Archive for the Estreno Category

Melanie – The Girl with All the Gifts (The Girl with All the Gifts) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno on 16 mayo, 2017 by belakarloff

En un centro secreto, militares, educadores y científicos investigan sobre niños que son zombis, pero a los que han conseguido “domesticar” en cierto sentido, y muestran una gran inteligencia. En especial, Melanie, que siente predilección por una de las maestras, la señorita Justineau. La rutina diaria consiste en enseñar a los niños y hacer experimentos con ellos. Un día hay una brecha en la verja…

Dirección: Colm McCarthy. Producción: Poison Chef, BFI Film Fund, Altitude Film Sales, Altitude Film Entertainment. Productores: Camille Gatin, Angus Lamont. Productores ejecutivos: Will Clarke, Richard Holmes, Andy Mayson, Christopher Moll. Guion: Mike Carey, según su propia novela. Música: Cristobal Tapia de Veer. Fotografía: Simon Dennis. Diseño de producción: Kristian Milsted. Montaje: Matthew Cannings. Efectos especiales: Nick Rideout (supervisor de efectos especiales), Seb Barker (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Gemma Arterton (Helen Justineau), Glenn Close (doctora Caroline Caldwell), Dominique Tipper (Devani), Anamaria Marinca (doctora Selkirk), Paddy Considine (sargento Eddie Parks), Sennia Nanua (Melanie), Lobna Futers (hambriento), Daniel Eghan (soldado), Anthony Welsh (Dillon), Fisayo Akinade (Kieran Gallagher), Stacey Lynn Crowe, Ross Green, Elise Reed, Tessa Morris, Amy Floyd, Pete Buzzsaw Holland, Richard Price, Zak Holland, Matthew Smallwood, Alex Reed, Sean Evans, James Rowlands, Laura Marie Howard… Nacionalidad y año: RU, EE.UU. 2016. Duración y datos técnicos: 111 min. Color 2.00:1.

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Estos son los condenados

En primer lugar, los datos: Melanie – The Girl with All the Gifts (The Girl with All the Gifts, 2016) es una película con guion de Mike Carey, basándose en su propia novela publicada en 2014. Existe, sin embargo, un videojuego, The Last of Us, lanzado el 14 de junio de 2013, desarrollado por Naughty Dog y distribuido por Sony Interactive Entertainment, que mucha gente refiere que tiene un argumento muy similar. En ambos, la humanidad ha sucumbido a un hongo que provoca zombis, y la protagonista es una muchacha, inmune en cierto sentido. En 2014 se anunció una adaptación al cine, a producir por Screen Gems, con guion de Neil Druckmann, director creativo del videojuego, y dirección de Sam Raimi. En el imdb el proyecto aparece como “anunciado”.

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Y tras eso, donde ni entro ni salgo porque nada más sé, paso a comentar lo que es la película en sí. En la ficha técnica figura que es una co-producción entre el Reino Unido y los Estados Unidos, pero sospecho que este último país lo será en algún aspecto de participación económica, así como la inclusión de algún nombre en los créditos, así Glenn Close. Sin embargo, la película tiene un sabor genuinamente británico, recordando mucho a otras cintas de ciencia ficción procedentes de esas latitudes. Además, destila un sabor que también remite a la obra literaria de un escritor –británico– tan estimulante como es John Wyndham, habiendo ecos de sus obras El día de los trífidos (The Day of the Triffids, 1951), Las crisálidas (The Chrysalids, 1955) y Los cuclillos de Midwich (The Midwich Cuckoos, 1957), al menos. Y el arranque es muy similar al de la estupenda película Hammer Estos son los condenados (The Damned, 1963), de Joseph Losey.

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Así pues, tenemos lo referido en la sinopsis, hasta que hay un rotundo quiebro argumental y los personajes salen al exterior, habiendo de sobrevivir en una Inglaterra post-apocalíptica sembrada de zombis. Hasta ahí, podría parecer una más del montón, pero el film aporta dos elementos muy interesantes: por un lado, su peculiar perfil de personajes, muy británico, donde destaca esa niña zombi tan espabilada, algo resabidilla también, muy educada sobre todo, salvo cuando decide dejar a un lado los modales culinarios. Y por otro, la muy atractiva mitología zombi que crea, aportando a los infectados una gradación mutante, donde existen etapas distintas donde la conocida es solo la primera de ellas, transformándose de un modo paulatino en otra cosa… No ahondaré en eso, pese a su interés, dado que es uno de los platos fuertes del film, y resulta muy sugestivo irlo descubriendo.

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Colm McCarthy, el realizador, ha trabajado mucho en televisión, como en la estupenda serie Ripper Street y en Sherlock y Doctor Who, y se hará cargo del episodio piloto de Krypton, la serie centrada en el papá biológico de Superman desarrollada por David S. Goyer. En cine fue responsable de Outcast (Outcast, 2010), que se me escapó. Con The Girl with All the Gifts demuestra ser un director con personalidad, con un punto de vista para los detalles peculiares, que sabe dotar a la narración de un tempo sereno pero intenso. Y también muestra ser un director de actores capacitado, donde el plantel protagonista alcanza un excelente nivel, destacando la niña, en un cometido nada fácil. Aunque suene a tópico y algo exclusivista, The Girl with All the Gifts es algo más que “una de zombis”, y de hecho puede ser uno de los títulos más estimulantes del fantástico de este año que ahora empieza.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: She Who Brings Gifts.
  • En el Austin Film Fest de 2016 el film fue premiado en la categoría de mejor director. En el Festival de Sitges del mismo año, Sennia Nanua fue premiada como mejor actriz. En los premios British Independent Films de ese año, la cinta fue premiada en las categorías de producción y actriz secundaria (G. Aterton) y con nominaciones a efectos visuales y actriz revelación (S. Nanua).
  • Algunos planos aéreos pertenecen a la ciudad fantasma de Prypjat, cerca de Chernobyl, en Ucrania.
  • La cuñada de Glenn Close, Deb Close, es una gran fan de los films de zombis, y siempre quiso aparecer en uno. Tiene una aparición como uno de los “hambrientos”.
  • Rodada con un presupuesto estimado de cuatro millones de libras.
  • El autor de la novela y guionista, Mike (M. R.) Carey es también un famoso guionista de comics (Neverwhere de Neil Gaiman, por ejemplo, o X-Men).
  • Estrenada en el Reino Unido el 23 de septiembre de 2016; en España se estrenó el 3 de febrero de 2017.

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Bibliografía

Edición original:

The Girl with All the Gifts; por M. R. Carey. London: Orbit Books, 2014.

Traducción:

Melanie: una novela de zombis; por M. R. Carey; traducción de Manuel Mata. Barcelona: Minotauro, 2015. Colección: Terror; s/n.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Ghost in the Shell: El alma de la máquina (Ghost in the Shell) (2017)

Posted in Cómic, Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno, thriller on 31 marzo, 2017 by belakarloff

En un futuro indeterminado, los seres humanos se someten a implantes cibernéticos. Major es creada trasplantando su cerebro a un cuerpo robótico. Su misión es trabajar al lado de la justicia. Pero comienza a tener dudas acerca de su propio origen.

Dirección: Rupert Sanders. Producción: Arad Productions, DreamWorks, Grosvenor Park Productions, Paramount Pictures, Reliance Entertainment, Seaside Entertainment, Steven Paul Production. Productores: Ari Arad, Michael Costigan, Steven Paul. Co-productores: Holly Bario, Jane Evans, Maki Terashima-Furuta. Productores ejecutivos: Tetsuya Fujimura, Mitsuhisa Ishikawa, Yoshinobu Noma, Jeffrey Silver. Guion: Jamie Moss, William Wheeler, según el cómic de Masamune Shirow. Música: Lorne Balfe, Clint Mansell. Fotografía: Jess Hall. Diseño de producción: Jan Roelfs. Montaje: Billy Rich, Neil Smith. Efectos especiales: Atomic Fiction, Clear Angle Studios, Framestore, Gentle Giant Studios, Iloura, Lidar Guys, Lola Visual Effects, Moving Picture Company, Odd Studio, Painting Practice, Prime Focus World, Territory Studio, Weta Workshop. Intérpretes: Scarlett Johansson (Major), Pilou Asbæk (Batou), Takeshi Kitano (Aramaki), Juliette Binoche (doctora Ouelet), Michael Pitt (Kuze), Chin Han (Han), Danusia Samal (Ladriya), Lasarus Ratuere (Ishikawa), Yutaka Izumihara (Saito), Tawanda Manyimo (Borma), Peter Ferdinando (Cutter), Anamaria Marinca (doctora Dahlin), Daniel Henshall, Mana Hira Davis, Erroll Anderson, Kai Fung Rieck, Andrew Stehlin, Matthias Luafutu, John Luafutu, Kaori Momoi, Kaori Yamamoto… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 120 min. Color 1.85:1 2D – 3D.

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¿Sueñan los cyborgs con implantes mecánicos?

¿Para qué sirve un remake? Esa es una pregunta que, de forma periódica, asalta a algunos aficionados cuando surge una nueva versión de una película especialmente admirada. Aparte del obvio objetivo comercial, a veces, cuando se plantean con imaginación, pueden aportar algo diferente, ni mejor o peor implícitamente, con respecto al precedente. Este es uno de los casos.

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Téngase en cuenta que Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii, es un anime que adaptaba el manga homónimo de Masamune Shirow con ciertas libertades. Después ha habido otras dos versiones más, en 2006 y 2008 (véase el anecdotario). Esta adaptación hollywoodiense venía gestándose desde hacía tiempo, y al fin ha logrado ver la luz.

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En verdad, analizar la película desde la perspectiva comparativa con el original cinematográfico puede resultar fascinante. Recordemos que el film de Oshii planteaba dos líneas argumentales paralelas, por un lado acerca de ciertas intrigas empresariales, y por otro lado respecto a lo que rodeaba a su protagonista cibernética. Aquí los guionistas, Jamie Moss y William Wheeler, han efectuado una curiosa labor de transmutación: la historia de intrigas empresariales, hasta cierto punto, ha desaparecido, desarrollándose otra nueva; de este modo, no tenemos al Titiritero, sino a Kuze, aunque la trama sigue en cierto sentido muchos aspectos narrativos de su precedente, y algunos momentos están reproducidos fielmente, en imagen y/o en diálogos –así, inclusive, la secuencia de créditos, donde se crea a la protagonista–. Es decir, se nos narra otra historia, pero emulando momentos de la precedente, lo cual representa un singular ejercicio conversor. Por otro lado, esa nueva historia está articulada por completo con esa segunda sub-trama del film de Oshii, a tal punto que una no puede existir sin la otra, y una trama conduce irrevocablemente a la otra.

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De tal manera, todo lo que respecta a la aquí llamada Major –en el original japonés se trataba de Motoko Kusanagi[1]– es desarrollado a mayor profundidad. Pese a arrancar la historia en medio de una misión, con posterioridad se exploran sus orígenes y su pasado, siendo mucho más concienzuda en ese sentido que su homónimo animado.

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Luego todo dependerá de impresiones subjetivas en lo que concierne a la conjunción entre ese apartado digamos intimista y la espectacularidad de la propuesta, con respecto a la utilización de efectos especiales –abundantísima– y la de escenas de acción –generosas–. Por mi parte, creo que está bien conjuntado, y esta especie de mezcla entre Blade Runner, RoboCop y Matrix arroja saldos positivos. De esa manera, una parcela no devora a la otra, y el film exhibe un moderado equilibrio entre lo enfático y lo circunspecto. Por tanto tenemos un film espectacular, donde la mayoría de sus imágenes contienen efectos especiales, donde abundan las persecuciones y los disparos, pero que al tiempo se ocupa en desarrollar la psicología de su personaje principal, en una exploración de su pasado que contiene no pocas cotas emocionales.

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El director es Rupert Sanders, responsable de Blancanieves y la leyenda del cazador (Snow White and the Huntsman, 2012), que, sinceramente, no me molesté en ver. Pero es de destacar su habilidad para reproducir el ritmo visual y la estética de la animación por medio de imágenes reales. Mimetiza con estilo el talante hiperbólico de este tipo de narrativa, así como el del cine de acción contemporáneo, otorgándole algo de poso a la belleza estética que impera en este tipo de planos. Quién sabe, puede que en un futuro se desvele como un realizador a considerar.

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La película ofrece en su versión 3D algunos momentos llamativos, como cuando nuestra heroína atraviesa una cristalera a cámara lenta, en el más puro estilo Matrix, y los trozos de cristal parecen flotar sobre nosotros. Sin embargo, al menos al pase al que asistí, se percibía cierta doble imagen un tanto molesta, amén de oscurecer en exceso la imagen (véase la cena del inicio, donde la penumbra era excesiva). La versión en 2D[2] pierde esa espectacularidad, pero procura una imagen más limpia y uno puede centrarse en la trama sin perderse en adornos superfluos. Añadamos a nivel anecdótico que, en la versión original, los personajes hablan en inglés, salvo Takeshi Kitano y algún secundario, que lo hacen en japonés; sin embargo, en la interacción entre unos y otros personajes en dos idiomas distintos todos se entienden entre sí perfectamente. ¿Traductores simultáneos implantados en el cerebro? Quién sabe…

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Anécdotas

  • Título en Chile: Ghost in the Shell: Vigilante del futuro.
  • Margot Robbie (Harley Quinn en Escuadrón Suicida) fue considerada para el papel protagonista. Para el papel de Batou se pensó en Matthias Schoenaerts. Hubo conversaciones con Sam Riley para incorporar a Hideo.
  • En la versión doblada para el Japón algunos intérpretes repiten el rol del anime, así Atsuko Tanaka (Major), Akio Ôtsuka (Batou) y Kôichi Yamadera (Togusa).
  • En los títulos de crédito finales suena la música del anime.
  • Remake de Ghost in the Shell (Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell, 1995), de Mamoru Oshii. Otros remakes previos: Kôkaku kidôtai: Stand Alone Complex Solid State Society (2006) [telefilm]; Ghost in the Shell 2.0 (2008).
  • Estrenada en premiere en Japón el 16 de marzo de 2017. En Estados Unidos se estrenó el 31 de marzo, así como en España.

 

Bibliografía

  • The Ghost in the Shell; por Masamune Shirow; traducción, Victoria Simó. Barcelona: Planeta-DeAgostini, 1998. T.O.: Kôkaku Kidôtai / Ghost in the Shell (1989).

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] El convertir un personaje originalmente japonés en uno occidental, por supuesto, provocó no poca polémica y hasta protestas. Aunque ha de decirse que la primera aparición de Scarlett Johansson, por la posición y el maquillaje, hace aparentarle rasgos orientales.

[2] Asistí a un pase de prensa donde se proyectaron los quince primeros minutos en 3D y, después, la película entera en 2D, por lo cual resultó interesante comparar.

Train to Busan (Busanhaeng) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno, Terror on 27 enero, 2017 by belakarloff

Un ejecutivo se ve en la obligación de acompañar a su pequeña hija en un viaje en tren para que la niña se reúna con su madre. Pero el monótono desplazamiento se verá alterado cuando en el vehículo se desate una epidemia zombi.

Dirección: Sang-ho Yeon. Producción: RedPeter Film. Productores: Lee Dong-ha, Kim Yeon-Ho. Guion: Sang-ho Yeon, Park Joo-Suk. Música: Jang Young-gyu. Fotografía: Hyung-deok Lee.  Montaje: Yang Jin-mo. Efectos especiales: Jung Hwang-su (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Yoo Gong (Seok Woo), Soo-an Kim (Soo-an), Yu-mi Jeong (Sung Gyeong), Dong-seok Ma (Sang Hwa), Woo-sik Choi (joven Gook), Sohee (Jin-hee), Eui-sung Kim (Yong-Suk), Gwi-hwa Choi (mendigo), Jang Hyuk-Jin (Ki-chul), Seok-yong Jeong (capitán de KTX), Chang Hwan Kim (Kim Jin-mo), Myung-sin Park (Jong-gil), Eun-kyung Shim (chica que huye), Soo-jung Ye (In-gil)… Nacionalidad y año: Corea del Sur 2016. Duración y datos técnicos: 118 min. Color 1.85:1.

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Zombis a todo tren

Innovar en el ámbito de cine de zombis es difícil. Por un lado, por la propia limitación temática, y por otra, porque en cine existen restricciones también de carácter técnico: lo que en cómic, animación o literatura es factible, en el cine de imagen real resulta dificultoso si no existen medios económicos. De ahí la preponderancia a títulos de carácter intimista, entre los que podemos citar, de producción reciente, el muy atractivo y poco considerado Maggie (Maggie, 2015), de Henry Hobson.

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Resulta curioso que el director de Train to Busan (Busanhaeng, 2016), Sang-ho Yeon, proceda del mundo de la animación, con diversas realizaciones en ese ámbito, con cierta predilección por el thriller. Ese mismo año había rodado un film de animación titulado Seoul Station, que supone una precuela al presente, ambientándose un día antes. Y con el presente debuta en el cine de imagen real, aunque su campo de trabajo previo se percibe, en especial en las trepidantes escenas de acción.

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No sé, dentro del ámbito del cine surcoreano, si la presente es una producción cara, pero al menos tiene un empaque solvente y luce espectacular. Si bien el arranque entra dentro de la consideración de cine intimista que mencionábamos antes, con algunas escenas entre el protagonista y su madre, que hace preguntarse un tanto qué sentido tienen con lo que, imaginamos, vendrá después. Pero tiene importancia, puesto que Train to Busan busca ser cine de personajes, pese a su temática y su aire desmesurado, y todo lo que acontece tiene relación con lo que hagan los protagonistas y cómo reaccionan en todo momento.

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De esta manera, tenemos un reparto coral, aunque focalizado en el padre y la niña, donde una serie de personajes reaccionan de distintas maneras ante la catástrofe que se les echa encima. Es destacable el hecho de que los comportamientos egoístas se verán castigados, antes o después, si bien la abnegación tampoco será compensada, pues algunos personajes “positivos” caerán en la criba final. Y es que, como es norma en el cine oriental, el elemento de melodrama exacerbado es muy acusado, y los momentos finales del film son de llorar a moco tendido, con una intensidad que ni la conclusión de Imitación a la vida (Imitation of Life, 1959), de Douglas Sirk.

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Pero, por supuesto, el plato fuerte de la película son las escenas de zombis. En este sentido, cabe referir que se trata de la modalidad de “infectados”, que muerden masivamente, pero no existe gore en las escenas, y lo que más se ve con los maquillajes aparatosos, con venas azuladas en el rostro y ojos de pescado muerto.

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Es una buena idea ubicar la acción en un tren de gran velocidad, con los zombis anegando los pasillos, y sin tener los personajes lugar alguno al que huir… a menos que se tiren en marcha, lo que a ninguno se le ocurre. De este modo, tenemos una ambientación claustrofóbica, si bien al mismo tiempo se aporta un contexto novedoso. Si acaso, la película podría recordar a los momentos finales de la estupenda Pánico en el transiberiano / Horror Express (1972), de Eugenio Martín. Se nos ofrece la peculiaridad de que los infectados no ven en condiciones difíciles, así los personajes pueden recurrir a diversas técnicas para pasar inadvertidos, como los túneles que atraviesan ocasionalmente y otras.

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Una vez se desata la primera actividad zombi en el tren, es un no parar desde ahí hasta el final. La película dura casi dos horas, pero el viaje se hace rápido, la acción es trepidante y la cinta resulta sumamente divertida. Existe cierta exageración en todo momento, en ningún momento se busca hacer una cinta de horror realista, sino una cachondada pasada de rosca, con un leve perfil de humor, pero nada explícito.

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Train to Busan es una película gozosa, creada para entretener, pero con una fórmula pertinente, y donde en especial el director, Sang-ho Yeon, demuestra disponer de nervio y gran capacidad para la atmósfera. Será interesante seguir su carrera a partir de ahora. Y, por favor, a los distribuidores se les rogaría que intentaran rescatar alguna muestra de su trabajo previo. Creo que puede valer mucho la pena.

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Anécdotas

  • Título en Argentina: Invasión Zombie. Título en Chile y Perú: Estación Zombie. Título en México: Estación Zombie: tren a Busan.
  • En el Festival de Sitges de 2006 fue premiada a mejor director y a los efectos especiales. En los premios de los Korean Association of Film Critics fue galardonada a los efectos de maquillaje y entre las diez mejores películas del año. En el Fantasia Film Festival ganó el Cheval Noir a mejor película y el premio de la audiencia a mejor película oriental.
  • En dieciembre de 2016 se ha anunciado a través de Variety que Gaumont producirá un remake en inglés de Train to Busan.
  • La película se rodó entre el 26 de abril y el 19 de agosto de 2015.
  • Estrenada en Corea del Sur el 20 de julio de 2016. En España se estrenó el 5 de enero de 2017.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

Desierto (Desierto) (2015)

Posted in Aventuras, Cine, Crítica, Criminal, Estreno on 5 enero, 2017 by belakarloff

Un grupo de mexicanos atraviesa el desierto en una camioneta, con intención de cruzar la frontera con Estados Unidos, cuando el vehículo se avería. Tienen que seguir a pie, sin saber que entre los riscos acecha un norteamericano racista con su perro que se propone darles caza…

Dirección: Jonás Cuarón. Producción: Esperanto Kino, Itaca Films, CG Cinéma. Productores: Alfonso Cuarón, Carlos Cuarón, Jonás Cuarón, Alex García, Charles Gillibert. Productores ejecutivos: Nicolás Celis, Santiago García Galván, Gael García Bernal, David Linde. Productor asociado: Patrick André. Guion: Jonás Cuarón, Mateo García. Música: Woodkid. Fotografía: Damián García. Diseño de producción: Alejandro García. Montaje: Jonás Cuarón. Efectos especiales: Anthony Lestremau (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Gael García Bernal (Moisés), Jeffrey Dean Morgan (Sam), Alondra Hidalgo (Adela), Diego Cataño (Mechas), Marco Pérez (Lobo), Óscar Flores (Ramiro), David Lorenzo (Ulises), Butch McCain (presentador de radio), Lew Temple (agente fronterizo), William A. Rodriguez [Yuri Zackoqv] (Ramiro)… Nacionalidad y año: México, Francia 2015. Duración y datos técnicos: 94 min. Color 2.35:1.

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Sí, a quien haya leído la sinopsis se lo confirmo desde ya mismo: se trata de la enésima imitación del relato “The Most Dangerous Game” (1924), de Richard E. Connell[1], así como de su más canónica adaptación al cine, El malvado Zaroff (The Most Dangerous Game, 1932), de Irving Pichel y Ernest B. Schoedsack. Desde entonces han sido no pocas las variaciones que se han hecho de esta influyente historia, tanto adaptándola oficialmente como haciendo un plagio descarado –recordemos incluso un episodio de la serie El increíble Hulk, la de Bill Bixby y Lou Ferrigno–.

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En esta ocasión, nos viene de manos de Jonás Cuarón, hijo del excelente Alfonso, y responsable del guion, junto a su padre, de la atractiva Gravity (Gravity, 2013), que dirigiera papá. Con anterioridad Jonás había realizado un largo titulado Año uña (2007), y un par de cortos; ahora tiene en pre-producción una cinta titulada Z, una nueva aproximación al mito del Zorro, en los rasgos de Gael García Bernal.

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Viniendo de quien viene, uno esperaría, acaso, que Desierto dispusiera de un guion férreo y de una puesta en escena algo plúmbea. Sin embargo, el resultado es casi el contrario. La propia sinopsis da a entender una carga político-social, una crítica respecto a los “espaldas mojadas” y el trato que se les da en Estados Unidos. Así, el personaje que representa, espléndidamente, Jeffrey Dean Morgan vendría a representar al ciudadano medio norteamericano y su postura con respecto a los inmigrantes procedentes de más allá de río Grande. De hecho, obsérvese que su nombre es Sam, con lo cual su representación simbólica con los Estados Unidos se hace más evidente.

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Sin embargo, pese a que algo de todo esto hay, no se trata de una alegoría política sin más, quedando esto tamizado y por debajo de las imágenes. Diríase que Cuarón utiliza este arranque como excusa para realizar un ejercicio de estilo mezclando cine de aventuras, thriller, tensión y casi terror. Lo más cercano que podría referirse es la adaptación del relato de Connell conocido como Huida hacia el sol (Run for the Sun, 1956), de Roy Boulting, con protagonismo de Richard Widmark, Trevor Howard y Jane Greer, donde el malo venía representado por los rasgos de un nazi.

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Así pues, Cuarón opta con efectuar una película muy física, con gran intensidad visual y planos casi dolorosos. Aunque no aprovecha del todo el tema del intenso calor que emana del desierto, el juego del gato y el ratón que se produce entre cazador y víctimas resulta cautivante. Más elemental es ese guion referido, donde al inicio todos los extras caen uno tras otro con una facilidad pasmosa, y después los personajes con más importancia dramática son más costosos de abatir. Hubiera sido necesaria una gradación mayor en la escalada de muertes.

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Las escenas de los ataques poseen una enorme intensidad, y en ocasiones resultan incluso desazonadoras e incómodas. Súmese a ello la participación de un perro que se revela todo un actorazo, y cuyas participaciones son fundamentales.

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Hubiera sido deseable un guion más trabajado, pero como director Cuarón Jr. se revela como un hombre que sabe aplicar intensidad a lo que rueda. Será interesante seguir su carrera.

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Anécdotas

  • No hay una sola escena de la película rodada en interiores.
  • Rodada en la Baja California, México.
  • El presupuesto estimado es de tres millones de dólares.
  • Estrenada en Francia el 13 de abril de 2016, y en México el 15 de abril. En España se estrenó el 6 de enero de 2017.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] “La presa más peligrosa”. En Siete relatos góticos. Del papel a la pantalla; prólogo de Antonio Ballesteros González; traducción y textos de Sara Martín Alegre. Madrid: Ed. Jaguar, 2006. Colección: La Barca de Caronte; s/n. También ha sido traducido como “Un juego peligroso”, “El juego más peligroso”, “La más peligrosa de las cazas” y “El más peligroso de los juegos”.

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Passengers (Passengers) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Estreno, Reseña on 3 enero, 2017 by belakarloff

La Tierra está superpoblada, y la nave interestelar Avalon viaja a través del espacio, rumbo a colonizar un distante planeta. En su interior duermen en hibernación una gran cantidad de viajeros, mientras todo es regulado mecánicamente. De pronto, un accidente provoca que uno de los pasajeros, Jim Preston, despierte. Y aún quedan ochenta años para llegar al destino…

Dirección: Morten Tyldum. Producción: Columbia Pictures, LStar Capital, Village Roadshow Pictures, Original Film, Company Films, Start Motion Pictures, Wanda Pictures. Productores: Stephen Hamel, Michael Maher, Ori Marmur, Neal H. Moritz. Co-productor: Greg Baxter. Productores ejecutivos: Greg Basser, Bruce Berman, Ben Browning, David B. Householter, Jon Spaihts, Lynwood Spinks, Ben Waisbren. Guion: Jon Spaihts. Música: Thomas Newman. Fotografía: Rodrigo Prieto. Diseño de producción: Guy Hendrix Dyas. Montaje: Maryann Brandon. Efectos especiales: Captured Dimensions, Digital Domain, Instinctual VFX, Moving Picture Company, The Senate Visual Effects. Intérpretes: Jennifer Lawrence (Aurora Lane), Chris Pratt (Jim Preston), Michael Sheen (Arthur), Laurence Fishburne (Gus Mancuso), Andy Garcia (capitán Norris), Vince Foster, Kara Flowers, Conor Brophy, Julee Cerda, Aurora Perrineau, Lauren Farmer, Emerald Mayne, Kristin Brock, Tom Ferrari, Quansae Rutledge, Desmond Reid, Emma Clarke… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 116 min. Color 2.35:1.

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El resumen que se ha reseñado arriba hará ver al lector aficionado a la ciencia ficción una premisa nada original, que trata el tema mil veces expuesto del éxodo de un grupo de almas a través del espacio, en estado de hibernación, rumbo a colonizar otros planetas. También es bastante habitual la idea de un personaje que de pronto despierta y se encuentra totalmente solo frente a un misterio. El mismo tráiler de la película provoca no pocos destellos de déjà vu al espectador, como por ejemplo la fallida Horizonte Final (Event Horizon, 1997), de Paul W. S. Anderson, donde casualmente también aparecía Laurence Fishburne, o también podríamos recordar la muy atractiva cinta de nacionalidad suiza Cargo (2009), de Ivan Engler y Ralph Etter. Incluso saliéndonos mucho de la temática, hay un evidente guiño a El resplandor (The Shining, 1980), de Stanley Kubrick.

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Passengers (Passengers, 2016) no busca epatar por medio de un guion sorpresivo. Con prácticamente solo dos personajes en su sesenta por ciento inicial de metraje, sus ingredientes son una historia sencilla pero efectiva, cuatro excelentes actores, un diseño de producción bárbaro y una fotografía atractiva (obra del mexicano Rodrigo Prieto). Y un desarrollo que, pese a resultar en muchos aspectos predecible, inspira el interés del espectador. Temáticamente, se trata de una narración de ciencia ficción hard, es decir, centrada en premisas científicas acordes con el conocimiento actual, y sin elementos más o menos fantásticos; todo ello, empero, desarrollado desde un tono ligero, es decir, no se trata de una obra farragosa y difícil de seguir, sino que es una narración sencilla que se ve con agrado y sin esfuerzo (pese a que para mucho espectador vago intelectualmente le pueda parecer lenta).

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Su director es el noruego Morten Tyldum, que en su país natal trabajó activamente en televisión, hizo algunos cortos y unas pocas películas. Saltó a la fama con The Imitation Game – Descifrando Enigma (The Imitation Game, 2014), y tiene previsto regresar a la ciencia ficción con Pattern Recognition, adaptación de la novela homónima de William Gibson de 2003[1], así como los dos primeros capítulos de la serie Counterpart, sobre universos paralelos. Ahora está empezando The Last Days of Night (2018), sobre la rivalidad entre George Westinghouse y Thomas Edison, por lo cual la ciencia tampoco se halla muy alejada.

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Descifrando Enigma se me escapó, aunque me atraía enormemente, tanto por la temática como por su protagonista, Benedict Cumberbatch, y la obra en Noruega de Morten Tyldum parece sumamente atractiva. Vista la presente película, se le percibe como una narrador claro y preciso, algo desde luego necesario en el cine contemporáneo, cuando la mayoría de los realizadores o bien son planos o abstrusos. Aquí, muestra temple con la cámara, una mirada directa y sin ambages, centrado en narrar una historia, con un buen temple para trabajar con los actores, y un excelente trabajo con las imágenes, que apoyan las imágenes sin devorarlas.

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Como se ha dicho, la trama, aún con su sencillez, se sigue con interés, y este no desaparece en momento alguno de todo el metraje. Cuando pudiera parecer que determinada circunstancia parece que no puede dar más de sí se adopta un quiebro en la narración y se enfoca desde otra perspectiva. A todo esto, cierta decisión por parte del protagonista masculino parece que ha creado una gran polémica, y ha supuesto críticas destructivas para el film, lo cual me parece una absoluta necedad. Esa actuación repercute en el perfil moral del personaje, y te puede parecer más o menos decente su forma de actuar, pero eso, desde luego, en nada afecta a la calidad artística del film, sino que se trata de un mero componente psicológico de un personaje; matices grises a un “héroe” que de esa manera parecería más esquemático. Si nos ponemos con ese puntillismo, sería imposible hacer ninguna película donde hubiese alguna actuación discutible por parte de ningún personaje, no ya que matase.

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En definitiva, un grato entretenimiento, que no va a formar parte de las grandes películas de la historia del cine de ciencia ficción, y que agradará sobremanera a los amantes del género con debilidad para con la iconografía que adorna esta cinta, decente y correcta.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y México: Pasajeros.
  • Keanu Reeves fue contratado para el papel protagonista, pero después lo abandonó.
  • Reese Witherspoon, Rachel McAdams y Emily Blunt optaron al papel protagonista femenino, pero en diversas fases del desarrollo lo dejaron.
  • Como director fue contratado inicialmente Brian Kirk (Luther, Juego de tronos, Penny Dreadful). También optaron al cargo Gabriele Muccino (Siete almas, Un buen partido) y Marc Forster (007 Quantum of Solace, El soldado de Dios, Guerra mundial Z).
  • El guion forma parte de ese famoso lote de “libretos no rodados y más deseados”, y anclado desde 2007.
  • Rodada con un presupuesto estimado de 110 millones de dólares.
  • El rodaje principal tuvo lugar entre el 15 de septiembre de 2015 y el 12 de febrero de 2016. En septiembre de 2016 se rodaron escenas adicionales para fijar elementos argumentales que no estaban desarrollados.
  • Estrenada en Estados Unidos el 21 de diciembre de 2016, tras una premier el día 14. En España se estrenó el 30 de diciembre.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] Mundo espejo; por William Gibson; traducción de Marta Heras. Barcelona: Minotauro, 2004.

Estrenos fantásticos en España:23-XII-2016

Posted in Animación, Cine, Estreno, Fantasía, Sin categoría on 24 diciembre, 2016 by belakarloff

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Assassins Creed (Assassins Creed)

Ubi Soft desembarca en el cine con uno de sus videojuegos insignia. Michael Fassbender se convierte en Callum Lynch, un condenado a muerte al que intentarán recuperar los recuerdos de su antepasado, un experto asesino de una hermandad secreta en la España de la Inquisición.

  • Fecha de estreno: 23 de diciembre de 2016.
  • Director: Justin Kurzel.
  • Actores: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, Brendan Gleeson, Charlotte Rampling, Carlos Bardem, Javier Gutiérrez.
  • Nacionalidad y año de producción: EE.UU., Francia, Reino Unido, Hong Kong, 2016.

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Belleza oculta (Collateral Beauty)

Will Smith protagoniza este drama en el que da vida a un ejecutivo de publicidad que, tras un hecho traumático, se sumerge en una espiral de depresión. Para ayudarle a salir de ahí, sus amigos idearán un inusual plan que traerá consigo resultados inesperados.

  • Fecha de estreno: 23 de diciembre de 2016.
  • Director: David Frankel.
  • Actores: Will Smith, Edward Norton, Kate Winslet, Michael Pena, Helen Mirren, Naomie Harris, Keira Knightley.
  • Nacionalidad y año de producción: EE.UU., 2016.

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Pixi Post y los genios de Navidad

Animación española proveniente del país vasco, sigue la gran aventura de Pixi Post, una chica elfo con dificultades para relacionarse con los suyos, que por accidente es elegida como única defensora de los Genios de la Navidad, objetivo de un terrible villano.

  • Fecha de estreno: 23 de diciembre de 2016.
  • Director: Gorka Sesma.
  • Nacionalidad y año de producción: España, 2016.

Rogue One: Una historia de Star Wars (Rogue One: A Star Wars Story) (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Crítica, Estreno on 20 diciembre, 2016 by belakarloff

La pequeña Jyn Erso ha de huir cuando soldados del Imperio van a por sus padres. Cuando ya es mayor toma contacto con los rebeldes, y poco a poco se va implicando a la lucha contra los opresores.

Dirección: Gareth Edwards. Producción: Lucasfilm, Allison Shearmur Productions, Black Hangar Studios, Stereo D, Walt Disney Studios Motion Pictures. Productores: Simon Emanuel, Kathleen Kennedy, Allison Shearmur. Co-productores: Kiri Hart, John Swartz, Susan Towner. Productores ejecutivos: John Knoll, Jason D. McGatlin. Productor asociado: Toby Hefferman. Guion: Chris Weitz, Tony Gilroy, según argumento de John Knoll, Gary Whitta, basado en los personajes creados por George Lucas. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Greig Fraser. Diseño de producción: Doug Chiang, Neil Lamont. Montaje: John Gilroy, Colin Goudie, Jabez Olssen, Stuart Baird. Efectos especiales: Blind, Hybride Technologies, Industrial Light & Magic. Intérpretes: Felicity Jones (Jyn Erso), Diego Luna (Cassian Andor), Alan Tudyk (K-2SO), Donnie Yen (Chirrut Îmwe), Wen Jiang (Baze Malbus), Ben Mendelsohn (Orson Krennic), Forest Whitaker (Saw Gerrera), Riz Ahmed (Bodhi Rook), Mads Mikkelsen (Galen Erso), Jimmy Smits (Bail Organa), Alistair Petrie (general Draven), Genevieve O’Reilly (Mon Mothma), Ben Daniels (general Merrick), Paul Kasey (almirante Raddus), Stephen Stanton (almirante Raddus, voz), James Earl Jones (Darth Vader, voz), Ingvild Deila (princesa Leia), Guy Henry (Grand Moff Tarkin), Daniel Naprous (Darth Vader), Spencer Wilding (Darth Vader), Anthony Daniels (C-3PO), Ian McElhinney, Fares Fares, Jonathan Aris, Sharon Duncan-Brewster, Valene Kane, Beau Gadsdon, Dolly Gadsdon, Duncan Pow, Jordan Stephens, Babou Ceesay, Aidan Cook, Daniel Mays, Andy de la Tour, Tony Pitts, Martin Gordon, Eric MacLennan, Robin Pearce, Francis Magee, Bronson Webb, Geraldine James, Ariyon Bakare, Simon Farnaby, Drewe Henley, Angus MacInnes, Gabby Wong, Richard Glover, Toby Hefferman, Richard Cunningham… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 134 min. Color 2.35:1.

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Falto de Fuerza

Cuando George Lucas escribió y dirigió La guerra de las galaxias / Star Wars: Episodio IV – Una nueva esperanza (Star Wars / Star Wars: Episode IV – A New Hope, 1977) recurrió a un par de detalles insignificantes como telón de fondo para su historia, o para hacer avanzar los sucesos. Dentro de su torpeza como artista, tenía el suficiente conocimiento de esos trucos para hacer progresar una aventura que se centra en los acontecimientos, en la progresión dramática. Ahora, casi cuarenta años después, se construye esta película a modo de precuela para explicar algo que, realmente, no es necesario. Salvando las distancias, me recuerda a otra película, El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 2007), de James Mangold, remake sobre-explicado de la soberbia El tren de las 3:10 (3:10 to Yuma, 1957), de Delmer Daves, donde lo que en esta se recurre a la elipsis para eludir detalles insignificantes, en la nueva versión estos se magnifican, estirando la historia sin sentido y rehuyendo el desarrollo de personajes.

Rogue One: A Star Wars Story L to R: (Felicity Jones) & (Diego Luna) Ph: Film Frame ©Lucasfilm LFL

No sé yo si, en algún momento, podremos conocer cómo era la película originalmente. Tres meses después de finalizado el rodaje se volvió a filmar escenas adicionales durante más de un mes, y se contó con el montador Stuart Baird para intentar de conferir “algo” al resultado, pues los productores no quedaron contentos con el resultado inicial. Sea como fuere, lo que hemos visto en pantalla es lo único que podemos juzgar, y no puede sino considerarse un desastre.

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Parece que va siendo norma en el más reciente cine de género esos guiones deslavazados, carentes de coherencia y hasta de un mínimo de profesionalidad. Así, la primera hora es un auténtico desbarajuste, con constantes saltos de situaciones, localizaciones y personajes, acumulando un batiburrillo inconexo y que hace que te desconectes de lo que se está narrando. Puede que ello sea debido al caótico montaje, pero, sea como fuere, el resultado es que uno se despreocupa de la película. A ello tampoco ayuda una gran cantidad de personajes, casi ninguno de ellos con verdadera entidad y/o interés.

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En el aspecto positivo, resaltemos el de Cassian Andor, que aporta matices gracias a la habilidad interpretativa de su intérprete, el mexicano Diego Luna; o el robot K-2SO, que muestra una preciosidad de diseño y, aunque muchas de sus salidas humorísticas carezcan de gracia –como las de los demás personajes, incapacidad obvia para los diálogos por parte de los libretistas–, transmite una “personalidad” curiosa y chocante. En el lado negativo diríase que tenemos al resto de los personajes, aunque matrícula de honor, en ese sentido, a Chirrut Îmwe, especie de pseudo-jedi, que hace que la filosofía de George Lucas semeje de la complejidad de Aristóteles o Schopenhauer en vista de las necedades que aquél constantemente repite. Por cierto que su paseo a través de las balas semeja copiado al del personaje indio de la película Pequeño Gran Hombre (Little Big Man, 1970), de Arthur Penn. ¿Casualidad, homenaje, o directamente plagio?

Rogue One: A Star Wars Story (Donnie Yen) Ph: Film Frame ©Lucasfilm LFL

El director elegido, por lo demás, no parece el más adecuado para un film de estas características. Ya con anterioridad Gareth Edwards demostró su acercamiento esquivo al cine fantástico con las muy flojas Monsters (Monsters, 2010) y Godzilla (Godzilla, 2014). Una película que ha de transmitir dinamismo, emoción e implicación como la presente no parece la más adecuada para un director que semeja más interesado en narrar la conversación de dos personajes en torno a la mesa de una cocina mientras, fuera, llega el fin del mundo; Gareth no estaría interesado en el fin del mundo, ni siquiera en los personajes, sino en el juego “intelectual” de acercarse a esos planteamientos desde esa perspectiva soslayada. Así pues, una película de aventuras, directamente, se le va de las manos. Es muy posible que por ello haya que haber hecho esas reescrituras y nuevos rodajes.

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El resultado, como se dijo al inicio, es un absoluto desastre, de un aburrimiento inaudito, con una oscuridad pueril, que se transmite visualmente a un tratamiento fotográfico donde parece que ha habido un apagón en el estudio, una verborrea interminable que nada aporta, un clímax que parece copiado de una película ambientada en la Segunda Guerra Mundial en la zona del Pacífico, muchas escenas que parecen remedos de otras aparecidas en La guerra de las galaxias y El imperio contraataca / Star Wars: Episodio V – El imperio contraataca (Star Wars: Episode V – The Empire Strikes Back, 1980)…

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La idea de rodar spin-offs de Star Wars, a mi juicio, era muy interesante: es este un universo tan amplio que da para narra muchas historias. Pero, con todas las opciones que había, ¿para qué narrar algo que, en realidad, no era preciso? Todo un universo por explorar y se quedan en esto… Dejemos para el final la patética aparición de Peter Cushing. Lo más fácil hubiera sido tomar imágenes del film original de Lucas y animar digitalmente solo la boca para ajustarlo a los nuevos diálogos; en su lugar, se recrea digitalmente al actor en su integridad, semejando un muñeco muy bien hecho de los que compras en las tiendas de merchandising, pero que muestra un rostro impasible e inexpresivo donde solo se anima una boca, impulsada por unos diálogos que en nada se parecen a la voz original del actor.

Tanto esfuerzo para tamaña inutilidad…

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Anécdotas

  • La película se ambienta unos días antes de lo que acontece en La guerra de las galaxias (1977) y cinco años después de lo que sale en la serie de animación Star Wars Rebels (2014).
  • Para el papel protagonista masculino fueron considerados Aaron Paul, Edgar Ramírez y Sam Claflin.
  • Rodada con un presupuesto estimado de doscientos millones de dólares.
  • Filmada originalmente entre el 8 de agosto de 2015 y el 11 de febrero de 2016; después, hubo nuevas filmaciones entre el 7 de junio y el 12 de julio de 2016.
  • Estrenada en Estados Unidos en premier el 10 de diciembre de 2016. En España se estrenó el 15 de diciembre, y en Estados Unidos el 16 de forma masiva.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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