Archive for the Humor Category

Novedades de Vial of Delicatessens para diciembre

Posted in Cine, DVD, Humor, Noticias, Otros géneros on 12 diciembre, 2017 by belakarloff

El próximo miércoles 20 de diciembre Vial of Delicatessens lanza dos nuevas referencias.

Todo es de color la última película del director Gonzalo García Pelayo, una road movie homenaje al grupo Triana, formación de rock que descubriera el director en su momento.

Por otro lado, reeditamos Mi mujer me pone los cuernos (y otras divertidas historias), un recopilatorio de cortometrajes de Víctor Olid encabezado por el protagonizado por Andrés Pajares.

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TODO ES DE COLOR

(DVD PRENSADO)

Mar es una joven que se siente atraída por la historia y la música de Triana tras conocer a un grupo de personas que dedican su vida a honrar la memoria de la banda. Este recorrido comienza en el cementerio de Villaviciosa de Odón, lugar donde están enterrados De la Rosa y “Tele”, y tiene como destino Caños de Meca, donde la comunidad de “Trianeros” quiere organizar un concierto homenaje con las canciones de este grupo de rock andaluz.

El director Gonzalo García Pelayo (Alegrías de Cádiz) muestra con su película lo que supuso el grupo de rock Triana en la cultura musical andaluza gracias a sus canciones y sus actuaciones. Junto a Natalia Rodríguez (Los protegidos), completan el reparto Ken Appledorn (Anochece en la India), Alfonso Sánchez (Ocho apellidos catalanes), Jorge Cadaval de Los Morancos y el manager del grupo Javier García Pelayo.

Características: 1:78:1, 16:9. Audio: DD 2.0, Castellano.

EXTRAS:

– Triana: Rock y vida

 

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MI MUJER ME PONE LOS CUERNOS…O NO (Y OTRAS DIVERTIDAS HISTORIAS) (DVD PRENSADO) Reeditamos este DVD en una nueva edición prensada y con extras diferentes a los que aparecieron en nuestra primera edición.

En el vasto mundo del cortometraje ultra-independiente, casero y/o underground, Víctor Olid destaca por su ya longeva especialidad en cierta comedia bizarra, extravagante y desvergonzada que jamás deja indiferente. Provocador, irreverente y deslenguado, su cine… o su vídeo, es pura dinamita, algo especialmente agradecido en estos mojigatos tiempos que corren.

Ahora, por primera vez, un DVD recopila un buen puñado de sus cortometrajes, destacando por encima de todos su colaboración con esa leyenda viva del cine español que es Andrés Pajares. Aunque la cosa no termina ahí; hay más. Tenemos hipsters soltando ventosidades, gringos mal hablados, abortos bien sanguinolentos, borderlines atizándose encarnizadamente, golfos, maricones, calzonazos, paranoicos y, literalmente, un hijo de puta. Como una feria de monstruos, pero a través de la pantalla de tu cutre-televisor.

Además, presencias como las de Juan Carlos Gallardo, Naxo Fiol, Aratz Juanes, Paul Michael Cope o Andy Rodriguez, nombres que de primeras quizás no les digan nada, a no ser que sean público especializado, cuentan con papeles dentro de los repartos de los cortometrajes del creador de los podcasts La hora de Ving Rhames, y El hijo del aprendiz de Satanás y co-creador de Los Aristócratas y “AVT Podcast”. Cómpralo, serás la envidia del corral.

Características: 1:33:1, 16:9 Pillarbox . 1:78:1, 16:9. Audio: DD 2.0, Castellano.

EXTRAS

Presentación con Andrés Pajares y Víctor Olid TráilerMaking Of y tomas falsasEntrevista a Víctor Olid – Cortometrajes: Glen or Glenda 2004, El señor Galíndez no folla ni con un pez, Caterva, Hijo de puta, “l corto más patetik de fakir iunivers, La repugnación, Metodismo, Metodismo 2. A.C, El vuelo de la tortuga, el soplo del dragón, El mamazo, Andy is fascinated by my DVD collection, Durante la pandemia,“¡A tope con el aborto!, Ya no te ajunto, Extranjera.

 

Ambos DVDs tienen un P.V.P de 11’99 € y podrán encontrarse en grandes superficies, tiendas especializadas en la web del sello.

http://vialofdelicatessens.blogspot.com

Contacto: vialofdelicatessens@hotmail.com

 

 

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Reposición en cines de “Gremlins”, por parte de 39 Escalones

Posted in Cine, Estreno, Humor, Noticias, Proyecciones, Terror on 21 noviembre, 2017 by belakarloff

STEVEN SPIELBERG PRESENTA

GREMLINS

 

REESTRENO EN CINES de ESPAÑA A PARTIR DEL 29 de DICIEMBRE

 

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Dirigida por JOE DANTE

Guion de CHRIS COLUMBUS

ESTADOS UNIDOS. 1984. 106 min.

NO RECOMENDADA MENORES DE 12 AÑOS

Reparto:

Zach Galligan, Phoebe Cates, Hoyt Axton, Polly Holliday, Keye Luke, Scott Brady, Corey Feldman, Harry Carey Jr., Dick Miller, Chuck Jones

TRAILER: próximamente

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Sinopsis

Es navidad y Billy recibe un regalo de su padre: una simpática y extraña criatura, un mogwai. Para que todo marche bien solo tendrá que cumplir tres reglas muy sencillas: no darle de comer pasada la medianoche, evitar que tenga contacto con el agua y no exponerlo a la luz del sol. Todo transcurre plácidamente hasta que las reglas se rompen…

 

ESTA NAVIDAD GIZMO QUIERE VOLVER A VERTE

REESTRENO EN CINES DE GREMLINS

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A partir del 29 de diciembre de 2017,  y durante tiempo limitado, vuelve a la gran pantalla una de las películas más icónicas de los años 80: GREMLINS. Con Steven Spielberg en la producción ejecutiva, la dirección de Joe Dante y el guion de Chris Columbus, la película se convirtió en uno de los grandes éxitos de taquilla de la década.

La película comienza cuando Billy recibe un regalo de su padre por navidad: una simpática y extraña criatura, un mogwai. Para que todo marche bien solo tendrá que cumplir tres reglas muy sencillas: no darle de comer pasada la medianoche, evitar que tenga contacto con el agua y no exponerlo a la luz del sol…

Estrenada en el verano de 1984, este año, por fin, se podrá ver en pantallas de cine en la época en la que transcurre la historia: navidad. Una fecha perfecta para volver a vivir, o descubrir, uno de los grandes éxitos de los ochenta en pantalla grande.

 

El autor (2017)

Posted in Cine, Humor, Reseña, thriller on 17 noviembre, 2017 by belakarloff

Álvaro trabaja en una notaría de Sevilla pero sueña con ser escritor, aunque todo lo que escribe es insípido y le falta alma. Sin embargo, su mujer Amanda acaba de publicar un best-seller. Tras una crisis, el matrimonio se separa y es entonces cuando Álvaro decide acometer la tarea de escribir una gran novela. Falto de talento e imaginación, será a partir de una observación por parte de Juan, su profesor de escritura, cuando Álvaro comience a descubrir que la ficción puede ser escrita a partir de la manipulación de la realidad, tejiendo una telaraña de la que nadie podrá escapar, ni siquiera él mismo…

Dirección: Manuel Martín Cuenca. Producción: Icónica Producciones, Lazona, La Loma Blanca PC, Alebrije Cine y Video, Canal Sur Televisión, Junta de Andalucía, Lazona Producciones, Televisión Española, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales. Productores: Mónica Lozano, David Naranjo, José Nolla, Gonzalo Salazar-Simpson, Alex Zito. Co-productor: Manuel Martín Cuenca. Productores ejecutivos: José Nolla, Jaime Ortiz de Artiñano. Guion: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández, según la novela de Javier Cercas. Fotografía: Pau Esteve. Música: José Luis Perales. Montaje: Ángel Hernández Zoido. Dirección artística: Sonia Nolla. Intérpretes: Javier Gutiérrez (Álvaro), Antonio de la Torre (Juan), María León (Amanda), Tenoch Huerta (Enrique), Adriana Paz (Irene), Craig Stevenson (Craig McCallan), Miguel Ángel Luque (policía), Adelfa Calvo (portera), Domi del Postigo (El Manu), Rafael Téllez (Sr. Montero), Carmelo Muñoz Adame… Nacionalidad y año: España, México 2017. Duración y datos técnicos: 112 min. Color.

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En la primera escena, Álvaro asiste a una masterclass, dada en la lengua de Shakespeare, donde proyectan lo que parece ser El viaje del emperador. Curiosamente, este documental sobre la odisea de este pingüino (el abandono de la zona de confort con resolución y valentía conducido por la necesidad) podría tener ciertas concomitancias con la búsqueda de nuestro protagonista, en este caso en pos de la auto-realización.

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Álvaro es un tipo gris, que se busca constantemente pero que no se halla, necesita expresarse, busca trascender, pero lo que escribe es demasiado inane porque todo resulta demasiado ajeno a él, no lo vive. Es a raíz de una reprimenda por parte de su profesor de narrativa cuando todo empieza a cambiar. Está dispuesto a hacer lo que sea para seguir haciendo lo que más le gusta, entrando en un espiral sin retorno para seguir alimentando la ficción a costa de lo que sea y de quien sea; progresivamente su personaje se va revistiendo de forma irremediable de mucha más negrura.

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Manuel Martín Cuenca, tras la perturbadora Caníbal, vuelve a traernos otra historia, no menos turbadora, basada en la novela El móvil de Javier Cercas, la cual reflexiona sobre los límites, especialmente morales, de la creación literaria, así como sobre la instrumentalización de los demás. Una historia donde la ficción es superada por la propia realidad y a su vez el escritor por lo propiamente “escrito”.

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El cineasta ha indicado respecto a la película: “Es una sátira, una exageración conectada con las pulsiones de la realidad”. Sobre la adaptación de la novela de Cercas comenta: “Es una novela corta que leí del tirón, la cerré, me reí de mí mismo y dije ‘aquí hay una película’”. Después, sobre el trabajo con Alejandro Hernández en el guion ha comentado que “[hemos respetado] la esencia de la novela pero haciendo nuestra la historia”, ya que, según él, “hay que traicionar la letra para respetar el espíritu cuando haces una adaptación”.

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“Las situaciones están llevadas hasta el límite, y eso mueve a la risa al espectador. La comedia funciona mejor cuando huyes de ella, cuando la trabajas desde la seriedad más absoluta”, asevera Javier Gutiérrez.

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En el apartado actoral, un Javier Gutiérrez inconmensurable le insufla vida a este frustrado escritor que parece tan necesitado de escribir sobre los demás como vivir la vida de estos. Secundado por un ramillete de estupendos secundarios, un Antonio de la Torre en un papel bastante simpático y fuera de sus registros más serios y trillados da vida a un profesor algo impertinente. El papel de María León es algo inane, aunque resulta ser el tema principal en algunas de las charlas más hilarantes entre el protagonista y su profesor. Por último, alabar a Adelfa Calvo como la portera del edificio, que cuaja una grandísima actuación, siendo protagonista de unos cuantos momentos de lo más divertidos.

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Sobre el personaje de Álvaro, el cineasta comenta: “Nunca me ha interesado esa idea de los personajes que complacen al espectador, me interesan los que incomodan al espectador, con los que es difícil empatizar, pero a los que es fácil comprender, porque hay algo en ellos algo de cada uno de nosotros”. Otro ejemplo de lo que comenta el director almeriense es el personaje principal de Caníbal, al cual le dio vida Antonio de la Torre.

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En el apartado musical, José Luis Perales, a sus setenta y dos años parece haber tachado uno de sus deseos por cumplir. El cineasta de La flaqueza del bolchevique relata que “no hemos hecho la rutina habitual, sino que ha sido un proceso de investigación, de acercamiento, de búsqueda, que yo he sentido muy cercano a mi forma de trabajar”. Por su parte, el compositor castellonense nos cuenta que “cuando escribo, llevo mucho tiempo con las notas en la cabeza. Me siento como una mujer embarazada: a los nueve meses me sale una canción. Voy acumulando ideas, tonos, y un día escribo y sale del tirón. Lo mismo me ha ocurrido aquí”.

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La cinta se encuentra rodada en Sevilla, a la que se le saca gran parte de su encanto gracias a una cuidada fotografía por parte de Pau Esteve y a unas estupendas localizaciones. Como curiosidad, la magia del cine, o quién sabe si la pluma del propio Álvaro, hace que determinados barrios sevillanos estén mucho más cerca de lo que cabría esperar.

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Dramático en sus comienzos, ahondando en la sátira, el filme termina virando al suspense. La película, que podría verse como una vuelta de tuerca realista de la estupenda cinta En la casa de François Ozon, tiene varios giros que consiguen mantener el suspense hasta un final contundente. El epílogo funciona como contrapunto ciertamente humorístico y como evolución coherente de ese “monstruo” que se ha creado.

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Anécdotas

 

  • La película está basada en el libro El móvil, la primera novela de Javier Cercas, publicada originalmente en 1987.
  • La cinta fue a competición en la Sección Oficial de la 65 edición del Festival de Cine Internacional de San Sebastián.
  • Fue ganadora del premio FIPRESCI – Special Presentations en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF).
  • Preguntado por su final, que difiere al de la novela, Manuel Martín ha explicado que su preocupación era que se viera venir y que fuera coherente. Por su parte, Cercas ha señalado que película y libro acaban de manera diferente porque el final de la novela es “metaliterario, no cinematográfico” y para “ser leal a una novela tienes que traicionarla para llevarla al cine”.
  • Estrenado en España el 17 de noviembre de 2017.

 

Bibliografía

El móvil; por Javier Cercas; seguido de “Nota de un lector”; por Francisco Rico. Barcelona: Planeta-De Agostini, 2004. Colección: Los grandes autores de la narrativa actual.

 

Jesús Mayoral Velázquez de Castro (Sevilla. España)

 

Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Humor, Parodia, Reseña, thriller on 29 septiembre, 2017 by belakarloff

La malvada Poppy destruye los cuarteles generales de Kingsman. Eggsy viaja a los Estados Unidos para buscar la colaboración de Statesman, otra organización secreta que controla la paz mundial, para que le ayuden a detener a la pérfida tratante de drogas, que pretende provocar un holocausto mundial aprovechando la adicción de muchas personas.

Dirección: Matthew Vaughn. Producción: Twentieth Century Fox Film Corporation, Marv Films, Shangri-La Entertainment, TSG Entertainment. Productores: Adam Bohling, David Reid, Matthew Vaughn. Productores ejecutivos: Dave Gibbons, Pierre Lagrange, Stephen Marks, Mark Millar, Claudia Schiffer. Guion: Jane Goldman, Matthew Vaughn, según el cómic The Secret Service de Mark Millar y Dave Gibbons. Fotografía: George Richmond. Música: Henry Jackman, Matthew Margeson. Montaje: Eddie Hamilton. Diseño de producción: Darren Gilford. Efectos especiales: 4DMax, BUF, Blind, Clear Angle Studios, Efficacy4D, Framestore, Mark Roberts Motion Control, Moving Picture Company, The Senate Visual Effects, Snow Business International, Sony Pictures Imageworks. Intérpretes: Taron Egerton (Eggsy), Edward Holcroft (Charlie), Gordon Alexander (chófer de Kingsman), Mark Strong (Merlin), Hanna Alström (princesa Tilde), Calvin Demba (Brandon), Thomas Turgoose (Liam), Tobi Bakare (Jamal), Julianne Moore (Poppy), Keith Allen (Charles), Tom Benedict Knight (Angel), Colin Firth (Harry Hart), Michael Gambon (Arthur), Sophie Cookson (Roxy), Björn Granath (rey de Suecia), Lena Endre (reina de Suecia), Samantha Coughlan (guía turística), Channing Tatum (Tequila), Halle Berry (Ginger), Elton John (Elton John), Jeff Bridges (Champ), Pedro Pascal (Whiskey), Martyn Ford, Poppy Delevingne, Grant Gillespie… Nacionalidad y año: Reino Unido, Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 141 min. Color 2.39:1.

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Oro de baratillo

Mientras asistía al visionado de Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle, 2017, Matthew Vaughn) no podía dejar de pensar en otra película, Kick Ass 2: Con un par (Kick-Ass 2, 2013, Jeff Wadlow). Ambas coinciden en bastantes aspectos: son secuelas de sendas películas que parodiaban los estereotipos de determinado tipo de cine con frescura, humor malicioso y vigor. Ambas, también, caen en el error en las que no cayeron sus predecesoras, siendo además continuaciones muy inferiores a sus originales.

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Kingsman: El círculo de oro recicla en cierta manera la estructura dramática de su predecesora, como también suele ser habitual en las secuelas; de este modo, el espectador distingue rasgos aparecidos con anterioridad y se siente seguro, reconoce las reglas del juego. Aquí, por poner un ejemplo palpable, tenemos la repetición de la escena de la pelea en el pub (aquí taberna) con un grupo de chulos engreídos. Pero esa repetición se extiende a todo lo que es el esqueleto dramático principal del film, reemplazando personajes, lugares y demás “adornos” externos.

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La película, como es norma, empieza con una escena super-trepidante. Después, la narración cae en picado y ya no levanta vuelo. Las escenas se dilatan en exceso, se hacen cansinas y, en realidad, muchas de ellas nada aportan. Todo funciona a base de acumulación, siendo este el único recurso expresivo utilizado para aportar un supuesto interés. Esa es otra de las cláusulas que parecen exigir las secuelas: repetir todo, pero centuplicado. Más acción, más explosiones, más chistes… Son como un remake hipertrofiado, amén de maquillado para aparentar ser otra cosa.

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Otro problema son los actores. Tiempo atrás, el crítico de cine Peter Bogdanovich rodó una película titulada ¿Qué me pasa, doctor? (What’s Up, Doc?, 1972), que pretendía ser un homenaje a La fiera de mi niña (Bringing Up Baby, 1938). Rodados los primeros días y revisado el material, Bogdanovich comprobó que la cosa no funcionaba, no sabía muy bien porqué. Invitó a un pase a Howard Hawks, director del film homenajeado, y este le respondió: “Para que una película cómica funcione, los actores se lo han de tomar en serio”. Vueltas a rodar las escenas con ese criterio, ya todo fue mejor. Y ese es el problema de esta película: que muchos de los actores se toman a pitorreo sus cometidos, efectúan una interpretación sin creerse sus personajes. Matrícula de honor –en el aspecto negativo–, para dos actores tan excelentes por norma como Julianne Moore y Jeff Bridges, que se abordan sus papeles con una desidia que muestra una total falta de profesionalidad. Otros, sencillamente, son mediocres, como Pedro Pascal, una especie de Burt Reynolds de segunda (que ya es decir). Solo cabe destacar en el lado positivo a Mark Strong, Colin Firth y, sobre todo, Bruce Greenwood como un presidente de los Estados Unidos de aspecto kennedyano y carácter trumpero. Greenwood, además, es de los pocos que saben transmitir vis cómica sin efectuar una interpretación chusca.

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Hay puntos positivos, pero desperdigados aquí y allá en algo que no logra una unidad consecuente. Para los aficionados al pulp resultan muy placenteros los elementos de ciencia ficción, así los dispositivos robóticos de los que dispone la mala: un acólito con un brazo cibernético, una androide y, en especial, una pareja de perros sabuesos mecánicos. O ese plano de resonancias apocalípticas, con todos los infectados amontonados en jaulas. O algunos gags dispersos. No tiene gracia, empero, aunque insisten machaconamente en ello, en sacar a Elton John soltando palabrotas de continuo. Si hubiera sido un cantante más estirado… Elton John, por cierto, se muestra muy simpático (y muy viejo), pero queda evidente que no es un actor ni de lejos.

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La trama es casi un calco del film previo, solo que a los protagonistas se les une otro grupo, esos agentes estadounidenses, con el fin de americanizar el producto, y que los espectadores de aquel país se sientan más en casa. Es una cinta de humor y acción muy elemental y trivial, que pretende aparentar ser cáustica, pero que se queda muy corta en todos los aspectos. A mí se me hizo inclusive aburrida, pecado mortal en el que nunca debería caer una película de esta índole.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: Kingsman: El círculo dorado.
  • Secuela de Kingsman: Servicio secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014), de Matthew Vaughn.
  • El montaje original sumaba ochenta minutos más al metraje definitivo.
  • Tercera vez que Bruce Greenwood interpreta al presidente de los Estados Unidos. La primera vez fue en 13 días (Thirteen Days, 2000, Roger Donaldson), donde hacía de Kennedy, y la segunda en La búsqueda: El diario secreto (National Treasure: Book of Secrets, 2007, Jon Turteltaub), donde era un presidente ficticio.
  • Estrenada en el Reino Unido el 20 de septiembre de 2017; en Estados Unidos y en España se estrenó el 22.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Berenice presenta “Textos huérfanos” de Enrique Jardiel Poncela

Posted in Fantasía, Humor, Literatura, Noticias, Parodia on 23 marzo, 2017 by belakarloff

Un libro que recoge textos inéditos brillantes y divertidísimos de Enrique Jardiel Poncela

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Textos huérfanos es humor en su estado más puro, producto de la alocada y vanguardista pluma de uno de los mayores escritores cómicos de nuestras letras, Enrique Jardiel Poncela.

Un libro que, editado por Berenice, recoge textos inéditos, brillantes y divertidísimos, del autor antes de empezar su carrera como escritor.

Y es que Jardiel Poncela jamás se preocupó de recopilarlos, reimprimirlos, ni siquiera incluirlos en sus Obras completas. Por ello se denominan huérfanos, por el abandono al que les sometió el propio autor.

Desconocidos e irónicos, estos textos no son en absoluto inferiores a otras de sus producciones. Tienen la frescura, la espontaneidad y la vitalidad de un escritor joven con gran talento que pretende —y consigue—renovar las formas literarias del humor.

Esta divertidísima antología jardielesca tiene de todo: cuentos de fantasía, artículos satíricos, versos cómicos, piezas teatrales breves, parodias históricas, aforismos, encuestas disparatadas, entrevistas absurdas y muchos otros experimentos humorísticos que deleitarán, de seguro, a todos los lectores.

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Enrique Jardiel Poncela (1901-1952) abordó casi todos los géneros: ensayo, novela, teatro, artículos periodísticos y guiones cinematográficos -fue contratado por la Fox, en Hollywood-.

Sus textos más conocidos son: El cadáver del señor García, Usted tiene ojos de mujer fatal, Angelina o el honor de un brigadier, Cuatro corazones con freno y marcha atrás, Eloísa está debajo de un almendro, Un marido de ida y vuelta, Los ladrones somos gente honrada, Los habitantes de la casa deshabitada, Agua, aceite y gasolina, Las siete vidas del gato o Blanca por fuera y rosa por dentro.

ISBN: 978-84-16750-32-0

176 páginas aprox.

Rústica • 15 x 24 cm

IBIC: FA

PVP: 18,95 €

 

La Bella y la Bestia (Beauty and the Beast) (1991)

Posted in Animación, Cine, Fantasía, Humor, Otros géneros, Reseña, Terror on 21 marzo, 2017 by belakarloff

Bella es la chica rara del pueblo: le gusta leer, y pasa del machista y descerebrado cachas por el que todas las demás suspiran. Su padre es científico, y cuando sale para mostrar su último invento se pierde y va a parar al castillo de la Bestia, un príncipe hechizado. Bella pedirá quedarse en el lugar de su padre para compartir el resto de su vida junto a ese ser monstruoso…

Dirección: Gary Trousdale y Kirk Wise. Producción: Walt Disney Pictures, Silver Screen Partners IV, Walt Disney Feature Animation. Productor: Don Hahn. Productora asociada: Sarah McArthur. Productores ejecutivos: Howard Ashman, John Lasseter (versión en 3-D). Guion: Linda Woolverton, según argumento de Brenda Chapman, Chris Sanders, Burny Mattinson, Kevin Harkey, Brian Pimental, Bruce Woodside, Joe Ranft, Tom Ellery, Kelly Asbury, Robert Lence, basado en el cuento de Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. Música: Alan Menken. Dirección artística: Brian McEntee, Ed Ghertner (edición especial). Montaje: John Carnochan, Bill Wilner (no acreditado), Ellen Keneshea (edición especial). Intérpretes: Dibujos animados, con las voces (en la VO) de Robby Benson (Bestia), Jesse Corti (Lefou), Rex Everhart (Maurice), Angela Lansbury (Mrs. Potts), Paige O’Hara (Belle), Jerry Orbach (Lumiere), Bradley Pierce (Chip), David Ogden Stiers (Cogsworth / narrador), Richard White (Gaston), Jo Anne Worley, Mary Kay Bergman, Brian Cummings, Alvin Epstein, Tony Jay, Alec Murphy, Kimmy Robertson, Hal Smith, Kath Soucie, Frank Welker, Jack Angel, Bruce Adler, Scott Barnes, Vanna Bonta, Maureen Brennan… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1991. Duración y datos técnicos: 84/91 min. Color 1.66:1.

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La Disney llevaba un tiempo de capa caída en lo que respecta a sus películas de animación. Los antiguos esplendores de Peter Pan, Alicia… o El libro de la selva parecían haber pasado. Todo cambió en 1989 cuando La sirenita (The Little Mermaid) representó un punto de inflexión en la animación Disney. Dirigida por Ron Clements y John Musker, y con canciones de Alan Menken y Howard Ashman, aportó una visión novedosa de los dibujos animados de la casa, apoyándose por un lado en la estructura tradicional del musical norteamericano[1], y por otro renovando la visión que habían ofrecido de los personajes, haciéndolos más modernos pero conservando sus raíces, tanto idiosincráticas como iconográficas.

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Después de La sirenita llegó La Bella y la Bestia, y ya nada fue igual. Fue la primera cinta de animación que consiguió una nominación al Oscar como mejor película, y desde entonces los éxitos de público han continuado llegando para sus siguientes aportaciones, e incluso algunas de las obras han conseguido un prestigio artístico tremendo.

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Otro de los rasgos identificativos de esa nueva hornada que comenzó con La sirenita y prosigue hasta la actualidad es el perfil psicológico que aplicó a sus heroínas, haciéndolas llegar al siglo XX y más allá. Realmente, uno de los elementos más interesantes que ofrece La Bella y la Bestia es su galería de personajes. Ahí tenemos, en primer lugar, a Bella, una muchacha dulce, delicada y sensible, a la que le encanta leer y que no muestra aprecio alguno por Gaston, un personaje rudo, machista y egocéntrico, que siempre va acompañado por un adulador, Lefou. De este modo, desaparece la figura femenina sumisa que ha de estar supeditada al hombre; algunas de las canciones satirizan con gracia ese estereotipo. En lo que respecta a la Bestia, representa una alegoría sobre la belleza interior, y que uno no ha de conformarse con lo que brindan las apariencias.

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Todo ello es narrado haciendo uso del cuento tradicional “La Bella y la Bestia”, tantas veces llevado al cine, aunque como las mejores podemos considerar La Bella y la Bestia (La Belle et la Bête, 1945), de Jean Cocteau y René Clement, y Panna a Netvor (1978), de Juraj Herz. Y, en verdad, la presente puede alzarse también en el podio de las tres vencedoras. Como se ha referido, se estructura con la urdimbre del musical tradicional norteamericano, cuyo ejemplo podría ser, por citar un solo título, Carousel (1945), de Richard Rodgers (música) y Oscar Hammerstein II (libreto y letras)[2]. Las canciones tienen vitalidad, emoción y resultan pegadizas, aunque personalmente mi favorita es “Be Our Guest”, coreografiada al estilo de Busby Berkeley, y cuya representación es todo un prodigio.

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También entra dentro del concepto, obvio es, de la fábula moral, y de igual modo participa del cine de terror, siendo especialmente memorable el ataque de los lobos a Bella, que está orquestado como si de un film de género se tratara. El propio personaje de la Bestia, por sus características, entronca con el fantástico. En esta ocasión el aspecto físico con la que se la representa podría ser el de un león, mas provisto de cuernos. Es interesante el detalle final, cuando desaparece el hechizo y recupera su aspecto humano, apareciendo de una belleza deslumbrante. Sin embargo, Bella lo mira con desconfianza, y solo tras tocar sus cabellos y reconocerlo por ese detalle será cuando lo acepte. Es decir, no le importa la apariencia, sino que se trata realmente de la persona de la que se había llegado a enamorar por su carácter.

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La Bella y la Bestia, en definitiva, es una de las grandes joyas de la Disney, una delicia que se puede contemplar una y otra vez sin que pierda el hechizo.

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Anécdotas

  • En 1992 consiguió el Oscar a la mejor música y mejor canción (“Beauty and the Beast”), así como nominaciones como mejor película, sonido y a las canciones “Belle” y “Be Our Guest”. En los Globos de Oro ganó como mejor película comedia o musical, música y canción (“Beauty and the Beast”). En los Hugo ganó como mejor representación dramática.
  • Howard Ashman, productor ejecutivo y letrista de las canciones, murió de sida ocho meses después de estrenada la película.
  • Rupert Everett optó para el papel de Gaston, pero lo rechazaron porque no sonaba lo suficientemente arrogante. Para Mrs. Potts se pensó en Julie Andrews. Patrick Stewart estaba previsto para el papel de Cogsworth, pero no pudo por sus compromisos en Star Trek: la nueva generación; también optó para el papel Ian McKellen. Como la voz de la Bestia se pensó en Tim Curry, Laurence Fishburne, Val Kilmer y Mandy Patinkin.
  • El diseño de Bella está inspirado ampliamente en Katharine Hepburn en la película Las cuatro hermanitas (1933), adaptación de Mujercitas.
  • El humo durante la escena de la transformación es real. Se rodó para Taron y el caldero mágico (1985) y se reutilizó aquí.
  • Tanto en los años treinta como en los cincuenta la Disney intentó adaptar el cuento, pero no logró crear un tratamiento dramático adecuado.
  • Jackie Chan dobla a la Bestia en la versión china al mandarín.
  • Reestrenada en IMAX en 2002, con diversos cambios, y en 2010 en 3-D.
  • Secuelas: Sing Me a Story with Belle (1996) (intento de serie de televisión con un único episodio); La bella y la bestia 2: Una Navidad encantada (Beauty and the Beast: The Enchanted Christmas, 1997), de Andrew Knight [direct-to-dvd]; El mundo mágico de Bella (Belle’s Magical World, 1998), de Bob Kline [direct-to-dvd].
  • Remake: La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 2017), de Bill Condon.
  • Estrenada en Estados Unidos el 22 de noviembre de 1991; en España se estrenó el 27 de noviembre; la versión original en nuestro país se ofreció con la primera bobina doblada, para aprovechar el plano rodado especialmente con los rótulos iniciales en castellano.

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Bibliografía

“Beldad y la Bestia”; por Gabrielle-Suzanne Barbot de Villeneuve. Inc. en El libro de hadas de Arthur Rackham; traducción de Alfonso Nadal. Barcelona: Juventud, 1992. T.O.: “La Belle et la Bête” (1740).

“La Bella y la Bestia”; por Jeanne-Marie Leprince de Beaumont. Inc. en La Bella y la Bestia y otros cuentos; traducción de Elena del Amo. Madrid: Gaviota, 2005. T.O.: “La Belle et la Bête” (1756).

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Muchas de estas películas, de hecho, luego son trasladadas al musical. En lo que respecta a Beauty and the Beast, debutó en Broadway en 1994, después de un estreno de prueba el año anterior en Houston. Ofrecía música de Alan Menken, letras de Howard Ashman y Tim Rice, y libreto de Linda Woolverton. En 1999 se estrenó en Madrid.

[2] Curiosamente, este musical también es una adaptación de una obra sin canciones, en este caso la obra teatral Liliom (1909), de Ferenc Molnár. Y también es de carácter fantástico y ha sido llevada varias veces al cine (tanto la versión de Molnár como la musical), por artistas como Fritz Lang.

Kate & Leopold (Kate & Leopold) (2001)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Humor, Reseña on 16 marzo, 2017 by belakarloff

1876. Leopold es un aristócrata aburrido de las convenciones sociales, y a quien le gusta desarrollar inventos. De pronto detecta a un extraño individuo que lo vigila, y persiguiéndolo cae tras él por un agujero temporal en el Nueva York de 2001.

Dirección: James Mangold. Producción: Konrad Pictures, Miramax. Productora: Cathy Konrad. Co-productor: Christopher Goode. Productores ejecutivos: Kerry Orent, Meryl Poster, Bob Weinstein, Harvey Weinstein. Guion: James Mangold, Steven Rogers, según argumento de S. Rogers. Música: Rolfe Kent. Fotografía: Stuart Dryburgh. Diseño de producción: Mark Friedberg. Montaje: David Brenner. Efectos especiales: CIS Hollywood, Digital Backlot, Hunter/Gratzner Industries, Menace FX, New Deal Studios. Intérpretes: Meg Ryan (Kate McKay), Hugh Jackman (Leopold), Liev Schreiber (Stuart Besser), Breckin Meyer (Charlie McKay), Natasha Lyonne (Darci), Bradley Whitford (J. J. Camden), Paxton Whitehead (tío Millard), Spalding Gray (Dr. Geisler), Josh Stamberg, Matthew Sussman, Charlotte Ayanna, Philip Bosco, Andrew Jack, Stan Tracy, Kristen Schaal, William Sanford, Arthur J. Nascarella, Robert Ray Manning Jr., Roma Torre, Viola Davis… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2001. Duración y datos técnicos: 118/123 min. Color 1.85:1.

 

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Meg Ryan era la reina de la comedia romántica. Títulos como Cuando Harry encontró a Sally…, Algo para recordar, French Kiss, City of Angels o  Tienes un e-mail atestiguan ese “honor”, independientemente de la mayor o menor calidad intrínseca de cada uno de esos títulos. Hugh Jackman, por su parte, el año anterior había encarnado por primera vez a Lobezno en X-Men, y también había actuado en unas pocas comedias y películas de acción, pero aún carecía de la imagen que actualmente hay de él, que es la de un actor muy polifacético. Aquí, de hecho, Jackman da muestras ya de su versatilidad, mostrándose Meg Ryan, sin embargo, con la gazmoñería característica en ella.

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Kate & Leopold es una comedia romántica característica a otras películas de esta temática. El tono es acorde al de otros títulos de esta modalidad, como son los arriba citados. Sin embargo, existen ciertos elementos que le otorgan una personalidad especial. Por un lado tenemos la comparecencia de Liev Schreiber en el papel de Stuart Besser, un científico que localiza las fisuras espacio-temporales que permiten saltar entre diferentes épocas. Schreiber compone un personaje más acorde con la comedia disparatada, y se muestra como un buen histrión, chocando a quienes lo hemos visto siempre en cometidos dramáticos.

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El otro elemento es el ya apuntado: su inscripción en una temática de ciencia ficción. Aquí tenemos una justificación científica para el viaje de un personaje de una época a otra, lejos de coartadas más fantásticas en muestras previas, como pudieran ser narraciones como “Rip van Winkle” (“Rip van Winkle”, 1819) de Washington Irving o Un yanqui en la corte del rey Arturo (A Connecticut Yankee in King Arthur’s Court, 1889) de Mark Twain, y sus consiguientes adaptaciones, hasta clásicos del cine romántico como La plaza de Berkeley (Berkeley Square, 1933), de Frank Lloyd, y sus sucesivas versiones, basándose de partida en una obra teatral de John L. Balderston. Todos estos ejemplos justificaban el viaje de una forma tenue, casi alegórica, pues la idea era efectuar una confrontación de distintos pensamientos. En nuestros tiempos actuales el público busca un alegato más “racional”, de ahí la recurrencia a agujeros temporales[1]. Un punto de partida atractivo mas poco explorado; se da la curiosa circunstancia de que, en un momento dado, se menciona que los ascensores de la ciudad comienzan todos a fallar: nuestro héroe será el inventor del ascensor[2], y su ausencia en su tiempo real provoca que esa paradoja comience a tener sus consecuencias. Sin embargo este detalle es después olvidado.

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Pese a la recurrencia de personajes secundarios atractivos –al citado Stuart se puede sumar a Charlie, el hermano de Kate, así como un adorable perro que luego también desaparece de la trama– el film pivota sobre los personajes de Leopold y Kate, contraponiendo sus personajes y su situación amorosa y laboral: Leopold es un diletante que no necesitaría trabajar, pero que siente la imperiosa necesidad de hacer algo; al mismo tiempo, busca una mujer a la que amar, pese a que su tío pretende unirle con cualquier heredera con dinero. Kate, por su lado, ha sufrido para llegar a donde está, y sigue luchando por hacerse un lugar aún en la empresa publicitaria donde trabaja; aún sufre las secuelas emocionales de una ruptura dolorosa precisamente con Stuart. De ese modo, dos personajes pertenecientes a tiempos distintos perciben los modos disímiles en que se enfrentan a sus circunstancias personales, y cómo la interdependencia entre ambos da sentido a sus vidas.

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El resultado es una comedia fantástica simpática, que se ve con una sonrisa perenne, y con un poso dramático algo más espeso de lo que es norma. Dirige curiosamente James Mangold, un realizador con ciertas ínfulas autorales ocasionales, y que en este caso incluso participa en el guion al lado de Steven Rogers[3], creador de la idea original. Años después, Jackman y Mangold se volverían a unir para concebir nuevas aventuras del mutante con garras de adamantium.

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Anécdotas

 

  • En 2002 fue candidata a mejor canción (“Until”, de Sting) en los Oscar. Ese mismo año, en los Globos de Oro sí ganó la canción, y Hugh Jackman fue nominado como mejor actor en comedia o musical.
  • El papel de Kate originalmente estaba previsto para Sandra Bullock.
  • La excelente actriz Viola Davis aparece en un brevísimo papel como policía.
  • En la escena del rodaje del anuncio de la margarina aparecen algunos de los técnicos de rodaje auténticos de la película.
  • Leopold presume de sus conocimientos sobre La Bohème. Sin embargo, la ópera no se estrenó hasta 1896, cuando él procede de 1876.
  • En el montaje original se explica que Stuart es descendiente de Leopold.
  • En el guion primitivo no hay agujero temporal, sino una auténtica máquina del tiempo, y Kate es uno de los científicos que la desarrollan.
  • Estrenada en Estados Unidos el 25 de diciembre de 2001. En España se estrenó el 12 de abril de 2002.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Pese a ello, la Wikipedia española cita sus comentarios en la página «Rotten Tomatoes» con una argumentación anonadante: “La historia en el tiempo carece de cualquier lógica”.

[2] Pese a que ya hay artefactos rudimentarios ya por parte de Arquímedes (ca. 287 a. C. – ca. 212 a. C.), se suele considerar que el inventor del ascensor “moderno” fue el estadounidense Elisha G. Otis (1811-1861). Precisamente la película hace un chiste al respecto, dado que el valet de Leopold se llama Otis, y en un momento dado Kate descubre esa marca en un ascensor que monta.

[3] Su carrera se circunscribe al género romántico, de tonalidad más o menos suave: Siempre queda el amor, Quédate a mi lado, Postdata: te quiero…

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