Archive for the Estreno Category

“Phantasma: desolación”, en cines a partir del 29 de septiembre

Posted in Ciencia ficción, Cine, Estreno, Noticias, Terror on 18 septiembre, 2017 by belakarloff

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A partir del 29 septiembre, 39 Escalones estrena en cines PHANTASMA: DESOLACIÓN (PHANTASM: RAVAGER). Se trata de la quinta entrega, y final, de la saga creada por Don Coscarelli, considerada de culto, y que en el global de las anteriores entregas lleva acumulado casi dos millones de euros. Un día antes del estreno en cines, MOVISTAR+ emitirá en exclusiva la película: http://www.movistarplus.es/phantasma

Sinopsis:

Mientras Reggie se debate entre dos mundos, El Hombre Alto continúa su viaje, de pueblo en pueblo, convirtiendo a los muertos en  su propio ejército, y usando sus mortales esferas contra cualquiera que trate de impedir sus planes.

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FECHA DE ESTRENO: 29 DE SEPTIEMBRE 2017

Título original: PHANTASM: RAVAGER

Dirigida por DAVID HARTMAN

Guion de DAVID HARTMAN, DON COSCARELLI

Reparto: REGGIE BANNISTER, MICHAEL BALDWIN, ANGUS SCRIMM, KATHY LESTER

Año: 2016

Duración: 86 minutos

Idioma: Versión original inglés subtitulado castellano.

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Aquí tenéis su tráiler https://www.youtube.com/watch?v=NA64b2TEe0M

 

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La guerra del planeta de los simios (War for the Planet of the Apes) (2017)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Estreno, Reseña on 13 julio, 2017 by belakarloff

Han pasado cinco años desde el amanecer, y ahora los simios están enzarzados en una guerra abierta con los humanos. Cuando unos soldados, liderados por el Coronel, incursionan en el campamento, César decidirá ir tras ellos. A él se le unirán unos compañeros que no desean dejarlo solo…

Dirección: Matt Reeves. Producción: Chernin Entertainment para 20th Century Fox. Productores: Peter Chernin, Dylan Clark, Rick Jaffa, Amanda Silver. Co-productor: Ryan Stafford. Productores ejecutivos: Mark Bomback, Mary McLaglen, Jenno Topping. Guion: Mark Bomback, Matt Reeves, según los personajes creados por Rick Jaffa, Amanda Silver. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Michael Seresin. Diseño de producción: James Chinlund. Montaje: William Hoy, Stan Salfas. Efectos especiales: Halon Entertainment, Weta Digital. Intérpretes: Andy Serkis (César), Woody Harrelson (el Coronel), Steve Zahn (Simio Malo), Karin Konoval (Maurice), Amiah Miller (Nova), Terry Notary (Rocket), Ty Olsson (Red Donkey), Michael Adamthwaite (Luca), Toby Kebbell (Koba), Gabriel Chavarria (Preacher), Judy Greer (Cornelia), Sara Canning (Lake), Devyn Dalton (Cornelius), Aleks Paunovic (Winter), Alessandro Juliani (Spear), Max Lloyd-Jones (Blue Eyes), Timothy Webber, Lauro Chartrand, Shaun Omaid, Roger Cross, Mercedes de la Zerda, Doug Chapman, James Pizzinato, Chad Rook, Dean Redman, Steve Baran, Sandy Robson, Levi Meaden, Billy Wickman… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 140 min. Color 2.35:1.

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El gran combate

Si la serie simia original sirvió para efectuar reflexiones acerca de la problemática de la época, como la segregación racial o la guerra de Vietnam, la nueva franquicia también ha servido para deliberar. Así, la primera entrega, El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011, Rupert Wyatt), era más directa, y arremetía contra la experimentación y la crueldad hacia los animales. La segunda, El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes, 2014, Matt Reeves), en vista de su enfoque, estaba más encauzada hacia la acción, pero también servía para reflexionar con respecto a la tendencia del ser humano a implicarse en todo tipo de absurdas guerras. Esta nueva entrega, por descontado, también aprovecha, mientras efectúa un espectáculo visual de primer orden, para matizar cuestiones acerca de nuestra humanidad y nuestra inhumanidad.

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Matt Reeves, director de la previa entrega, repite en la presente. Recordemos que, con anterioridad, también nos ofreció las muy estimables Monstruoso (Cloverfield, 2008) y Déjame entrar (Let Me In, 2010)[1], y próximamente nos entregará la muy apetecible The Batman[2]. En El amanecer… compuso una historia épica e intensa, pero aquí ha aspirado a, sin alejarse de ese tono, introducir también parte del material reflexivo que potenciaba tanto el primer título. Así, ese tono antimilitarista que colmaba el título previo aquí se ve exaltado.

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El personaje del Coronel podría recordar al coronel Kurtz que encarnaba Marlon Brando en Apocalypse Now (Apocalypse Now, 1979, Francis Ford Coppola), y algo de eso hay: incluso en un momento dado, para subrayar ese acercamiento, en un túnel se ve una pintada donde se puede leer Ape-calypse Now!

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Sin embargo, pese a ese elemento, hay más proximidad en lo que se expone con la barbarie a la que sometió el ejército norteamericano –con el consentimiento de los altos cargos y del gobierno– a la población indígena del lugar. La frase “El único kong[3] bueno es el kong muerto”[4] es una mención a la cita “El único indio bueno es el indio muerto”, proclamada por el general Philip Sheridan (1831-1888) durante las Guerras Indias. Pero aparte de ello, todo el periplo que sufren los simios de la película resulta muy similar al de tantos westerns pro-indios del pasado, destacando en especial uno, El gran combate (Cheyenne Autumn, 1964, John Ford). La película, además, adquiere un acusado tono fordiano en muchos momentos, como su contraposición entre la épica y el tono intimista y familiar.

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Es ahí, en el campo emocional, donde la película logra subir aún más puntos en el cómputo global. A ello ayudan unos personajes muy bien definidos, como es el propio César, que película a película ha ido madurando en humanidad, uniéndose a ello los puntos negativos que ello comporta, y él es muy consciente de ello. La relación entre César y Maurice podría ser un reflejo de la del teniente coronel Thursday (Henry Fonda) y el capitán Kirby (John Wayne) de Fort Apache (Fort Apache, 1948, John Ford), con el segundo representando la conciencia del primero.

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Continuando los símiles fordianos, incluso tenemos un elemento humorístico en la figura de Simio Malo (Steve Zahn), que vendría a ser el equivalente de Andy Devine en tantas obras del autor de La diligencia (Stagecoach, 1939). Elemento humorístico, por cierto, que nada molesta, que resulta tierno y que, en cierta manera, contrasta con los momentos duros de la cinta, incrementando estos.

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Resulta también de gran interés el personaje de la niña Nova (Amiah Miller, todo un descubrimiento[5]). Cuando los simios la encuentran es una muchacha traumatizada y carente de emociones. El contacto con los protagonistas originará que ella, poco a poco, se vaya llenando de sentimientos y empatía, esto es, se irá “humanizando” a través de su contacto con los “animales”. Por contraste, los militares se rigen por unos comportamientos primitivos y animalescos, y resulta muy significativo el personaje de Preacher, quien a lo largo de toda la película esperamos que actúe de un determinado modo convencional, “frustrándonos” minuto a minuto.

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Por supuesto nada de ello se podría conseguir sin unas interpretaciones a la altura. Andy Serkis está, sencillamente, grandioso, y va siendo hora de que se le valore en su justa medida. La evolución psicológica que ha ido aportando a su personaje película a película resulta patente, y aquí es más maduro, pero más amargo también. A lo largo del metraje consigue que nos olvidemos de que se trata de una creación digital detrás de la cual hay un lenguaje corporal, una voz con una extraordinaria gama de matices y, en particular, una mirada que desarma. Woody Harrelson como el Coronel también logra un buen trabajo con un personaje muy difícil, y que en manos de otro actor con menos recursos podría haber caído en la caricatura. Él logra otorgarle templanza y credibilidad, y dentro de los rasgos totalmente negativos que arrostra el personaje se percibe un quiebro en su armadura (véase la fotografía de su hijo).

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Resulta un convencionalismo pero hay que mencionarlo, y es que una película de tamaña producción industrial ofrece una solución técnica y visual a la altura. Pese a que en algunos momentos determinados simios resalten contra el fondo, percibiéndose la mascarilla creada para fundir los diversos planos rodados en momentos distintos. Ello no importa, puesto que otro aliciente consigue que nos sumerjamos en la historia, y es la ya aludida parte emocional. La cinta consigue que la atención se mantenga en todo momento y estemos emocionalmente implicados en lo que acontece en esos simios que muestran más rasgos humanos que esos soldados exaltados y ebrios de sangre –magnífica escena de todos celebrando la victoria a los compases de America the beautiful, y que muchos interpretarán, témome, justo al revés–. A todo ello ayuda también la estupenda banda sonora creada por Michael Giacchino, un compositor que, sospecho, tampoco está siendo valorado como merece[6].

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En resumidas cuentas, nos encontramos con una rara avis como es un blockbuster efectuado de un modo que considera al público como alguien inteligente, y no la clásica verbena de fuegos artificiales sin nada más que aportar. Solo esperamos que el fin de esta supuesta trilogía no sea tal, sino que prosigan las aventuras de estos simios, y al mismo nivel de respeto como hasta ahora se ha mantenido.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: El planeta de los simios: La guerra.
  • El nombre del grupo de humanos rebeldes, Alfa y Omega, es una alusión a la bomba atómica de Regreso al planeta de los simios. El logo de los cascos y las banderas es el mismo que el de la bomba.
  • Andy Serkis, Terry Notary y Karin Konoval son los únicos actores que repiten en la de momento trilogía, encarnando a César, Rocket y Maurice, respectivamente.
  • Entregas previas de la saga: El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011, Rupert Wyatt); El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes, 2014, Matt Reeves).
  • Estrenada en España el 12 de julio de 2017. En Estados Unidos se estrena el día 14.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Y previas a esas tenemos diversas aportaciones televisivas, así como una comedia que no he visto, Mi desconocido amigo (The Pallbearer, 1996), con David Schwimmer, Gwyneth Paltrow y Michael Rapaport. Viniendo de él habrá que darle un voto de confianza.

[2] Con Ben Affleck como Bruce Wayne/Batman, y Jeremy Irons como Alfred.

[3] “Kong” es un apelativo despectivo por parte de los soldados hacia los simios, en alusión a King Kong.

[4] Ya se aludía en Regreso al planeta de los simios, por parte del general Ursus, y reemplazando “kong” por “simio”.

[5] En todo caso, esta no es su primera película, pues con anterioridad estuvo en Nunca apagues la luz (Lights Out, 2016, David F. Sandberg). También ha participado en diversas series televisivas.

[6] Atención a la careta inicial de la 20th Century Fox, que ofrece su famosa música orquestada con una instrumentación de carácter primitivo.

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Llega de noche (It Comes at Night) (2017)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Estreno, Reseña on 7 julio, 2017 by belakarloff

La enfermedad llegó y la especie humana comenzó a sucumbir. Ahora, una familia entierra al abuelo, que ha caído víctima de la plaga. Intentan subsistir en una casa aislada en el bosque, pero la llegada de un desconocido alterará las condiciones…

Dirección: Trey Edward Shults. Producción: Animal Kingdom, A24. Productores: David Kaplan, Andrea Roa. Co-productores: Corey Deckler, Keetin Mayakara. Productor ejecutivo: Joel Edgerton. Productores asociados: Justin R. Chan, Chase Joliet, Wilson Smith. Guion: Trey Edward Shults. Música: Brian McOmber. Fotografía: Drew Daniels. Diseño de producción: Karen Murphy. Montaje: Matthew Hannam, Trey Edward Shults. Efectos especiales: John Bair, Christina Mitrotti (supervisores de efectos visuales). Intérpretes: Joel Edgerton (Paul), Christopher Abbott (Will), Carmen Ejogo (Sarah), Riley Keough (Kim), Kelvin Harrison Jr. (Travis), Griffin Robert Faulkner (Andrew), David Pendleton (Bud), Mikey (Stanley), Chase Joliet (hombre 1º), Mick O’Rourke (hombre 2º). Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 91 min. Color 2.35:1.

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El triunfo de la Muerte

Llega de noche (It Comes at Night, 2017) es una película de muy bajo presupuesto: solo cinco millones de dólares. Una cabaña en el bosque, seis actores, un perro y mucha atmósfera. Es la prueba palpable de que se puede hacer cine de género con muy poco dinero. Por supuesto que quien espere mucha acción y explosiones se aburrirá. Pero quien vea el género fantástico como un lugar de experimentación puede encontrar una obra de sumo interés.

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La película comienza con la muerte del abuelo, en un primer plano cerrado con el anciano agonizando, y luego trasladado a la fosa cuando aún respira. Sin concesiones. Después, los supervivientes –la madre, el padre y el hijo de diecisiete años– tratan de recuperar la existencia cotidiana. Pero, ¿cuál es esa? Ya no hay nada cotidiano cuando hay que cuidarse que la enfermedad –parecida a la peste– no te ataque y debas vigilar de que el resto de supervivientes no intenten hacerse con el pequeño entorno vital en el que subsistes. Poco más. Lo que en otra película apocalíptica sería el telón de fondo, aquí es la base.

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Escribe, dirige y monta Trey Edward Shults, en lo que es su segundo largometraje después de la tragi-comedia Krishna (2015), puesta de largo esta de su cortometraje homónimo del año anterior. Previamente había efectuado otros dos cortos de carácter dramático, Mother and Son (2010) y Two to One (2011). Da la impresión, con esos precedentes, que lo que le interesa es el carácter dramático de los eventos y las relaciones entre los personajes. Llega de noche se centra de manera pormenorizada en recrear el ambiente en que esos tres personajes intentan sobrevivir, intentando crear un símil de civilización.

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Ella y el muchacho son negros, y él es blanco, por lo cual se presupone que ella se casó en segundas nupcias. Pese a ello, el chico llama al marido de su madre “papá”, y se percibe un auténtico afecto entre ambos. Otra familia, formada también por tres personas (padre, madre y un chaval de cinco años) se unirá al grupo, después de unos obvios roces, y parece que todos se integran con facilidad. Sin embargo, pronto los encontronazos comienzan. Tal como en la novela El señor de las moscas (Lord of the Flies, 1954) de William Golding, la circunstancia anómala en que se hallan deja patente el estado embrionario de nuestra educación, y la condición de animal salvaje, que lucha por sobrevivir, se va haciendo patente.

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Paralelo a ello, hay algo más que parece rondar el lugar. Una especie de criatura salvaje, un monstruo, o acaso podría ser un grupo superviviente que se ha volcado más aún en la barbarie. O puede que no sea sino la representación simbólica de esa propia barbarie, implícita en todos, y que toma forma explícita. No quedará claro, en todo caso, y de igual modo la parte final tiende a una narración elíptica donde el espectador ha de deducir lo que acontece, debe poner de su parte para rellenar las lagunas que, de forma intencionada, el realizador deja dispersas en la narración.

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Todo ello sirve para crear un ambiente extraño, inquietante. Incluso los socorridos sustos de tanta cinta de terror mediocre, que suben el sonido de forma exagerada para alterar al espectador de un modo artificioso, aquí parecen concebidos para mostrar la inquietud de los personajes, para violentar esa aparente cotidianidad. Buena prueba de ello es el momento en que, de noche, Kim está reflexiva en la cocina y aparece de pronto Travis, asustándola. Esto es, una circunstancia usual de pronto se ve turbada, no por acontecimientos externos, sino por un estado de expectativa de quien la experimente –Kim en la película, y nosotros como espectadores–.

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Desde el mismo momento del film percibimos que hay algo más que lo que se nos dice. Poco a poco nos vamos enterando de las circunstancias en que están inmersos los personajes. No existe el clásico elementos discursivo que, de un modo u otro, suelte la parrafada para informar al espectador de lo que está pasando. Debes estar atento, escuchar y mirar más allá de lo que se oye y se ve. Una película lenta, elegante que no da todo mascado, y que toma al espectador como un elemento que forma parte de la propia narración, que es quien, en última instancia, decide lo que acontece.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: Viene de noche.
  • Rodada en la localidad de Woodstock, en el estado de Nueva York.
  • La pintura que aparece al principio de la película es “El triunfo de la Muerte” (ca. 1562), del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo.
  • Rodada con un presupuesto estimado de cinco millones de dólares.
  • Estrenada en Estados Unidos el 9 de junio de 2017; en España se estrenó el 7 de julio.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Melanie – The Girl with All the Gifts (The Girl with All the Gifts) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno on 16 mayo, 2017 by belakarloff

En un centro secreto, militares, educadores y científicos investigan sobre niños que son zombis, pero a los que han conseguido “domesticar” en cierto sentido, y muestran una gran inteligencia. En especial, Melanie, que siente predilección por una de las maestras, la señorita Justineau. La rutina diaria consiste en enseñar a los niños y hacer experimentos con ellos. Un día hay una brecha en la verja…

Dirección: Colm McCarthy. Producción: Poison Chef, BFI Film Fund, Altitude Film Sales, Altitude Film Entertainment. Productores: Camille Gatin, Angus Lamont. Productores ejecutivos: Will Clarke, Richard Holmes, Andy Mayson, Christopher Moll. Guion: Mike Carey, según su propia novela. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Simon Dennis. Diseño de producción: Kristian Milsted. Montaje: Matthew Cannings. Efectos especiales: Nick Rideout (supervisor de efectos especiales), Seb Barker (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Gemma Arterton (Helen Justineau), Glenn Close (doctora Caroline Caldwell), Dominique Tipper (Devani), Anamaria Marinca (doctora Selkirk), Paddy Considine (sargento Eddie Parks), Sennia Nanua (Melanie), Lobna Futers (hambriento), Daniel Eghan (soldado), Anthony Welsh (Dillon), Fisayo Akinade (Kieran Gallagher), Stacey Lynn Crowe, Ross Green, Elise Reed, Tessa Morris, Amy Floyd, Pete Buzzsaw Holland, Richard Price, Zak Holland, Matthew Smallwood, Alex Reed, Sean Evans, James Rowlands, Laura Marie Howard… Nacionalidad y año: RU, EE.UU. 2016. Duración y datos técnicos: 111 min. Color 2.00:1.

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Estos son los condenados

En primer lugar, los datos: Melanie – The Girl with All the Gifts (The Girl with All the Gifts, 2016) es una película con guion de Mike Carey, basándose en su propia novela publicada en 2014. Existe, sin embargo, un videojuego, The Last of Us, lanzado el 14 de junio de 2013, desarrollado por Naughty Dog y distribuido por Sony Interactive Entertainment, que mucha gente refiere que tiene un argumento muy similar. En ambos, la humanidad ha sucumbido a un hongo que provoca zombis, y la protagonista es una muchacha, inmune en cierto sentido. En 2014 se anunció una adaptación al cine, a producir por Screen Gems, con guion de Neil Druckmann, director creativo del videojuego, y dirección de Sam Raimi. En el imdb el proyecto aparece como “anunciado”.

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Y tras eso, donde ni entro ni salgo porque nada más sé, paso a comentar lo que es la película en sí. En la ficha técnica figura que es una co-producción entre el Reino Unido y los Estados Unidos, pero sospecho que este último país lo será en algún aspecto de participación económica, así como la inclusión de algún nombre en los créditos, así Glenn Close. Sin embargo, la película tiene un sabor genuinamente británico, recordando mucho a otras cintas de ciencia ficción procedentes de esas latitudes. Además, destila un sabor que también remite a la obra literaria de un escritor –británico– tan estimulante como es John Wyndham, habiendo ecos de sus obras El día de los trífidos (The Day of the Triffids, 1951), Las crisálidas (The Chrysalids, 1955) y Los cuclillos de Midwich (The Midwich Cuckoos, 1957), al menos. Y el arranque es muy similar al de la estupenda película Hammer Estos son los condenados (The Damned, 1963), de Joseph Losey.

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Así pues, tenemos lo referido en la sinopsis, hasta que hay un rotundo quiebro argumental y los personajes salen al exterior, habiendo de sobrevivir en una Inglaterra post-apocalíptica sembrada de zombis. Hasta ahí, podría parecer una más del montón, pero el film aporta dos elementos muy interesantes: por un lado, su peculiar perfil de personajes, muy británico, donde destaca esa niña zombi tan espabilada, algo resabidilla también, muy educada sobre todo, salvo cuando decide dejar a un lado los modales culinarios. Y por otro, la muy atractiva mitología zombi que crea, aportando a los infectados una gradación mutante, donde existen etapas distintas donde la conocida es solo la primera de ellas, transformándose de un modo paulatino en otra cosa… No ahondaré en eso, pese a su interés, dado que es uno de los platos fuertes del film, y resulta muy sugestivo irlo descubriendo.

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Colm McCarthy, el realizador, ha trabajado mucho en televisión, como en la estupenda serie Ripper Street y en Sherlock y Doctor Who, y se hará cargo del episodio piloto de Krypton, la serie centrada en el papá biológico de Superman desarrollada por David S. Goyer. En cine fue responsable de Outcast (Outcast, 2010), que se me escapó. Con The Girl with All the Gifts demuestra ser un director con personalidad, con un punto de vista para los detalles peculiares, que sabe dotar a la narración de un tempo sereno pero intenso. Y también muestra ser un director de actores capacitado, donde el plantel protagonista alcanza un excelente nivel, destacando la niña, en un cometido nada fácil. Aunque suene a tópico y algo exclusivista, The Girl with All the Gifts es algo más que “una de zombis”, y de hecho puede ser uno de los títulos más estimulantes del fantástico de este año que ahora empieza.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: She Who Brings Gifts.
  • En el Austin Film Fest de 2016 el film fue premiado en la categoría de mejor director. En el Festival de Sitges del mismo año, Sennia Nanua fue premiada como mejor actriz. En los premios British Independent Films de ese año, la cinta fue premiada en las categorías de producción y actriz secundaria (G. Aterton) y con nominaciones a efectos visuales y actriz revelación (S. Nanua).
  • Algunos planos aéreos pertenecen a la ciudad fantasma de Prypjat, cerca de Chernobyl, en Ucrania.
  • La cuñada de Glenn Close, Deb Close, es una gran fan de los films de zombis, y siempre quiso aparecer en uno. Tiene una aparición como uno de los “hambrientos”.
  • Rodada con un presupuesto estimado de cuatro millones de libras.
  • El autor de la novela y guionista, Mike (M. R.) Carey es también un famoso guionista de comics (Neverwhere de Neil Gaiman, por ejemplo, o X-Men).
  • Estrenada en el Reino Unido el 23 de septiembre de 2016; en España se estrenó el 3 de febrero de 2017.

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Bibliografía

Edición original:

The Girl with All the Gifts; por M. R. Carey. London: Orbit Books, 2014.

Traducción:

Melanie: una novela de zombis; por M. R. Carey; traducción de Manuel Mata. Barcelona: Minotauro, 2015. Colección: Terror; s/n.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Ghost in the Shell: El alma de la máquina (Ghost in the Shell) (2017)

Posted in Cómic, Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno, thriller on 31 marzo, 2017 by belakarloff

En un futuro indeterminado, los seres humanos se someten a implantes cibernéticos. Major es creada trasplantando su cerebro a un cuerpo robótico. Su misión es trabajar al lado de la justicia. Pero comienza a tener dudas acerca de su propio origen.

Dirección: Rupert Sanders. Producción: Arad Productions, DreamWorks, Grosvenor Park Productions, Paramount Pictures, Reliance Entertainment, Seaside Entertainment, Steven Paul Production. Productores: Ari Arad, Michael Costigan, Steven Paul. Co-productores: Holly Bario, Jane Evans, Maki Terashima-Furuta. Productores ejecutivos: Tetsuya Fujimura, Mitsuhisa Ishikawa, Yoshinobu Noma, Jeffrey Silver. Guion: Jamie Moss, William Wheeler, según el cómic de Masamune Shirow. Música: Lorne Balfe, Clint Mansell. Fotografía: Jess Hall. Diseño de producción: Jan Roelfs. Montaje: Billy Rich, Neil Smith. Efectos especiales: Atomic Fiction, Clear Angle Studios, Framestore, Gentle Giant Studios, Iloura, Lidar Guys, Lola Visual Effects, Moving Picture Company, Odd Studio, Painting Practice, Prime Focus World, Territory Studio, Weta Workshop. Intérpretes: Scarlett Johansson (Major), Pilou Asbæk (Batou), Takeshi Kitano (Aramaki), Juliette Binoche (doctora Ouelet), Michael Pitt (Kuze), Chin Han (Han), Danusia Samal (Ladriya), Lasarus Ratuere (Ishikawa), Yutaka Izumihara (Saito), Tawanda Manyimo (Borma), Peter Ferdinando (Cutter), Anamaria Marinca (doctora Dahlin), Daniel Henshall, Mana Hira Davis, Erroll Anderson, Kai Fung Rieck, Andrew Stehlin, Matthias Luafutu, John Luafutu, Kaori Momoi, Kaori Yamamoto… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 120 min. Color 1.85:1 2D – 3D.

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¿Sueñan los cyborgs con implantes mecánicos?

¿Para qué sirve un remake? Esa es una pregunta que, de forma periódica, asalta a algunos aficionados cuando surge una nueva versión de una película especialmente admirada. Aparte del obvio objetivo comercial, a veces, cuando se plantean con imaginación, pueden aportar algo diferente, ni mejor o peor implícitamente, con respecto al precedente. Este es uno de los casos.

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Téngase en cuenta que Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii, es un anime que adaptaba el manga homónimo de Masamune Shirow con ciertas libertades. Después ha habido otras dos versiones más, en 2006 y 2008 (véase el anecdotario). Esta adaptación hollywoodiense venía gestándose desde hacía tiempo, y al fin ha logrado ver la luz.

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En verdad, analizar la película desde la perspectiva comparativa con el original cinematográfico puede resultar fascinante. Recordemos que el film de Oshii planteaba dos líneas argumentales paralelas, por un lado acerca de ciertas intrigas empresariales, y por otro lado respecto a lo que rodeaba a su protagonista cibernética. Aquí los guionistas, Jamie Moss y William Wheeler, han efectuado una curiosa labor de transmutación: la historia de intrigas empresariales, hasta cierto punto, ha desaparecido, desarrollándose otra nueva; de este modo, no tenemos al Titiritero, sino a Kuze, aunque la trama sigue en cierto sentido muchos aspectos narrativos de su precedente, y algunos momentos están reproducidos fielmente, en imagen y/o en diálogos –así, inclusive, la secuencia de créditos, donde se crea a la protagonista–. Es decir, se nos narra otra historia, pero emulando momentos de la precedente, lo cual representa un singular ejercicio conversor. Por otro lado, esa nueva historia está articulada por completo con esa segunda sub-trama del film de Oshii, a tal punto que una no puede existir sin la otra, y una trama conduce irrevocablemente a la otra.

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De tal manera, todo lo que respecta a la aquí llamada Major –en el original japonés se trataba de Motoko Kusanagi[1]– es desarrollado a mayor profundidad. Pese a arrancar la historia en medio de una misión, con posterioridad se exploran sus orígenes y su pasado, siendo mucho más concienzuda en ese sentido que su homónimo animado.

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Luego todo dependerá de impresiones subjetivas en lo que concierne a la conjunción entre ese apartado digamos intimista y la espectacularidad de la propuesta, con respecto a la utilización de efectos especiales –abundantísima– y la de escenas de acción –generosas–. Por mi parte, creo que está bien conjuntado, y esta especie de mezcla entre Blade Runner, RoboCop y Matrix arroja saldos positivos. De esa manera, una parcela no devora a la otra, y el film exhibe un moderado equilibrio entre lo enfático y lo circunspecto. Por tanto tenemos un film espectacular, donde la mayoría de sus imágenes contienen efectos especiales, donde abundan las persecuciones y los disparos, pero que al tiempo se ocupa en desarrollar la psicología de su personaje principal, en una exploración de su pasado que contiene no pocas cotas emocionales.

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El director es Rupert Sanders, responsable de Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the Huntsman, 2012), que, sinceramente, no me molesté en ver. Pero es de destacar su habilidad para reproducir el ritmo visual y la estética de la animación por medio de imágenes reales. Mimetiza con estilo el talante hiperbólico de este tipo de narrativa, así como el del cine de acción contemporáneo, otorgándole algo de poso a la belleza estética que impera en este tipo de planos. Quién sabe, puede que en un futuro se desvele como un realizador a considerar.

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La película ofrece en su versión 3D algunos momentos llamativos, como cuando nuestra heroína atraviesa una cristalera a cámara lenta, en el más puro estilo Matrix, y los trozos de cristal parecen flotar sobre nosotros. Sin embargo, al menos al pase al que asistí, se percibía cierta doble imagen un tanto molesta, amén de oscurecer en exceso la imagen (véase la cena del inicio, donde la penumbra era excesiva). La versión en 2D[2] pierde esa espectacularidad, pero procura una imagen más limpia y uno puede centrarse en la trama sin perderse en adornos superfluos. Añadamos a nivel anecdótico que, en la versión original, los personajes hablan en inglés, salvo Takeshi Kitano y algún secundario, que lo hacen en japonés; sin embargo, en la interacción entre unos y otros personajes en dos idiomas distintos todos se entienden entre sí perfectamente. ¿Traductores simultáneos implantados en el cerebro? Quién sabe…

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Anécdotas

  • Título en Chile: Ghost in the Shell: Vigilante del futuro.
  • Margot Robbie (Harley Quinn en Escuadrón Suicida) fue considerada para el papel protagonista. Para el papel de Batou se pensó en Matthias Schoenaerts. Hubo conversaciones con Sam Riley para incorporar a Hideo.
  • En la versión doblada para el Japón algunos intérpretes repiten el rol del anime, así Atsuko Tanaka (Major), Akio Ôtsuka (Batou) y Kôichi Yamadera (Togusa).
  • En los títulos de crédito finales suena la música del anime.
  • Remake de Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii. Otros remakes previos: Kôkaku kidôtai: Stand Alone Complex Solid State Society (2006) [telefilm]; Ghost in the Shell 2.0 (2008).
  • Estrenada en premiere en Japón el 16 de marzo de 2017. En Estados Unidos se estrenó el 31 de marzo, así como en España.

 

Bibliografía

  • The Ghost in the Shell; por Masamune Shirow; traducción, Victoria Simó. Barcelona: Planeta-DeAgostini, 1998. T.O.: Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell (1989).

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] El convertir un personaje originalmente japonés en uno occidental, por supuesto, provocó no poca polémica y hasta protestas. Aunque ha de decirse que la primera aparición de Scarlett Johansson, por la posición y el maquillaje, hace aparentarle rasgos orientales.

[2] Asistí a un pase de prensa donde se proyectaron los quince primeros minutos en 3D y, después, la película entera en 2D, por lo cual resultó interesante comparar.

Train to Busan (Busanhaeng) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno, Terror on 27 enero, 2017 by belakarloff

Un ejecutivo se ve en la obligación de acompañar a su pequeña hija en un viaje en tren para que la niña se reúna con su madre. Pero el monótono desplazamiento se verá alterado cuando en el vehículo se desate una epidemia zombi.

Dirección: Sang-ho Yeon. Producción: RedPeter Film. Productores: Lee Dong-ha, Kim Yeon-Ho. Guion: Sang-ho Yeon, Park Joo-Suk. Música: Jang Young-gyu. Fotografía: Hyung-deok Lee.  Montaje: Yang Jin-mo. Efectos especiales: Jung Hwang-su (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Yoo Gong (Seok Woo), Soo-an Kim (Soo-an), Yu-mi Jeong (Sung Gyeong), Dong-seok Ma (Sang Hwa), Woo-sik Choi (joven Gook), Sohee (Jin-hee), Eui-sung Kim (Yong-Suk), Gwi-hwa Choi (mendigo), Jang Hyuk-Jin (Ki-chul), Seok-yong Jeong (capitán de KTX), Chang Hwan Kim (Kim Jin-mo), Myung-sin Park (Jong-gil), Eun-kyung Shim (chica que huye), Soo-jung Ye (In-gil)… Nacionalidad y año: Corea del Sur 2016. Duración y datos técnicos: 118 min. Color 1.85:1.

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Zombis a todo tren

Innovar en el ámbito de cine de zombis es difícil. Por un lado, por la propia limitación temática, y por otra, porque en cine existen restricciones también de carácter técnico: lo que en cómic, animación o literatura es factible, en el cine de imagen real resulta dificultoso si no existen medios económicos. De ahí la preponderancia a títulos de carácter intimista, entre los que podemos citar, de producción reciente, el muy atractivo y poco considerado Maggie (Maggie, 2015), de Henry Hobson.

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Resulta curioso que el director de Train to Busan (Busanhaeng, 2016), Sang-ho Yeon, proceda del mundo de la animación, con diversas realizaciones en ese ámbito, con cierta predilección por el thriller. Ese mismo año había rodado un film de animación titulado Seoul Station, que supone una precuela al presente, ambientándose un día antes. Y con el presente debuta en el cine de imagen real, aunque su campo de trabajo previo se percibe, en especial en las trepidantes escenas de acción.

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No sé, dentro del ámbito del cine surcoreano, si la presente es una producción cara, pero al menos tiene un empaque solvente y luce espectacular. Si bien el arranque entra dentro de la consideración de cine intimista que mencionábamos antes, con algunas escenas entre el protagonista y su madre, que hace preguntarse un tanto qué sentido tienen con lo que, imaginamos, vendrá después. Pero tiene importancia, puesto que Train to Busan busca ser cine de personajes, pese a su temática y su aire desmesurado, y todo lo que acontece tiene relación con lo que hagan los protagonistas y cómo reaccionan en todo momento.

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De esta manera, tenemos un reparto coral, aunque focalizado en el padre y la niña, donde una serie de personajes reaccionan de distintas maneras ante la catástrofe que se les echa encima. Es destacable el hecho de que los comportamientos egoístas se verán castigados, antes o después, si bien la abnegación tampoco será compensada, pues algunos personajes “positivos” caerán en la criba final. Y es que, como es norma en el cine oriental, el elemento de melodrama exacerbado es muy acusado, y los momentos finales del film son de llorar a moco tendido, con una intensidad que ni la conclusión de Imitación a la vida (Imitation of Life, 1959), de Douglas Sirk.

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Pero, por supuesto, el plato fuerte de la película son las escenas de zombis. En este sentido, cabe referir que se trata de la modalidad de “infectados”, que muerden masivamente, pero no existe gore en las escenas, y lo que más se ve con los maquillajes aparatosos, con venas azuladas en el rostro y ojos de pescado muerto.

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Es una buena idea ubicar la acción en un tren de gran velocidad, con los zombis anegando los pasillos, y sin tener los personajes lugar alguno al que huir… a menos que se tiren en marcha, lo que a ninguno se le ocurre. De este modo, tenemos una ambientación claustrofóbica, si bien al mismo tiempo se aporta un contexto novedoso. Si acaso, la película podría recordar a los momentos finales de la estupenda Pánico en el transiberiano / Horror Express (1972), de Eugenio Martín. Se nos ofrece la peculiaridad de que los infectados no ven en condiciones difíciles, así los personajes pueden recurrir a diversas técnicas para pasar inadvertidos, como los túneles que atraviesan ocasionalmente y otras.

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Una vez se desata la primera actividad zombi en el tren, es un no parar desde ahí hasta el final. La película dura casi dos horas, pero el viaje se hace rápido, la acción es trepidante y la cinta resulta sumamente divertida. Existe cierta exageración en todo momento, en ningún momento se busca hacer una cinta de horror realista, sino una cachondada pasada de rosca, con un leve perfil de humor, pero nada explícito.

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Train to Busan es una película gozosa, creada para entretener, pero con una fórmula pertinente, y donde en especial el director, Sang-ho Yeon, demuestra disponer de nervio y gran capacidad para la atmósfera. Será interesante seguir su carrera a partir de ahora. Y, por favor, a los distribuidores se les rogaría que intentaran rescatar alguna muestra de su trabajo previo. Creo que puede valer mucho la pena.

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Anécdotas

  • Título en Argentina: Invasión Zombie. Título en Chile y Perú: Estación Zombie. Título en México: Estación Zombie: tren a Busan.
  • En el Festival de Sitges de 2006 fue premiada a mejor director y a los efectos especiales. En los premios de los Korean Association of Film Critics fue galardonada a los efectos de maquillaje y entre las diez mejores películas del año. En el Fantasia Film Festival ganó el Cheval Noir a mejor película y el premio de la audiencia a mejor película oriental.
  • En dieciembre de 2016 se ha anunciado a través de Variety que Gaumont producirá un remake en inglés de Train to Busan.
  • La película se rodó entre el 26 de abril y el 19 de agosto de 2015.
  • Estrenada en Corea del Sur el 20 de julio de 2016. En España se estrenó el 5 de enero de 2017.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

Desierto (Desierto) (2015)

Posted in Aventuras, Cine, Crítica, Criminal, Estreno on 5 enero, 2017 by belakarloff

Un grupo de mexicanos atraviesa el desierto en una camioneta, con intención de cruzar la frontera con Estados Unidos, cuando el vehículo se avería. Tienen que seguir a pie, sin saber que entre los riscos acecha un norteamericano racista con su perro que se propone darles caza…

Dirección: Jonás Cuarón. Producción: Esperanto Kino, Itaca Films, CG Cinéma. Productores: Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón, Jonás Cuarón, Alex García, Charles Gillibert. Productores ejecutivos: Nicolás Celis, Santiago García Galván, Gael García Bernal, David Linde. Productor asociado: Patrick André. Guion: Jonás Cuarón, Mateo García. Música: Woodkid. Fotografía: Damián García. Diseño de producción: Alejandro García. Montaje: Jonás Cuarón. Efectos especiales: Anthony Lestremau (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Gael García Bernal (Moisés), Jeffrey Dean Morgan (Sam), Alondra Hidalgo (Adela), Diego Cataño (Mechas), Marco Pérez (Lobo), Óscar Flores (Ramiro), David Lorenzo (Ulises), Butch McCain (presentador de radio), Lew Temple (agente fronterizo), William A. Rodriguez [Yuri Zackoqv] (Ramiro)… Nacionalidad y año: México, Francia 2015. Duración y datos técnicos: 94 min. Color 2.35:1.

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Sí, a quien haya leído la sinopsis se lo confirmo desde ya mismo: se trata de la enésima imitación del relato “The Most Dangerous Game” (1924), de Richard E. Connell[1], así como de su más canónica adaptación al cine, El malvado Zaroff (The Most Dangerous Game, 1932), de Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack. Desde entonces han sido no pocas las variaciones que se han hecho de esta influyente historia, tanto adaptándola oficialmente como haciendo un plagio descarado –recordemos incluso un episodio de la serie El increíble Hulk, la de Bill Bixby y Lou Ferrigno–.

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En esta ocasión, nos viene de manos de Jonás Cuarón, hijo del excelente Alfonso, y responsable del guion, junto a su padre, de la atractiva Gravity (Gravity, 2013), que dirigiera papá. Con anterioridad Jonás había realizado un largo titulado Año uña (2007), y un par de cortos; ahora tiene en pre-producción una cinta titulada Z, una nueva aproximación al mito del Zorro, en los rasgos de Gael García Bernal.

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Viniendo de quien viene, uno esperaría, acaso, que Desierto dispusiera de un guion férreo y de una puesta en escena algo plúmbea. Sin embargo, el resultado es casi el contrario. La propia sinopsis da a entender una carga político-social, una crítica respecto a los “espaldas mojadas” y el trato que se les da en Estados Unidos. Así, el personaje que representa, espléndidamente, Jeffrey Dean Morgan vendría a representar al ciudadano medio norteamericano y su postura con respecto a los inmigrantes procedentes de más allá de río Grande. De hecho, obsérvese que su nombre es Sam, con lo cual su representación simbólica con los Estados Unidos se hace más evidente.

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Sin embargo, pese a que algo de todo esto hay, no se trata de una alegoría política sin más, quedando esto tamizado y por debajo de las imágenes. Diríase que Cuarón utiliza este arranque como excusa para realizar un ejercicio de estilo mezclando cine de aventuras, thriller, tensión y casi terror. Lo más cercano que podría referirse es la adaptación del relato de Connell conocido como Huida hacia el sol (Run for the Sun, 1956), de Roy Boulting, con protagonismo de Richard Widmark, Trevor Howard y Jane Greer, donde el malo venía representado por los rasgos de un nazi.

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Así pues, Cuarón opta con efectuar una película muy física, con gran intensidad visual y planos casi dolorosos. Aunque no aprovecha del todo el tema del intenso calor que emana del desierto, el juego del gato y el ratón que se produce entre cazador y víctimas resulta cautivante. Más elemental es ese guion referido, donde al inicio todos los extras caen uno tras otro con una facilidad pasmosa, y después los personajes con más importancia dramática son más costosos de abatir. Hubiera sido necesaria una gradación mayor en la escalada de muertes.

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Las escenas de los ataques poseen una enorme intensidad, y en ocasiones resultan incluso desazonadoras e incómodas. Súmese a ello la participación de un perro que se revela todo un actorazo, y cuyas participaciones son fundamentales.

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Hubiera sido deseable un guion más trabajado, pero como director Cuarón Jr. se revela como un hombre que sabe aplicar intensidad a lo que rueda. Será interesante seguir su carrera.

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Anécdotas

  • No hay una sola escena de la película rodada en interiores.
  • Rodada en la Baja California, México.
  • El presupuesto estimado es de tres millones de dólares.
  • Estrenada en Francia el 13 de abril de 2016, y en México el 15 de abril. En España se estrenó el 6 de enero de 2017.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] “La presa más peligrosa”. En Siete relatos góticos. Del papel a la pantalla; prólogo de Antonio Ballesteros González; traducción y textos de Sara Martín Alegre. Madrid: Ed. Jaguar, 2006. Colección: La Barca de Caronte; s/n. También ha sido traducido como “Un juego peligroso”, “El juego más peligroso”, “La más peligrosa de las cazas” y “El más peligroso de los juegos”.

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