Archive for the Fantasía Category

Colossal (2016)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Fantasía, Parodia, Reseña on 30 junio, 2017 by belakarloff

Gloria vive en Nueva York y tiene problemas con su novio. Decide regresar a su pueblo natal, con el fin de afianzar su situación económica y moral, y empieza a trabajar en el bar de un antiguo compañero de colegio. Pronto las noticias le anonadan: en Seúl ha aparecido un monstruo gigante…

Dirección: Nacho Vigalondo. Producción: Toy Fight Productions, Brightlight Pictures, Sayaka Producciones Audiovisuales, Legion M, Route One Entertainment. Productores: Nicolas Chartier, Zev Foreman, Nahikari Ipiña, Russell Levine, Dominic Rustam. Co-productores: Arielle Boisvert, Sophia Dilley. Productor asociado: Michael Tennant. Productores ejecutivos: Garrett Basch, Justin Bursch, Jonathan Deckter, Anne Hathaway, Christopher Lytton, Nacho Vigalondo, Shawn Williamson. Guion: Nacho Vigalondo. Música: Bear McCreary. Fotografía: Eric Kress. Diseño de producción: Sue Chan. Montaje: Ben Baudhuin, Luke Doolan. Efectos especiales: Intelligent Creatures (efectos visuales). Intérpretes: Anne Hathaway (Gloria), Jason Sudeikis (Oscar), Austin Stowell (Joel), Tim Blake Nelson (Garth), Dan Stevens (Tim), Hannah Cheramy (Gloria de niña), Nathan Ellison (Oscar de niño), Sarah Surh (madre), Haeun Hannah Cho (niña), Carlos Joe Costa, Melissa Montgomery, Christine Lee, Rukiya Bernard, James Yi, Alyssa Dawson, Miho Suzuki, Charles Singh… Nacionalidad y año: Estados Unidos, Canadá, España, Corea del Sur 2016. Duración y datos técnicos: 109 min. Color 1.85:1.

poster 

El sueño de la razón produce monstruos

Nacho Vigalondo, por las entrevistas que le he visto y en las que he estado presente, veo que es una persona simpática y que sabe conectar, con un gran don de gentes e ingenio. Imagino que ese desparpajo será el que utilice para “vender” sus proyectos, en los cuales hay que invertir una suma de dinero considerable, y no solo recuperarla, sino además tener beneficios. En esta ocasión, ha logrado implicar en su proyecto a tres países, aparte del nuestro, y a una actriz del talento de Anne Hathaway, que inclusive participa en la producción. No cabe duda de que debió quedar enamorada del guion.

foto1

Ese enamoramiento es comprensible viendo el diseño de su personaje, que atraviesa gran cantidad de estados emocionales, que ha de luchar de muchas maneras a lo largo de la trama, y que la ofrece de un modo que no luce del todo su innegable belleza, sino que se enfrenta a un personaje con gran cantidad de matices.

"Day 26"

No cabe duda de que esta es una película un tanto diferente. La noticia de que en mayo de 2015 tuvo una demanda por supuestas similitudes con el film Godzilla (Godzilla, 2014, Gareth Edwards) me parece una soberana idiotez, y demuestra que, o bien no se leyeron el guion, o no lo entendieron. Las similitudes, por supuesto, son obvias, pero el enfoque y el planteamiento son totalmente distintos, y eso es como demandar a quienes hicieron Noche de miedo por sus similitudes con Drácula. Por lo que he entendido, inicialmente el monstruo que aparecía era el mismísimo Godzilla, pero la demanda se desestimó, haciéndolo reemplazar por otra criatura. De todas maneras, creo que, de conservarse a Godzilla, hubiera sido más publicidad para el film originario que un perjuicio.

foto3

Pasando a la película en sí, insisto en su atipicidad. Lo cual no significa que, necesariamente por ello, sea buena. Podría decirse que en ella coexisten dos filmes simultáneos: una tragicomedia indie y una cinta de monstruos, que se alimentan una de la otra y viceversa.

foto4

En el aspecto de comedia indie que paulatinamente va adquiriendo matices más trágicos existen muchos referentes en un tono similar, con el personaje regresando a su población de origen, y viendo cómo todo ha cambiado y ese personaje intenta integrarse en un mundo al cual ya es ajeno. Personalmente, no sé por qué, me ha venido a la mente una película con unos cuantos añitos a sus espaldas, Beautiful Girls (Beautiful Girls, 1996, Ted Demme). De todas maneras, este tipo de películas suele mostrar una trama en apariencia inexistente, con diálogos diríase casuales, pero muy bien pensados, que paulatinamente van forjando unos personajes y sus relaciones. Son cintas que aparentan una gran sencillez formal pero, cuando están bien hechas, debajo de esa sencillez se percibe un trabajo elaborado, donde la psicología de los personajes está observada con tiento, y los acabas entendiendo, e inclusive sintiendo interés por todos, pese a sus imperfecciones o incluso puntos negativos.

foto5

Colossal intenta tirar un tanto por ahí… pero no lo consigue. Los diálogos supuestamente pueriles son, en realidad, totalmente pueriles. Hay momentos, por supuesto, destinados a desarrollar los personajes e imbricarlos entre sí… Pero en muchas, demasiadas ocasiones, todo se basa en diálogos baladíes, un intento de hacer interactuar a los personajes sin ningún otro objetivo, sin crear un todo homogéneo en el cual a cada circunstancia haya una consecución narrativa global. Además, la variedad de tonos que van apareciendo carecen de una ilación homogénea, y esos saltos sin red en el guion arrostran que el film se la pegue, y el espectador quede desconectado por la sucesión de desvaríos incoherentes que se suceden.

foto6

Otro tema sería el de los agujeros de guion, o el “todo pasa porque sí”, tan habitual, por otro lado, en la filmografía de Vigalondo. Pese al tono ligero y sin pretensiones del conjunto, cuesta trabajo hallar cohesión a la globalidad del film. Todo la parte final, desde que se desvela la peculiar y auténtica personalidad de Oscar, representa un sinsentido total, y resulta inconcebible el modo en el cual Gloria puede detectar la presencia de aquél en el clímax final, a menos que todo se infiera como un enfoque metafórico en los componentes fantásticos del film, lo cual se contradice con el resto del mismo.

foto7

Si en el aspecto del guion el resultado es tan deslavazado, la puesta en escena tampoco resulta demasiado brillante, adquiriendo más modales de sitcom que de otra cosa. La primera aparición del kaiju, por lo demás, se ofrece en un plano frontal, que lo hace semejar lo que es: un señor disfrazado paseando entre maquetas; un leve encuadre en contrapicado hubiera resaltado la magnificencia de la criatura y habría otorgado mayor veracidad. En realidad, toda la película está planificada así, a base de planos frontales y fríos, que exponen a los personajes al desnudo, sin que el lenguaje cinematográfico procure otra cosa que ilustrar, antes que describir. Así, los actores son los únicos que pueden otorgar algo de sinceridad a los resultados, y ahí Vigalondo ha mostrado un gran tino en la elección, pues todo ellos ceden una credibilidad de la que el resto del film carece.

58824438cb65d31e4786dd49_o_U_v1

 

Anécdotas

  • Título en México: Ella es un monstruo. Título en Perú: Colosal: Un monstruo incontrolable.
  • En el Austin Fantastic Fest de 2016 el film fue premiado como mejor película. En el Film Club’s The Lost Weekend de 2017 consiguió el premio a mejor director y mejor actor secundario (J. Sudeikis).
  • Durante el rodaje Anne Hathaway estaba en el segundo trimestre de su embarazo.
  • Estrenada en Estados Unidos el 7 de abril de 2017; en Canadá se estrenó el 21 de abril; y en España el 30 de junio de 2017.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

 

Wonder Woman (Wonder Woman) (2017)

Posted in Aventuras, Cine, Fantasía, Reseña, superhéroes on 29 junio, 2017 by belakarloff

Diana es hija de Hipólita, reina de las amazonas, y todas viven en la mágica isla de Themyscira. En el exterior acontece la Primera Guerra Mundial, y un avión va a estrellarse en las aguas que circundan la isla. Diana rescata al piloto Steve Trevor, agente secreto norteamericano que trabaja para los ingleses. Ella partirá al mundo “civilizado” junto a él para acabar con esa cruenta guerra…

Dirección: Patty Jenkins. Producción: Atlas Entertainment, Cruel & Unusual Films, DC Entertainment, Dune Entertainment, Tencent Pictures, Wanda Pictures, Warner Bros. Productores: Charles Roven, Deborah Snyder, Zack Snyder, Richard Suckle. Co-productores: Tommy Gormley, Curt Kanemoto. Productores ejecutivos: Jon Berg, Wesley Coller, Geoff Johns, Stephen Jones, Steven Mnuchin, Rebecca Steel Roven. Guion: Allan Heinberg, según argumento de Zack Snyder, A. Heinberg, Jason Fuchs, basado en el personaje creado por William Moulton Marston. Música: Rupert Gregson-Williams. Fotografía: Matthew Jensen. Diseño de producción: Aline Bonetto. Montaje: Martin Walsh. Efectos especiales: Universal Production Partners, Centroid Motion Capture, Clear Angle Studios, Double Negative, Gener8 3D, Moving Picture Company, Proof, Snow Business International, Vitality Visual Effects. Intérpretes: Gal Gadot (Diana), Chris Pine (Steve Trevor), Connie Nielsen (Hippolyta), Robin Wright (Antiope), Danny Huston (Ludendorff), David Thewlis (Sir Patrick), Saïd Taghmaoui (Sameer), Ewen Bremner (Charlie), Eugene Brave Rock (el Jefe), Lucy Davis (Etta), Elena Anaya (doctora Maru), Lilly Aspell (Diana a los ocho años), Lisa Loven Kongsli (Menalippe), Ann Wolfe (Artemis), Ann Ogbomo (Philippus), Emily Carey (Diana a los doce años), James Cosmo (mariscal de campo Haig), Rachel Pickup (Fausta Grables), Wolf Kahler, Alexander Mercury, Martin Bishop, Flora Nicholson, Pat Abernethy, Freddy Elletson, Sammy Hayman, Michael Tantrum, Philippe Spall, Edward Wolstenholme, Ian Hughes, Marko Leht, Steffan Rhodri, Andrew Byron… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 141 min. Color 2.35:1 2D / 3D.

poster

Resultaba sospechoso que, tras ser destrozadas inmisericordemente en el aspecto crítico las dos entregas previas del “nuevo” Universo Cinematográfico DC, El hombre de acero (Man of Steel, 2013) y Batman v Superman: El amanecer de la justicia (Batman v Superman: Dawn of Justice, 2016), ambas dirigida por Zack Snyder, esta tercera entrega, una especie de interludio[1] que precede a Liga de la Justicia (Justice League, 2017), de nuevo a cargo de Snyder[2], haya lograda tal consenso positivo.

foto1

Todo aficionado sabe, independientemente de sus filias y fobias, que mientras Marvel ha coordinado su Universo con una firmeza ejemplar, más allá de los logros artísticos, DC ha estado continuamente remoloneando por medio de indecisiones, cambios de mandos y de ideas. Para dirigir la presente película, después de muchos tientos, la elegida ha sido Patty Jenkins, quien ya en 2003, después de su éxito comercial –montones de premios incluidos– de Monster (Monster, 2003), estuvo prevista para dirigir una adaptación de la creación de William Moulton Marston, Harry G. Peter y Elizabeth Holloway Marston, pero en aquel entonces hubo de abandonar por un embarazo imprevisto, y el proyecto se canceló. A partir de entonces, la directora se focalizó en televisión, realizando episodios de series y telefilmes –tampoco muchos–. Ahora de nuevo fue abordada para hacer este trabajo en cine, con un presupuesto de casi ciento cincuenta millones. Sospecho que, en aquel entonces, Warner –que con esta película inicia el sello DC Films– se planteó que el resultado debía arrojar un saldo de taquilla sólido[3], y de paso huir de las ambiciones autorales de Jack Snyder, que estaba haciendo mucho daño a la franquicia. La solución, claro, ha sido marvelizar la película.

foto2

Así, estructuralmente, la trama es una especie de copia sin disimulos de la estupenda Capitán América: El primer vengador (Captain America: The First Avenger, 2011, Joe Johnston), donde incluso aparecen una especie de Comandos Aulladores –bastante ineptos, dicho sea de paso–, y en el aspecto de tono podría equipararse, tal vez, a la tontorrona franquicia del dios del trueno, iniciada con Thor (Thor, 2011, Kenneth Branagh), alternando de esa manera chistecitos infantiles con momentos ridícula y burdamente solemnes.

foto3.jpg

De esa manera, dentro de los muchos defectos de forma y fondo que ofrecían las dos entregas previas, al menos había cierto empaque en los resultados, lo cual aquí se precipita al vacío, y tenemos un film comercial del montón que, además, se hace largo y aburrido.

foto4.jpg

La cinta se divide en dos partes: la que acontece en la isla de Themyscira y la que transcurre en el mundo “civilizado”. Esa primera parte recuerda poderosamente al muy atractivo film de animación Wonder Woman – La Mujer Maravilla (Wonder Woman, 2009, Lauren Montgomery)[4] en bastantes aspectos. Como es norma, los guionistas toman del universo del cómic lo que les interesa, desechando lo que no se ajuste a sus conveniencias; así, si en el cómic es imposible físicamente que un hombre pise la isla (Diana debe transportar a Trevor en brazos), aquí nada de eso sucede, y vemos todo un batallón de alemanes incursionando en el lugar. Esa libertad conduce a que la escena que deriva de ello, con una batalla entre amazonas y soldados alemanes, sea acaso lo mejor del film, pese a que la forma de rodarla sea –como, de hecho, el resto de las batallas– por medio de un recurso estilístico de lo más sobado en el cine de acción, con una profusión cansina de cámaras lentas y aceleradas.

foto5

Y es que Patty Jenkins demuestra una carencia de estilo apabullante, rodando de un modo rutinario y sin personalidad, concibiendo un producto de estudio en un claro intento de reinsertarse profesionalmente en el mundo del cine y tener aseguradas las lentejas, y sin ninguna ambición artística. De hecho, esa es una constante en mucho del cine comercial, es decir, que sus responsables parecen creer que lo que hacen parece ir dirigido a un público de escasas exigencias y, por tanto, tienden a no aplicarse lo más mínimo. Ello es palpable en el escaso potencial del guion escrito por Allan Heinberg[5], que es más una sucesión de anécdotas, con chistes de escaso calado, antes que una trama con cierto espesor dramático.

foto6.jpg

Ello nos conduce, desde luego, al tan archi-sobado tema del carácter feminista del film, el cual en realidad se reduce a cuatro frases dispersas a lo largo de la cinta, y que en varias de las ocasiones se basan en la independencia personal que busca Diana antes que en una noción de atribuir un concepto igualitario a las mujeres en general. Excepción es la escena donde ella irrumpe en el cónclave de militares, donde estos se muestran de una ceguera tan cerril que, antes que verlos como unos machistas –que lo son–, parecen más bien un hatajo de descerebrados, poniendo no en muy buen lugar al estamento militar. De todos modos, todo esto es anecdótico, trivial, en una trama que dura casi dos horas y media, y donde prevalece sobre todo un humor centrado en dobles sentidos sobre los atributos viriles de Steve Trevor, otras cuestiones de sexo o basado en tropezones de los personajes o que los actores hagan caritas, como si de una tele-comedia de estudiantes se tratara.

foto7

La segunda parte del film, con Wonder Woman incursionando en el mundo real, y enfrentándose a una Europa asolada por la guerra, alterna esos momentos de comedia ligera con otros que pretenden mostrar los horrores de la batalla, lo cual produce un desequilibrio que saca de situación, amén de que la representación de la contienda es tan light como cabría esperar en un producto tan comercial como el presente, donde no se ve una sola gota de sangre, ni siquiera cuando la princesa guerrera atraviesa con su espada a uno de los malos.

foto8

En cuanto a los intérpretes, Gal Gadot vuelve a procurar la buena impresión que ya ofreció en el film donde compartía créditos con Batman y Superman, y sin ser una actriz excepcional transmite carisma y potencia. Chris Pine vuelve a demostrar el pésimo actor que es, y utiliza los mismos recursos que empleaba para encarnar al capitán Kirk, sin variar un ápice el registro. David Thewlis como Sir Patrick es el único actor que muestra eficacia, aunque su personaje es tan esquemático y trivial que poco puede hacer. El resto del reparto, sencillamente, está para cobrar el cheque. A destacar, eso sí, Lilly Aspell, que interpreta a Diana con ocho años, y que resulta absolutamente odiosa con los mohínes que transmite a su interpretación.

foto9

Por supuesto que, dados los millones gastados, estos lucen en pantalla, si bien se otorga al film un tejido cromático monocorde, siguiendo la cansina moda actual, y que sirve para disimular las texturas informáticas, pero que, sin embargo, brinda una artificiosidad a las imágenes que, en lugar de convocar un sentido de la maravilla, pone de relieve el aspecto industrial del producto, usurpándole toda fascinación.

foto10

 

Anécdotas

  • Título en Argentina, Chile, México y Uruguay: Mujer Maravilla. Título en Venezuela: La Mujer Maravilla.
  • Algunos planos se rodaron con Gal Gadot embarazada de cinco meses. Notoriamente visible, se disimuló poniéndole una especie de faja verde, y por medio informáticos se le creó una cintura falsa.
  • Ya en 2005 hubo un proyecto de rodar esta película, por parte de Patty Jenkins. Pero entonces ella quedó embarazada y hubo que suspenderlo. En todo caso, ya en 1996 existió un proyecto de adaptar el cómic, con Ivan Reitman como guionista y director; en 2001, fue abordado Todd Alcott para escribir un libreto, luego reemplazado en 2003 por Laeta Kalogridis. En 2005 Joss Whedon firmó para escribir y dirigir una película, pero en 2007 abandonó por las socorridas “diferencias creativas”. En 2014 como directora fue contratada Michelle MacLaren, pero cuatro meses después abandonó… Sí, por diferencias creativas. A lo largo de todos esos años, las actrices consideradas como Wonder Woman fueron Kate Beckinsale, Sandra Bullock, Mischa Barton, Rachel Bilson, Catherine Zeta-Jones, Sarah Michelle Gellar, Angelina Jolie, Jessica Biel, Eva Green, Christina Hendricks, Kristen Stewart, Olga Kurylenko y Elodie Yung.
  • Zack Snyder aparece en un cameo como un soldado de la Primera Guerra Mundial.
  • Patty Jenkins, gran admiradora de la serie de televisión de los setenta, quería que Lynda Carter y Lyle Waggoner aparecieran en un cameo. Él está retirado, y ella quiso aparecer pero no pudo por motivos de agenda. También intentó meter en algún momento la canción de la serie, pero no pudo hallarlo.
  • Para el papel de Wonder Woman se consideró a Cobie Smulders, quien puso voz al personaje en La LEGO película (2014).
  • A Nicole Kidman se le ofreció el papel de Hipólita, pero lo rechazó. Más tarde aceptó ser la reina Atlanna, madre de Aquaman, en la película del personaje.
  • Para dirigir la película fueron consideradas Kathryn Bigelow, Catherine Hardwicke, Mimi Leder, Karyn Kusama, Julie Taymor y Tricia Brock.
  • Steve Trevor define la isla Themyscira como “isla Paraíso”. Así se la llamaba originalmente, hasta que en los ochenta George Perez la rebautizó en los comics, y ese fue a partir de entonces el nombre oficial aceptado.
  • Esta película supone el debut del sello productor DC Films, en un ciclo que ofrecerá los personajes de Batman, Superman, Wonder Woman, Flash, Cyborg, los Green Lanterns Hal Jordan y John Stewart, Lex Luthor en la Armadura de Batalla, el Joker, Black Adam, Ocean Master y Deathstroke junto con Mera, Harley Quinn, Deadshot, Enchantress y el Capitán Boomerang. Otros personajes que podrían aparecer son Green Arrow, Supergirl, Firestorm, Black Lightning, Darkseid, Martian Manhunter, Mr. Miracle, Big Barda, Catwoman, Nightwing, Batgirl, Mr. Freeze, Shazam (y Billy Batson), Solomon Grundy, Espectre, Swamp Thing, Kilowog, Mogo, Sinestro, Jessica Cruz, Atrocitus, Hawkman y Hawkgirl.
  • El presupuesto estimado de la película es de 149 millones de dólares.
  • Estrenada en Estados Unidos el 25 de mayo de 2017, en una premiere en Los Ángeles, y ya masivamente el 2 de junio. En España se estrenó el 23 de junio.

foto11

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] No creo que represente un spoiler referir que la presente película acontece “intercalada” en medio de Batman v Superman: El amanecer de la justicia, con Diana recibiendo al inicio el envío que le hizo Batman que se ve en aquella, y entonces rememorando lo que es el grueso de todo el film, para luego recapitular y volver a ese momento inicial, esto es, el presente de ese Universo.

[2] Snyder abandonó la post-producción tras el suicidio de su hija, y las riendas fueron tomadas por Joss Whedon, quien supervisa el montaje final y rueda las habituales escenas adicionales que suelen tener todo este tipo de filmes. La película, por cierto, se estrenará en España el próximo 17 de noviembre de 2017.

[3] En el primer fin de semana en Estados Unidos ha conseguido una taquilla de 103.251.471 dólares, con lo cual ya ha recuperado más de dos tercios del presupuesto, y para el 22 de junio ha logrado 293.205.158, esto es, casi ha duplicado los costes del film.

[4] Pasó sin pena ni gloria en su día, por lo cual Warner ha decidido relanzarlo en DVD y BD aprovechando en estreno de esta película, añadiéndole unos cuantos atractivos extras.

[5] También ha escrito guiones para series como Cinco en familia, Sexo en Nueva York, O.C. o Anatomía de Grey.

La momia (The Mummy) (2017)

Posted in Aventuras, Cine, Fantasía, Reseña, Terror on 15 junio, 2017 by belakarloff

Nick Morton es un pilluelo que sobrevive estafando, dentro del mundo de la arqueología. Mientras está en Irak contacta con Jenny Halsey, que es arqueóloga de verdad, y juntos topan con la tumba de Ahmanet, que fue momificada en vida por matar a su padre, el faraón, a su madrastra y a su sobrino… Ahmanet pactó con Set, dios de los muertos, y…

Dirección: Alex Kurtzman. Producción: Universal Pictures, Perfect World Pictures, Sean Daniel Company, Secret Hideout. Productores: Sarah Bradshaw, Sean Daniel, Alex Kurtzman, Chris Morgan. Productores ejecutivos: Jeb Brody, Roberto Orci. Guion: David Koepp, Christopher McQuarrie, Dylan Kussman, según argumento de Jon Spaihts, Alex Kurtzman, Jenny Lumet. Música: Brian Tyler. Fotografía: Ben Seresin. Diseño de producción: Jon Hutman, Dominic Watkins. Montaje: Gina Hirsch, Paul Hirsch, Andrew Mondshein. Efectos especiales: Factory VFX, Clear Angle Studios, Double Negative, Furious FX, Industrial Light & Magic, Lola Visual Effects, Moving Picture Company, Proof. Intérpretes: Tom Cruise (Nick Morton), Russell Crowe (Dr. Henry Jekyll), Annabelle Wallis (Jenny Halsey), Sofia Boutella (Ahmanet), Jake Johnson (Chris Vail), Courtney B. Vance (coronel Greenway), Marwan Kenzari (Malik), Simon Atherton, Stephen Thompson, James Arama, Matthew Wilkas, Sohm Kapila, Sean Cameron Michael, Rez Kempton, Erol Ismail, Selva Rasalingam, Shanina Shaik, Javier Botet (Set), Hadrian Howard, Dylan Smith, Parker Sawyers, Neil Maskell, Rhona Croker… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 110 min. Color 2.35:1 2D/3D.

poster

Momificado resultado

Desde hace ya bastantes años Universal intenta resucitar (nunca mejor dicho) su galería de monstruos clásicos. Hace ya mucho, directores de la talla de John Carpenter y Guillermo del Toro fueron tanteados para dirigir una nueva versión de La mujer y el monstruo (Creature from the Black Lagoon, 1954, Jack Arnold). En 2010 tuvimos la excelente El hombre lobo (The Wolfman), dirigida por Joe Johnston, pero su atronador fracaso comercial hizo que quedase en el olvido por parte de la productora[1]. Según parece, el inicio de este Dark Universe había de haber sido la película Drácula: La leyenda jamás contada (Dracula Untold, 2014, Gary Shore), pero por extraños motivos fue desechada –no creo que la razón fuese la asaz mediocridad de sus resultados, porque la carencia de calidad nunca ha sido una preocupación de las productoras, salvo que ello repercutiera en taquilla–.

foto1.jpg

La momia, al contrario de otros monstruos clásicos, carece de un origen literario concreto. Existen historias donde tiene aparición, como el relato “El lote nº 249” (“Lot No. 249”, 1892), de Sir Arthur Conan Doyle, o la novela La joya de las siete estrellas (The Jewel of Seven Stars, 1903), de Bram Stoker. Sin embargo, a la hora de abordar a esta criatura, la Universal –y, a través de ella, el guionista John L. Balderston, a partir de un argumento de Nina Wilcox Putnam y Richard Schayer– recurrió en La momia (The Mummy, 1932, Karl Freund) a un especie de refundición del libreto de Drácula (Dracula, 1931, Tod Browning) –de hecho, Balderston era el responsable de la adaptación americana de la obra teatral británica de Hamilton Deane de la que partía el film de Browning–.

foto3

Como otros monstruos, la momia tuvo sus secuelas y remakes. Recientemente fue resucitada por Universal con La momia (The Mummy, 1999, Stephen Sommers). Sin embargo, el acercamiento empleado en esta no era el tono de terror de todos los títulos previos, sino más bien uno aventurero y desenfadado, en una obvia imitación de la inflexión de las aventuras de Indiana Jones, pero en una actitud más guasona. Tamaña tontería se saldó con un enorme éxito comercial, lo cual devino en secuelas y spin-offs varios.

foto4.jpg

De nuevo es abordada la criatura vendada en esta nueva visión de 2017 y, ahora sí, esta es la primera entrega del Dark Universe de la Universal, a menos que sea un fracaso manifiesto y se cancele, cosa que dudo. Tras pasar por el proyecto diversos directores (véase anecdotario) al final quien se ha hecho cargo del film es Alex Kurtzman, guionista habitual de la camarilla de J. J. Abrams, y que ha escrito en series de televisión como Hércules: sus viajes legendarios, Alias, Fringe (Al límite), Sleepy Hollow y Hawai 5.0, así como en Mission: Impossible III (Mission: Impossible III, 2006) –precisamente dirigida por Abrams– o la nueva franquicia de Star Trek, incluyendo la inminente serie televisiva.

foto5.jpg

Como director, Kurtzman, aparte de algunos episodios televisivos, se hizo cargo de la comedia dramática Así somos (People Like Us, 2012). También productor, entre sus proyectos futuros figuran, dentro del Dark Universe, Bride of Frankenstein, The Invisible Man y Van Helsing, la primera a dirigir por Bill Condon –Dioses y monstruos (Gods and Monsters, 1998)–.

foto6

Lo que sorprende frente a un film de las presentes características es toparse con un plantel de guionistas de cierto peso. Así, tenemos al excelente David Koepp, entre cuyos libretos cabe destacar, acaso, Atrapado por su pasado (Carlito’s Way, 1993, Brian De Palma), Ojos de serpiente (Snake Eyes, 1998, B. De Palma), El último escalón (Stir of Echoes, 1999), dirigida por él mismo, La guerra de los mundos (War of the Worlds, 2005, Steven Spielberg)… Christopher McQuarrie, por su parte, es director y guionista de esa estupenda película de acción que es Jack Reacher (Jack Reacher, 2012), y también es responsable en ambos campos de la muy notable Misión: Imposible – Nación secreta (Mission: Impossible – Rogue Nation, 2015). El menos conocido es Dylan Kussman, habitual actor, y del que destaca como creador la web-serie The Steps (2010).

 foto7

También sorprende que gente de tan demostrada solvencia se haya puesto a trabajar con el único fin de cobrar el cheque y muestre tan escaso esfuerzo en la labor. Supongo que les habrán dicho que escriban para cubrir una hora de metraje, y que lo demás lo rellenarían con escenas de acción. Pero es que ni esa escasa trama ofrece un mínimo de solvencia, forjando un collage de ideas procedentes de diferentes películas, siendo las más obvias Un hombre lobo americano en Londres (An American Werewolf in London, 1981, John Landis) y Lifeforce: Fuerza vital (Lifeforce, 1985, Tobe Hooper), pero es que también copian el detalle de la nube de polvo con rostro humano de La momia de Sommers, y hasta aparecen los templarios de Amando de Ossorio.

foto8

Aparte de eso, el estereotipo es el que rige en la creación de personajes, no salvándose ni uno de la rutina y el aburrimiento, desde ese protagonista que cambia de carácter porque así lo disponen los guionistas, pero sin una justificación psicológica que lo resguarde, hasta ese odioso amigo/sidekick, pasando por la arqueóloga buenorra o por el científico con aviesas intenciones. Todo muy arquetípico, convencional, a lo que no ayuda, desde luego, las muy primarias interpretaciones de todo el elenco principal, con el trío masculino tendente a la sobreactuación, tanto Tom Cruise, que, cuando quiere, puede demostrar que es un actor solvente –no es este el caso–, como Russell Crowe, que hace años trabaja con el piloto automático puesto y dejó de ser ese soberbio actor que era, o Jake Johnson, ese horroroso amigo graciosito que tiene que haber siempre. En cuanto a las féminas, por el contrario, estas se muestran de una sosería apabullante, así Annabelle Wallis como la arqueóloga Jenny Halsey, y Sofia Boutella como la malvada Ahmanet, quien previamente, en Kingsman: Servicio secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014, Matthew Vaughn) y en Star Trek: Más allá (Star Trek Beyond, 2016, Justin Lin), mostraba bastante solvencia, pero que aquí se ve contagiada por el síndrome de “¿para qué esforzarme en esta mierdecilla?” que asalta a todo el plantel técnico-artístico del film.

foto9

Así, la exigua trama únicamente busca excusas para ofrecer escenas de acción imparables, todas ellas, por supuesto, tendentes a la sobresaturación y exageración, con explosiones, explosiones y más explosiones. Y lo peor de todo es que, con un pequeño esfuerzo, esto es, eliminando escenas de acción superfluas y reemplazándolas por una trama más elaborada, exigiendo a los actores que perseveraran más, quitando el humor cretino para público de galería comercial, y buscándose un director de verdad, podría haber salido algo bastante decente.

Lo que tenemos, en cambio, es una primera entrega de este Dark Universe que quitan las ganas de interesarse más por él.

foto10

Anécdotas

  • El diseño y sexo de la momia fue cambiado una vez visto el aspecto de Apocalypse en la escena post-créditos de X-Men: Días del futuro pasado (2014).
  • Para el papel del doctor Jekyll fueron considerados Javier Bardem, Joseph Gordon-Levitt, Tom Hardy y Eddie Redmayne.
  • Los directores previos del film debieron ser Len Wiseman (Underworld), Baltasar Kormákur (Everest) y Andrés Muschietti (Mamá, It). El último abandonó por “diferencias creativas”.
  • El presupuesto estimado de este film es de 125 millones de dólares.
  • Estrenada en Estados Unidos el 9 de junio de 2017, al igual que en España.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] No obstante, se hizo una especie de spin-off con el direct-to-DVD Hombre Lobo: la bestia entre nosotros (Werewolf: The Beast Among Us, 2012, Louis Morneau).

 

Alberto López Aroca presenta nueva revista del género: “Ulthar”

Posted in Ciencia ficción, Fantasía, Literatura, Noticias, Relatos, Revistas, Terror on 8 junio, 2017 by belakarloff

19029632_1388559497905492_3635085577186234995_n

El escritor y editor Alberto López Aroca acaba de abrir la suscripción para publicar el primer número de ULTHAR: revista de fantasía, ciencia ficción y terror, y a tal efecto ha inaugurado un blog que contiene toda la información acerca de contenidos, formato e intenciones de esta nueva publicación. El precio de suscripción es de 12 euros (el PVP de la revista cuando salga a la venta será de 13 euros), y el plazo improrrogable de cierre de esta promoción será el 23 de junio de 2017.

LA REVISTA YA ESTÁ EN IMPRENTA.

ULTHAR nº1 tiene 142 páginas en formato 23×15 cm; cubierta a todo color con solapas, e ilustración de portada de Sergio Bleda. Incluye ocho relatos, un reportaje de investigación y la primera parte de una novela seriada. El interior está profusamente ilustrado, y los textos están presentados a doble columna, con introducciones del Editor.

No habrá edición digital.

unnamed

En este primer número contamos con historias de José Luis Zárate, Begoña Pérez Ruiz, Alejandro Castroguer, Ana Colchero y el propio Aroca, y se recupera un relato de la magnífica serie del Orden Estelar de Ángel Torres Quesada (A. Thorkent) que no se incluyó en la “edición definitiva”; y una “fantasía científica” (así se define el cuento), en apariencia española, publicada originalmente en 1906 (veinte años antes de que Hugo Gernsback acuñara el término “ciencia ficción”) con fantásticas ilustraciones de marcianos, que por entonces estaban de moda gracias a la publicación de La guerra de los mundos de H. G. Wells.

 Pero eso no es todo.

Como buena revista, tenemos un serial: la novela Ostfront, del Dr. Shiva Von Hassel, que ya había visto la luz en 2012 en formato digital, y que aquí tenemos por primera vez en papel. Los encargados de trasladar el extraño trabajo del doctor Von Hassel al castellano fueron Eduardo Vaquerizo, Santiago Eximeno y José Ramón Vázquez, que nos traen una visión del frente ruso durante la II Guerra Mundial como nunca antes habíamos visto… (la imagen debería darles una pista…).

untitled

También, como relato inaugural, hemos realizado una nueva traducción del brevísimo, y no obstante maravilloso, relato de H. P. Lovecraft, “Los gatos de Ulthar”, un clásico archiconocido que tenía que estar en nuestra revista. (Hagan el favor de releerlo en nuestra versión antes de hincarle el diente a “B-52” de José Luis Zárate, que… pero ya verán, ya verán…)

Y, como ya es costumbre en publicaciones aroquianas (ustedes lo saben bien), el Maestro de Baker Street también asoma su hocico: ha recuperado un pastiche que ya estaba descatalogado, “El problema de la pequeña cliente”, en el que Sherlock Holmes tiene que encontrar a una niñera que… en fin… abrió su paraguas y se marchó volando por la ventana…

untitled

Además, tenemos un artículo de investigación, realizado por el bolsilibrólogo terrorífico Jordi Llavoré, acerca de una de las autoras más importantes de Bruguera y que escribió más del 10% de los 617 números de la colección Selección Terror: hablamos, por supuesto, de la sanguinolenta, defenestradora y mutiladora Ada Corettí, olvidada por la crítica moderna, y sobre la cual el señor Llavoré realiza una extensa recensión.

Más información en el referido blog del inicio:

ultharmagazine.blogspot.com

 

El Buque Maldito edita en DVD “Los muertos, la carne y el diablo”

Posted in Cine, DVD, Fantasía, Noticias on 5 junio, 2017 by belakarloff

EL BUQUE MALDITO presenta

LOS MUERTOS, LA CARNE Y EL DIABLO

una película de José María Oliveira

Los muertos, la carne y el Diablo (DVD)

“Un año después de debutar con Las flores del miedo, José María Oliveria recuperaría, ampliados y corregidos, los motivos temáticos, estéticos y narrativos presentados en aquella con la mucho más ambiciosa Los muertos, la carne y el diablo. Frente al equilibrio entre su envoltura de relato fantástico-terrorífico y las intenciones subyacentes de su ópera prima, esta delgada línea se difumina en esta su segunda película, concebido desde un principio como una fábula adoctrinante de orden espíritu-religioso. Para tal fin, Oliveira entremezcla La Divina Comedia con el mito de Orfeo, brindando un film que sobresale positivamente y por derecho propio de entre la media de la coetánea producción fantástica española, gracias al mimo puesto en su confección y, sobre todo, una estudiada puesta en escena rica en simbolismos y alegorías. En definitiva, una rara avis a reivindicar”.

José Luis Salvador Estébenez (La abadía de Berzano).

Sinopsis: Juan Ardenas (Carlos Estrada) es un escritor que ha decidido cambiar su vida. Ha dejado de ser un hombre inmoral y egoísta y se ha convertido en un auténtico cristiano. A su vez, ofrece conferencias sobre la supervivencia después de la muerte: piensa que los difuntos siguen viviendo en un mundo confeccionado de antimateria. Pero existe un problema: su esposa Luisa (Patricia Wright) no quiere seguir sus nuevas ideas.

untitled

José María Oliveira (Huelva, 1934). Un año después de debutar en el largometraje con Las flores del miedo (1973) rescataba  nuevamente la religión y el reino de los espíritus para constituir su segunda y última película hasta la fecha: Los muertos, la carne y el diablo (1974), relato conectado con un cine fantástico insólito en nuestro país donde el infierno, los deseos carnales y la ciencia se unificaban. Al igual que sucedió con su debut, el film quedó relegado al olvido debido a la escasa difusión en su estreno y nula comercialización en formato doméstico.

 

En la vertiente de continuar recuperando y reivindicando un cine inusual de nuestra cinematografía, rescatamos la segunda obra de tan desconocido cineasta. Editada por primera vez en DVD a nivel mundial, la presente edición de Los muertos, la carne y el diablo se ha realizado a partir del máster original localizado en formato U-matic y dentro de las mejores condiciones posibles, conservando su versión original en inglés y añadiendo subtítulos en castellano.

Versión íntegra (UNCUT). Edición limitada.

LOS MUERTOS, LA CARNE Y EL DIABLO – EBM 005

Director: José María Oliveira

Intérpretes: Carlos Estrada, Patricia Wright, May Heatherly, Dennis Vaughn

Duración: 88 minutos

Año: 1974

Nacionalidad: España

Idiomas: Inglés (Stereo)

Subtítulos: Castellano

Imagen: Color

Formato: 4:3

Región: 0

Sistema: NTSC

Lanzamiento: 1 de junio de 2017

PVP: 10 € (gastos de envío incluidos)

CONTENIDO EXTRA:

-Entrevista con el director José María Oliveira

-Entrevista con la actriz Patricia Wright

-Pressbook estadounidense

PEDIDOS:

elbuquemaldito_zine@hotmail.com

TAMBIÉN DISPONIBLE:

FREAKS

C/. Ali Bei, nº10

Barcelona

Nagasaki, recuerdos de mi hijo (Haha to kuraseba) (2015)

Posted in Cine, Fantasía, Otros géneros, Reseña on 2 junio, 2017 by belakarloff

Nagasaki es bombardeada con la bomba atómica, y Koji, un joven estudiante de medicina, muere. Tres años más tarde, su madre Nobuko al fin acepta la muerte de su hijo, y es entonces cuando él se le aparece…

Dirección: Yôji Yamada. Producción: Asahi Broadcasting Corporation, GyaO, Hakuhodo DY Media Partners, Hakuhodo, Hokkaido Television Broadcasting Co., J Storm, Kinoshita Komuten, Komatsuza, Kyushu Asahi Broadcasting Co., Kôdansha, Nagasaki Cultural Telecasting Co., Nagasaki Shimbun, Nagoya Broadcasting Network, Nippon Shuppan Hanbai (Nippan) K.K., Shochiku Company, Shôchiku Broadcasting Co., Sumitomo Corporation, TV Asahi, Thr Yomiuri Shimbu. Productor: Nozomi Enoki. Guion: Yôji Yamada, Emiko Hiramatsu. Música: Ryuichi Sakamoto. Fotografía: Masashi Chikamori. Dirección artística: Mitsuo Degawa. Montaje: Iwao Ishii. Efectos especiales: Marza Animation Planet. Intérpretes: Sayuri Yoshinaga (Nobuko Fukuhara), Kazunari Ninomiya (Koji Fukuhara), Haru Kuroki (Machiko Sata), Ken’ichi Katô (el hombre de Shanghai), Yuriko Hirooka (Tomie), Tadanobu Asano (Kuroda), Miyu Honda (Tamiko), Isao Hashizume (profesor Kawakami), Nenji Kobayashi, Christopher McCombs, Wade Reed, Kazunaga Tsuji, Taiki Yoshida, Mikuu Yamada… Nacionalidad y año: Japón 2015. Duración y datos técnicos: 130 min. Color-B/N-sepia 1.85:1.

poster

Las cenizas de Nagasaki

A punto de cumplir los 77 años, Yôji Yamada (n. en 1931) es uno de los más veteranos realizadores nipones en activo, y considerado por gran parte de la crítica como el último de los clásicos. Se graduó en la universidad en 1954, y ese mismo año comienza a trabajar de ayudante de realización en Shochiku, compañía productora a la cual está ligado desde entonces. Como realizador debuta en 1961 con Nikai no tanin, y es responsable de “Tora-san”, la serie cinematográfica más longeva del mundo. En España poco se ha estrenado de él, teniendo como tiene 85 películas hasta el momento: El ocaso del samurái (Tasogare Seibei, 2002), The Hidden Blade: La espada oculta (Kakushi ken oni no tsume, 2004), Love and Honor – El catador de venenos (Bushi no ichibun, 2006), Una familia de Tokio (Tôkyô kazoku, 2013), La casa del tejado rojo (Chiisai ouchi, 2014) y Maravillosa familia de Tokio (Kazoku wa tsuraiyo, 2016)[1]. Su cine está caracterizado por una mirada íntima dentro del entorno familiar contemporáneo japonés, y está profundamente influido por el gran Yasujirô Ozu, al que cita de forma frecuente en sus películas.

foto1

Ahora nos llega esta Nagasaki, recuerdos de mi hijo (Haha to kuraseba, 2015), rodada entre medias de las dos citadas cintas sobre la familia de Tokio[2]. Esta película refleja, en cierto modo, esa predilección por la familia a la que hacíamos referencia, aunque anclada esta vez en un pasado cercano, de resonancias históricas, y con el grupúsculo de interés notablemente reducido, de forma casi minimalista. Convertir la película en una obra teatral no sería en exceso difícil.

foto2

Así, el filme podría considerarse una pieza de cámara, con breves salidas al exterior –el prólogo en blanco y negro, con el bombardeo, es muy sutil–, y con tres personajes pivotando unos alrededor de los otros. Tenemos en primer lugar a Nobuko (soberbia Sayuri Yoshinaga), la madre que queda repentinamente sola: su marido murió de tuberculosis años atrás, y su otro hijo cayó en el frente; por cierto, escalofriante la escena, a modo de flashback, en la cual el espectro de ese hijo se le aparece, y después se aleja junto a los otros fantasmas de los caídos en combate. Luego tenemos a Koji (Kazunari Ninomiya), un muchacho joven, ingenuo e idealista, que continuamente cambiaba de objetivos en la vida; incluso en una ocasión le apeteció convertirse en director de cine, momento que aprovecha Yamada para citar a Ozu. Y por último tenemos a Machiko (Haru Kuroki), prometida de Koji, que estaba a punto de casarse con él, y que ahora que la madre ha quedado sola la visita con cierta frecuencia. Trabaja como maestra, y en uno de los momentos más enternecedores acompaña a una alumna de diez años a buscar noticias de su padre desaparecido en la guerra.

foto3

Junto a estos personajes tenemos otros que aparecen de fondo, como la vecina de Nobuko (Tomie, a quien encarna Yuriko Hirooka), o el llamado hombre de Shanghai (Ken’ichi Katô), un vendedor estraperlista que visita en ocasiones a la protagonista para hacerle llegar alimentos del mercado negro, a veces rebajándoselos o regalándoselos, porque en el fondo la ama y solo desea estar cerca de ella.

foto4.png

Dentro de ese entorno, como se decía en la sinopsis, una vez Nobuko acoge ante sí misma la idea de la muerte de su hijo, este tendrá la capacidad de aparecérsele. No lo hace al modo de un fantasma escalofriante y terrible, tan caro al cine japonés de los últimos años. Simplemente surge vestido del modo al que lo hacía en vida, y conversa con su madre, rememorando instantes de la relación entre ambos, momentos que veremos por medio de flashbacks, a veces de un par de segundos, otras veces más largos.

foto5.png

Podría parecer que el fantasma es únicamente un recurso estilístico para que el director ofrezca los recuerdos de la mujer de un modo más tangible, y algo de eso hay, pero al mismo tiempo es un elemento fantástico real, integrado a la narración. No olvidemos que el mundo de los fantasmas es acogido por el pueblo nipón de un modo que los occidentales no podemos entender. Las apariciones del fantasma son sutiles: la protagonista gira la cabeza, y ahí está él, como si ya estuviera antes en ese lugar. Cuando se pone triste, el fantasma desaparece, y entonces se disgrega en el aire en pocos segundos. A veces, durante unos instantes, vemos flotando en el aire algo que estaba sosteniendo, y que se desplaza unos momentos, hasta que al fin cae.

foto6

Yamada utiliza una diversidad de tonos para narrar la relación entre los tres personajes citados, uno de los cuales ya está muerto. Así, pasa de un tono costumbrista a otro más evocador, uno que nos hace esbozar la sonrisa en los labios hasta otro donde las lágrimas nos corren a raudales por el rostro. Es un film sensible, melancólico, que en ocasiones nos ofrece esperanzas para ser en otras absolutamente desolador. Ambientado el film en 1948, la soberbia fotografía de Masashi Chikamori recrea a la perfección el cine de aquella época; en otras cintas donde se intenta emular ese tipo de fotografía únicamente se potencia la intensidad de los colores, sin embargo aquí los matices están recreados a la perfección. La agraciada partitura del famoso Ryuichi Sakamoto ayuda a conferir una belleza más calma al film. Y resaltemos el final, que recuerda enormemente –y no creo que ello sea casualidad– al de una joya como es El fantasma y la señora Muir (The Ghost and Mrs. Muir, 1947), de Joseph L. Mankiewicz. De esta manera, la conjunción plena de todos estos elementos conduce a la consecución de una hermosa obra maestra que merece mucho su contemplación.

untitled.png

Anécdotas

  • Títulos anglosajones: Living with My Mother / Nagasaki: Memories of My Son.
  • En los premios de la Academia Japonesa de 2016 ganó en las categorías de mejor actor (K. Ninomiya) y actriz secundaria (H. Kuroki), y tuvo nominaciones como mejor película, guion, fotografía, dirección artística, sonido, montaje, iluminación, actriz (S. Yoshinaga) y actor secundario (T. Asano). En el Manichi Film Concours de 2015 ganó en las categorías de música y actor secundario (K. Katô).
  • Seleccionada por Japón para competir en los Oscar de 2017 en la categoría de ‘mejor película en lengua no inglesa’.
  • Estrenada en Japón el 12 de diciembre de 2015. En España se estrenó el 26 de mayo de 2017.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Parece que en los últimos años las distribuidoras españolas le han echado el ojo. Sería interesante que rescataran algunas de las previas de mayor interés. En la actualidad, por cierto, acaba de terminar la secuela de Maravillosa familia de Tokio, que tuvo un enorme éxito mundial.

[2] Pese a las similitudes en los títulos españoles, Una familia de Tokio (Tôkyô kazoku, 2013) y Maravillosa familia de Tokio (Kazoku wa tsuraiyo, 2016) nada tienen que ver entre ellas, aunque en la segunda podemos vislumbrar el póster de la primera, en la escena de la escuela de escritura.

El efecto mariposa 2 (The Butterfly Effect 2) (2006)

Posted in Cine, Fantasía, Reseña on 2 junio, 2017 by belakarloff

Nick parece tenerlo todo en la vida: una novia maravillosa y unos amigos excepcionales. Pero un accidente de tráfico le deja solo. Aquejado de jaquecas, descubrirá que, mirando una foto de su pasado puede viajar a este… y cambiarlo.

Dirección: John R. Leonetti. Producción: New Line Cinema, FilmEngine, BenderSpink. Productores: Chris Bender, A. J. Dix, Anthony Rhulen, J.C. Spink. Co-productores: Brendan Ferguson, Michael Stirling. Productores ejecutivos: Kevin Kasha, William Shively. Guion: Michael D. Weiss, inspirado por John Frankenheimer. Fotografía: Brian Pearson. Música: Mike Suby. Montaje: Jacqueline Cambas, Chris Conlee. Dirección artística: Don Macaulay. Efectos especiales: Anthem Visual Effects (efectos visuales), Special Effects Shop (efectos especiales). Intérpretes: Eric Lively (Nick Larson), Erica Durance (Julie Miller), Dustin Milligan (Trevor Eastman), Gina Holden (Amanda), David Lewis (Dave Bristol), Andrew Airlie (Ron Callahan), Chris Gauthier (Ted), Susan Hogan (Katherine Larson), JR Bourne, Lindsay Maxwell, Zoran Vukelic, Jerry Wasserman, John Mann, Tom Bulmer, Veena Sood, Brad Kelly, Caeli MacAulay, Malcolm Stewart… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2006. Duración y datos técnicos: 92 min. color 1.85:1.

poster

 

El efecto mariposa (The Butterfly Effect, 2004), escrita y dirigida por Eric Bress y J. Mackye Gruber, fue una grata sorpresa: pese a su temible apariencia de comedia sentimental con/para adolescentes, lograba subvertir ese enfoque y ser un curioso acercamiento, en tono y fondo, a la temática de las paradojas temporales.

foto1

Ahora, esta segunda “entrega” hunde los logros de la previa y nos arroja una mediocre aportación, con el tono típico y falto de imaginación de los productos “directos a DVD”, donde da la impresión de que la palabra “esfuerzo” no estaba en el diccionario de sus responsables.

foto2

Aquí tenemos nuevos personajes y una historia diferente, donde simplemente se nos narra otra situación en la que el protagonista, por misteriosos motivos espacio-temporales, logrará retroceder en el tiempo y enderezar situaciones aciagas de su existencia. Pero mientras en la entrega anterior todo estaba ingeniosamente hilvanado, jugando con las paradojas, y donde a cada desvío de la realidad originaria las cosas se iban complicando cada vez más, aquí no hay nada de eso. Aquí hay una especie de reinicio: se vuelve a una situación concreta y, simplemente, surgen otras vías narrativas.

foto3

De esta manera, la película, que comienza de forma curiosa, cada vez se va internando más y más en la tontería, el ridículo y la sinrazón. Momentos como el del polvo en los servicios del restaurante o, sobre todo, la mamada bajo la colcha provocan vergüenza ajena. Choca además que en los créditos el guion aparezca acredita como “inspirado en John Frankenheimer”, y se plasme un rótulo en memoria a él. Por mucho que lo piense, no sé a qué vendrá ese detalle, pues la película carece de guiños a su obra, y su muerte cuatro años atrás no hace considerar la posibilidad de que esta chorrada fuese un proyecto suyo. Quizás sea un simple guiño cinéfilo para cubrirse de una consideración que no merece.

Monster In Law

La realización corresponde a John R. Leonetti, hermano menor de Matthew F. Leonetti, director de fotografía de la entrega previa. También trabaja abundantemente en la misma labor que su pariente, y como director ha tenido a su cargo Mortal Kombat: Aniquilación (Mortal Kombat: Annihilation, 1997), Annabelle (Annabelle, 2014) y Wolves at the Door (2016), amén de unos pocos episodios televisivos. No es como para estar orgulloso. Aquí aplica un tono neutro, televisivo y carente de cualquier rasgo de interés, plasmando el torpe guion de Michael D. Weiss con fría funcionalidad.

foto5.png

Anécdotas

  • En 2006 fue nominada al premio Saturn por la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films al mejor estreno en DVD.
  • La saga finaliza, de momento, con The Butterfly Effect 3: Revelations (2009), de Seth Grossman.
  • Estrenada en Estados Unidos, directamente a DVD, el 10 de octubre de 2006. En España tuvo ese mismo tipo de estreno, sin constarnos la fecha.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)