gran capacidad para la atmósfera. Será interesante seguir su carrera a partir de ahora. Y, por favor, a los distribuidores se les rogaría que intentaran rescatar alguna muestra de su trabajo previo. Creo que puede valer mucho la pena.

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Anécdotas

  • Título en Argentina: Invasión Zombie. Título en Chile y Perú: Estación Zombie. Título en México: Estación Zombie: tren a Busan.
  • En el Festival de Sitges de 2006 fue premiada a mejor director y a los efectos especiales. En los premios de los Korean Association of Film Critics fue galardonada a los efectos de maquillaje y entre las diez mejores películas del año. En el Fantasia Film Festival ganó el Cheval Noir a mejor película y el premio de la audiencia a mejor película oriental.
  • En dieciembre de 2016 se ha anunciado a través de Variety que Gaumont producirá un remake en inglés de Train to Busan.
  • La película se rodó entre el 26 de abril y el 19 de agosto de 2015.
  • Estrenada en Corea del Sur el 20 de julio de 2016. En España se estrenó el 5 de enero de 2017.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

Desierto (Desierto) (2015)

Posted in Aventuras, Cine, Crítica, Criminal, Estreno on 5 enero, 2017 by belakarloff

Un grupo de mexicanos atraviesa el desierto en una camioneta, con intención de cruzar la frontera con Estados Unidos, cuando el vehículo se avería. Tienen que seguir a pie, sin saber que entre los riscos acecha un norteamericano racista con su perro que se propone darles caza…

Dirección: Jonás Cuarón. Producción: Esperanto Kino, Itaca Films, CG Cinéma. Productores: Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón, Jonás Cuarón, Alex García, Charles Gillibert. Productores ejecutivos: Nicolás Celis, Santiago García Galván, Gael García Bernal, David Linde. Productor asociado: Patrick André. Guion: Jonás Cuarón, Mateo García. Música: Woodkid. Fotografía: Damián García. Diseño de producción: Alejandro García. Montaje: Jonás Cuarón. Efectos especiales: Anthony Lestremau (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Gael García Bernal (Moisés), Jeffrey Dean Morgan (Sam), Alondra Hidalgo (Adela), Diego Cataño (Mechas), Marco Pérez (Lobo), Óscar Flores (Ramiro), David Lorenzo (Ulises), Butch McCain (presentador de radio), Lew Temple (agente fronterizo), William A. Rodriguez [Yuri Zackoqv] (Ramiro)… Nacionalidad y año: México, Francia 2015. Duración y datos técnicos: 94 min. Color 2.35:1.

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Sí, a quien haya leído la sinopsis se lo confirmo desde ya mismo: se trata de la enésima imitación del relato “The Most Dangerous Game” (1924), de Richard E. Connell[1], así como de su más canónica adaptación al cine, El malvado Zaroff (The Most Dangerous Game, 1932), de Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack. Desde entonces han sido no pocas las variaciones que se han hecho de esta influyente historia, tanto adaptándola oficialmente como haciendo un plagio descarado –recordemos incluso un episodio de la serie El increíble Hulk, la de Bill Bixby y Lou Ferrigno–.

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En esta ocasión, nos viene de manos de Jonás Cuarón, hijo del excelente Alfonso, y responsable del guion, junto a su padre, de la atractiva Gravity (Gravity, 2013), que dirigiera papá. Con anterioridad Jonás había realizado un largo titulado Año uña (2007), y un par de cortos; ahora tiene en pre-producción una cinta titulada Z, una nueva aproximación al mito del Zorro, en los rasgos de Gael García Bernal.

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Viniendo de quien viene, uno esperaría, acaso, que Desierto dispusiera de un guion férreo y de una puesta en escena algo plúmbea. Sin embargo, el resultado es casi el contrario. La propia sinopsis da a entender una carga político-social, una crítica respecto a los “espaldas mojadas” y el trato que se les da en Estados Unidos. Así, el personaje que representa, espléndidamente, Jeffrey Dean Morgan vendría a representar al ciudadano medio norteamericano y su postura con respecto a los inmigrantes procedentes de más allá de río Grande. De hecho, obsérvese que su nombre es Sam, con lo cual su representación simbólica con los Estados Unidos se hace más evidente.

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Sin embargo, pese a que algo de todo esto hay, no se trata de una alegoría política sin más, quedando esto tamizado y por debajo de las imágenes. Diríase que Cuarón utiliza este arranque como excusa para realizar un ejercicio de estilo mezclando cine de aventuras, thriller, tensión y casi terror. Lo más cercano que podría referirse es la adaptación del relato de Connell conocido como Huida hacia el sol (Run for the Sun, 1956), de Roy Boulting, con protagonismo de Richard Widmark, Trevor Howard y Jane Greer, donde el malo venía representado por los rasgos de un nazi.

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Así pues, Cuarón opta con efectuar una película muy física, con gran intensidad visual y planos casi dolorosos. Aunque no aprovecha del todo el tema del intenso calor que emana del desierto, el juego del gato y el ratón que se produce entre cazador y víctimas resulta cautivante. Más elemental es ese guion referido, donde al inicio todos los extras caen uno tras otro con una facilidad pasmosa, y después los personajes con más importancia dramática son más costosos de abatir. Hubiera sido necesaria una gradación mayor en la escalada de muertes.

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Las escenas de los ataques poseen una enorme intensidad, y en ocasiones resultan incluso desazonadoras e incómodas. Súmese a ello la participación de un perro que se revela todo un actorazo, y cuyas participaciones son fundamentales.

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Hubiera sido deseable un guion más trabajado, pero como director Cuarón Jr. se revela como un hombre que sabe aplicar intensidad a lo que rueda. Será interesante seguir su carrera.

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Anécdotas

  • No hay una sola escena de la película rodada en interiores.
  • Rodada en la Baja California, México.
  • El presupuesto estimado es de tres millones de dólares.
  • Estrenada en Francia el 13 de abril de 2016, y en México el 15 de abril. En España se estrenó el 6 de enero de 2017.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] “La presa más peligrosa”. En Siete relatos góticos. Del papel a la pantalla; prólogo de Antonio Ballesteros González; traducción y textos de Sara Martín Alegre. Madrid: Ed. Jaguar, 2006. Colección: La Barca de Caronte; s/n. También ha sido traducido como “Un juego peligroso”, “El juego más peligroso”, “La más peligrosa de las cazas” y “El más peligroso de los juegos”.

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Rogue One: Una historia de Star Wars (Rogue One: A Star Wars Story) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno on 20 diciembre, 2016 by belakarloff

La pequeña Jyn Erso ha de huir cuando soldados del Imperio van a por sus padres. Cuando ya es mayor toma contacto con los rebeldes, y poco a poco se va implicando a la lucha contra los opresores.

Dirección: Gareth Edwards. Producción: Lucasfilm, Allison Shearmur Productions, Black Hangar Studios, Stereo D, Walt Disney Studios Motion Pictures. Productores: Simon Emanuel, Kathleen Kennedy, Allison Shearmur. Co-productores: Kiri Hart, John Swartz, Susan Towner. Productores ejecutivos: John Knoll, Jason D. McGatlin. Productor asociado: Toby Hefferman. Guion: Chris Weitz, Tony Gilroy, según argumento de John Knoll, Gary Whitta, basado en los personajes creados por George Lucas. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Greig Fraser. Diseño de producción: Doug Chiang, Neil Lamont. Montaje: John Gilroy, Colin Goudie, Jabez Olssen, Stuart Baird. Efectos especiales: Blind, Hybride Technologies, Industrial Light & Magic. Intérpretes: Felicity Jones (Jyn Erso), Diego Luna (Cassian Andor), Alan Tudyk (K-2SO), Donnie Yen (Chirrut Îmwe), Wen Jiang (Baze Malbus), Ben Mendelsohn (Orson Krennic), Forest Whitaker (Saw Gerrera), Riz Ahmed (Bodhi Rook), Mads Mikkelsen (Galen Erso), Jimmy Smits (Bail Organa), Alistair Petrie (general Draven), Genevieve O’Reilly (Mon Mothma), Ben Daniels (general Merrick), Paul Kasey (almirante Raddus), Stephen Stanton (almirante Raddus, voz), James Earl Jones (Darth Vader, voz), Ingvild Deila (princesa Leia), Guy Henry (Grand Moff Tarkin), Daniel Naprous (Darth Vader), Spencer Wilding (Darth Vader), Anthony Daniels (C-3PO), Ian McElhinney, Fares Fares, Jonathan Aris, Sharon Duncan-Brewster, Valene Kane, Beau Gadsdon, Dolly Gadsdon, Duncan Pow, Jordan Stephens, Babou Ceesay, Aidan Cook, Daniel Mays, Andy de la Tour, Tony Pitts, Martin Gordon, Eric MacLennan, Robin Pearce, Francis Magee, Bronson Webb, Geraldine James, Ariyon Bakare, Simon Farnaby, Drewe Henley, Angus MacInnes, Gabby Wong, Richard Glover, Toby Hefferman, Richard Cunningham… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 134 min. Color 2.35:1.

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Falto de Fuerza

Cuando George Lucas escribió y dirigió La guerra de las galaxias / Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza (Star Wars / Star Wars: Episode IV – A New Hope, 1977) recurrió a un par de detalles insignificantes como telón de fondo para su historia, o para hacer avanzar los sucesos. Dentro de su torpeza como artista, tenía el suficiente conocimiento de esos trucos para hacer progresar una aventura que se centra en los acontecimientos, en la progresión dramática. Ahora, casi cuarenta años después, se construye esta película a modo de precuela para explicar algo que, realmente, no es necesario. Salvando las distancias, me recuerda a otra película, El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 2007), de James Mangold, remake sobre-explicado de la soberbia El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 1957), de Delmer Daves, donde lo que en esta se recurre a la elipsis para eludir detalles insignificantes, en la nueva versión estos se magnifican, estirando la historia sin sentido y rehuyendo el desarrollo de personajes.

Rogue One: A Star Wars Story L to R: (Felicity Jones) & (Diego Luna) Ph: Film Frame ©Lucasfilm LFL

No sé yo si, en algún momento, podremos conocer cómo era la película originalmente. Tres meses después de finalizado el rodaje se volvió a filmar escenas adicionales durante más de un mes, y se contó con el montador Stuart Baird para intentar de conferir “algo” al resultado, pues los productores no quedaron contentos con el resultado inicial. Sea como fuere, lo que hemos visto en pantalla es lo único que podemos juzgar, y no puede sino considerarse un desastre.

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Parece que va siendo norma en el más reciente cine de género esos guiones deslavazados, carentes de coherencia y hasta de un mínimo de profesionalidad. Así, la primera hora es un auténtico desbarajuste, con constantes saltos de situaciones, localizaciones y personajes, acumulando un batiburrillo inconexo y que hace que te desconectes de lo que se está narrando. Puede que ello sea debido al caótico montaje, pero, sea como fuere, el resultado es que uno se despreocupa de la película. A ello tampoco ayuda una gran cantidad de personajes, casi ninguno de ellos con verdadera entidad y/o interés.

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En el aspecto positivo, resaltemos el de Cassian Andor, que aporta matices gracias a la habilidad interpretativa de su intérprete, el mexicano Diego Luna; o el robot K-2SO, que muestra una preciosidad de diseño y, aunque muchas de sus salidas humorísticas carezcan de gracia –como las de los demás personajes, incapacidad obvia para los diálogos por parte de los libretistas–, transmite una “personalidad” curiosa y chocante. En el lado negativo diríase que tenemos al resto de los personajes, aunque matrícula de honor, en ese sentido, a Chirrut Îmwe, especie de pseudo-jedi, que hace que la filosofía de George Lucas semeje de la complejidad de Aristóteles o Schopenhauer en vista de las necedades que aquél constantemente repite. Por cierto que su paseo a través de las balas semeja copiado al del personaje indio de la película Pequeño Gran Hombre (Little Big Man, 1970), de Arthur Penn. ¿Casualidad, homenaje, o directamente plagio?

Rogue One: A Star Wars Story (Donnie Yen) Ph: Film Frame ©Lucasfilm LFL

El director elegido, por lo demás, no parece el más adecuado para un film de estas características. Ya con anterioridad Gareth Edwards demostró su acercamiento esquivo al cine fantástico con las muy flojas Monsters (Monsters, 2010) y Godzilla (Godzilla, 2014). Una película que ha de transmitir dinamismo, emoción e implicación como la presente no parece la más adecuada para un director que semeja más interesado en narrar la conversación de dos personajes en torno a la mesa de una cocina mientras, fuera, llega el fin del mundo; Gareth no estaría interesado en el fin del mundo, ni siquiera en los personajes, sino en el juego “intelectual” de acercarse a esos planteamientos desde esa perspectiva soslayada. Así pues, una película de aventuras, directamente, se le va de las manos. Es muy posible que por ello haya que haber hecho esas reescrituras y nuevos rodajes.

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El resultado, como se dijo al inicio, es un absoluto desastre, de un aburrimiento inaudito, con una oscuridad pueril, que se transmite visualmente a un tratamiento fotográfico donde parece que ha habido un apagón en el estudio, una verborrea interminable que nada aporta, un clímax que parece copiado de una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial en la zona del Pacífico, muchas escenas que parecen remedos de otras aparecidas en La guerra de las galaxias y El imperio contraataca / Star Wars: Episodio V – El imperio contraataca (Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back, 1980)…

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La idea de rodar spin-offs de Star Wars, a mi juicio, era muy interesante: es este un universo tan amplio que da para narra muchas historias. Pero, con todas las opciones que había, ¿para qué narrar algo que, en realidad, no era preciso? Todo un universo por explorar y se quedan en esto… Dejemos para el final la patética aparición de Peter Cushing. Lo más fácil hubiera sido tomar imágenes del film original de Lucas y animar digitalmente solo la boca para ajustarlo a los nuevos diálogos; en su lugar, se recrea digitalmente al actor en su integridad, semejando un muñeco muy bien hecho de los que compras en las tiendas de merchandising, pero que muestra un rostro impasible e inexpresivo donde solo se anima una boca, impulsada por unos diálogos que en nada se parecen a la voz original del actor.

Tanto esfuerzo para tamaña inutilidad…

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Anécdotas

  • La película se ambienta unos días antes de lo que acontece en La guerra de las galaxias (1977) y cinco años después de lo que sale en la serie de animación Star Wars Rebels (2014).
  • Para el papel protagonista masculino fueron considerados Aaron Paul, Edgar Ramírez y Sam Claflin.
  • Rodada con un presupuesto estimado de doscientos millones de dólares.
  • Filmada originalmente entre el 8 de agosto de 2015 y el 11 de febrero de 2016; después, hubo nuevas filmaciones entre el 7 de junio y el 12 de julio de 2016.
  • Estrenada en Estados Unidos en premier el 10 de diciembre de 2016. En España se estrenó el 15 de diciembre, y en Estados Unidos el 16 de forma masiva.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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“Los ángeles de hielo”, de Toni Hill

Posted in Crítica, Criminal, Literatura, Terror, thriller on 16 diciembre, 2016 by belakarloff

Los ángeles de hielo; por Toni Hill. Barcelona: Grijalbo, 2016.

  • Género – materia: thriller – terror – gótico – fantasmas – crímenes – mansiones misteriosas – psicópatas.

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Toni Hill nos ofreció con anterioridad una trilogía centrada en el inspector Héctor Salgado, compuesta por El verano de los juguetes muertos (2011), Los buenos suicidas (2012) y Los amantes de Hiroshima (2014). Son thrillers actuales, intensos, con unos excelentes personajes y narrados impecablemente. Ahora, varía un tanto ese tono con Los ángeles de hielo (2016), al menos en la superficie, pues también estamos aquí ante un thriller, con muertes, un misterio de por medio y el proceso investigador que busca desentrañarlo todo. Solo que le ha dado un envoltorio diferente, lo que le confiere un tono más amplio y ambicioso.

En la presentación de este libro en la librería Estudio en Escarlata, Toni Hill refirió que, de sus lectores habituales, había algunos que preferían la trilogía previa a la obra presente, o viceversa, según gustos. En lo que a mí respecta, la saga del inspector Salgado me parece excelente, vivaz y de notorio interés. Pero, a mi juicio, Los ángeles de hielo es muy superior a todos los niveles; demuestra un Toni Hill más maduro en todos los aspectos: en la construcción de la trama, en la diversificación de puntos de vista, en la riqueza conceptual de personajes, en un estilo literario más depurado y en la creación de una atmósfera emocional.

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Uno de los aspectos en los cuales la obra actual se desvincula con lo previo es en su ambiente histórico, pues se sitúa en torno a principios del siglo XX, una vez finalizada la Primera Guerra Mundial, si bien ofrece diversos saltos en el tiempo, antes y después. Y, sobre todo, destaca su inflexión, pues se trata de una narración gótica en todos los aspectos. Toni Hill tradujo con anterioridad Jane Eyre (Jane Eyre, 1847), de Charlotte Brontë[1]; aquí, hace uso de ella en más de un sentido: por un lado, en el internado donde se ambienta se planea hacer una escenificación de una versión teatral de la misma; pero también se utiliza su tono atmosférico para impregnar la historia, e incluso en el aspecto argumental se detectan ciertos elementos que tienen su reflejo en la obra originaria de una de las hermanas Brontë. Así pues, el goticismo que destilan las páginas de Los ángeles de hielo debe no poco a esta novela fundamental, pero también se perciben otras influencias, como la Rebeca (Rebecca, 1938), de Daphne Du Maurier, u Otra vuelta de tuerca (The Turn of the Screw, 1898), de Henry James. O incluso otras obras con ambientación en un internado femenino, como pudieran ser las películas La calumnia (The Children’s Hour, 1961), de William Wyler, o La residencia (1969), de Narciso Ibáñez Serrador.

En ciertos aspectos, Los ángeles de hielo es un pastiche. Ello es muy peligroso, pues puede deslizarse hacia el terreno de la obra vulgar, sin personalidad, confeccionada como un monstruo de Frankenstein, a base de remiendos procedentes de otras creaciones originales. Los pastiches pueden ser muy divertidos, pero a veces pueden carecer por completo de personalidad. No es este el caso. De esta manera, la obra, aun bebiendo de fuentes primigenias, va adquiriendo una corporeidad independiente, se va forjando una narración nueva, enriquecida tanto por los referentes anteriores como por las propias aportaciones del autor, que rehacen lo ya conocido y le confieren un perfil novedoso. Toni Hill es un escritor con el suficiente oficio para manejar los ingredientes y crear un plato fresco, apetitoso y con mucho nutriente.

Se ha mencionado con anterioridad un pensionado de señoritas, que es el entorno geográfico donde se sitúa gran parte de la acción de la novela. Eso, con respecto al pasado, pues en el presente el edificio ha sido transformado en un manicomio, al que llega a trabajar el protagonista, Frederic Mayol, un joven psiquiatra de veintiséis años de padre catalán y madre austríaca. En ese entorno, a sus manos llega un diario escrito por una de las antiguas dueñas del internado, y de ese modo se aprisiona en una intriga que conecta pasado con presente.

El resultado es una absoluta joya, una obra de suspense, emoción y con ciertos ecos de literatura fantástica que sobrevuela toda la narración con su hálito.

Carlos Díaz Maroto

 

[1] Jane Eyre; por Charlotte Brontë; traducción de Toni Hill. Barcelona: Literatura Random House, 2015. Colección: Grandes clásicos. Recientemente, su traducción ha sido aprovechada en la edición española por parte de Penguin.

“Magical Mystery Tour”, de Ángela Pinaud

Posted in Crítica, Fantasía, Libros recibidos, Literatura, Terror on 15 diciembre, 2016 by belakarloff

Magical Mystery Tour, por Ángela Pinaud. Córdoba: Berenice, 2016. Colección: Poe; s/n.

  • Género – materia: terror – fantasía – brujería – inmortalidad.

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Según parece, Ángela Pinaud ha tenido un gran éxito con relatos de terror que ha publicado en Internet, en su blog titulado Eternidad se escribe con tinta [1]; he leído algunos de ellos y son sencillos y funcionales. Esta es su primera novela, que ha publicado además en el diríase desfasado sistema de papel, en imprenta de toda la vida.

Y se nota, por un lado, que es una escritora experimentada, y por otro novel. La estructura de novela es muy diferente a la del relato, y exige tempos y desarrollos muy distintos. El libro tiene 416 páginas, y creo que le hubiera venido bien una ligera poda, digamos de unas cien páginas. Y así, además, se habría disimulado un tanto un problema implícito en determinado planteamiento: cuando aparecen personajes que tienen información y no la facilitan; la historia avanzaría mucho más rápido, por supuesto, si esos personajes hablasen, y por ello ha de buscarse una justificación sólida para ese silencio. Si todo se concentrara quedaría más simulado.

El punto de partida es muy interesante, cuando el mundo rutinario de una joven abogada se ve trastocado por completo por motivo de una serie de extraños presagios. Y comprobará que su padre, que murió en extrañas circunstancias diez años atrás, no era la persona que creía… Se trata de una historia de terror con elementos fantásticos y, sobre todo, mucho melodrama también. Cierto es que una narración es más consistente cuanto más lo son sus personajes, pero ofrecer un fondo psicológico a estos no significa que haya de centrarse en cuestiones amorosas. Ello motiva que la parte sentimental ahogue un poco el resto de la trama, provocando que, en el aspecto de novela de terror, resulte un tanto light.

De todas maneras, lo que precede no son sino sensaciones, apetencias, subjetivas. Magical Mystery Tour ofrece aspectos positivos. Por un lado, la lectura se hace rápida, engancha y mantiene el interés. Además, al final hay una vuelta de tuerca bastante efectiva, y justificada dramáticamente; se dan ocasiones en que la vuelta de tuerca existe para epatar al lector (o espectador), y está metida con calzador y destroza la credibilidad de lo que precedía. En este caso no es así, y la construcción dramática de lo que antecede engarza con esa variación en el punto de vista.

Ángela Pinaud también ofrece ciertos experimentos de estilo nada desdeñables, como, por ejemplo, un capítulo escrito en dos tiempos distintos, con escasos minutos de diferencia, y cómo al final acabarán confluyendo ambos períodos. Y resultan muy atractivos los capítulos intercalados ambientados en otras épocas, y que otorgan fondo al misterio que da cuerpo a la historia presente.

Magical Mystery Tour deja patente que nos hallamos ante una escritora a la que le gusta fabular y ama el género. Pese a ciertos errores de principiante, merece la pena seguirle el rastro y ver a qué caminos conduce su subsiguiente obra. De momento, esta novela finaliza con un elemento bastante común en la literatura de género: un final abierto que, al tiempo, está cerrado. Si las ventas no funcionan –esperemos que no–, la historia queda adecuadamente cerrada, y el lector puede imaginarse qué podría suceder a partir de ahora; y si funciona, y Ángela Pinaud tiene oportunidad de proseguir la saga, puede depararnos elementos sumamente sugestivos, pues la derivación que ese final sugiere es cautivante. Aunque, personalmente, también desearía que, en alguna novela, echara la vista atrás en el tiempo. Veremos…

Carlos Díaz Maroto

 

[1] http://eternidadseescribecontinta.blogspot.com.es/

Animales fantásticos y dónde encontrarlos (Fantastic Beasts and Where to Find Them) (2016)

Posted in Cine, Crítica, Estreno, Fantasía, Reseña on 1 diciembre, 2016 by belakarloff

Década de 1920. Newt Scamander es un mago que llega a Nueva York. En su camino por las calles se topa contra Jacob Kowalski, y se lían con las maletas que portan ambos, que son idénticas. Cuando Kowalski abra el equipaje se topará con que el interior contiene una extraña serie de criaturas, animales fantásticos que escapan y que Newt habrá de atrapar de nuevo…

Dirección: David Yates. Producción: Heyday Films, Warner Bros. Productores: David Heyman, Steve Kloves, J. K. Rowling, Lionel Wigram. Productores ejecutivos: Neil Blair, Tim Lewis, Rick Senat. Guion: J. K. Rowling, según su propio libro. Música: James Newton Howard. Fotografía: Philippe Rousselot. Diseño de producción: Stuart Craig, James Hambidge. Montaje: Mark Day. Efectos especiales: 4DMax, Cinesite, Clear Angle Studios, Double Negative, Framestore, Image Engine Design, Mark Roberts Motion Control, Method Studios, Moving Picture Company, Nvizage, Plowman Craven & Associates, Prime Focus World, Proof, Rodeo FX, Snow Business International. Intérpretes: Eddie Redmayne (Newt Scamander), Gemma Chan (Madame Ya Zou), Ezra Miller (Credence), Katherine Waterston (Porpentina Goldstein), Colin Farrell (Percival Graves), Zoë Kravitz (Lestrange), Ron Perlman (Gnarlack), Samantha Morton (Mary Lou), Jon Voight (Henry Shaw Sr.), Dan Fogler (Jacob Kowalski), Alison Sudol (Queenie Goldstein), Carmen Ejogo (Seraphina Picquery), Johnny Depp (Gellert Grindelwald), Christine Marzano, Lucie Pohl, Chloe de Burgh, Jenn Murray, Ronan Raftery, Jorge León Martínez, Kamil Lemieszewski, Lobna Futers, Kevin Guthrie, Flor Ferraco, Karl Farrer, Sean Cronin, Anthony J Sacco, Lasco Atkins, Sam Redford, Akin Gazi, Elizabeth Moynihan, Kirsty Grace… Nacionalidad y año: Reino Unido, Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 133 min. Color 1.85:1.

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Vaya por delante la información de que la saga de Harry Potter no la he visto al completo, habiéndola abandonado tras el visionado de la tercera entrega, Harry Potter y el prisionero de Azkaban (Harry Potter and the Prisoner of Azkaban, 2004), de Alfonso Cuarón. Si la dejé de lado en ese punto fue por la decepción de comprobar que un director del talento del mexicano carecía del control de superar las imposiciones comerciales y de producción de una franquicia construida a partir de unos cánones archisobados, una repetición constante de unos mecanismos narrativos esquemáticos y una planicie de realización impuesta desde unas coordenadas de producción donde yo veía que el realizador era un mero mecanismo dentro de una fabricación industrial.

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¿Por qué, pues, ver esta película, derivación de la franquicia originaria? Por diversos motivos. Por un lado, por el protagonismo de personajes adultos, lo cual me hacía concebir la esperanza de que la propia historia fuese pareja a esa concepción, y resultase más adulta que la saga del niño mago. Por otro lado, la ambientación en la década de los años veinte del pasado siglo le confería una magia especial, que me resultaba muy atrayente. Y por último, la interpretación principal por parte de un actor que me parece excelente desde la primera vez que lo vi, Eddie Redmayne, acompañado de un plantel de secundarios de primer orden.

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Grande fue mi decepción cuando comprobé que, al poco, todo se desmoronaba cual castillo de naipes de un mago. Y es que el resultado es más infantil aún que su precedente. Ante todo, resulta sorprendente la excelsa mediocridad del trabajo de guion que ha realizado la millonaria escritora J. K. Rowling, donde la palabra “esfuerzo” no parece figurar en su diccionario. El libreto parece dividirse en dos cauces narrativos diferentes, que no parecen confluir en ningún momento. Así, tenemos la trivial trama de los animalitos escapados y su intento de recuperación, que no aporta mayor enjundia que lo que el esquematismo de su descripción augura, y que busca la espectacularidad facilona de unos efectos especiales que sobresaturan la película de principio a fin. Y paralelo a esto hay otra trama, centrada en la sociedad de magos que habita en Nueva York, las maquinaciones que subyacen por detrás de ello, y el hospicio de niños que se interconecta con lo precedente (también con escasa habilidad). Esto es lo más interesante de la película, y ocasionalmente se percibe un intento de otorgarle matices más oscuros y ambiguos, donde los personajes no son lo que parecen, y existen diversos matices de grisura moral en ellos. De todas maneras, todo ello más bien representa apuntes precipitados, esbozos, antes que un desarrollo medianamente trabajado.

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Luego tenemos el tema del plagio. No es que Harry Potter fuera, de por sí, original: muchos aficionados al cómic ya nos han hecho saber que Los libros de la magia (The Books of Magic, 1993-…) creados por Neil Gaiman tienen una similitud de lo más sospechosa. Si ello no ha conducido a demanda legal alguna es muy posiblemente porque el cómic está editado por Vertigo, sello de DC Comics, subsidiaria de Warner Bros. que, oh sorpresa, es quien produce la millonaria franquicia cinematográfica creada por la Rowling que se publicó por primera vez en 1997. Aquí, la citada confusión de maletas es una copia literal del gag que hace arrancar esa delicia de comedia que es ¿Qué me pasa, doctor? (What’s Up Doc?, 1972), de Peter Bogdanovich. Toda la trama son guiños constantes a montones de películas o creadores; incluso hay un momento que es idéntico al instante más vergonzante de la patética versión de King Kong (King Kong, 2005) dirigida por Peter Jackson. Todo en la película hace despertar sensaciones de déjà vu, tanto en el aspecto argumental como en el estético.

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Añadamos también el peculiar detalle de tratarse de una macro-producción de 180 millones de dólares que se nota de lo más descuidada, a tal punto que es el film donde más fallos de racord he detectado: son infinidad de planos que en su contraplano ofrecen una composición totalmente irreal, que la geografía visual del film se ve alterada de continuo, demostrando a las claras la precipitación con que todo ha sido hecho. A ello se une que se perciba que actores excelentes parezca que no hayan sido dirigidos, sobreactuando como si de una serie cómica de Antena 3 se tratara; sí, inclusive Eddie Redmayne está espantoso, y solo cabe destacar a dos actores que se toman sus cometidos en serio: Jon Voight y Ron Perlman. Da la impresión de que el resto del equipo piense que, al fin y al cabo, están trabajando en una tontería que nadie se va a preocupar de analizar en serio, y por tanto no merece mayor esfuerzo.

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Dirige –es una forma de hablar– todo ello David Yates, que ya se hizo cargo de cuatro de las entregas de Harry Potter –Fénix, Príncipe y Reliquias 1 y 2–, así como también la espantosa revisión reciente de La leyenda de Tarzán (The Legend of Tarzan, 2016).

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¿Entretenida? Ni eso. La simpleza es tal que solo está reservada para niños pequeños y para acérrimos seguidores de la franquicia convencidos de antemano. Los demás… ¡Huyan! ¡Huyan, si saben lo que les conviene!

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Anécdotas

  • Debut como guionista de J. K. Rowling, a partir de un libro escrito en 2001, la mayoría de cuyos beneficios fueron destinados a caridad. El libro lo firmó como Newt Scamander, de quien se proporciona como fecha de nacimiento 1897.
  • Inicialmente se pensó que formara parte de una trilogía, pero en octubre se decidió convertirlo en una heptalogía.
  • Según J. K. Rowling, Eddie Redmayne fue la primera y única elección para su papel, y ni siquiera hubo de hacer prueba. Sin embargo, parece que, por parte de la productora, optaron Matt Smith y Nicholas Hoult.
  • Saoirse Ronan, Dakota Fanning, Kristen Stewart y Lili Simmons fueron consideradas para el rol de Queenie.
  • Michael Cera y Josh Gad optaron al papel de Jacob.
  • Rodada con un presupuesto estimado de 180 millones de dólares, entre el 17 de agosto y el 15 de diciembre de 2015.
  • Estrenada simultáneamente en España, Estados Unidos y el Reino Unido el 18 de noviembre de 2016.

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Bibliografía

Animales fantásticos y dónde encontrarlos; por Newt Scamander [i.e.: J. K. Rowling]; edición especial con un prólogo de Albus Dumbledore; traducción, Alicia Dellepiane. Barcelona: Salamandra, 2001. T.O.: Fantastic Beasts and Where to Find Them (2001).

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

Kubo y las dos cuerdas mágicas (Kubo and the Two Strings) (2016)

Posted in Animación, Cine, Crítica, Fantasía on 16 septiembre, 2016 by belakarloff

En el antiguo Japón, Kubo cuida de su madre enferma mientras se gana la vida como cuentacuentos y juglar, maravillando a sus vecinos con sus historias y sus figuras de origami animadas. Su vida transcurre plácidamente hasta que reaparece un espíritu del pasado que pondrá en peligro su vida. Para salvarse deberá encontrar la armadura de Hanzo, su padre fallecido.

Dirección: Travis Knight. Productores: Travis Knight, Arianne Sutner. Guion: Marc Haimes, Chris Butler, según una historia de Shannon Tindle y Marc Haimes. Música: Dario Marianelli. Fotografía: Frank Passingham. Montaje: Christopher Murrie. Supervisor de efectos visuales: Steve Emerson. Intérpretes: Animación, con las voces (en la VO) de Charlize Theron (Mona), Art Parkinson (Kubo), Ralph Fiennes (Rey Luna), Matthew McConaughey (Escarabajo), George Takei (Hosato), Cary-Hiroyuki Tagawa (Hashi), Brenda Vaccaro (Kameyo), Rooney Mara (las hermanas), Meyrick Murphy (Mari), Minae Noji (Minae), Alpha Takahashi, Laura Miro, Ken Takemoto, Aaron Aoki, Luke Donaldson, Michael Sun Lee, Cary Y. Mizobe, Rachel Morihiro, Thomas Isao Morinaka, Saemi Nakamura, Zachary Alexander Rice, Mariel Sheets… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 101 min. Color 2:35:1.

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Magia y stop motion en el antiguo Japón

Ya desde su arranque Kubo y las dos cuerdas mágicas anuncia su carácter propio, dominado por una estética preciosista y un tono de fantasía oscura, sin renunciar por ello a contar una historia para todos los públicos; simplemente presupone la madurez suficiente para entender y disfrutar este filme.

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Así, la película concede bastante crédito al espectador proponiendo una trama oscura y sombría por momentos, trágica a veces, pero también cómica y épica, recorriendo un espectro pleno de emociones: amor, responsabilidad, madurez, heroísmo, sacrificio y redención.

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La historia se enmarca en arquetipos clásicos del género (el enfrentamiento entre el bien y el mal o la búsqueda), los cuales conforman el grueso de la acción (1), si bien el discurrir dramático se centra en la odisea personal. Así, no se trata de salvar el mundo sino de la salvación de Kubo, no es el enfrentamiento entre oscuridad y luz, sino la contraposición del mundo mágico con el humano y, de hecho, dos formas antagónicas de ver el destino del personaje principal (2), todo ello sin un ápice de maniqueísmo.

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No obstante, se puede achacar al guion cierta falta de estructura y consistencia, funcionando mediante set pieces y elipsis, a veces forzadas, que resienten el ritmo de la película. No todas resultan igualmente brillantes, a pesar de la habilidosa dirección de Travis Knight, que enriquece constantemente la narración con pequeños detalles. A lo que en absoluto se puede poner una pega es al diseño de producción, caracterización y animación de los personajes.

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Kubo y las dos cuerdas mágicas ofrece una excelencia artística basada en una acertada combinación de stop motion con renderizados por ordenador, dotando a la imagen una personalidad muy acusada, sin que afecte para nada a la expresividad de los personajes o la capacidad para crear imágenes poderosas y hermosas, baste citar el lenguaje corporal de Mona y Escarabajo, el rostro de Kubo o momentos como la tormenta inicial, la aparición de las dos tías -terrorífica- o ese set piece espectacular del esqueleto gigante.

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A ello se añade una recreación maravillosa de la cultura material del Japón feudal, así como de su ambiente idealizado, perfectamente incorporados en la narración. El primer tercio que transcurre en la aldea, con sus ritos y costumbres o la animación del mercado, son una buena muestra de ello. Más allá de sus indudables cualidades narrativas, la película por su aspecto visual ya merece nuestro tiempo.

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En su conjunto, la película que nos propone Laika Studios de la mano de su máximo responsable, Travis Knight, se convierte una reivindicación de un cine artesanal, totalmente alejado del mainstream (3) y cómo no ver en la impresionante secuencia, ya citada, del esqueleto gigante toda una declaración de intenciones. No sólo es la figura animada más grande diseñada hasta ahora (4), sino que es imposible ver un esqueleto animado por stop motion y no pensar en Ray Harryhausen, máximo exponente del artesano-artista. Por mucho que esa criatura esté basada en el gashadokuro japonés, no puede tratarse de una coincidencia. Como tampoco lo es la profesión del personaje principal, un contador de historias, otro elemento meta-narrativo que no hace más que enriquecer la propuesta de Kubo y las dos cuerdas mágicas.

El resultado final es notable y satisfactorio en todos los niveles en los que opera. Muy recomendable.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: Kubo y la búsqueda del samurai.
  • Con 101 minutos de duración, es la película de stop motion más larga rodada hasta ahora; supera en un minuto a Coraline (Coraline, 2009), también de Laika Studios.
  • Es el debut en la dirección de Trevor Knight, presidente del estudio.
  • La secuencia de la barca tardó en rodarse diecinueve meses.
  • El presupuesto estimado del film es de sesenta millones de dólares.
  • Estrenada en Estados Unidos el 19 de agosto de 2016. En España se ha estrenado el 26 de agosto.

 

Miguel Valle (Madrid. España)

Notas:

  1. De hecho, la anécdota, la aventura en sí, es lo más débil del filme por la falta de articulación entre cada hito de la búsqueda, aunque contenga algunos set pieces
  2. De hecho, las motivaciones del antagonista de Kubo, el Rey Luna, recuerdan poderosamente a las de la bruja Maca en otra reciente y estupenda cinta de animación, La canción del mar (Song of the Sea, 2015), de Tomm Moore.
  3. Las declaraciones del director de Laika Studios son palmarias: no creen en las secuelas y continuaciones. Quieren crear películas únicas. Su ritmo de producción -cuatro películas en su haber- dan fe de ello.
  4. El gashadokuro diseñado para Kubo y las dos cuerdas mágicas mide cerca de cinco metros. En los títulos de crédito aparece una secuencia a modo de documental sobre la animación de este gigante.