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Ikarie XB 1 (Ikarie XB 1) (1963)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña on 4 agosto, 2017 by belakarloff

En el año 2163, la nave espacial Ikarie XB-1 se dirige hacia la constelación Alfa Centauri para buscar en ella una nueva forma de vida extraterrestre. Aunque para los astronautas el viaje dura veintiocho meses, cuando la misión llegue a su destino, en la Tierra habrán pasado quince años. Durante el viaje, cuarenta científicos de todos los países aprenden a vivir juntos y afrontan varias peripecias, entre ellas el encuentro con un aparato espacial del siglo XX, la inestabilidad mental de uno de los pasajeros y la aparición de síntomas de radioactividad.

Dirección: Jindrich Polák. Producción: Filmové studio Barrandov. Productor ejecutivo: Rudolf Wolf. Guion: Pavel Jurácek, Jindrich Polák, basándose en la novela Obłok Magellana de Stanislaw Lem. Música: Zdenek Liska. Fotografía: Jan Kalis, Sasa Rasilov. Diseño de producción: Karel Lukas, Jan Zázvorka. Montaje: Josef Dobrichovský. Efectos especiales: Karel Cisarovsky, Jirí Hlupý, Jan Kalis, Pavel Necesal, Milan Nejedlý, Frantisek Zemlicka. Intérpretes: Zdenek Stepánek (capitán Vladimir Abajev), Frantisek Smolík (Anthony Hopkins, el matemático), Dana Medrická (Nina Kirova, la socióloga), Irena Kacírková (Brigitta), Radovan Lukavský (comandante MacDonald), Otto Lackovic (Michal), Miroslav Machácek (Marcel Bernard), Jirí Vrstála (Erik Svenson, piloto), Rudolf Deyl (Ervin Herold, piloto), Jaroslav Mares (Milek Wertbowsky), Martin Tapák (Petr Kubes, biólogo), Marcela Martínková (Steffa, la esposa de Wertbowsky), Jozef Adamovic (Zdenek Lorenc), Jaroslav Rozsíval (doctor), Ruzena Urbanova (Eva, la historiadora), Svatava Hubenáková (Rena, esposa de MacDonald), Jan Cmíral, Vjaceslav Irmanov, Miroslav Abrahám, Nadesda Blazickova, Zdenek Jelínek, Bohumil Klika, Jan S. Kolár, Vera Kresadlová, Alena Martinovská, Ladislav Mrkvicka, Vladimír Navrátil, Olga Navrátilová, Marie Popelková, Hana Prazanová, Olga Schoberová, Gustav Vobornik… Nacionalidad y año: Checoslovaquia 1963. Duración y datos técnicos: 88 min. B/N 2.35:1.

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A más de medio siglo vista desde su realización, existen al menos dos formas de acercarse al contenido de Ikarie XB-1. La más sencilla es aludir a la influencia que sus imágenes han ejercido en renombrados y trascendentales exponentes del cine de ciencia ficción posterior. Entre ellos destacan Star Trek, de la que anticipa la idea de una misión multicultural destinada a explorar los confines del universo así como su visión optimista del futuro; Alien, el octavo pasajero, con la que comparte el costumbrismo con el que muestra el día a día de su tripulación, el encuentro con una vieja nave abandonada o un tramo pesadillesco en el que uno de sus tripulantes recorre los interminables pasillos de la embarcación huyendo de una amenaza cuya naturaleza desconoce; o, sobre todo y ante todo, 2001: una odisea en el espacio, de la que adelanta motivos argumentales, discursivos, escénicos y visuales, con encuadres idénticos, que ponen bien a las claras lo mucho que Stanley Kubrick tuvo presente Ikarie XB-1 a la hora de dar forma a su película. Pero, por encima mismo de su carácter precursor en el devenir del género, se encuentran los valores propios como obra cinematográfica de un film que durante décadas fue conocido en Occidente por la versión adulterada que comercializara la AIP bajo el título de Voyage to the End of the Universe, en la que, al igual que hiciera con otros ejemplares de ciencia ficción procedentes del otro lado del telón de acero, remontaba, modificaba y, en última instancia, desnaturalizaba la versión original, aligerada en al menos diez minutos de metraje[1].

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Rodada en los míticos estudios Barrandov de Praga, la existencia de Ikarie XB-1 se encuadra en un principio dentro de la guerra propagandística emprendida por el bloque comunista y los Estados Unidos. Con la idea de festejar los primeros éxitos conseguidos por la Unión Soviética en la incipiente carrera espacial, la película es concebida por el Partido Comunista checoslovaco en unos términos de lo más ambiciosos, productiva y artísticamente. Para dar forma a su argumento, se decide acometer la adaptación de la novela Obłok Magellana (1955) del polaco Stanislaw Lem, autor de la base literaria de otros de los clásicos del cine de ciencia ficción de Europa del Este durante el periodo comunista, Solaris de Andrei Tarkovskii. Para su realización se invierten alrededor de seis millones de coronas, cantidad que duplicaba ampliamente el presupuesto habitual de los largometrajes checoslovacos de la época, destinándose seis meses a su pre-producción. Durante este tiempo, sus responsables se reunirían con integrantes del programa espacial soviético con el fin de que les asesoraran a la hora de recrear toda la tecnología espacial que la historia demandaba. Pese a ello, “al carecer de verdaderos referentes en materia de películas de ciencia ficción”[2] (por más que la influencia de la norteamericana Planeta prohibido sea notoria, en especial por el robot que el más veterano de los integrantes de la tripulación tiene como compañero, cuyo diseño es sospechosamente similar al del popular Robby), “los autores del guion deben inventarlo todo partiendo desde cero”[3], con la máxima impuesta por su director, Jindrich Polák, de que todo lo que apareciera en pantalla y “fuera fruto de la imaginación de su equipo deberá tener una base real científica y una función lógica”[4].

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No por casualidad, en este apartado reside uno de los principales baluartes del conjunto. La aludida falta de referencias al respecto, unido a su enconada búsqueda de verosimilitud en la forma de representarlo, hace que la visión que ofrece de ese entorno espacial en el que transcurre su historia resultara de lo más revolucionaria en su momento, marcando la pauta a seguir por numerosos films a partir de entonces, mientras que el mimo y empeño puesto en su confección cristaliza en un imponente diseño de producción, singularizado por los cuidados interiores de la nave que da título al film, sin olvidar el acabado de unos efectos especiales que, a pesar del tiempo transcurrido, mantienen su eficacia. Todo ello redunda en el atractivo look visual que luce la película, a lo que no es ajena ni su magnífica fotografía en blanco y negro y formato cinemascope, en la que destaca su manejo de las luces y las sombras en determinadas escenas, ni la realización de Polák. Acreedor de una filmografía superior a la veintena de títulos que le revelan como un cineasta todoterreno, Polák articula su puesta en escena mediante la fluidez que le aportan sus movimientos de cámara y los juegos que establece con los ángulos de tiro para expresar el cada vez más confuso estado de ánimo que se apodera de la tripulación del Ikarie a medida que transcurre el viaje, demostrando buena mano para la creación de atmósferas opresivas en los dos capítulos que conforman la segunda parte del metraje, en los que también evidencia un extraordinario manejo de la tensión y el suspense. Dentro de su inspirado trabajo resalta la sutileza de detalles, como ese perro que adopta uno de los astronautas siendo un cachorro y, mediante cuyo progresivo crecimiento, se evidencia de forma implícita el paso de los meses en el desarrollo de la misión.

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A pesar de sus orígenes de producto propagandístico, lo cierto es que la carga política de Ikarie XB-1 es bastante tenue, máxime si se la compara con otros congéneres soviéticos y estadounidenses realizados en idéntico contexto. Por el contrario, sus responsables se cuidan mucho de cargar las tintas en este aspecto, y mucho menos de caer en lo panfletario. Dejando a un lado el concepto de esa tripulación internacional que trabaja en fraternidad y armonía en busca de vida extraterrestre, más otros pequeños apuntes desperdigados aquí y allá, el componente político se concentra en uno de los puntos culminantes del film: el encuentro de la Ikarie con una nave terrícola botada en el siglo XX que flota a la deriva. Alertado por su presencia, el capitán envía a dos de sus hombres en misión de reconocimiento. Cuando arriban a la nave, los astronautas descubren que su tripulación murió mientras jugaba a los dados vestidos de etiqueta a causa de un gas venenoso liberado por dos militares de alta graduación, cuando el nivel de oxigeno comenzó a menguar, y que acabaron disparándose entre sí. Siguiendo con las pesquisas, también comprueban que la nave está repleta de bombas nucleares, activando por accidente una de ellas, que detona antes de que escapen. La alegoría que se pretende establecer es obvia. La vieja nave, de procedencia occidental como atestiguan sus letreros en inglés, supone una representación de los peligros del sistema capitalista –resulta bien simbólico que lo primero que los astronautas encuentren al acceder al interior de la nave sea una mano sosteniendo un billete-, de su insolidaria individualidad y de su irresponsable uso de la energía nuclear como armamento.

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No obstante, este capítulo es también empleado para lanzar una reflexión sobre las grandezas y miserias del ser humano del siglo XX; el responsable de horrores indescriptibles como “Auschwitz, Oradour e Hiroshima”, como recuerda uno de los personajes, pero también el creador de obras de la sensibilidad de las melodías de Honeger, como le responde su interlocutor. Un componente este que entronca con el tono humanista que preside la propuesta. Y es que, en consonancia con el estilo de ciencia ficción practicado en la Europa comunista, Ikarie XB-1 centra su atención en el componente humano de la historia antes que en la aventura espacial y los aspectos derivados de ella, como solía ser habitual en su variante estadounidense. De este modo, su desarrollo se basa en una trama episódica compuesta en su primera mitad por pequeños fragmentos que ilustran la cotidianidad de la nave, adaptando para ello un estilo contemplativo mediante el que sumergirnos en la vida diaria de los cosmonautas[5]. Sentimientos tan humanos como el amor, el humor, la curiosidad o el compañerismo, pero también los celos, la añoranza por los seres queridos a causa del tiempo y la distancia o la incertidumbre por el futuro, desfilan a través de estos segmentos que según avanza el metraje plasman la evolución psicológica a la que conduce a los protagonistas el largo periodo de encierro en el interior de la nave y la monotonía que acarrea. Ello no quita para que en el desenlace se imponga el optimismo, y tras la tempestad se abra una puerta a la esperanza. Superados los problemas, la Ikarie alumbra el nacimiento de un bebé justo en el momento en que la misión alcanza su objetivo, al encontrar un planeta habitado. Un espíritu que es sintetizado por uno de los comentarios del capitán durante los últimos compases: “Fuimos a la búsqueda de vida y la vida nos ha encontrado”.

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Anécdotas

  • Título en México: Viaje al fin del universo.
  • Título anglosajón: Icarus XB 1.
  • En Estados Unidos, la AIP remontó la película, cortando unos 26 minutos, entre ellos toda la escena de exploración de la nave que encuentran. Además, por medio de los diálogos cambiaron el argumento, haciendo que se tratara de una nave extraterrestre rumbo a la Tierra, y en los momentos finales se incluyó el plano de la Estatua de la Libertad al final. El título de esta nueva película fue Voyage to the End of the Universe.
  • Estrenada en Checoslovaquia el 26 de julio de 1963. En España se estrenó oficialmente el 20 de julio de 2017.

José Luis Salvador Estébenez (Madrid. España)

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[1] Uno de los cambios efectuados en el remontaje se encuentra durante el desenlace, haciendo que en lugar del  desconocido planeta blanco de la original, la nave llega a la Tierra, tal y como es mostrado mediante la inclusión de una imagen de la Estatua de la Libertad semienterrada. Un clímax que, por diferentes motivos, se asemeja al de las posteriores El planeta de los simios y Terror en el espacio, esta última, por cierto, producida por la propia AIP.

[2] Extraído del dossier de prensa distribuido por Capricci con motivo del estreno de Ikarie XB 1 en España.

[3] Op. Nota cita 2.

[4] Ibídem.

[5] Nótese el paralelismo existente entre las videopantallas desde las que desde el puente de mando observan en numerosas ocasiones las acciones que suceden en distintos puntos de la Ikarie y la relación que se establece entre su público y la pantalla en la que visiona la película.

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Spider-Man: Homecoming (Spider-Man: Homecoming) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Reseña, superhéroes on 3 agosto, 2017 by belakarloff

Mientras Peter Parker intenta congraciar su vida diaria en el instituto, comienza a familiarizarse con el traje especial de Spider-Man que su mentor Tony Stark le ha preparado. Al mismo tiempo, Adrian Toomes está desarrollando junto a su equipo armamento especial desarrollado a partir de los restos de lo que los extraterrestres dejaron abandonado seis años atrás.

Dirección: Jon Watts. Producción: Columbia Pictures, Marvel Studios, Pascal Pictures. Productores: Kevin Feige, Amy Pascal. Co-productores: Mitchell Bell, Eric Hauserman Carroll, Rachel O’Connor. Productores ejecutivos: Victoria Alonso, Avi Arad, Louis D’Esposito, Jeremy Latcham, Stan Lee, Matt Tolmach, Patricia Whitcher. Guion: Jonathan Goldstein, John Francis Daley, Jon Watts, Christopher Ford, Chris McKenna, Erik Sommers, según argumento de J. Goldstein y J. F. Daley, basados en los personajes creados por Stan Lee y Steve Ditko (Spider-Man) y por Joe Simon y Jack Kirby (Captain America). Fotografía: Salvatore Totino. Música: Michael Giacchino. Montaje: Debbie Berman, Dan Lebental. Diseño de producción: Oliver Scholl. Efectos especiales: Digital Domain, Direct Dimensions, Exceptional Minds, Gentle Giant Studios, Iloura, Imageloom Visual Effects, Industrial Light & Magic, Lidar Guys, Luma Pictures, Method Studios, Sony Pictures Imageworks, Southbay Motion Picture Technologies, Stereo D, Trixter Film. Intérpretes: Tom Holland (Peter Parker / Spider-Man), Michael Keaton (Adrian Toomes / Buitre), Robert Downey Jr. (Tony Stark / Iron Man), Marisa Tomei (May Parker), Jon Favreau (Happy Hogan), Gwyneth Paltrow (Pepper Potts), Zendaya (Michelle), Donald Glover (Aaron Davis), Jacob Batalon (Ned), Laura Harrier (Liz), Tony Revolori (Flash), Bokeem Woodbine (Herman Schultz / Conmocionador #2), Tyne Daly (Anne Marie Hoag), Abraham Attah (Abe), Hannibal Buress (entrenador Wilson), Kenneth Choi (director Morita), Selenis Leyva (Ms. Warren), Angourie Rice (Betty), Martin Starr (Mr. Harrington), Garcelle Beauvais (Doris Toomes), Michael Chernus (Phineas Mason / Tinkerer), Michael Mando (Mac Gargan), Logan Marshall-Green (Jackson Brice / Conmocionador #1), Jennifer Connelly (Karen / Suit Lady [voz]), Gary Weeks (agente Foster), Chris Evans (Steve Rogers / Capitán América), Kerry Condon (Friday [voz]), Christopher Berry, Jorge Lendeborg Jr., Tunde Adebimpe, Tiffany Espensen, Isabella Amara, Michael Barbieri, J. J. Totah, Hemky Madera, Zach Cherry, Kirk R. Thatcher, Yu Lew, Sondra James, Bob Adrian, Gary Richardson, Stan Lee… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 133 min. color 2.35:1 2D 3D.

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Spider-Man Go Home

Spider-Man, en las facciones de Tom Holland, ya apareció como secundario en Capitán América: Civil War (Captain America: Civil War, 2016, Anthony Russo, Joe Russo). Sin embargo, esta película podría considerarse el inicio del nuevo reboot del Hombre Araña, después de la trilogía de Sam Raimi y el díptico de Marc Webb. Todo lo que antecede –salvo el film del Capi– está olvidado, y aquí tenemos un nuevo comienzo. Como novedad, el tío Ben ya está muerto, y Peter Parker adquirió los poderes un tiempo atrás (en una brevísima escena Peter menciona a su amigo Ned la picadura de una araña, y ya está). En cierto modo, Tony Stark retoma el rol de tutor del adolescente.

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La película arranca con un breve prólogo situado, más o menos, al acabar Los Vengadores (The Avengers, 2012, Joss Whedon), para después encadenar con los sucesos en el aeropuerto de Berlín habidos en Capitán América: Civil War, pero enfocados desde otro ángulo y resumidos. Y luego, digamos, entramos en situación. En este nuevo acercamiento al universo del Hombre Araña tenemos como realizador a Jon Watts, quien, tras trabajar en diversos cortos, telefilmes y series de televisión, dirigió las películas Clown (2014) —adaptación a largo de uno de sus cortometrajes— y Coche policial (Cop Car, 2015). Y, después, han puesto en sus manos un presupuesto estimado de ciento setenta y cinco millones de dólares para dirigir… esto.

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Muchos aficionados se han quejado de que esta película en poco se parece al Spìder-Man de toda la vida, pues se han olvidado muchos aspectos de su personalidad. En los comics, el Hombre Araña soltaba sandeces mientras se enfrentaba a sus enemigos. Mientras, en el instituto era un muchacho que era dado de lado, y tras una mente brillante se encontraba un chaval solitario y tímido que intentaba abrirse camino en la vida. Mientras Peter Parker sufría no pocos reveses, su personalidad de Spider-Man le servía para liberarse, para ser, en definitiva, otra persona. Aquí no hay nada de eso. Los ocasionales acosos de Flash los ignora, y de hecho está metido en un mismo grupo con él, y es igual de bromista en el insti que mientras lucha contra el Mal.

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Siendo todo lo que precede una absoluta necedad, tampoco me importaría demasiado si el resultado fuese sólido. El problema es que no hay dónde agarrarse a nada de lo que sucede en pantalla. Algo más de dos horas de metraje, seis guionistas y el presupuesto referido han sido necesarios para hacer una burda comedia de instituto carente de cualquier densidad dramática. Por lo que se dice, la fuente de inspiración principal fueron las comedias de John Hughes, y el director le pasó al reparto un lote de filmes suyos para verlos. Es curioso que, al final, el resultado sea tan poco similar a aquéllas —recuérdese, por ejemplo, la muy interesante El club de los cinco (The Breakfast Club, 1985)—, donde el humor era más suave. Aquí, el pitorreo es constante de principio a fin, y ni siquiera los escasos instantes de acción y tensión consiguen aliviar el tono de comedia tontorrona que impregna el film en su totalidad.

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De esta manera, no sorprende que no haya desarrollo alguno de personajes, más allá de las constantes tonterías que acometen (ese odioso amigo gordito), y la trama carece de cualquier asidero sólido al cual asirse. Tomemos, por ejemplo, el tema del supertraje. En una circunstancia así, lo lógico es que Spider-Man se entrenase con él bajo la supervisión de Tony Stark, explicándole este para qué sirve cada dispositivo. Sin embargo, sale a la ventura sin saber nada y, sobre la marcha, mientras se enfrenta a peligrosos delincuentes, va descubriendo a golpes todo lo que da de sí el adminículo. En realidad, todo ello es para, de nuevo, volver a hacer chistes y más chistes, que nos riamos a cada topetazo que el muchacho se da. Lo que pasa es que, en clave de comedia, la película tampoco funciona en absoluto.

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Tenemos, pues, un juguete super-caro, con la superficialidad de una comedia del Canal Disney (con una puesta en escena por parte de Jon Watts en consonancia), todo ello envuelto en un diseño de producción bárbaro y, por supuesto, unos efectos especiales de primerísimo nivel. Detrás de todo esto, cualquier atisbo de desarrollar algo sustancioso queda por completo olvidado. Y los pocos instantes dramáticos tampoco dan mucho de sí: todo lo que acontece con respecto a Adrian Toomes (un envarado Michael Keaton), su familia y la relación de estos con Peter Parker es una copia casi literal de lo que acontecía con Norman Osborn en el primer Spider-Man de Sam Raimi. Eso, por no decir el escaso control de seguridad de que disponen las industrias Stark para trasladar un material peligroso y que vale millones. Y toda la trama es previsible de principio a fin, incluidos los dos o tres detalles sorpresivos que adornan el cotarro.

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En fin, nada de eso importa, puesto que el guion está desarrollado con una desidia portentosa, a tal punto que da la impresión de que los responsables de este millonario juguete no se han esforzado en absoluto: saben que ya tienen creada una actividad que impulsa a millones de fans en todo el mundo a asistir al visionado de sus engaños, y que por mal que salga, la taquilla responderá. Han forjado una dinámica donde lo que menos importa es qué y cómo se cuenta. Solo es un envoltorio de lujo para que un público que ha perdido la capacidad de exigencia se siente, se lobotomice, y consuma todo en el centro comercial del mismo modo que ha devorado poco antes la hamburguesa y las palomitas. Bienvenidos al mundo de la fast-food cinematográfica.

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Anécdotas

  • Título en Argentina, Chile, México y Uruguay: Spider-Man: De regreso a casa.
  • El personaje del director Morita es nieto de Jim Morita, del Comando Aullador. En su despacho se puede ver una foto de su abuelo. Ambos personajes son interpretados por el mismo actor, aquí y en Captain America: The First Avenger (2011).
  • Donald Glover (Aaron Davis) puso voz a la versión Miles Morales de Spider-Man en la serie de animación Ultimate Spider-Man.
  • El guion original ofrecía a Nick Fury como mentor de Peter, antes de ser cambiado por Tony Stark.
  • El personaje de Peter se supone que tiene quince años en la película, coincidiendo con los inicios de los comics de Ditko. Tom Holland tenía en diecinueve y veinte durante el rodaje.
  • En el instituto de Peter pueden verse fotos de Howard Stark, Abraham Erskine y Bruce Banner.
  • Película número 16 del Universo Cinematográfico Marvel, y nº 4 de la Fase Tres de ese Universo.
  • Muchos actores lucharon por el papel de Spider-Man. Quienes mostraron su interés fueron Andrew Garfield, Dylan O’Brien, Logan Lerman, Daniel Radcliffe, Freddie Highmore, Alfred Enoch, Donald Glover, Josh Hutcherson y Grant Gustin. Entre los realmente considerados estuvieron Asa Butterfield, Nat Wolff, Liam James, Timothée Chalamet, Mingus Lucien Reedus (hijo de Norman Reedus), Chandler Riggs, Charlie Plummer y Tom Holland. Estos dos últimos fueron los que quedaron finalistas, pero se optó por Holland porque, en el momento de las pruebas, Plummer era demasiado joven, y eso hubiera dado problemas para las horas de rodaje que estipulan las leyes.
  • Gary Oldman optó al papel del Buitre. Con anterioridad, en el “Spider-Man 4” de Sam Raimi, que no llegó a hacerse, para ese cometido se había contratado a John Malkovich.
  • Directores que optaron para hacerse cargo del film: Jonathan Levine, Theodore Melfi, Jason Moore, Jared Hess, John Francis Daley y Jonathan Goldstein.
  • Estrenada en Estados Unidos el 7 de julio de 2017, tras una premiere en Los Ángeles el 28 de junio. En España se estrenó el 28 de julio.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

 

Inside (2016)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 1 agosto, 2017 by belakarloff

Estando embarazada Sarah tiene un accidente de coche, pereciendo su pareja. Meses después, en navidades, ella está a punto de dar a luz. Pero una mujer misteriosa comienza a acecharla…

Dirección: Miguel Ángel Vivas. Producción: Nostromo Pictures. Productores: Adrián Guerra, Núria Valls. Dirección de producción: Marta Sánchez de Miguel. Productor ejecutivo: Jaume Balagueró. Guion: Jaume Balagueró, Manu Díez, Miguel Ángel Vivas, según el guion original de Alexandre Bustillo y Julien Maury. Fotografía: Josu Inchaustegui. Música: Víctor Reyes. Montaje: Luis de la Madrid. Diseño de producción: Dídac Bono. Efectos especiales: Lluís Rivera (supervisor efectos especiales), Àlex Villagrasa (supervisor efectos visuales). Intérpretes: Rachel Nichols (Sarah), Laura Harring (la mujer), Stany Coppet (Hugo García), Ben Temple, Andrea Tivadar (Alice Donovan), Craig Stevenson (Mike McCogan), David Chevers (Brian), Maarten Swaan (Matthew Fields), Steve Howard (ginecólogo), Richard Felix (Rick Stein)… Nacionalidad y año: España, Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 100 min. color 2.35:1.

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Desde hacía tiempo Jaume Balagueró iba detrás de dirigir una versión propia del film francés Al interior (À l’intérieur, 2007), a partir de ideas propias para desarrollar la historia de una manera particular. Sin embargo, problemas de derechos impedían llevar a cabo esa adaptación. Al fin, esos problemas parecen haber desaparecido, pero en ese lapso Balagueró ha abandonado la dirección, quedando solo como productor ejecutivo y co-guionista. Como director se ha optado por Miguel Ángel Vivas, responsable de la estupenda pero incómoda Secuestrados (2010), lo cual hace concluir que la elección es de lo más adecuada.

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El problema es que el film de Alexandre Bustillo y Julien Maury, aparte de cierta habilidad formal, si se le despoja del tremendismo gore, se queda en nada, y eso es un poco lo que sucede con esta nueva versión. Cierto es que Balagueró, Manu Díez[1] y Vivas han intentado aportar coherencia y firmeza a la enorme cantidad de inverosimilitudes e idas de olla que salpicaban la película francesa. Han cogido el guion de aquélla a modo de borrador y lo han trabajado a fondo, racionalizándolo.

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Ello conduce a aparte de cambios importantes, haya otros elementos anecdóticos, como reemplazar el gato de la protagonista por un perro, o al jefe por un amigo homosexual, aunque esto último ayuda a eliminar esa tópica idea de la empleada liada con el jefe madurito, máxime porque, dada la situación que acaba de pasar la mujer, resulta fuera de tono semejante aventurita. De ese modo se elimina de un plumazo ese desvío y se va directo al asunto.

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Muchos analistas han juzgado como negativa la ausencia de sangre, lo cual por cierto tampoco es cierto del todo. Ya comenté a raíz de la película original que, de tremenda que era, carecía de efecto para conmocionar. Sin embargo, aquí, con mucho menos consigue más. Yo sabía lo que iba a suceder: la película es muy fiel, inclusive en momentos como el diálogo a través de la puerta, y solo se aparta en el tono y en la parte final. Pues bien, aún sabiéndolo, había momentos en que me sentía inquieto; y el momento en que la mujer acuchilla la mejilla del policía hubo un grito general en el cine. Y para los amantes de las agujas hay un instante de lo más espeluznante.

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Hay otra situación que supera con amplitud al film original, y me temo que aquí violentaré mi norma de no hacer spoilers en las películas de estreno: la muerte del amigo gay, que es ciertamente más incómoda que todos los litros de sangre que anega la cinta previa. Mientras lo ahoga, asfixiándolo, le muestra el móvil desde el que está llamándole su pareja, con la foto de ambos en él, y cómo la llamada se extingue al mismo tiempo que su vida.

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Miguel Ángel Vivas dirige con nervio, dispensando a todo una gran potencia visual, y emplea un recurso habitual en él como es falsear el encuadre y reubicarlo de nuevo, cambiando la óptica. Eso otorga una gran intensidad emocional, y en el aspecto visual el film es brillante, no solo en la envoltura formal –esa lluvia perenne–, sino que ayuda a profundizar en la trama y los personajes. Otro recurso de guion interesante, ausente del film original, es hacer que, a consecuencia del accidente, Sarah sufre de sordera, con lo cual se efectúan interesantes trucos de audio, que a veces se trasladan también a las imágenes: hay un momento en el que, cuando Sarah oye unos pitidos incómodos a través del audífono, la imagen se desenfoca, como si las molestias le provocaran igualmente mareos.

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Pese a la mayor consistencia del guion con respecto a su predecesora, y una puesta en escena sin duda potente, todo se queda un poco por debajo de las expectativas por lo escaso del conjunto, que no va más allá de un film de suspense con una situación alargada (el mismo hándicap que tenía su inspiración, recordémoslo). Y toda la parte final, lo novedoso, no me termina de cuajar: si la película anterior se pasaba de bruta, esta se queda en el extremo opuesto, con una conclusión muy acomodaticia y blanda. Lástima. Su director se merece mejores propuestas.

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Anécdotas

  • Rachel Nichols, protagonista de Inside, protagonizó la serie The Inside (2005-2006).
  • Estrenada en España el 28 de julio de 2017.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] Responsable este de La monja (2005), [REC]2 (2009) y [REC] 4: Apocalipsis (2014), por ejemplo. El proyecto futuro de The Abandoned, para Balagueró y Paco Plaza, sobre un grupo de científicos a cargo del Vaticano para combatir las fuerzas del Mal, lamentablemente parece haber sido cancelado.

Al interior (À l’intérieur) (2007)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 31 julio, 2017 by belakarloff

Estando embarazada Sarah tiene un accidente de coche, pereciendo su pareja. Seis meses después, en navidades, ella está a punto de dar a luz. Pero una mujer misteriosa comienza a acecharla…

Dirección: Alexandre Bustillo, Julien Maury. Producción: La Fabrique de Films, BR Films, Canal+, CinéCinéma, Soficinéma 3, Uni Etoile 4, Cofinova 3. Productores: Vérane Frédiani, Franck Ribière. Co-productores: Rodolphe Guglielmi, Fryderyk Ovcaric, Teddy Percherancier. Guion: Alexandre Bustillo. Fotografía: Laurent Barès. Música: François-Eudes Chanfrault. Montaje: Baxter. Diseño de producción: Marc Thiébault. Efectos especiales: Jacques-Olivier Molon (supervisor de efectos de maquillaje). Intérpretes: Alysson Paradis (Sarah Scarangelo), Béatrice Dalle (la mujer), Nathalie Roussel (Louise Scarangelo), François-Régis Marchasson (Jean-Pierre Montalban), Jean-Baptiste Tabourin (Matthieu), Dominique Frot (la enfermera), Claude Lulé (el médico), Hyam Zaytoun (policía municipal), Tahar Rahim (policía municipal 1), Emmanuel Guez (policía municipal 2), Ludovic Berthillot (policía BAC 1), Emmanuel Lanzi (policía BAC 2), Nicolas Duvauchelle (policía BAC 3), Aymen Saïdi (Abdel Shani Essadi)… Nacionalidad y año: Francia 2007. Duración y datos técnicos: 82 / 72 min. color 1.85:1.

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Durante cierta etapa en Francia se dio una corriente cinematográfica que ha venido a denominarse “terror extremo francés”. Tuvo un gran prestigio a nivel internacional, pero, tal como comentó Alexandre Aja durante su visita a Madrid en 2015 durante al festival Nocturna de Madrid, en Francia fue ignorada olímpicamente, lo que condujo a que acabara de morir por inanición. En España, cierto es, fue muy apoyada por los festivales de cine, pero los distribuidores prácticamente ignoraron la mayoría de sus muestras. Algunos de los ejemplares de esta corriente podrían ser Alta tensión (Haute tension, 2003, Alexandre Aja), Calvaire (2004, Fabrice Du Welz), Frontière(s) (2007, Xavier Gens), Ils (2007, David Moreau y Xavier Palud), Martyrs (2008, Pascal Laugier), La horde (2009, Yannick Dahan y Benjamin Rocher)… Y À l’intérieur, claro.

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Al interior (À l’intérieur, 2007) está dirigida por Alexandre Bustillo y Julien Maury. Fue su debut en el medio, y después de la presente dirigieron Livide (2011), Aux yeux des vivants (2014), el segmento “X is for Xylophone” de ABCs of Death 2 (2014) y Leatherface (2017), que está lista para estreno el próximo 20 de octubre de 2017 en Estados Unidos, y en España… ni se sabe.

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Alexandre Bustillo y Julien Maury se conocieron y Bustillo mandó a Maury un borrador del guion que estaba desarrollando, mientras que el segundo envió al primero unos cuantos cortos en los que había trabajado. Bustillo, en su guion, planteaba la idea de convertir al clásico asesino psicópata en una mujer. A partir de ahí desarrollaron esta película, de apenas hora y cuarto de duración, centrada básicamente en el enfrentamiento de una noche entre ambas féminas (Alysson Paradis, como la víctima, Sarah, y Béatrice Dalle como la mujer acosadora, que ofrece un cierto parecido con Barbara Steele).

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Podría parecer mero relleno, pero resulta muy pertinente la alusión a las violentas manifestaciones que asolan París en los días en que transcurre la acción. Es un modo de plantear que la violencia está a flor de piel, y lo que acontece en el interior de la casa es una proyección a lo que, en realidad, está sucediendo a nivel global. El horror externo es un reflejo del horror interno, y viceversa.

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Otro elemento interesante del film es el hecho de que la protagonista principal esté embarazada durante el ataque, lo cual hace la película absolutamente desaconsejable para mujeres en esa situación. De todas maneras, el horror extremo de la presente película consiste principalmente en situaciones sangrientas muy explícitas, pero de un nivel tan exagerado que, antes que incomodar, suponen un divertimento gore. Con todo, Bustillo y  Maury trabajan muy bien el film en el aspecto visual, contrastando los colores fríos y azulados del inicio en exteriores con los cálidos y dorados del interior de la vivienda. Da la impresión de que han desarrollado un story-board minucioso, pues la planificación es muy precisa, con planos muy calculados que enseñan justo lo imprescindible.

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Reincidiendo en el aspecto del embarazo, resulta curioso que se ofrezcan planos del interior del vientre, con el bebé habitando en el interior de la placenta, y reaccionando a los estímulos externos. Es una lástima que ese elemento no esté más desarrollado, pues podría haber dado lugar a una situación más compleja en lugar de convertirse simplemente en una hábil, incluso brillante, muestra de horror extremo, y profundizar más en determinados elementos que quedan apenas bosquejados.

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Anécdotas

  • Título en Argentina: Inside: La venganza. Título en México y Perú: Instinto siniestro.
  • Título anglosajón: Inside.
  • En el Screamfest de 2007 fue galardonada con un premio al mejor maquillaje. En los premios Fright Meter de 2008 ganó en las categorías de mejor película de terror, mejor actriz secundaria (B. Dalle) y mejor maquillaje. En los premios Fangoria Chainsaw de 2009 ganó en la categoría de mejor actriz secundaria (B. Dalle) y tuvo nominaciones a mejor actriz (A. Paradis) y mejor maquillaje.
  • La película fue rodada por el mismo orden de guion.
  • Rodada con un presupuesto estimado de tres millones de dólares.
  • El rodaje tuvo lugar entre octubre y diciembre de 2006.
  • Remake: Inside (2016), de Miguel Ángel Vivas.
  • Estrenada en Francia el 13 de junio de 2007. En España, tras diversos pases por festivales, por fin se estrenó durante tres días en Madrid en 2012, en el Artistic Metropol, y después en Barcelona el 22 de abril de 2016, durante dos días, en Phenomena. El 30 de septiembre se lanzó en DVD y BD.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

Tarzán y la cazadora (Tarzan and the Huntress) (1947)

Posted in Aventuras, Cine, Reseña on 27 julio, 2017 by belakarloff

La sempiterna expedición en busca de animales para proveer a diversos zoológicos llega a las inmediaciones donde moran Tarzán, Jane, Boy y Chita. El rey de una tribu cercana solo concede a los visitantes permiso para capturar una pareja de cada especie, pero el sobrino del regente tiene planes propios: hace matar a su tío y se erige en máximo mandatario, concediendo acción libre a los cazadores a cambio de dinero. Lógicamente, Tarzán no está dispuesto a consentirlo…

Dirección: Kurt Neumann. Producción: RKO. Productor: Sol Lesser. Productor asociado: Kurt Neumann. Guion: Jerry Gruskin, Rowland Leigh. Fotografía: Archie Stout. Música: Paul Sawtell. Montaje: Merrill G. White. Intérpretes: Johnny Weissmuller (Tarzán), Brenda Joyce (Jane), Johnny Sheffield (Boy), Patricia Morrison (Tanya Rawlins), Barton MacLane (Paul Weir), John Warburton, Charles Trowbridge, Ted Hecht, Wallace Scott, Mickey Simpson, Maurice Tauzin…. Nacionalidad y año: Estados Unidos 1947. Duración y datos técnicos: 70 min. B/N 1.37:1.

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Es Tarzán y la cazadora una de las muestras más débiles del presente ciclo RKO/Sol Lesser, con una elemental trama en la cual el Rey de la Selva observa a distancia las actuaciones de los cazadores hasta que, finalmente, decide entrar en acción e impedir sus actividades. El detalle más destacable en esta cinta ‒presente, de todos modos, en muchas películas de Tarzán‒ es su tono ecológico, con el hombre mono refiriendo que el lugar de los animales es la selva, no una jaula, y luchando abnegadamente a favor de aquéllos.

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Presenta la película, de igual modo, bastantes escenas ‒la escasa trama lo exigía‒ de vida hogareña de la familia selvática, percibiéndose las doctrinas educativas de Tarzán hacia Boy; Chita, por lo demás, ofrece algunas de sus más felices manifestaciones humorísticas.

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Se ve la película con agrado, pese a lo elemental de sus propuestas. Hacia el final se reservan las socorridas escenas de acción, con una ejemplar y cruel muerte del malo, siempre, como es evidente, de un modo un tanto casual, para que nuestro héroe no se manche las manos.

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Una vez más, por cierto, y como sucederá a lo largo de todo este ciclo (salvo en la previa producción Lesser, La venganza de Tarzán), sorprende la ausencia de nativos de color en una cinta ambientada en África, así pues los integrantes de la tribu son extras de raza blanca a los cuales se ha maquillado para proporcionales un somero tono playero. ¿A qué se debe este detalle? Solo se puede especular, acaso tal vez, a un exacerbado racismo por parte de Sol Lesser y su oposición a contratar gente de color, lo cual conduce a proporcionar a las películas de su etapa un involuntario tono fantástico (salvo las películas que manifiestan de forma intencionada esos elementos de fantasía, como sucederá en la siguiente producción, la simpática Tarzán y las sirenas).

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Anécdotas

  • Título de rodaje: Tarzan’s Dangerous Game.
  • Johnny Weissmüller comenzó interpretando a Tarzán para la Metro Goldwyn Mayer en Tarzán de los Monos (Tarzan the Ape Man, 1932), de W. S. Van Dyke, film al que seguirían Tarzán y su compañera (Tarzan and his Mate, 1934), de Cedric Gibbons [y Jack Conway], La fuga de Tarzán (Tarzan Escapes, 1936), de Richard Thorpe [y John Farrow, James Charles McCay y William A. Wellman], Tarzán y su hijo (Tarzan Finds a Son!, 1939), de Richard Thorpe, El tesoro de Tarzán [tv: El tesoro secreto de Tarzán] (Tarzan’s Secret Tresure, 1941), de R. Thorpe y Tarzán en Nueva York (Tarzan’s New York Adventure, 1942), de R. Thorpe. Tras ésta, la productora vendió los derechos a la RKO, que inició un segundo ciclo con Weissmüller, arrancando con El triunfo de Tarzán (Tarzan Triumphs, 1943), de William Thiele y siguiendo por Tarzán el temerario / Tarzán y el desierto misterioso (Tarzan’s Desert Mistery, 1943), de W. Thiele, Tarzán y las intrépidas amazonas / Tarzán y las amazonas (Tarzan and the Amazons, 1945), de Kurt Neumann, Tarzán y la mujer leopardo (Tarzan and the Leopard Woman, 1946), de K. Neumann, Tarzán y la cazadora y Tarzán y las sirenas (Tarzan and the Mermaids, 1948), de Robert Florey.
  • Última película de la serie Tarzán/RKO en la cual tiene aparición Boy, ya en exceso crecidito (el actor tenía dieciséis años). Este abandonaría para protagonizar su propia serie selvática, la saga de Bomba, según el ciclo de novelas juveniles creadas por Roy Rockwood (seudónimo editorial de Stratemeyer Syndicate, muchas fueron escritas en realidad por John William Duffield), iniciado en 1926. La saga cinematográfica constó de doce películas.

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  • Ofrece también la presencia de Jane, encarnada por Brenda Joyce, la actriz que más veces interpretaría al personaje tras la maravillosa e inolvidable Maureen O’Sullivan.
  • La escena de la estampida de elefantes fue dirigida por B. Reeves Eason.
  • El célebre escritor Leslie Charteris, creador de El Santo, fue el “constructor del guion”, sin acreditar.
  • Estrenada en Estados Unidos el 5 de abril de 1947. En España se estrenó el 19 de junio de 1954, en los cines Carlos III y Roxy de Madrid.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Quarantine 2: Terminal [dvd: Cuarentena terminal] (2011)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña, Terror on 25 julio, 2017 by belakarloff

Un pequeño grupo de personas toma un avión para un vuelo nocturno. Uno de ellos transporta en una jaula unos hamsters, uno de los cuales muerde a un pasajero cuando ayuda a guardarlos. Poco después, el pasajero comenzará a sentirse indispuesto…

Dirección: John Pogue. Producción: Third Street Pictures, RCR Media Group, Andale Pictures, Lightning Entertainment, Stage 6 Films, Vertigo Entertainment. Productores: Sergio Agüero, Marc Bienstock, Doug Davison, Roy Lee. Productores ejecutivos: Rui Costa Reis, Richard Goldberg, Marc Greenberg, Eliad Josephson. Guion: John Pogue, inspirado en el guion de John Erick Dowdle y Drew Dowdle para la película Quarantine y en el de Jaume Balagueró, Luiso Berdejo y Paco Plaza para Rec. Fotografía: Matthew Irving. Montaje: William Yeh. Diseño de producción: Hannah Beachler. Efectos especiales: Almost Human (efectos de maquillaje), Lion Visual Effects (efectos visuales). Intérpretes: Mercedes Mason (Jenny), Josh Cooke (Henry), Mattie Liptak (George), Ignacio Serricchio (Ed), Noree Victoria (Shilah), Bre Blair (Paula), Lamar Stewart (Preston), George Back (Ralph), Phillip DeVona (Nial), Julie Gribble (Susan), Erin Áine (Nicca), Lynn Cole (Bev), Tom Thon (Doc), Sandra Ellis Lafferty (Louise), Tyler Kunkle (Hvorst), John Curran (capitán Forrest), Andrew Benator (co-piloto Willsy), Jason Benjamin (CDC #1), Beau Turpin, Neko Parham, Judd Lormand, Ray Benitez, Nilsa Castro, Michael L. Covington, Keith Allen Hayes, Roger Herrera, Alphonse A. Lambert Jr., Ken Melde… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2011. Duración y datos técnicos: 86 min. color 1.78:1.

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En 2008 se estrenó Quarantine (Quarantine), dirigida por John Erick Dowdle, un remake norteamericano de la española [Rec] (2007), de Jaume Balagueró y Paco Plaza. Se trataba de una adaptación fiel más o menos en un noventa por ciento, es decir, la mayoría de los hallazgos de guion se conservaban, sin embargo la puesta en escena, pese a que repetía el mismo estilo de mockumentary, perdía espontaneidad y exhibía una rutinaria corrección de carácter televisivo.

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Esa película debió dar el suficiente dinero[1] como para programarse una secuela. Curiosamente, el referente esta vez no es [Rec]² (2009), sino que se plantea otra historia que sigue a la de la película norteamericana, tomando rumbos diferentes (o eso parece). En el aspecto temporal, la acción acontece más o menos de forma simultánea a la de Quarantine, pues hay un momento en que uno de los pasajeros está viendo las noticias en la pantalla de su ordenador, y se ve cómo se hallan en plena faena en el edificio de Los Ángeles. En el aspecto estilístico se abandona el estilo mockumentary, para ofrecer un modo de narración convencional, si bien hacia el final los personajes utilizan una especie de visor térmico, lo cual asemeja algunos de los planos a lo que se ofrecía en la primera, y no hay uso de música que no sea diegética (los títulos de crédito finales son solo a base de sonidos ambiente).

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Así pues, ahora tenemos a una serie de personajes (pocos, para ahorrar presupuesto, aunque se justifica por ser un vuelo nocturno, y esto último ayuda a otorgar la adecuada atmósfera tenebrosa) que van reuniéndose en un avión, como si de una peli catastrófica se tratara. Si bien se ve que el co-piloto está enfermo (dice que su perro le ha contagiado un catarro), será uno de los pasajeros quien, tras ser mordido por un hámster, sea el primero en manifestar los síntomas –se supone que por medio de la sangre se transmitirá el virus antes que por vía respiratoria–. Es decir, tenemos a determinados animales –perros, hamsters, ratas de laboratorio y gatos– que, a lo largo de la película, advertiremos como instigadores de la propagación de la epidemia. Da la impresión de que al guionista/director no le gustasen las mascotas y forjara esta trama para advertir del peligro que podrían desencadenar.

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El referido director y guionista es John Pogue, quien aquí debuta en el primero de los campos. Después hizo El estigma del mal (The Quiet Ones, 2014), y ahora tiene a punto de estreno el thriller de acción Blood Brother (2017), al que, en apariencia, seguirá una adaptación del cómic Brodie’s Law: Project Jameson de Daley Osiyemi y David Bircham. En la faceta de guionista se puede destacar la trilogía The Skulls (2000/2002/2004) o Rollerball (Rollerball, 2002, John McTiernan) y Ghost Ship – Barco fantasma (Ghost Ship, 2002, Steve Beck).

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Aquí, tras el referido arranque uno esperaría una especie de Zombis en el avión, pero cuando se manifiesta el primer contaminado les ordenan desde tierra que regresen al aeropuerto, y cuando allí llegan son cercados por los de enfermedades infecciosas. De ese modo, quedan atrapados en la terminal[2], donde se descargan las maletas, y así se recupera un tono muy similar al que ofrecía la primera película, reemplazando el edificio de vecinos por la referida terminal, donde la oscuridad, los recovecos y la maquinaria ayudan a establecer el adecuado entorno tenebroso donde pueden ocultarse los infectados.

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Antes o después de esta circunstancia, el planteamiento es rutinario y los personajes asazmente convencionales. Aunque, algo es algo, al menos el adolescente que aparece no es tan repelente como podría parecer en un inicio, y el señor buenorro que asoma no resulta ser el galán de turno y resulta ser un malote. Por lo demás, lo más interesante es una escena que abusa del exceso de diálogos, pero que explica cómo surgió todo y cuál es el destino de todo lo que acontece. Por lo demás, nada sorprende, y el clímax final es una reformulación apenas disimulada del del film originario.

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En el aspecto de realización, Pogue ostenta una rutina televisiva. Las (pocas) escenas de acción carecen de tensión, y la mayoría de ellas despliegan personajes hablando, hablando sin parar, y el guion tampoco dispone de un profundo estudio de caracteres para que eso resulte cautivante. Los efectos especiales resultan efectivos, y tiene unos pocos momentos gore, en especial uno con un ojo que hará que más de uno y una aparte la mirada. De todas maneras, es un entretenimiento menor y funcional, que no entusiasma, por supuesto, pero tampoco llega a cabrear. Para los tiempos que corren, démonos con un canto en los dientes.

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Anécdotas

  • Título en Argentina: Cuarentena 2: Terminal.
  • Secuela de Quarantine (Quarantine, 2008), de John Erick Dowdle, remake esa a su vez de la española [Rec] (2007), de Jaume Balagueró y Paco Plaza.
  • Rodada con un presupuesto estimado de cuatro millones de dólares.
  • La película Flight of the Living Dead: Outbreak on a Plane (2007, Scott Thomas) tiene un planteamiento muy similar.
  • Estrenada en Estados Unidos el 17 de junio de 2011, de forma limitada, y después editada en DVD el 2 de agosto. En España se editó directamente en DVD el 3 de agosto.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] Con un presupuesto estimado de doce millones de dólares, en el primer fin de semana de estreno en Estados Unidos hizo una taquilla de 14,211,321, es decir, recuperó el presupuesto, superándolo en más de dos millones.

[2] De ahí el título, no refiriéndose a la condición terminal de los infectados. O también podría ser un juego sutil de palabras, aunque no casa con la sencillez de los planteamientos.

Operazione paura [dvd: Operazione paura] (1966)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 24 julio, 2017 by belakarloff

Una mujer corre aterrorizada y finalmente se lanza contra una verja puntiaguda. Poco después, a la región llega un médico, requerido por el comisario que efectúa la investigación de esa muerte, con el fin de realizar la autopsia al cadáver y comprobar el motivo de la defunción. Pronto el galeno descubre el miedo que asalta a todos los habitantes del pueblo, aterrorizados por la maldición del espectro de una niña…

 Dirección: Mario Bava. Producción: F.U.L. Films. Productores: Luciano Catenacci, Nando Pisani. Guion: Mario Bava, Romano Migliorini, Roberto Natale, según argumento de R. Migliorini y R. Natale. Fotografía: Antonio Rinaldi, [Mario Bava]. Música: Carlo Rustichelli. Montaje: Romana Fortini. Ayudante de dirección: Lamberto Bava. Intérpretes: Giacomo Rossi–Stuart (Dr. Paul Eswai), Erika Blanc (Monica Shuftan), Fabienne Dalí (Ruth, la bruja), Piero Lulli (inspector Kruger), Max Lawrence [Luciano Catenacci] (Karl, el alcalde), Micaela Esdra (Nadienne), Valerio Valeri (Melissa Graps), Gianna Vivaldi (baronesa Graps), Franca Dominici, Giuseppe Addobbati, Mirella Pamphili… Nacionalidad y año: Italia 1966. Duración y datos técnicos: 85/75 min. Color 1.85:1.

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Uno se pregunta el motivo por el cual una película como la presente, una de las grandes obras maestras del cine de terror de todos los tiempos, permaneció tanto tiempo inédita en España[1]; ignoro el motivo de que, tras la fecha de su estreno, los distribuidores de nuestro país no prestaran atención a esta joya de Mario Bava, ya que dudo que la censura tuviera mucho que decir, pues sexo y violencia están casi ausentes de las imágenes, dado que el autor de La frusta e il corpo –otra joya inédita durante mucho en nuestro país[2], ésta algo más inquietante para nuestros censores– efectúa la narración por medio de la sugerencia y la creación de atmósferas.

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En efecto, este maravilloso cuento de fantasmas procura instigar pavor por medio de la iluminación, los encuadres, los movimientos de cámara –casi toda la película está narrada por medio de elegantes travellings que toman distintos puntos de vista, e incluso en un audaz y único plano, Bava transmuta un plano subjetivo en uno objetivo–, efectos de sonido recurrentes únicamente en el lamento del viento y los gemidos de ultratumba de los espectros que rondan el camposanto y el caserón de la baronesa Graps, zooms que, contra todo pronóstico, no están para economizar narración, sino para otorgar un punto de vista; y, en especial, la presencia de esa niña espectral, a veces solamente sugerida por una mano apoyada en el cristal de una ventana.

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Ver una película como la presente hoy día no solo provoca todo un regocijo para el cinéfilo con paladar, sino que resulta chocante por la gran cantidad de influencias que, sin duda, ha ejercido sobre los posteriores narradores del cine de miedo, pues hay momentos que luego emularán otros cineastas, como el Kubrick de El resplandor, o especialmente el moderno cine de terror oriental sobre fantasmas infantiles, donde se pueden detectar muchos encuadres de este filme con cincuenta años a sus espaldas.

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Hemos dicho que Operazione paura es un cuento de fantasmas tradicional. Pero también es algo más que eso. Bava juega con la sugerencia a lo largo de la cinta, haciendo uso de la ambigüedad para siempre brindar la duda de si todo es sobrenatural o solo consecuencia de los miedos y supersticiones de los habitantes de ese ignoto villorrio presumiblemente germano. Inclusive, en un momento sublime, Bava distorsiona los soportes de la realidad y ofrece al protagonista –un Giacomo Rossi-Stuart algo envarado– atravesar una estancia, salir por una puerta y llegar a la misma estancia anterior, así sin parar, siempre más rápido, hasta que ve a alguien ante él, lo detiene, y comprueba que es él mismo. Operazione paura es, ante todo, un magistral ejercicio de estilo, que brinda ese maravilloso placer como es narrar una historia por medio de las imágenes, la cámara, la facultad de incursionarnos en la irrealidad por medio, en fin, de la técnica.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Colombia: Mata, bebé, mata.
  • Títulos anglosajones: Curse of the Dead. Curse of the Living Dead. Don’t Walk in the Park. Kill, Baby… Kill!. Operation Fear.
  • En 2004 se realizó un documental en Italia por parte de Gabriele Acerbo y Roberto Pisoni, titulado Mario Bava: Operazione paura, y centrado en analizar toda la obra del realizador.
  • La niña fantasma está interpretada en realidad por un niño, Valerio Valeri, en la que es su única película.
  • Tras dos semanas de rodaje el film se quedó sin presupuesto. Tanto Bava como los actores accedieron a seguir trabajando sin sueldo.
  • Estrenada en Italia el 8 de julio de 1966 en Turín, el 6 de agosto en Milán y el 19 de agosto en Roma.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] En 2011, al fin, apareció editada en nuestro país en formato DVD, en versión original subtitulada, publicada por Tribanda.

[2] Editada en 2916 por Regia Films en una espléndida edición en Blu–Ray, con un DVD de extras más libreto.

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