Archive for the Televisión Category

Novedades de 39 Escalones para junio

Posted in Blu-ray, Ciencia ficción, Cine, DVD, Sin categoría, Televisión, Terror on 22 mayo, 2017 by belakarloff

Después de varios meses de estar cocinándose a fuego lento, ya están a punto las nuevas ofertas de la editora 39 Escalones, que se ofrecen jugosas y con fundamento. Dentro de ese material variado, el 9 de junio tendremos lo siguiente:

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HISTORIAS DEL OTRO LADO [5 DVD] – Serie de misterio y ciencia ficción obra de José Luis Garci, compuesta de 13 episodios dirigidos por él. Se ofrece la serie completa, con el episodio piloto, «Mnemos», en los dos montajes con los cuales se exhibió. Libreto de 24 págs. a cargo de Carlos Díaz Maroto. PVP: 21,95 €

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LA ESPAÑA DE LA COPLA 1908 [1 DVD] – Documental de Emilio Ruiz Barrachina sobre la historia y figuras claves de la copla española. Incluye el corto Antonio en la cueva de Nerja (1963), con el famoso bailarín. PVP: 9,95 €

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INGLÉS PARA NIÑOS: I SPEAK ENGLISH [2 DVD] (CURSO COMPLETO) – El programa infantil de aprendizaje de inglés que causa furor en todo el mundo. PVP: 12,95 €

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SAW III [2 DVD o 1 BR] (Edición limitada numerada) – Un nuevo capítulo de la famosa saga que incluye, por primera vez en España, la versión sin censura (y la censurada también, para comparar) y restaurada. Entre los extras, tres audiocomentarios distintos, varios documentales y escenas eliminadas, todo ello subtitulado. Libreto a cargo de José Luis Salvador Estébenez. PVP: 19,95 (BD) – 14,95 (DVD)

SAGAPHANTASMA

También tenemos el placer de comunicar que, junto a Movistar+, 39 Escalones traerá a España la saga PHANTASMA. Las cinco películas que componen la conocida saga de terror se podrán disfrutar a partir de septiembre (en cines y Movistar+ Xtra) y a partir de octubre estarán disponibles en BR/DVD, gracias al acuerdo alcanzado con la productora de Don Coscarelli. Próximamente ampliaremos información con la precisión que merece.

Travelers (2016)

Posted in Ciencia ficción, Reseña, Televisión, thriller on 9 enero, 2017 by belakarloff

Una serie de viajeros del tiempo llegan al presente ocupando el cuerpo de gente a punto de morir. Evitan esa muerte y hacen un “borrado” de la personalidad del previo ocupante. Su misión es evitar una serie de percances que conducirán a un futuro infausto…

Creada por Brad Wright. Directores: Andy Mikita, Helen Shaver, William Waring… Guiones: Brad Wright, Pat Smith, Jason Whiting, Ashley Park… Intérpretes: Eric McCormack (Grant MacLaren), MacKenzie Porter (Marcy Warton), Nesta Cooper (Carly Shannon), Jared Abrahamson (Trevor Holden), Reilly Dolman (Philip Pearson), Patrick Gilmore (David Mailer), Leah Cairns (Kathryn MacLaren), Arnold Pinnock (Walt Forbes), J. Alex Brinson (Jeff Conniker), Jennifer Spence (Grace Day), William MacDonald (Gary Holden), Teryl Rothery (Patricia Holden)… 1 temporada, 12 episodios 45 min. Canadá, Estados Unidos 2016-…

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Serie producida por Peacock Alley Entertainment con destino a Showcase y Netflix, de momento tenemos una primera temporada que finaliza en un cliffhanger. Ha sido creada por Brad Wright, quien también escribió de forma masiva para Más allá del límite (The Outer Limits; 1995-2002) y creó Stargate (Stargate SG-1; 1997-2007) –a partir del guion de la película con guion de Roland Emmerich y Dean Devlin– así como algunas de sus derivaciones. En 2011 finalizó SGU Stargate Universe (2009-2011) y esta es su nueva aportación al universo catódico.

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Pese a no ser el colmo de la originalidad –recuerda un tanto a la excelente película Doce monos (Twelve Monkeys, 1995)–, el punto de partida es simpático y agradecido, e inspira curiosidad para ver cómo prosigue todo. Es poco arriesgada, a tal punto que cada capítulo podría representar “el caso de la semana”. Existe una subtrama que enlaza todos esos episodios independientes, y que se va perfilando poco a poco.

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De todas maneras, lo peor de la serie es su escaso interés en desarrollar los personajes psicológicamente, con toda la enjundia que podrían ofrecer. Se trata, como ya se ha dicho, de personas que se introducen en el cuerpo de otras. La personalidad antigua desaparece, y una nueva toma un cuerpo que puede que en nada coincida con él. Sin embargo, los guiones se olvidan o tratan aleatoriamente esa cuestión, cuando podría ser lo más interesante. En algunos personajes es tenido en cuenta, en otros aparece y desaparece, y en otros, sencillamente, no existe. Resulta curioso en el caso del protagonista, el agente del FBI Grant MacLaren (interpretado por Eric McCormack), de quien una compañera comenta al inicio que ambos, anfitrión y huésped, tienen una personalidad muy parecida… A lo largo de todos estos capítulos cada personaje parece el del anfitrión, con algunos conocimientos más, en lugar de un ente en “desacuerdo” con su cuerpo. Un juego psicológico muy interesante podría haber derivado de ahí, pero parece que eso no interesa al creador y a los guionistas.

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En su lugar, tenemos un thriller de acción con unos escasos elementos de ciencia ficción. En todo caso, ha de aceptarse que los personajes, dentro de su esquematismo, son interesantes, en especial el de la chica con limitaciones intelectuales (Carly Shannon: Nesta Cooper) y el del friki informático y drogata (Philip Pearson: Reilly Dolman). El menos interesante es el del adolescente (Trevor Holden: Jared Abrahamson) por lo arriba mencionado; en un momento dado se insinúa que el anfitrión es un hombre de edad avanzada, pero en todo momento se comporta como un adolescente, y esa incongruencia quita matices a un personaje de por sí elemental.

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De todas maneras, no todo han de ser obras maestras, y se agradece que una serie no intente descubrir el universo o crear tramas que arrancan con un golpe de efecto espectacular –que en muchas ocasiones no es capaz de mantenerse– y se ofrezca un entretenimiento menor pero simpático. Con sus muchas limitaciones, Travelers se deja ver, es sencilla, te hace interesarte por lo que acontece, y deja con la expectación de un final que esperamos ver resulto próximamente. Veremos.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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“Starship Exeter” y el inicio de la Era Dorada de los fan-films

Posted in Artículo, Ciencia ficción, Televisión on 21 diciembre, 2016 by belakarloff

Última entrega de la serie de artículos dedicada a celebrar el aniversario de la creación de Star Trek. Esperamos que haya sido de vuestro interés.

Starship Exeter y el inicio de la Era Dorada de los fan-films

por

Sergio G. Molina

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Cuaderno de bitácora del capitán John Quincy Garrovick. Fecha estelar 4943,5. Planeta Épsilon Indi IV. Planeta natal de los andorianos. La Exeter se ha reunido con la USS Lexington, cuya tripulación está infectada con la peste de Canopus. Bajaremos al planeta para contactar con el consejo planetario de Andoria. Nuestra misión: conseguir el compuesto Medulite-7, una droga creada en Andoria, y única cura de la peste de Canopus.

Esta es la historia de la producción de “The Savage Empire”, el primer episodio de Starship Exeter, la película de Star Trek hecha por fans que generó la inercia que cambió la forma de hacer fan-films, iniciando la Era Dorada de la temática.

 

La inspiración

Los jóvenes hermanos Johnson

Los jóvenes hermanos Johnson

Era el otoño de 1995, en Minnesota, cuando un veinteañero Jimm Johnson sorprendía a su hermano Josh con una cinta de vídeo. En ella tenía grabados unos efectos ópticos que había estado probando junto con su amigo Jeff Lynk, con la intención de incluirlos en algún tipo de proyecto en vídeo. Dichos efectos tenían todo el estilo de los que se hacían en los años sesenta. Unos meses después, en diciembre, Josh regaló a Jimm por su cumpleaños una cinta de vídeo con el episodio “Arena” de TOS. Esos dos hechos sirvieron de detonante para que Jimm finalmente decidiera que su proyecto en vídeo lo ambientaría en el universo de Star Trek.

Así que Jimm propuso a su hermano hacer una película de Star Trek en la que apareciesen andorianos y klingons. A Josh le entusiasmó la idea, y se propuso a él mismo para interpretar a un andoriano que fuera miembro de la Flota Estelar. Se pasaron dos o tres días encerrados en el despacho de casa de su padre intercambiando ideas, y de ahí surgieron varias historias.

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En su primera puesta en común perfilaron la mayoría de los personajes principales: al capitán Garrovick, al teniente andoriano B’fuselek, al jefe de seguridad Cutty, e incluso a la comandante Harris, aunque ella no aparecía en los primeros borradores del guion.

Descartaron varias ideas y se quedaron con aquella que pensaban que sería la más sencilla de hacer, ya que incluiría muchas escenas en exteriores y apenas tendrían que construir decorados. Además, para las instalaciones andorianas incluso podrían utilizar algo que ya existiera.

            Su idea inicial era concluir el proyecto en un par de meses, ya que así podrían hacer las otras cuatro o cinco historias que tenían pensadas. Pero una vez que tuvieron el guion y tras haber hecho algunas pruebas para los efectos ópticos, se sintieron capaces de recrear con una calidad aceptable algo que aparentase estar hecho en los años sesenta. Abandonaron así la idea de hacer varios episodios y se centraron en “The Savage Empire”.

            Así las cosas, apenas seis meses después, en junio de 1996, una idea surgida en Navidad ya les había llevado a alquilar un local donde construir los decorados y se habían embarcado en una producción al estilo de los años sesenta.

El vestuario

Josh colocando una peluca a un espía andoriano

Josh colocando una peluca a un espía andoriano

Al documentarse sobre el vestuario, advirtieron que los uniformes que se podían comprar en las tiendas de disfraces no eran lo suficientemente buenos, no parecían auténticos, y pedir que los hicieran a medida era muy caro. Por lo que decidieron comprar las telas, conseguir los accesorios y hacer ellos mismos los uniformes. Así que a Jimm no le quedó más remedio que aprender a usar una máquina de coser y encargarse él mismo del diseño del vestuario.

En su afán por recrear los detalles del vestuario, se documentaron con libros como Inside Star Trek. The Real Story[1] o The Making of Star Trek[2]. En ellos encontraron mucha información sobre cómo eran los uniformes de TOS, el tipo de tela y otros detalles. Jimm estudió las fotos de esos libros, fijándose dónde estaban las costuras y tratando de hacer patrones lo más fieles posibles. Así hizo unos primeros prototipos, hasta que llegó a sus manos el libro Star Trek: Star Fleet Technical Manual[3], que incluía copias de los patrones originales de los uniformes de TOS, los cuales pudo imprimir a escala real con su impresora doméstica Xerox y recrear con exactitud los uniformes de los protagonistas.

Para las insignias que lucen en el pecho los uniformes de la Flota Estelar, Jimm hizo un diseño mejorado de la que lleva el capitán Ronald Tracey de la Exeter en el episodio “The Omega Glory” de la segunda temporada de TOS. En la serie, cada nave de la Flota Estelar tiene su propia insignia, y era un detalle fundamental.

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            Los trajes de los klingons supusieron un gran reto, pues tenían muchos ribetes y adornos dorados, tanto en los pantalones como en el resto de prendas. Les fue imposible encontrar el mismo tipo de tela usada en TOS, y su primera versión de los chalecos no quedaba bien en cámara, teniendo que buscar otras telas.

Para la túnica del gobernador Kinthmus y los uniformes de los andorianos tuvieron que diseñar algo original, pues no existían patrones en los libros. La túnica de Kinthmus con el collar de brillantes rojos la compraron en una tienda de disfraces. Era algún tipo de túnica de mago. La capa, que ni siquiera estaba bien cortada, era un trozo de piel sintética que le echaron sobre los hombros y que se sujetaba con un cordón dorado. Realmente Jimm nunca acabó del todo contento con el disfraz del gobernador, pero su vestuario funciona. Y cuando Kinthmus aparece por primera vez con su traje con brillantinas rojas y con el decorado de cartón piedra de la cueva tras él, se tiene toda la sensación de que se está viendo una producción de los años sesenta.

            Por último, el traje del espía andoriano está basado libremente en el que llevan los técnicos andorianos en el episodio “The Lights of Zetar” de la tercera temporada de TOS. Un chaleco con remaches plateados, pantalones negros ajustados y botas. Todo conjuntado a la perfección.

El maquillaje

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Jeff Lynk, gran amigo de Jimm, y que ya tenía algo de experiencia, se encargó del maquillaje de los alienígenas. Éste les recomendó que para los andorianos y los klingons podían aplicar el mismo método que se había usado en TNG para maquillar a Data o a Worf. Dicho sistema consistía en usar un adhesivo combinado con algún color de maquillaje al agua, que aplicado sobre la piel con una esponja y secado con un secador de mano daba una textura gomosa. En un principio, el adhesivo lo tuvieron que pedir a un distribuidor de material médico. Tiempo después ya empezó a estar disponible en las tiendas de disfraces. Jimm y Josh aprendieron mucho de Jeff, y fue esencial, pues cuando Jeff no podía estar en el rodaje, los Johnson se encargaban del maquillaje. Y, generalmente, Josh se tenía que maquillar a sí mismo, con la ayuda de alguien para la parte posterior del cuello.

            El desmaquillador que usaron inicialmente quemaba un poco la piel a Josh. Y como iban a tener que repetir el proceso muchas veces pidieron a Jeff que buscase otro menos agresivo. Al final encontraron uno que, literalmente, salvó la piel a Josh. El gran inconveniente del nuevo desmaquillador era que se tardaba más en retirar los apliques. Y tras una larga jornada de rodaje de diez horas o más, Josh siempre tenía que quedarse un buen rato solo, mientras el resto del equipo se marchaba a casa a descansar.

            Otros elementos clave para la caracterización de los andorianos eran la peluca y las antenas. Para conseguir que las antenas de B’fuselek se quedaran rígidas, atravesaron con ellas la peluca y la pegaron a una pequeña gorra que se ponía debajo. Aunque probaron con varios tipos de pegamento, siempre había algún momento en mitad del rodaje en el cual las antenas se caían. Y al final acababan fijándolas con imperdibles o alfileres, para que aguantasen lo justo hasta acabar de grabar el plano.

El atrezo

Cubo de Rubik esférico convertido en alterados subespacial

Cubo de Rubik esférico convertido en alterados subespacial

            Según relata Josh Johnson, el atrezo fue, en cierta manera, una de las cosas que les impulsó a hacer la película. Antes de escribir el guion, previo al cumpleaños de Jimm, visitaron una tienda donde vendían fásers, comunicadores y tricorders de juguete. Y Josh recuerda que hablaron sobre los efectos que había en los primeros fan-films de Star Trek. Así que, cuando se plantearon hacer su película, recordaron que el asunto del atrezo lo tenían resuelto, pues disponían de todos esos modelos de juguete para hacer la película. Sin ellos nunca se habrían planteado seguir adelante, pues habría sido excesivamente caro construirlos. Si bien el tricorder de juguete realmente era demasiado pequeño, en cámara funcionaba bastante bien, pues solo se evidenciaba en algunos planos.

            En realidad en las tiendas sólo disponían del atrezo para los personajes de la Flota Estelar, y hubo muchos elementos que tuvieron que fabricar para la película, como la pantalla que usa el capitán para las videoconferencias, el panel de control del campo de fuerza, los paneles de los comunicadores, los disruptores klingon, las armas y los comunicadores de los andorianos, etc. De todo ello se encargó Jeff Lynk.

Generalmente, el atrezo lo resolvieron reconvirtiendo elementos que ya existían, como en el caso del alterador subespacial que lleva el gobernador Kinthmus, para el cual modificaron una versión esférica del cubo de Rubik que tenía Josh, a la que Jimm añadió unas luces en post-producción.

Los decorados

Detalles de construcción de la pared cavernosa

Detalles de construcción de la pared cavernosa

            Estuvieron seis meses almacenando y reciclando objetos en sus casas y en las de sus padres, todo aquello que creían que podría ser útil para el vestuario, el atrezo, los decorados, etc. Finalmente, alquilaron un local donde construir los decorados y trasladaron todo ese material allí. Josh también llevó su mesa de dibujo y comenzaron a diseñar los decorados y a hacer storyboards.

            Para los diseños de los decorados de los pasillos de las instalaciones andorianas, Jimm y Josh dibujaron algunos bocetos, y Jeff Lynk se encargó del acabado final. A partir de ellos hicieron unos planos rudimentarios y así pudieron calcular la cantidad de madera que necesitarían. Todas las estructuras se construyeron con listones de madera y tableros de aglomerado, comprados en un Home Depot, un minorista de bricolaje estadounidense.

La entrada en la superficie del planeta a la sede del gobierno andoriano la tuvieron que simplificar al máximo para que no llevara mucho tiempo construirla, transportarla y montarla. Consistía en una fachada falsa con una puerta corredera, un falso panel de control de apertura/cierre y otros detalles, que les llevó dos semanas de trabajo. Esta puerta sería usada en el rodaje en exteriores, montándose finalmente la estructura sobre una plataforma de cemento que había en el recinto de la Universidad de Minnesota, junto al río Mississippi, dentro de un área recreativa.

Aunque la puerta la simplificaron, se afanaron en ella hasta el mínimo detalle. De hecho, hay un texto en andoriano que aparece en el panel de control, inventado por Josh, que también diseñó dicho panel, encargándose Jimm de las partes mecánicas y las luces. El símbolo andoriano de la puerta lo sacaron de un episodio de TOS.

Rejilla hexagonal en los pasillos de la Exeter

Rejilla hexagonal en los pasillos de la Exeter

Y una vez que terminaron los planos de la entrada, toda esa estructura se reconvirtió en la puerta interior del turboascensor de las instalaciones subterráneas.

            Construir las paredes cavernosas les llevó mucho tiempo, dado que tuvieron que construir la estructura a base de listones de madera, cubrirla con una malla de alambre, deformarla para darle una forma rugosa, cubrirla con cartón piedra y, por último, darle un acabado con pintura para que simulase ser una cueva. Esta parte del decorado fue prácticamente obra de Josh. Mientras, Jimm se encargaba del resto.

            Para los pasillos de las instalaciones de la hermandad Tri’Leth tuvieron que hacer ocho o diez arcos trapezoidales, que fueron reutilizados para construir el calabozo klingon, pintándolos de otra forma y cambiando su configuración para darles un aspecto distinto.

            Su nivel de aprovechamiento del espacio y de los decorados llegó al extremo hasta de conseguir mostrar el interior de una habitación andoriana al final de un pasillo que, por otro lado, prácticamente pasa desapercibida.

Para las escenas en la Exeter sólo construyeron unos pasillos y el turboascensor. Eso sí, el interior del turboascensor, aunque casi no se ve, era muy detallado, incluyendo el típico asidero donde se agarran los usuarios.

Iluminación casera

Iluminación casera

            Por lo demás, para el interior de la Exeter sólo incluyeron algunos detalles, como la pared de rejilla hexagonal de los pasillos que, aunque vista en cámara es muy similar a la que aparece en la Enterprise de TOS, en realidad era una rejilla de un filtro de aire. Y para los paneles de control imitaron el estilo de los botones usando gemas decorativas de plástico de colores.

            El local lo tuvieron alquilado dos años, durante los cuales hicieron toda la pre-producción, teniendo que acelerar la producción en las últimas dos semanas antes de que venciera el alquiler. Finalmente, todas las escenas en el interior las rodaron en los dos últimos días, antes de abandonar el local. Y tan pronto como rodaron su último plano tuvieron que empezar a desmontar y a tirar a la basura los decorados, puesto que el local debía quedar disponible al día siguiente.

            Los planos del puente de la Exeter se incorporaron al final, ya que tras ver un primer montaje se dieron cuenta de que era necesario que apareciese la nave en la parte final del episodio. Así que decidieron incorporar al personaje de la comandante Jo Harris en el puente, aunque no tenían ni la actriz, ni los decorados, ni el sitio donde construirlo, y sólo quedaban un par de meses para la fecha de estreno. Al final, construyeron el sillón del capitán, una barandilla roja similar a la del puente de la Enterprise, y buscaron una silla para el oficial de comunicaciones. Pusieron todos esos elementos delante de una pantalla verde y rodaron los planos de la comandante Harris hablando con el capitán a través del comunicador. Para los Johnson fue una gran satisfacción incorporar a Harris, ya que siempre la habían concebido como uno de los miembros principales de la tripulación de la Exeter. Y, por otro lado, no había ninguna mujer entre los personajes protagonistas, con lo cual la película ganaba doblemente y parecía menos “friki”.

El reparto

Ben Hazen como el alférez Ben Halley

Ben Hazen como el alférez Ben Halley

            A la vez que los Johnson escribían el guion ya iban pensado a qué amigos podrían asignar cada personaje, pues nunca contaron con utilizar actores profesionales.

Kinthmus, el autodenominado gobernador andoriano y líder de la hermandad Tri’Leth, era un personaje clave, y debía estar bien interpretado. Jimm y Josh conocían a Keith St. Louis desde la adolescencia. Y cuando Jimm fue a la universidad se hizo muy amigo de él, llegando a compartir piso juntos durante un tiempo. Así que Jimm pensó en Keith para ese personaje.

            Para interpretar al comandante klingon Chang, Josh había pensado en un compañero de trabajo que creía que encajaba en el personaje. Pero al final, el mejor amigo de Josh, “Clint” Nathan Wolf fue quien hizo el papel. Ambos eran amigos desde la escuela primaria y se hicieron muy buenos amigos durante la secundaria. Clint se implicó en el proyecto desde el principio y realizó un montón de labores detrás de cámara.

            Los integrantes de la Flota Estelar que aparecen principalmente en la película son, cómo no, Jimm y Josh Johnson, como el capitán John Quincy “Quince” Garrovick y el teniente andoriano B’fuselek, respectivamente.

Holly Guess como la comandante Jo Harris

Holly Guess como la comandante Jo Harris

Además, también aparece Michael Buford interpretando al jefe de seguridad Paul Cutty. Michael era amigo de Josh desde hacía dos o tres años. Ambos trabajaban en The Star Tribune, el periódico local, y cuando los Johnson comenzaron la pre-producción Josh siempre contaba a Michael sus avances y él le daba ideas. Sus charlas muchas veces se alargaban hasta que se quedaban solos en el edificio, con los guardias de seguridad.

            El papel de la comandante Jo Harris, se lo tenía asignado Josh a una amiga. Sin embargo las escenas de Harris no las llegaron a rodar cuando hicieron la fotografía principal, mientras dispusieron de los decorados en el local alquilado de Minnesota. Con el tiempo, Jimm se mudó a Texas y allí conoció a Holly Guess. Y cuando años después hizo falta grabar la parte de Harris, los dos hermanos tuvieron claro que Holly era Jo Harris.

Patrick Scullin, que interpreta al joven teniente Joseph D’Agosta, era un viejo amigo de Jimm, de cuando estudiaba en la Universidad de Minnesota. El nombre del personaje es un homenaje a Joe D’Agosta, el director de casting de TOS.

            El redshirt, el alférez Ben Halley, es Ben Hazen, el cuñado de Jimm y Josh. Era un recién llegado a su familia en ese momento y accedió a participar en la película. Aunque los Johnson creen que Ben no sabía la clase de compromiso que estaba adquiriendo, que no pensaba que realmente llegarían a hacer una película de Star Trek, que como mucho quedarían una tarde y en un rato habrían acabado. Al final la cosa se alargó durante dos años. Pero como era un pariente no le fue fácil echarse atrás. No obstante, mataron al personaje tan pronto como pudieron para que no tuviese que ponerse el “pijama” muchas veces.

Jesse, padre de los Johnson, como oficial junto a sus hijos

Jesse, padre de los Johnson, como oficial junto a sus hijos

Otros integrantes de la Flota Estelar que aparecen esporádicamente son el comodoro Jennings, el alférez Hummel y el teniente Watkins. Richard “Ned” Lamanchikafka, que hace el papel del comodoro Jennings, y que interviene haciendo un mero cameo, había sido profesor de Jimm y Josh. Cuando decidieron hacer la escena del puente, al estar B’fuselek en el planeta, necesitaban un oficial de comunicaciones en el puente, así que pidieron a Mark Svara, amigo de Jimm, que hiciera del alférez Marcus Hummel, un figurante con frase. Por su parte, Clark Jones, el oficial científico Charles Watkins, se incorporó al reparto porque vivía en la casa donde grabaron a última hora la escena del puente, aunque su aportación realmente es como figurante. El teniente klingon que custodia el calabozo donde encierran a Garrovick fue interpretado por Kegan Bader, un bajista amigo de Jimm que tocaba con él en una banda de speed metal de Minneapolis (Minnesota). El espía andoriano “Número Siete”, por último, y que apenas tiene una frase, lo hizo Brian Peter, un amigo de Josh.

Keith St. Louis como el gobernador andoriano Kinthmus

Keith St. Louis como el gobernador andoriano Kinthmus

Al final de la película, Garrovick habla a través de una pantalla con el senador andoriano Therin, interpretado por Ian McLean. Al parecer, su personaje lo popularizó en Australia. Ian fue uno de los mayores fans del proyecto desde el principio. Cuando comenzaron a hacer su película, Ian contactó con ellos a través de Internet. Y cuando a última hora necesitaron a alguien para hacer el personaje se lo ofrecieron a él.

Además de sus múltiples labores de maquillaje, fabricación de atrezo y demás, Jeff Lynk también hizo del klingon “Número Seis”, al que desintegra por error el espía andoriano “Número Siete”, cuando intenta matar a B’fuselek.

            Para muchas escenas necesitaban figuración, y no siempre podían conseguir a gente, así que, en un par de ocasiones, el padre de los Johnson hizo de klingon o de tripulante de la Exeter. Además, como figurantes en la Exeter también acabaron apareciendo por los pasillos el propio Josh, caracterizado de humano, su hermana, gente del equipo técnico y todos los amigos que pudieron conseguir.

El rodaje

Claqueta del primer plano rodado

Claqueta del primer plano rodado

            En verano de 1996, tras seis meses de pre-producción, ya tenían un local alquilado, el vestuario, el atrezo y los actores necesarios para poder empezar a rodar “Natural Selection”, que era como se titulaba en un inicio la película. Finalmente, durante la producción, Josh leyó el título del episodio “The Savage Curtain” de la tercera temporada de TOS, le gustó y pensó que podían titular su película de manera similar. Así surgió “The Savage Empire”.

La primera escena que se rodó es la del equipo de salida siendo teletransportado al planeta. Esta escena la rodaron en River Flats, un área recreativa a orillas del río Mississippi, en las cercanías de la ciudad de Saint Paul. Intentaron ambientar la vegetación andoriana colocando algunas flores de loto azul de plástico, compradas en Michaels Craft Store, pero son tan pequeñas y aparecen tan fugazmente que casi no se aprecian, salvo en el plano en el que Cutty está agachado examinando una.

Cutty examinando una flor azul

Cutty examinando una flor azul

Por entonces no se imaginaban que el rodaje se prolongaría durante dos años, hasta mediados de 1998, durante los cuales tendrían que rodar planos adicionales para esa y otras escenas del planeta en lugares tales como el jardín trasero de la casa de Josh.

            Días o semanas antes de rodar una escena, normalmente realizaban algunos ensayos grabados, así era más rápido después ubicar los actores y la cámara, e ir afinando los planos. Además, esos ensayos les servían para perfilar los personajes y establecer cierta química entre los propios actores. Igualmente, les ayudaban también a familiarizarse con el vestuario y el atrezo, para que cuando rodaran se desenvolvieran de una manera más natural, como si realmente estuviesen en el siglo XXIII. De igual modo, la grabación de los ensayos también era de mucha ayuda para el equipo técnico, pues su operador de cámara nunca antes había usado una cámara de vídeo, y mucho menos un micrófono en una pértiga, aunque en este caso se trataba realmente de un micrófono de mano pegado con cinta adhesiva a un tubo largo.

            En cuanto a la dirección, los Johnson llevaron el peso conjuntamente, en función de quién estuviera delante o detrás de la cámara en cada plano. Según Josh, el 85% del tiempo co-dirigieron la película, y el 15% restante se lo tiraron discutiendo. Hubo momentos en los que los Johnson estuvieron en completo desacuerdo, y acabaron gritándose el uno al otro, como ocurrió mientras construían los decorados y empezaron a debatir sobre cómo abordar cierta escena. Una de las grandes lecciones que aprendieron con esta producción fue la de saber hacer concesiones y establecer soluciones de compromiso.

Modelo del Lithtor antes de rodarlo

Modelo del Lithtor antes de rodarlo

            El plan de rodaje no hubo forma de elaborarlo debidamente. Al final acababan convocando a los amigos y familiares que podían convencer para que fuesen a ayudar. A veces la gente fallaba, y algunos días les faltaba tiempo y había que volver más adelante para retomar la escena donde la habían dejado. Habitualmente, el plan diario de rodaje no solía ser muy apretado, ya que trabajaban con voluntarios y se ajustaban la disponibilidad de sus amigos.

            En lugar de grabar todo y revisar los dailies al final de la jornada, durante la grabación solían hacían breves descansos y revisaban las cintas para comprobar que tenían lo que necesitaban antes de pasar al siguiente plano.

            El 95% de la película se grabó con una videocámara Panasonic AG-456 de formato S-VHS. Los planos con la comandante Harris en el puente de la Exeter se rodaron en octubre de 2002, cuatro años más tarde, en la entrada del garaje de la casa de un amigo, usando una videocámara handycam en formato digital.

            Para la iluminación usaron un tipo de lámparas con pinza o clip de las baratas que es posible encontrar en grandes superficies de bricolaje y tiendas especializadas de iluminación. En Estados Unidos las podían encontrar en Target o The Home Depot. A dichas lámparas les pusieron geles de colores para ambientar las escenas al estilo TOS y crear una luz suave. Y realizaron un trabajo bastante aceptable en la continuidad de la iluminación, pues para algunas escenas de exteriores rodaron planos en interiores, como en el caso de algunos planos en la entrada de la sede del gobierno andoriano, y en el caso de los primeros planos de Garrovick en la Exeter hablando a través de la pantalla, que se grabaron en casa de Jimm en Austin (Texas).

Truco de perspectiva; detalle de la pata

Truco de perspectiva; detalle de la pata

            Uno de los mejores efectos visuales de perspectiva en la historia de los fan-films lo consiguieron los Johnson en la escena del Lithtor. El nombre de la criatura andoriana surgió un día que Jimm acababa de ver Parque Jurásico (Jurassic Park, Steven Spielberg, 1993), donde aparecía el velociraptor. Y como le sonaba bien lo de “raptor”, lo adaptaron para un monstruo de origen andoriano. Luego Josh puntualizó que si era una especie de dinosaurio de Andoria entonces la criatura debía tener antenas. Trasladaron su idea a Jeff Lynk y éste lo fabricó a partir de unos bocetos de los Johnson de una criatura parecida a un tiranosaurio azul con antenas, aunque Jeff lo pintó de magenta. Las primeras pruebas con la cabeza del Lithtor se rodaron en 2001 con una pantalla verde de fondo. Los planos de la cabeza tal vez son los que más desentonan de toda la película, pues destaca demasiado que es un muñeco, pero por otro lado era el tipo de recursos que se usaban en los años sesenta. Para el plano en el cual la sombra de la cabeza del Lithtor cubre a B’fuselek y éste grita y sale corriendo, usaron una simple silueta recortada con la que tapaban el sol. Y para el plano grabado en el jardín de casa de Josh en el que el Lithtor pisa el fáser de B’fuselek usaron el mencionado truco óptico de escala y perspectiva. Con B’fuselek tumbado al fondo, en primer término colocaron una miniatura de un fáser, que por la posición y ángulo de cámara daba la sensación de ser de tamaño real. En ese momento una pata del Lithtor hecha también a escala pisaba el arma y cubría casi por completo el plano, dando la sensación de ser una criatura gigantesca.

            Muchas veces, mientras trabajaban en el proyecto, no creían que serían capaces de acabarlo, que como mucho conseguirían hacer una parte y estrenarla a modo de episodio, ya que, aunque ponían muchas ganas y entusiasmo en el proyecto, no tuvieron ningún tipo de financiación, sólo el dinero que podían ahorrar Jimm y Josh de su sueldo, y muchas veces tuvieron que aplazar el proyecto durante largos períodos de tiempo. Ese fue uno de los motivos que provocaron que la producción se alargase durante siete años.

Videocámara usada para grabar el episodio: Panasonic ag456-svhs

Videocámara usada para grabar el episodio: Panasonic ag456-svhs

            La mayoría de exteriores se rodaron en parques y en otros lugares públicos donde algunas veces se cruzaba gente practicando deporte. Pero la mayoría los ignoraba o les lanzaba una mirada de extrañeza. Por ejemplo, en Pease Park, en Austin (Texas), siempre había mucha gente paseando perros sin correa y un par de ellos se abalanzaron sobre Tres Churchill (el doble de acción de Nathan Wolf en la escena de la pelea) caracterizado de klingon.

            Así mismo, con el actor Michael Buford tuvieron un grave problema, pues a mitad del rodaje se mudó a Las Vegas. Así que para el personaje de Cutty improvisaron una escena en la que quedaba encerrado en el turboascensor durante gran parte de la historia, evitando matarlo y así poder aparecer en futuros episodios.

Para la parte final, habían pensado rodar una escena en la que los personajes iban a la ciudad andoriana y allí recogían las medicinas de parte de un grupo de andorianos, pero finalmente no pudieron hacerla por razones de presupuesto. Por esa razón, Garrovick se despide al final amablemente del senador andoriano Therin dándole las gracias a través de una pantalla.

            Aunque el ambiente en el rodaje en general era muy distendido y había días en los que no paraban de hacer payasadas, al final del rodaje la cosa cambió, y la gente llegaba con menos ganas de enfundarse su “pijama” de Star Trek durante todo un fin de semana.

Cutty atrapado en el turboascensor

Cutty atrapado en el turboascensor

En una producción tan larga y con tantos problemas era inevitable que al final hubiera problemas de continuidad, aunque la mayoría pasan desapercibidos gracias al gran trabajo que hizo Jimm con el montaje. Por ejemplo, el arco trapezoidal que hay junto a la consola del calabozo a veces no está en los planos en los que se ve al klingon, y luego se ve claramente que sí está cuando Garrovick y D’Agosta escapan del calabozo. Poco después, en los planos en los que esos dos personajes oyen la conversación entre B’fuselek y Kinthmus, en la frente de Garrovick se ve un pequeño punto rojo, que nunca han llegado a averiguar si se trataba de una espinilla, un resto de pintura, o cualquier otra cosa, ya que cuando no estaban actuando siempre andaban subiéndose a las escaleras y encintando, pintando o lijando algo. Un error de continuidad más destacable está en el pelo de Cutty, cuando sale del turboascensor a la superficie junto con Garrovick, y tiene el pelo mucho más corto. Finalmente, aunque más que de continuidad es un fallo de ambientación, cuando B’fuselek corre por el bosque y en segundo término se ven unos árboles con hojas totalmente rojas que destacan bastante, y que no encajan con el aspecto visual que los Johnson pretendían dar al planeta cuando empezaron incluso usando las flores azules de loto.

Pero también incluyeron algunos gags que casi pasan desapercibidos. Por ejemplo, cuando Garrovick se acerca a los controles del turboascensor para liberar a Cutty el guardia klingon sale de la cueva, le apunta con un disruptor y le ordena que se aparte. Pero el capitán consigue golpearlo y hacer que caiga tras la puerta por la que ha salido. Pues bien, a Josh se le ocurrió que sería gracioso que la puerta de la cueva se cerrase después de que cayese el klingon. Y nunca más se vuelve a saber de ese klingon.

La escena de la pelea

Ensayos de la pelea; Minnesota, otoño de 1998

Ensayos de la pelea; Minnesota, otoño de 1998

            Durante el año previo al estreno, se dieron cuenta de que el material que tenían para montar la pelea entre Garrovick y Chang era insuficiente. Una de las causas de que les faltasen planos se debía a que durante el rodaje de esa escena se les vino la noche encima y se quedaron sin luz del sol. Así que, en octubre de 2002, dos meses antes del estreno, tuvieron que rodar algunos planos extra en Austin (Texas), a más de dos mil kilómetros al sur de Minnesota, donde se habían filmado los planos de la escena en 1998, cuatro años antes.

            Para la coreografía de la pelea estudiaron algunos episodios de TOS y la escena que más les gustó fue la pelea entre Kirk y Khan en “The Space Seed”, que se desarrolla en la amplia y diáfana sala de ingeniería de la Enterprise. Así que decidieron buscar unos exteriores con una orografía y elementos con los cuales poder imitar esa escena.

            Para planificar la secuencia capturaron algunas imágenes del episodio e hicieron un storyboard. Dichas imágenes procedían de una grabación casera de la televisión que incluía incluso el logo del canal Sci-Fi (más tarde SyFy),grabaciones caseras eran lo que habitualmente circulaba por casa de los trekkies de la época, por el alto precio de los episodios originales en VHS.

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            Hay una parte de la escena del episodio de TOS en la que Kirk se agarra a una pared de rejilla para elevar las piernas y atenazar el cuello de Khan. Eso lo adaptaron haciendo que Garrovick se agarrase a la rama un árbol. Sin embargo, no todos los movimientos y golpes de la pelea pudieron recrearlos en un mismo lugar. Así que grabaron en distintas localizaciones y luego montaron la escena de manera que pareciese que se desarrollaba en un único sitio.

            Durante el rodaje de los primeros planos de la pelea sólo estaban Jimm, Josh y Clint, así que se iban turnando la cámara en función de quién tuviera que aparecer en escena. Y en los planos en los que salen los tres dejaban la cámara grabando sola en el trípode, sin nadie que la operase. A veces Jimm y Clint se excedían en el ímpetu, y Josh tuvo que parar el rodaje en una ocasión cuando Jimm golpeó realmente a Clint en un ojo con un palo. Por suerte, resultó ileso. Con esta acción los Johnson se permitían explicar porqué el general Chang (Christopher Plummer) aparece con un parche en el ojo en la película Star Trek VI: The Undiscovered Country.

            Uno de los grandes problemas de rodar primero en Minnesota y luego en Texas, a dos mil kilómetros al sur, es que la vegetación y los árboles cambian radicalmente. Además, los planos de Minnesota se grabaron en otoño, cuando las hojas de los árboles de allí estaban amarillas. Mientras que la mayoría de los árboles de Texas son de hoja perenne o no se ponen tan amarillas.

            La transición de los planos de Minnesota a los de Texas la hicieron en la parte en la que Garrovick y Chang caen por una colina rocosa. En un primer plano, Garrovick derriba a Chang y caen colina abajo a través de unos arbustos, de Minnesota a Texas. Y al final de la pelea sucede lo contrario. Hay una transición de Texas a Minnesota. Cuando Garrovick sube corriendo por la colina, Chang le persigue, le golpea, provocando que el fáser del capitán salga volando, y se enzarzan de nuevo en la pelea, volviendo de nuevo a Minnesota.

Christopher Plummer como general Chang (ST VI)

Christopher Plummer como general Chang (ST VI)

Como no tenían la posibilidad de llevar a Clint de Minnesota a Texas para rodar esos planos, tuvieron que buscar a un doble de acción para Chang, por otro lado, algo habitual en TOS. Esa persona fue Tres Churchill que, aunque era más delgado y más alto que Wolf, no se apreciaba demasiado debido a la acción de la pelea. Así que otro de los retos del rodaje fue grabar los planos de manera que nunca se viera claramente la cara de Tres.

A pesar de todos los problemas de continuidad mencionados y de que Garrovick y Chang tienen unos comunicadores en sus cinturones que aparecen y desaparecen según el plano, consiguieron resolver la escena al más puro estilo TOS.

Además, al añadir los nuevos planos, Garrovick se convierte en el verdadero héroe de la película, restando algo de protagonismo a B’fuselek, que también había luchado contra un klingon y un andoriano, y había salvado a Garrovick al disparar con su fáser a la mano de Chang cuando éste apuntaba al capitán.

Josh no vio el montaje final con los planos adicionales hasta el día del estreno. Y se quedó impresionado por el buen acabado que Jimm consiguió dar a esa escena, pues aportaban el ritmo que necesitaba el final de la película.

Los efectos especiales

Agua tintada de sangre andoriana

Agua tintada de sangre andoriana

            Los efectos especiales fuera del entorno digital supusieron un gran reto. Nunca se habían imaginado que los efectos CGI avanzarían tanto en los años siguientes, así que se plantearon hacerlo todo con los medios analógicos de los que disponían.

            Uno de los grandes protagonistas de cualquier película de Star Trek es la nave. En este caso, por el estilo de la producción y por su presupuesto utilizaron maquetas que se podían comprar en jugueterías y tiendas de modelismo. La que usaron para la Exeter fue de unos 46 cm (18 pulgadas), de la marca AMT. La maqueta la personalizaron abriendo numerosos agujeritos cuadrados para simular las ventanas e introduciendo luces. También añadieron unas luces rojas y verdes parpadeantes a ambos lados de la sección del platillo, que alguien tenía que accionar mediante un interruptor de manera manual, ya que no tuvieron tiempo de construir un control autónomo. Igualmente incorporaron unas luces de colores en la parte frontal de las barquillas con un pequeño circuito electrónico que generaba su encendido aleatorio, creando así el efecto del motor de curvatura en funcionamiento, tal y como aparecía en TOS. Todas las luces y el circuito electrónico se alimentaban con baterías alojadas en el interior de la maqueta.

Maqueta de la Exeter

Maqueta de la Exeter

            Para la nave Lexington y la nave klingon usaron maquetas más pequeñas, de unos 15 cm (6 pulgadas), procedentes de un juego de naves espaciales también de la marca AMT. En este caso, para la Lexington añadieron unas luces parpadeantes en las barquillas. Y para decorar todos los modelos usaron las calcomanías estándar que incluían las cajas de las maquetas.

Las maquetas de las naves las grabaron sujetas sobre un trípode y con un fondo de estrellas, que no era más que un fondo negro con pequeños agujeros iluminado por detrás.

            Sin embargo, el gran desafío en lo referente a efectos fue crear los rayos de los fásers, el teletransporte y otros efectos de luces en vivo.

            Idearon una forma de reflejar la luz sobre la lente de la cámara para crear esos efectos con lo que denominaron la “caja de los efectos”. Para ello, se documentaron en una revista de los años setenta donde se explicaba cómo hacer efectos poniendo una lámina de metacrilato en un ángulo de cuarenta y cinco grados respecto al objetivo de la cámara y reflejando luz sobre esa lámina. Este sistema además les evitaba trabajo en la post-producción.

            La “caja de los efectos” funcionaba muy bien para los rayos de los fásers, aunque al grabar tenían que ser muy precisos con la posición de los actores, puesto que debían estar muy quietos y en una posición exacta, por lo que a veces tuvieron que hacer veinte o treinta tomas hasta que el truco saliese bien.

Efectos del fáser

Efectos del fáser

            En la práctica, sólo hicieron en vivo dos efectos de rayos de fáser usando su “caja de los efectos”. Uno de ellos, cuando Garrovick dispara al Lithtor el rayo azul con el fáser. Y el otro cuando Garrovick y Cutty disparan al unísono el fáser al Lithtor, esta vez en color rojo, “en posición de matar”. Sin embargo se encontraron con un grave problema al crear el efecto de los rayos, pues su “caja de los efectos” la habían probado en interior y los planos tenían que rodarlos en exteriores, donde era mucho más difícil controlar la iluminación y compensar la intensa luz solar. Así que, finalmente, Jimm tuvo que añadir el efecto del rayo rojo en post-producción, con ayuda del ordenador.

Para el efecto del teletransporte idearon un sistema que se adaptaba a su “caja de los efectos”. En casa de su madre, los Johnson hicieron una primera prueba llenando el recipiente de la licuadora con agua y purpurina, y removiendo e iluminando la mezcla. Y como el efecto parecía que funcionaba, construyeron un depósito y un soporte, con un adaptador para poder conectar el motor de la licuadora y que se iluminaba por los lados. Todo ello se montaba en el soporte de su “caja de los efectos”, se colocaba una máscara con la silueta de los actores y la luz que atravesaba la máscara incidía sobre la lámina de metacrilato. El efecto era igual que el que se hacía en los años sesenta.

Igualmente, el efecto del campo de fuerza de la puerta del calabozo también se hizo con su “caja de los efectos”, en este caso operada por Josh. Curiosamente, la mesa del decorado donde se suponía que estaban los “verdaderos” controles del campo de fuerza les quedó algo inestable, y tiró dos o tres veces la pared a la que estaba sujeta mientras grababan los planos del calabozo.

El efecto de estática en la imagen (el ruido blanco característico de la señal de vídeo analógica) que aparece en la pantalla cuando Garrovick intenta contactar con Harris está inspirado en algo similar que Jimm vio en el episodio “The Doomsday Machine” de la segunda temporada de TOS. En ese episodio, Kirk está en el control auxiliar de la USS Constellation e intenta ajustar la pantalla, mientras Scotty se halla en la sala de ingeniería.

Efecto del campo de fuerza en el calabozo

Efecto del campo de fuerza en el calabozo

Uno de los pocos efectos prácticos que aparecen en el episodio es la pequeña columna de humo que queda tras ser desintegrado el redshirt, el alférez Ben Halley. Para ello usaron una botella de humo que Jimm compró en una tienda de productos de magia.

Y otro de dichos efectos prácticos es el derrumbamiento del techo del subterráneo, en el cual había dos personas que lanzaban todo tipo de deshechos desde arriba. Este plano lo repitieron dos veces, teniendo que recoger y limpiar todo entre toma y toma.

Para los efectos de apertura y cierre de puertas siempre necesitaban a alguien que se encargase de moverlas de forma manual, pues evidentemente no estaban motorizadas. En el caso de las puertas del turboascensor en las escenas del principio se encargó Nathan Wolf.

Otro de esos detalles que pasan desapercibidos es cuando B’fuselek lanza al espía andoriano por la cascada y se ve un plano del cadáver. En ese plano el agua está teñida de verde simulando sangre del andoriano, pero apenas se aprecia.

 

El montaje

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            Los primeros montajes Jimm los realizó con un equipo analógico S-VHS de VHde edición de vídeo que había en el instituto donde trabajaba. Pero tras las primeras pruebas con ese equipo se dio cuenta de que no estaba consiguiendo el nivel de calidad que habían imaginado. Así que, cuando terminaron de grabar todo el material, incluidos los planos de los efectos y de las maquetas de las naves, las cintas se quedaron almacenadas en una estantería durante dos años.

            En ese transcurso de tiempo Jimm se mudó de Minnesota a Texas y consiguió un trabajo donde tenía a su disposición el software de edición digital Final Cut Pro de Apple, que era justo lo que necesitaba para poder editar el material de la película. Así que cuando pudo compró un ordenador iMac, instaló el Final Cut Pro, y la edición se prolongó durante dos años, aunque realmente sólo dedicó el tiempo necesario durante los tres o cuatro últimos meses, pues el montaje le resultó muy dificultoso. De hecho, la mayor parte del montaje lo hizo durante una semana en la que su esposa Heather se tuvo que marchar a Iowa por motivos de trabajo y se quedó solo en casa. Durante esa semana Jimm casi no salió de casa. Se tiraba todo el día delante de la pantalla hasta altas horas de la noche, dormía cuatro o cinco horas, se levantaba al mediodía y se volvía a sentar otra vez a editar.

Hay un recurso destacable en el montaje que enfatiza la reacción de Cutty cuando comprueba que han desintegrado al alférez Halley. Dicho recurso consiste en hacer un fundido a negro, una pausa, y al volver de negro repetir la reacción de Cutty, pero desde otro ángulo, mediante otro plano, incluso con otra entonación. Jimm tomó la idea prestada del episodio “Miri” de la primera temporada de TOS, donde Spock dice: “¡Las manchas desaparecen!”, repitiendo tras una breve pausa: “Están desapareciendo”.

"Miri"; imagen de ST-TOS

“Miri”; imagen de ST-TOS

Algunos elementos se excluyeron en el montaje final, como la escena en la que D’Agosta encuentra una especie de pequeño anfibio andoriano en una charca y se lo lleva, aunque en los títulos de crédito finales incluyeron una imagen de la criatura, como era habitual en TOS.

Otra escena que planteó problemas y se resolvió en el montaje es cuando B’fuselek sale del turboascensor ayudando a D’Agosta, que es un largo plano secuencia. En realidad había otro plano, pero los actores no paraban de reír y Jimm no pudo usarlo en el montaje. Sin embargo, el plano secuencia funciona.

Como hemos contado antes, Michael Buford se iba a mudar antes de acabar el rodaje, y para poder incluir al personaje al final del episodio se les ocurrió grabar unas frases de Cutty, para montar luego una conversación con Garrovick a través de una pantalla y que pareciese que estaba en otras dependencias de la nave.

Uno de los elementos que se incluyen durante el montaje es la música. Por ejemplo, la melodía que suena durante la travesía de los protagonistas, desde donde son teletransportados al planeta hasta llegar a la puerta de la sede local del gobierno andoriano. Ese tema lo eligió Jimm porque aparece en el episodio “This Side of Paradise” de la primera temporada de TOS, donde suena cuando los protagonistas van caminando por el planeta, y es la música que solían usar siempre en los episodios de TOS para esa misma situación. Dicha travesía acaba cuando avistan la entrada de la sede del gobierno andoriano y Garrovick gasta una broma a B’fuselek comparándola con un hormiguero. Otro toque a lo Kirk que los Johnson quisieron incluir.

Escena eliminada

Escena eliminada

Finalmente, en las navidades de 2001, Jimm enseñó a Josh un primer montaje de la película, y entonces se volvieron a convencer que acabarla era posible. Estudiaron lo que hacía falta para poder acabar y se pusieron como meta el 19 de diciembre de 2002.

Así, algunos planos finalmente tuvieron que grabarlos con una pantalla verde de fondo. La iluminación de estos planos fue un reto, pero hicieron un trabajo decente. Sin embargo, Jimm se encontró con un grave problema durante el montaje. La videocámara handycam que habían usado realizaba una compresión digital de la imagen que creaba un montón de dientes de sierra al realizar el efecto de chroma key, quedando unos horrorosos píxeles verdes en los contornos de los personajes. Finalmente, lo solucionó como pudo y los planos no quedaron mal del todo para la época, aunque Jimm piensa que alguien con experiencia y con un software dedicado habría conseguido un mejor resultado.

 

El estreno mundial

El final del rodaje

El final del rodaje

            Antes de subir la película a Internet, mucha gente ya sabía de la existencia de la película. La gente escribía correos electrónicos a Jimm a través de la página web del proyecto preguntado si la película se estrenaría en la fecha prevista. Uno de ellos fue Eugene “Rod” Roddenberry, hijo de Gene Roddenberry, que contactó con ellos después de que alguien desde Paramount le dijese que echara un vistazo a la página web de Starship Exeter. Todo esto les hizo sentir cierta presión para conseguir estrenar a tiempo.

            Finalmente, el 19 de diciembre de 2002, Jimm subió la película a Internet y envió un correo electrónico informando de su estreno a alrededor de cincuenta personas que habían contactado con él en los meses anteriores interesándose por el proyecto.

            Durante la primera semana tuvo unas nueve o diez mil visitas. Y comenzaron a recibir llamadas de periódicos, programas de radio y otros medios de comunicación. Los dos principales periódicos de Minnesota, el St. Paul Pioneer Press y el Star Tribune, dedicaron extensos reportajes a la película. Finalmente aparecieron en Slashdot, un portal de Internet sobre noticias peculiares. Gracias a ello el número de visitas aumentó de manera exponencial, llegando a las diez mil por hora. Y como consecuencia, el servidor donde se alojaba se colapsó, pues no podía soportar un tráfico tan intenso, con tanta gente intentando acceder a los archivos de cincuenta megas en que se ofrecía la película, así que sus proveedores de servicio de alojamiento de mac.com tuvieron que bloquearlos. Sin embargo, los Johnson encontraron a un fan de Starship Exeter dispuesto a alojar los archivos, y que hizo una gran labor durante mucho tiempo.

Garrovik con la camisa desgarrada a lo Kirk

Garrovik con la camisa desgarrada a lo Kirk

            Los Johnson nunca esperaron generar tamaña repercusión. Creían que la película sólo la verían los más acérrimos a Star Trek, los fanáticos de TOS y los nostálgicos por ese tipo de cosas retro. Sin embargo, el primer mes tuvieron más de cien mil visitas y el número sigue creciendo en la actualidad.

            Algunas revistas y otra gente llegaron a considerar que podía convertirse en una película de culto, aunque también hubo muchas críticas negativas sobre la interpretación de los actores, pero claro, venían de gente que los comparaban con Kirk, Spock y McCoy, con los actores profesionales de Hollywood que los interpretaban. Así que en cierto sentido era un halago, pues eso daba a entender que el acabado de la película era lo suficientemente bueno como para que comenzasen a criticarlos como si se tratase de un verdadero episodio de Star Trek, aludiendo a que “el episodio” estaba bien, pero los actores eran muy malos. Quedaba claro que incluso la gente a la cual no gustó se lo pasó bien, aunque fuese burlándose. De todas formas, la mayoría de los comentarios fueron positivos y del tipo de que era una lástima que la franquicia no hiciera cosas así, o sobre que desde Paramount deberían fijarse en este tipo de cosas para saber lo que realmente quería el público y redirigir la franquicia hacia el camino original.

            Según cuenta Josh, unos años antes del estreno mostró unas fotos de la película a un amigo y él le dijo que seguramente nunca ganarían dinero con ella, pero que cuando la gente la viese, los recordarían como los chicos que hicieron Starship Exeter. Y al final su vaticinio resultó ser de lo más acertado.

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            Debido a la repercusión del proyecto, para Josh hubo momentos en los que una parte de él soñaba con que Paramount los llamaría, porque alguien había oído hablar de ellos, y en un par de semanas estarían en los estudios de Paramount firmando un contrato para producir y dirigir la siguiente película de Star Trek.

            El púbico conectó de esa manera con Starship Exeter por su gran fidelidad al estilo de TOS. Por detalles como desintegrar al redshirt a las primeras de cambio, que el capitán aparezca sin camisa o con la camisa desgarrada a lo Kirk, por el estilo de los decorados y de los efectos, por el monólogo del capitán durante los créditos de inicio, por la broma final a expensas de B’fuselek, por cuando todo se agita y la tripulación se tambalea en los pasillos de la Exeter al ser atacados por la nave klingon, etc… Aun así hay cosas que decepcionaron a los fans, como durante la pelea entre B’fuselek y el espía andoriano, cuando B’fuselek retuerce la antena al espía, que no queda muy realista; o el hecho de que no incluyeran la típica alienígena con la que el capitán se enrolla en el planeta de turno, aunque sí habían planeado incluir a una andoriana sobre la que B’fuselek se sentiría atraído, pero que finalmente no cuajó. Es decir, el episodio incluye esa inmensa cantidad de tópicos de TOS habituales de los fan-films.

            Fuera como fuese, la película es, de principio a fin, el resultado de la pasión, y ha logrado que mucha gente de todo el mundo pase un rato divertido viéndola.

Poster emulando un cómic antiguo

Poster emulando un cómic antiguo

            Comprobando el resultado, los Johnson están convencidos de que Gene Roddenberry aprobaría su película porque han sido fieles a su visión, recuperando muchas cosas de TOS que se habían ido perdiendo a lo largo de la historia de la televisión. Al menos, lo que habían hecho estaba más próximo a esa visión que lo que ofrecían en ese momento desde la franquicia, es decir Star Trek: Enterprise.

            El 19 de diciembre de 2002, la fecha de estreno del episodio, era el día del 34 cumpleaños de Jimm Johnson. Él mismo decidió que fuera así un año antes porque ya habían pasado seis e iniciaban el séptimo, y no quería dedicar más tiempo de su vida a ese proyecto. Así que, tuvieran lo que tuvieran, estrenarían ese día, y nunca más en su vida volverían a trabajar en Starship Exeter. Sin embargo, la repercusión de la película animó a los Johnson a hacer planes para el futuro. Planearon producir dos nuevos episodios a la vez. El primero se titularía “The Mighty Galvanaut” y el segundo “The Atlantis Invaders”. Gracias a su película habían establecido contacto con gente que quería ver más episodios, pero mejor hechos, gente que sabía lo que hacía, como Scott Cummins, Maurice Molyneaux o Dennis Russell Bailey (guionista en TNG). Su plan era embarcarse en una producción mucho más ambiciosa que la primera y que se completaría en un período de tiempo mucho más breve. Finalmente, llegó el segundo episodio, “The Tressaurian Intersection”, cuya consecución costó otros diez años. Pero esa es otra historia.

La gran expansión

Editando los subtítulos

Editando los subtítulos

            Aunque el proyecto Starship Exeter había revolucionado a principios de siglo la forma de hacer fan-films en Estados Unidos, apenas era conocido en España. Una de las principales causas era que no se podía encontrar subtitulado al inglés ni al español. Así que en el verano de 2014, un grupo internacional de fans de habla hispana decidieron que el proyecto podía llegar a un público potencial de millones de espectadores si contara con subtítulos, por lo cual se pusieron a trabajar en ellos con una gran dosis de paciencia y con la ayuda de las aplicaciones gratuitas Jubler (para Mac) y Subtitle Edit (para Windows). Supuso un gran reto realizar primero los subtítulos en inglés, un idioma del cual ninguno del equipo era nativo, para luego hacer una adaptación al español, y sin ser ningún traductor ni subtitulador profesional. Sin embargo, para el primer episodio recibieron la ayuda de Maurice Molyneaux, uno de los máximos responsables de la post-producción del segundo episodio del proyecto, que les facilitó el texto original del guion en inglés. Sin embargo, los subtítulos acabaron quedando almacenados en un disco duro durante un año, hasta octubre de 2015. Ello se debió a que Scott Cummins, el director del segundo episodio, que era quien se encargaba de mantener el canal de YouTube en ese momento, proyectaba subir una versión con mejor calidad de imagen y sonido, y sin cortes, pues hasta el momento la película se había ofrecido en cinco partes, una por cada acto.

Su otra vida reclama a los Johnson

Su otra vida reclama a los Johnson

            Realmente, y en orden cronológico, el equipo de subtitulación primero hizo los subtítulos en inglés para el segundo episodio (de oídas y sin ayuda del guion original), encargándose de su corrección final el propio director, que había comenzado a hacer los subtítulos, pero que desistió por la tediosa labor que suponía. Gracias a los subtítulos en inglés no tardaron en unirse más fans internacionales, publicándose finalmente subtítulos en español, alemán, holandés, portugués y checo, y consiguiéndose por tanto el objetivo de internacionalizar el proyecto.

Una de las reflexiones de la gran repercusión obtenida es el enorme deseo que había por un Star Trek retro, por que alguien hiciese cosas como la que los Johnson habían hecho. Y de hecho así ocurrió. El germen de Starship Exeter obtuvo el relevo con Star Trek: New Voyages / Phase II y otras muchas producciones de calidad similar que vinieron después, durante la Era Dorada de los fan-films, lo cual finalmente incitaría a Paramount a revitalizar la franquicia original en 2009 con un nuevo largometraje de Kirk, Spock, McCoy y compañía. Pero, una vez más, eso es otra historia.

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Starship Exeter: The Savage Empire

Dirección: Josh Johnson, Jimm Johnson. Producción: Exeter Studio. Productor: Josh Johnson. Productor ejecutivo: Jimm Johnson. Guion: Jimm Johnson, Josh Johnson. Música: temas originales de TOSFotografía: Steve Anderson, Jimm Johnson, Josh Johnson, Jeff Lynk, Joel Sarchet, Mark Svara. Decorados: Jimm Johnson, Josh Johnson, Joel Sarchet, Jeff Lynk. Montaje: Jimm Johnson. Efectos ópticos: Jimm Johnson. Maquillaje: Jeff Lynk, Josh Johnson, Jimm Johnson. Vestuario: Jimm Johnson. Intérpretes: James Culhane [i.e. Jimm Johnson] (capitán John Quincy “Quince” Garrovicks), Joshua Caleb [i.e. Joshua Johnson] (oficial de comunicaciones, teniente andoriano B’fuselek), Michael Buford (jefe de seguridad, comandante Paul Cutty), Holly Guess (oficial científica jefe, comandante Jo Harris), Patrick Scullin (teniente Joseph “Joe” D’Agosta, de Seguridad), Keith St. Louis (gobernador andoriano Kinthmus, líder de la hermandad Tri’Leth), “Clint” Nathan Wolf (comandante klingon Chang), Brian Peter (andoriano, agente Número Siete), Ben Hazen (alférez Benjamin “Ben” Halley, de Seguridad), Mark Svara (oficial auxiliar de comunicaciones, alférez Marcus Hummel), Ian McLean (senador andoriano Therin), Richard Lamanchikafka (comodoro Jennings), Kegan Bader (teniente klingon), Jeff Lynx (klingon, Agente Número Seis), Jesse Johnson (guardia klingon), Clark Jones (oficial científico auxiliar, teniente Charles Watkins), Rolf Anderson (ingeniero USS Exeter), Charles Hackett (tripulante USS Exeter), Chris Cahoon (tripulante USS Exeter), Andy Heimstead (tripulante USS Exeter). Nacionalidad y año: Estados Unidos 2002. Duración y datos técnicos: 35 min. Color 1.33:1.

 

Agradecimientos: Fernando Martínez

 

Algunas direcciones de interés:

* Web oficial:

http://www.starshipexeter.com/

* Episodio 1: “The Savage Empire”

* Episodio 2: “The Tressaurian Intersection”

* “Making of The Savage Empire”, de Joel Sarchet

* Versión comentada por Jimm y Josh Johnson de “The Savage Empire”

* Antiguas web del Proyecto Starship Exeter:

http://web.archive.org/web/20120531064348/http://homepage.mac.com/starshipexeter/

http://web.archive.org/web/20080527194625fw_/http://homepage.mac.com/starshipexeter/exeterstudio/

 

 

[1] Herbert Solow y Robert H. Justman. New York: Pocket Books, 1996.

[2] Stephen Whitfield y Gene Roddenberry. New York: Ballantine Books, 1970.

[3] Franz Joseph. New York: Ballantine Books, 1975.

«Son pero no son: fan-films y fan-series de Star Trek (3ª parte)», por Fernando Martínez

Posted in Artículo, Ciencia ficción, Cine, Televisión on 2 diciembre, 2016 by belakarloff

Siguiendo con la serie de textos que estamos publicando para celebrar el 50 aniversario de la creación de la serie Star Trek, os ofrecemos aquí la tercera y última de las tres partes acerca de los fan-films dedicados a la materia, y de la que ya disponéis de su primera y segunda entregas.

Son pero no son: fan-films y fan-series de Star Trek (2ª parte)

por Fernando Martínez

 

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STAR TREK NEW VOYAGES / PHASE II (EE.UU., 2004-2016)

 

Star Trek New Voyages es probablemente la fan-serie basada en el universo Trek más conocida y popular. Nació en el año 2003, cuando los caminos de dos aficionados a la serie original de Star Trek se cruzaron en Las Vegas. Por una parte tenemos a Jack Marshall, que había intentado llevar adelante el proyecto con el nombre de 5yearmission y que tenía todo el material y los conocimientos técnicos para ello, pero al que le faltaba personal. Por la otra parte tenemos a James Cawley, que había trabajado en el departamento de vestuario de Star Trek: The Next Generation a las órdenes de William Ware Theiss (fallecido en 1992, en plena producción de dicha serie). Cawley disponía del personal que Marshall no tenía y además se responsabilizó de la mayor parte del coste de los decorados, parte de los cuales ya había construido a mano en el granero de su abuelo.

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James Cawley como Kirk, dirigido por David Gerrold

 

Marshall convence a Cawley de que esos decorados merecían ser vistos por los fans a través de Internet. Así, con 15.000 dólares de presupuesto, el 17 de enero de 2004 veía la luz el primer episodio de la serie, titulado “Come What May”. La distribución de este episodio supone una auténtica bomba entre el fandom trekkie: nadie hasta entonces había mimetizado de una forma tan precisa el look and feel de la serie original de Star Trek. Los decorados eran increíblemente perfectos, el vestuario era idéntico y la estructura narrativa del episodio recordaba enormemente a la legendaria serie de Roddenberry.

Aunque posteriormente este episodio fue relegado a “episodio piloto” o “episodio cero” debido a sus grandes limitaciones interpretativas, la semilla se había plantado: se dejaba definitivamente atrás la época de las imitaciones en tono paródico para entrar de lleno en la edad adulta. Tal fue la repercusión alcanzada por “Come What May” que llamó la atención del propio hijo del creador de Star Trek, Eugene “Rod” Roddenberry, que les ofreció su asesoramiento y ayuda, llegando a ejercer de mediador con el departamento legal de Paramount para llegar a un acuerdo por escrito mediante el cual el grupo de fans podría continuar filmando episodios sin temor a represalias de tipo legal. De esta forma, el 8 de octubre de 2004 (el mismo día del estreno de la cuarta temporada de Star Trek: Enterprise) se ponía en circulación el segundo episodio, con el título de “In Harm’s Way”.

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Eugene Roddenberry Jr. junto a J. J. Abrams

 

“In Harm’s Way” es una vibrante historia derivada del episodio clásico “The Doomsday Machine”, que se desarrolla en una línea temporal alterada, dado que el comodoro Decker no ha muerto al estrellar su lanzadera contra las entrañas del devorador de planetas, sino que ha sido trasladado en el tiempo hasta la década de los sesenta del siglo XX, donde conoció a una mujer y se casó. Pero todo esto también ha provocado que la destructora máquina haya viajado al pasado, a tiempo de destruir la USS Enterprise (aún al mando de Christopher Pike) y que por lo tanto provoque la alteración de todos los acontecimientos posteriores.

El episodio supone el comienzo del desfile de una gran cantidad de actores de la serie original, en este caso del propio William Windom (que aparece en una grabación de vídeo, puesto que su personaje ya ha fallecido), de Barbara Luna (la chica del capitán Kirk del universo espejo en TOS: “Mirror, Mirror”) y de Malachi Throne (el comodoro Méndez en TOS: “The Menagerie”) interpretando brevemente a un comandante klingon. El aspecto más destacable de este episodio son sus innovadores (y controvertidos) efectos especiales, creados en modo cartoon para dar mayor dinamismo al relato. Dichos efectos especiales, creación del ganador de un Oscar y dos Emmy Doug Drexler (bajo el seudónimo de Max Rem) permiten que las naves realicen espectaculares piruetas en pantalla, moviéndose de una forma que nunca se había visto antes. Gran parte de los fans criticaron este aspecto de la producción, pero la realidad es que, sin ellos, el dinamismo de la historia hubiera perdido muchos enteros.

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A principios de 2005, James Cawley contacta con Walter Koenig (Pavel Chekov en la serie original) para proponerle un cameo en el siguiente episodio. Koenig acepta, pero además aporta la primera colaboración realmente “de peso” a la fan-serie: un guion escrito por D.C. (Dorothy) Fontana, la autora más respetada del universo Trek. Así comienza el largo y tortuoso camino de “To Serve All My Days”, que supone los primeros problemas internos entre los miembros del equipo. Descontento con el rumbo que va a tomar la serie, Jack Marshall abandona el barco sin acabar de filmar el episodio (del cual era el director, al igual que lo fue de los dos primeros). Con Marshall también se va Doug Drexler, íntimo amigo suyo. El episodio se queda casi un año estancado, y es acabado a finales de 2006 gracias a la aportación de los (limitados) conocimientos del resto de miembros del grupo. Mientras tanto, en marzo de 2006 se editó el primero de los cortometrajes denominados “Vignettes”, que suponía la presentación de Sulu, el único miembro de la tripulación original que aún no había aparecido en la serie.

Pero volviendo a “To Serve All My Days”, técnicamente supone el salto al formato panorámico (hasta entonces se había filmado en el formato 4:3 típico de la serie original, una de las cosas que Jack Marshall deseaba mantener a toda costa) y la consolidación de la producción de fans basado en un sólido guion típico de Fontana, donde dos subtramas se desarrollan de forma paralela y una de ellas tiene el habitual trasfondo político-diplomático de la escritora. La otra trama, la del envejecimiento y posterior muerte del personaje de Chekov, está tratada con un cierto aire espiritual e incluso onírico. Dicha muerte, exigida por el propio Walter Koenig para poder librarse definitivamente del personaje que lo ha acompañado toda su carrera (pero que luego volvió a retomar en Of Gods and Men y en Renegades) generó de nuevo una encendida polémica entre los fans, sobre todo cuando vieron que el joven Chekov regresaba tan fresco en el siguiente episodio. Dos años después se distribuyó un final alternativo donde se insinuaba que toda la historia había sido un sueño de Chekov después de una noche con demasiado vodka consumido.

Mientras se terminaba “To Serve All My Days”, otro gran proyecto aparecía en la mesa: un guion escrito por los prestigiosos guionistas Marc Scott Zicree y Michael Reaves y que contaban con la participación de George Takei (Hikaru Sulu en la serie original) como protagonista. James Cawley rechazó inicialmente la idea, bajo el pretexto de que no quería “profesionalizar” demasiado el asunto. Pero Zicree insistió y finalmente logró vender la idea, ya que el propio Zicree se comprometió a ser el director del episodio y a buscar a un equipo de miembros competentes para los efectos especiales (algo que había lastrado bastante el resultado final del episodio anterior). De esta forma arrancaba la producción de “World Enough and Time”, una absoluta joya de las producciones de fans y probablemente una de las mejores historias escritas para el universo Trek.

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Para el papel de la hija de Sulu, Zicree escogió a la actriz Leslie Silva (Oddysey 5), la cual se echó atrás tres semanas antes de la fecha prevista del comienzo de la filmación debido a compromisos profesionales. Se tuvo que recurrir a un casting de emergencia entre las estudiantes de cine de la Universidad de Los Ángeles, en el que se buscaba una joven afroamericana que aparentara alrededor de treinta años. La escogida fue Christina Moses (co-protagonista actualmente de las series The Originals y The Vampire Diaries), una perfecta desconocida que tenía algo de experiencia en teatro, pero que nunca se había puesto delante de una cámara.

Con la experiencia de un profesional detrás de las cámaras, Star Trek New Voyages da un espectacular salto de calidad en todos los aspectos. Incluso los actores habituales, lastrados por su amateurismo, parecen haber pasado por un curso intensivo de interpretación y componen sus personajes como nunca antes lo habían hecho. La historia, asimismo, es fantástica: un accidente en el transportador hace que el joven Sulu se materialice treinta años más viejo, dando entrada a un Takei que realiza la mejor interpretación de su carrera. Dado que la Enterprise se halla atrapada en un campo subespacial generado por la destrucción de un arma experimental romulana, al “viejo Sulu” le acompaña su hija Alana, fruto de su relación con la tripulante que le acompañaba en el momento del accidente y que los trasladó a un lejano planeta en un universo paralelo.

Todo el episodio es brillante, y narrado en forma de flashback por el Sulu que ya es capitán de la USS Excelsior (como vimos en Star Trek VI: The Undiscovered Country). Las escenas del puente de la Excelsior fueron rodadas en los propios estudios de Paramount en Los Ángeles, mientras que el resto del episodio se hizo en el habitual emplazamiento Port Henry, al Norte de Nueva York. Un episodio que ningún aficionado a Star Trek debería perderse, y que tuvo el mérito de ser la primera producción de aficionados en ser finalista de los prestigiosos premios Nebula (2007) y Hugo (2008), compitiendo contra gigantes de la industria como Doctor Who, Battlestar Galactica o El laberinto del fauno. Como curiosidad final, Zicree y Reaves presentaron a CBS a finales de 2008 un proyecto para una nueva serie de televisión basada en Sulu y la tripulación de la USS Excelsior, que fue rechazado debido a que todos los esfuerzos de la franquicia estaban centrados en el inminente reboot de la mano de J.J. Abrams.

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Peter Kirk junto a su pareja

 

El siguiente paso de Star Trek: New Voyages también supuso un enorme reto: filmar el mítico guion de David Gerrold “Blood and Fire”, rechazado en 1987 por los responsables de Star Trek: The Next Generation debido a que la trama giraba en gran parte alrededor de la relación homosexual entre dos miembros masculinos de la tripulación. Cawley y su equipo, con el propio Gerrold haciéndose cargo de la dirección, plantean la idea en un formato de episodio doble, y acentúan aún más la presencia de la relación gay al introducir al sobrino del capitán (Peter Kirk, visto en TOS: ”Operation: Annihilate”) como uno de los implicados en ella. Peter acaba de graduarse en la Flota Estelar y ha usado la influencia de su apellido para ser asignado a la Enterprise, donde sirve su pareja como miembro del equipo médico. Bajo la premisa de la amenaza de una plaga de parásitos provocada por el fallo de un experimento secreto de la Sección 31 para crear un arma que aniquile a los klingon, la historia va perdiendo fuelle según van pasando los minutos. Si Marc Zicree (que también realizaba su debut como director en el episodio anterior) supo mantener el nivel durante todo el metraje, la inexperiencia de Gerrold se hace patente rápidamente, sobre todo en la segunda parte del episodio. La historia tiene su final trágico y funciona, pero se esperaba mucho más. La actriz invitada en este episodio fue Denise Crosby (Tasha Yar en Star Trek: The Next Generation).

Durante el rodaje de “Blood and Fire” se produce el traspaso de los derechos de la serie original de Star Trek (y de la serie de animación) desde Paramount a CBS, como parte de una operación de “adelgazamiento” del grupo Viacom (al que pertenece Paramount) debido a la ya preocupante crisis económica mundial. El departamento legal de CBS renegocia con el grupo de fans el acuerdo vigente, y lo amplía cediéndoles todos los guiones comprados en 1976 para la nunca realizada serie de televisión Star Trek Phase II, e incluso les permite cambiar el nombre de la producción. James Cawley se entusiasma con la idea, y fija su siguiente objetivo: filmar el mítico Kitumba escrito por John Meredith Lucas, la historia donde se nos iba a presentar por primera vez el funcionamiento interno de la sociedad klingon. Un episodio que requería por primera vez de filmación en exteriores, concretamente en un recinto amurallado de la ciudad de Ticonderoga que luego sería retocado digitalmente.

Parte del material filmado en la primera ocasión fue descartado, y los permisos necesarios para conseguir la segunda autorización se retrasaron cerca de dos años, por lo que hubo que improvisar un episodio de transición para que no quedara todo parado. Dicho episodio, de título “Enemy: Starfleet” es escrito por dos de los miembros del equipo de fans y eso se nota en exceso: supone un bajón de calidad narrativa de grandes proporciones. Junto a ello, de nuevo una parte importante del equipo de efectos especiales abandona el proyecto y dicho episodio también sufre un retraso considerable. “Enemy: Starfleet” se estrena en mayo de 2011, y cuenta de nuevo con la participación de la actriz Barbara Luna dando vida a la líder de un grupo de piratas espaciales que se han apoderado de una nave de la Federación perdida años atrás y que la han modificado hasta hacerla prácticamente indestructible, provocando una guerra entre dos razas alienígenas y en la que la Enterprise se ve directamente implicada.

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Pero a pesar de todos estos escollos, este episodio supone la aparición de dos maestros de los efectos especiales, que ya serán parte fija del equipo hasta la actualidad: Pony Horton (EE.UU.) y Tobias Richter (Alemania), este último considerado uno de los grandes animadores 3D en Europa pero que nunca había tenido contacto con producciones norteamericanas dado que es dueño de su propia compañía, The Light Works. Ambos le darán a Star Trek New Voyages / Phase II el salto de calidad definitivo en el aspecto visual.

Mientras “Kitumba” seguía con su tortuoso proceso de producción, el grupo se propone filmar otro de las historias cedidas de Star Trek Phase II. En esta ocasión se trata de “The Child”, escrita por Jon Povill y Jaron Summers. y que ya fue usada en la segunda temporada de Star Trek: The Next Generation al coincidir con una huelga de guionistas en Hollywood. Povill renegó durante años del resultado, pues la historia había sido escrita para estar centrada en el personaje de Ilia, la tripulante deltana de Star Trek: The Motion Picture y que ya iba a aparecer en la primitiva Star Trek Phase II. De todas formas, el grupo de Cawley tampoco pudo cumplir la promesa de respetar el guion original al no encontrar a ninguna actriz dispuesta a raparse por completo el cráneo sin compensación económica (la idea era introducir a Ilia ya como personaje fijo en la serie, al igual que ya habían hecho con el vulcano Xon en “Blood and Fire”). El episodio fue un completo desastre, carente de gancho para el espectador. Comenzaba un descenso cuesta abajo y sin frenos.

Por fin llegó el momento esperado por todos: “Kitumba” se estrenaba a finales del año 2013, con una breve aparición del actor Gil Gerard (protagonista de la televisiva Buck Rogers de los años ochenta del siglo XX). La ambientación es estupenda, el vestuario y maquillaje están a la altura de lo esperado y la historia es atractiva… pero un excesivo metraje (en la original Star Trek Phase II estaba previsto que fuera un episodio doble) hacen que tenga ciertos momentos de monotonía y se haga relativamente repetitivo. Además, durante los días previos a la distribución del episodio, se hace público que James Cawley ya no interpretará más el papel de Kirk debido a sus compromisos profesionales (Cawley es imitador profesional de Elvis Presley, y está considerado uno de los mejores del mundo).

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Kitumba

Aunque no es oficial, se rumoreó también que las constantes críticas de cierta parte de los fans hacia su incapacidad de mejorar su interpretación influyeron en esa decisión. El papel fue asignado a Brian Gross, actor profesional aunque limitado a puntuales papeles de invitado en algunas de las series más conocidas de la televisión estadounidense, como las diversas variantes de NCIS o CSI. El episodio fue dirigido por el actor de doblaje, cantante y showman Vic Mignogna, que poco después abandonaría el grupo por su constante enfrentamiento con Cawley, llevándose con él a algunos de los actores fijos para comenzar su propia fan-serie, Star Trek Continues.

Como parte de la evolución de la serie, se presenta a Brian Gross como el nuevo rostro de James Kirk en el corto “Going Boldly”, donde también se realiza una majestuosa presentación del nuevo aspecto de la USS Enterprise siguiendo los diseños de Matt Jefferies para la nunca realizada Star Trek: Phase II. Una escena absolutamente espectacular, donde también se introduce por primera vez a un tripulante completamente generado por ordenador, el alienígena de tres brazos Arex (visto en la serie oficial de animación de los años setenta). Poco después se anuncia el lanzamiento de “The Holiest Thing”, el primer episodio que mostraría el nuevo aspecto de la nave, pero la distribución fue abortada pocas horas antes de la fecha anunciada (14 de febrero de 2014) alegando problemas técnicos en el montaje final.

El episodio fue escrito y filmado en tiempo récord y tenía como objeto presentarnos a la doctora Carol Marcus (madre del hijo de James Kirk y vista en Star Trek II: The Wrath of Khan y Star Trek III: The Search for Spock) cuando se supo que el personaje iba a aparecer en la segunda película del reboot de J.J. Abrams Star Trek: Into Darkness.

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Mind-Sifter

 

Mientras se esperaba la versión definitiva de “The Holiest Thing”, el grupo filmó “Mind-Sifter”, donde se regresaba a la filmación en formato 4:3 (que ya estaban usando en Star Trek Continues con gran aceptación por parte de los fans) y se contaba una historia que claramente homenajeaba a uno de los episodios más queridos por los fans de Star Trek: “TOS: The City on the Edge of Forever”. En ella, los klingon se hacen con el control del planeta donde se encuentra el Guardián del Tiempo y capturan a Kirk, sometiéndolo a tortura con una máquina que afecta a sus recuerdos. Kirk logra escapar a través del Guardián y acaba recluido en una institución mental de los años cincuenta del siglo XX, recibiendo los cuidados de una enfermera que recuerda enormemente a Edith Keeler, el entrañable personaje que inmortalizó Joan Collins. El capítulo recupera parte de la calidad de los primeros años de la serie, después de varios episodios en los que parecía que la producción estaba condenada al olvido. Como curiosidad, cabe destacar que en este episodio aún se utiliza el modelo clásico de la USS Enterprise y que el proyecto regresa a su denominación original Star Trek New Voyages sin explicación alguna.

Finalmente, en enero de 2016, “The Holiest Thing” se presenta de forma oficial. Es seguramente el peor episodio de toda la serie, a pesar de la convincente interpretación de la actriz Jacy King (una habitual secundaria de la serie Glee). La trama es completamente desastrosa, dado que los guionistas se centraron casi en exclusiva en la relación romántica entre Kirk y Carol Marcus, dejando de lado todo lo demás. Además, en el montaje definitivo se cambió la escena final, en la que originalmente Carol Marcus abandonaba a Kirk estando ya embarazada, a sabiendas de que el capitán nunca podría dedicarse a ella en cuerpo y alma debido a sus estrechos lazos con la Enterprise y sus misiones. La escena alternativa fue filmada de nuevo (casi dos años después de la original) y, por mucho que se esforzaron, el aspecto de ambos actores era radicalmente diferente e incluso todo el fondo de la habitación de Kirk fue generada por ordenador al no filmarse en los decorados originales. Una auténtica chapuza indigna de un proyecto con más de una década de vida y con una fama merecidamente ganada.

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Star Trek New Voyages anunció el cese definitivo de sus actividades en mayo de 2016, pocas semanas antes de que CBS publicara sus controvertidas “reglas de uso” para las producciones de fans. En un mensaje a través de Twitter, James Cawley anunció que quería dedicarse por completo a su familia y que no podría seguir estando al cargo del proyecto, pero la realidad es otra bien diferente: acababa de firmar un jugoso acuerdo oficial con CBS por el cual sus magníficos decorados formarán parte oficial de la franquicia con la denominación de “Star Trek Original Series Set Tour” (http://startrektour.com), donde los visitantes (previo paso por taquilla) podrán pasearse por dichos decorados, incluyendo el impresionante y detallado puente de mando en 360 grados completamente acabado.

Star Trek New Voyages deja tres episodios inacabados, el primero de los cuales tenía que ver la luz antes de acabar el año 2016 y que era una secuela del episodio clásico “For the World Is Hollow and I Have Touched the Sky”, en el cual participaba Richard Hatch (que interpretaba el personaje de Apolo en la Galactica original) como actor invitado.

Como último apunte, decir que Star Trek New Voyages fue la primera fan-serie en tener grupos de apoyo, traducción y subtitulación en varias partes del mundo, siendo el primero de ellos el que se estableció en España en junio de 2004 en http://www.trekminal.com. Este hecho abría el amplio mercado de habla hispana a un proyecto que acababa de nacer. Dicho grupo, que dejó de estar activo a finales de 2011, continúa manteniendo su página web oficial mostrando todo el trabajo realizado y manteniendo enlaces a los nuevos episodios filmados a partir de esa fecha que se distribuyen a través del canal oficial de YouTube, y que son traducidos por otro grupo de entusiastas fans. También realizaron en 2006 el doblaje al castellano del primer cortometraje (“Center Seat”, titulado en español “El sillón de mando”) tras un casting público en Barcelona al que acudieron una veintena de fans de la serie.

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STAR TREK THE NEXT GENERATION: A TALE OF TWO CITIES (EE.UU., 2011)

Producción inicialmente pensada para ser una versión pornográfica de Star Trek: The Next Generation, pero que al final fue reconducida hacia un terreno más generalista. El título originalmente jugaba con el apellido de Charles Dickens, autor de la novela del mismo título (“dick” es una de las formas coloquiales de decir “pene” en el mundo anglosajón). Finalmente se eliminaron las escenas subidas de tono y se rodaron algunas nuevas para sustituirlas, quedando el metraje final en poco menos de 30 minutos. Narra una aventura de la USS Enterprise en un planeta muy similar a la Tierra, donde su tripulación descubre una desconocida fuente de energía que emana de una extraña caja que contiene el cuerpo criogenizado de Tasha Yar, la oficial de seguridad de la nave interpretada por Denise Crosby en la primera temporada de la serie oficial. Una de las curiosidades de esta producción es que la intro es la original de Star Trek: The Next Generation… pero narrada en alemán. https://www.youtube.com/watch?v=NzDIACP8nf8

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STAR TREK: DECEPTION (Reino Unido, 2013)

Ambientado en la época de TNG/DS9, este cortometraje de ocho minutos de duración está dirigido por Leo Tierney. Rodado en decorados reales (con posteriores retoques digitales), narra las peripecias de dos oficiales de la Flota Estelar que transportan a un prisionero klingon en una lanzadera tipo Runabout y que durante su viaje son interceptados por una nave renegada klingon, que quiere recuperar a su camarada a cualquier precio. Hay que destacar sus efectos especiales, de una calidad realmente notable.

Una segunda entrega está en camino… si CBS no lo impide.

http://www.startrek-deception.com

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STAR TREK CONTINUES (EE.UU., 2013-actualidad)

Al igual que Star Trek New Voyages, la intención de Star Trek Continues es emular al máximo el estilo visual y narrativo de la serie original de Star Trek, aunque en este caso son mucho más estrictos: filman sus episodios siempre en formato 4:3, casi todos los planos de efectos especiales generados por ordenador de la USS Enterprise son prácticamente idénticos a los originales de los años sesenta del siglo XX y apenas se incorporan elementos nuevos que hagan suponer una “evolución” tecnológica. El único elemento novedoso es la presencia de una consejera en la nave (al estilo del personaje de Deanna Troi en Star Trek: The Next Generation).

La historia de Star Trek Continues deriva de otra producción de fans de escaso impacto entre los fans, Starship Farragut, donde se habían reunido varios pequeños grupos de fans junto a personas procedentes de otras producciones que ya estaban en marcha. Habían filmado tres episodios en unos extraordinarios decorados situados en Kingston, una ciudad del estado de Georgia. El director del tercer episodio, “The Price of Anything”, fue Vic Mignogna, un conocido actor de doblaje, cantante y showman que simultáneamente también dirigía el episodio “Kitumba” de Star Trek New Voyages / Phase II. Con todo el personal disponible y unos decorados inmejorables, Mignogna propone el ambicioso reto de ir más allá de lo que ya había hecho Star Trek New Voyages / Phase II, reclutando para el proyecto a varios de los ex miembros de dicha producción (como los fundadores Jack Marshall y Doug Drexler), así como a una cara que iba a ser el gancho nostálgico para los fans: la incorporación de Chris Doohan para el papel del ingeniero Montgomery Scott, recogiendo el testigo del personaje que hizo famoso a su padre (Chris es hijo de James Doohan, el actor que daba vida a Scotty en la serie original de Star Trek). También cuentan con la colaboración de la actriz Marina Sirtis (Deanna Troi en Star Trek: The Next Generation) para poner voz a la computadora de la nave.

La cosa no podía comenzar de una forma más ambiciosa: el primer episodio, “Pilgrim of Eternity”, tenía como invitado especial al actor Michael Forest, que repetía su papel de Apolo visto en TOS: “Who Mourns for Adonais”. En este caso, Apolo ha sido expulsado de su Olimpo particular y condenado a viajar eternamente por el espacio en una nave-prisión… hasta que se cruza con la Enterprise. El episodio nos muestra una cuidada producción, donde los detalles destinados a la nostalgia de los fans están en muchas ocasiones por encima de la historia. Este primer episodio se presentó en la ComicCon de Phoenix en mayo de 2013 con una entusiasta respuesta por parte de los aficionados.

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Lolani

 

A diferencia de otras producciones mencionadas aquí, que no tienen plazos definidos para la distribución de sus episodios, Star Trek Continues se propone entregar a los fans dos episodios por año. De esta manera, a principios del año 2014 se presenta “Lolani”, un episodio que nos adentra en la sociedad de la raza del sistema de Orión. La Enterprise rescata a una esclava de esta raza (ya saben, aquellas que solo con el roce de su piel pueden volver loco a cualquier ser masculino de la galaxia) después de que ha matado a sus compradores. Pero las leyes de Orión dicen que, en estos casos, la esclava ha de ser retornada a su anterior dueño. Y dado de la Federación no tiene relaciones diplomáticas con el sistema de Orión, dicho personaje no tarda en reclamar a la chica.

El personaje del tratante de esclavas está interpretado por Lou Ferrigno (el actor que se hiciera popular interpretando al Hulk televisivo de los años ochenta del siglo XX) y que, para variar, aparece con su impresionante físico pintado de verde dispuesto a lo que sea para recuperar a su esclava. Un episodio con una primera parte algo monótona y repetitiva pero que sube de nivel con la aparición del personaje interpretado por Ferrigno, y que consolida a Star Trek Continues como la fan-serie del momento, dado que la crisis interna en Star Trek New Voyages ya era más que evidente.

Con los ojos de los fans puestos en ellos, Mignogna y su equipo presentan en la ciudad australiana de Sydney su tercer episodio en junio de 2014, el estupendo “Fairest Them of All”, una secuela directa de uno de los episodios más populares de la serie original de Star Trek, “Mirror, Mirror”. Al final de dicho episodio (ambientado en el popular Universo Espejo) Kirk, McCoy, Scotty y Uhura consiguen convencer al Spock alternativo de que lo mejor para ambas partes es que cada grupo regrese al universo al que pertenece. En la serie original de Star Trek pudimos asistir al regreso de nuestros protagonistas a la Enterprise original pero… ¿qué ocurrió en el otro universo? Para ello, los responsables de Star Trek Continues replican plano a plano y palabra por palabra los últimos minutos del episodio original (un extraordinario ejercicio de orfebrería técnica) y a continuación reemprenden la historia de los personajes “malvados” que acaban de regresar.

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El reverso tenebroso de Star Trek

Todo el episodio se desarrolla en el marco del Universo Espejo, y está repleto de detalles que satisfacen el paladar del fan más exigente. Al igual que ocurriera en la segunda parte del episodio de Star Trek Enterprise “In A Mirror, Darkly”, no existen barreras para mostrar la crueldad de los miembros de Imperio Terrano y su peculiar forma de “administrar justicia”. La guinda del pastel la pone la escena final, filmada en las instalaciones de la NASA en Houston, donde se estaba restaurando la maqueta original de la lanzadera Galileo7 usada en el episodio del mismo título de la serie original de Star Trek.

En mayo de 2015 se presenta el cuarto episodio titulado “The White Iris”, que tiene como actor invitado a Colin Baker, la sexta encarnación televisiva del personaje protagonista de la longeva producción de la BBC Doctor Who. El episodio, algo monótono, es un homenaje a todas las mujeres que han sido importantes en la vida del capitán Kirk. De esta manera, y con la excusa de una agresión a Kirk durante una misión diplomática y su posterior paso por la enfermería, el capitán comienza tener visiones y a interactuar con Edith Keeler (TOS: “The City on the Edge of Forever”), con Miramanee (TOS: “The Paradise Syndrome”), con Rayna (TOS: “Requiem For Methuselah”) y con Nakia, un romance que Kirk tuvo durante su asignación a la USS Farragut previamente a tomar el mando de la Enterprise. En su presentación en la ComicCon de Phoenix de ese año 2015 también se anuncia que los estudios donde están construidos los decorados pasan a ser de propiedad exclusiva de Star Trek Continues, bautizados como “Stage 9”, el mismo nombre que tenían los estudios de Desilu donde se filmó la serie original entre 1966 y 1969.

El quinto episodio, de título “Divided We Stand”, es presentado en septiembre de 2015, y supone el punto más bajo de calidad hasta ahora. Imitando a uno de los típicos episodios “de época” de la serie original, la historia traslada a Kirk y McCoy a la época de la guerra civil norteamericana. Aprovechando una de las múltiples recreaciones que se celebran cada año en diversos escenarios naturales de EE.UU., los integrantes de Star Trek Continues consiguieron un buen puñado de escenas de la batalla de Olustee (Lake City, Florida, 20 de febrero de 1864), así como el vestuario y los extras necesarios. En realidad, Kirk y McCoy están inconscientes en la enfermería tras una explosión accidental en el puente de mando, y los constantes cambios de escenario y la necesidad de interconectar ambos escenarios lastra en exceso al desarrollo del episodio. Afortunadamente, existe una gran cantidad de fans de este tipo de episodios, y la gran tradición existente en EE.UU. sobre esa época de su historia hicieron que el episodio superara la prueba.

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Conscientes de que el nivel alcanzado con el tercer episodio era el espejo en el que debían mirarse, el grupo se embarca en su proyecto más ambicioso hasta el momento. El sexto episodio, de título “Come Not Between the Dragons”, se presenta en mayo de 2016 en el marco de la FedCon de Alemania, y es distribuido un par de semanas después. La actriz invitada en esta ocasión es Gigi Edgley (Farscape) y por primera vez se nos muestra a una entidad alienígena en imagen real, al más puro estilo pulp tan característico de la serie original de Star Trek. Dicho alienígena, llamado Usdi, es diseñado y construido por el artista Greg Dykstra, un habitual de las producciones de Pixar y cuyos comienzos artísticos se remontan a la producción de Tim Burton Nightmare Before Christmas (1993).

Dykstra también es el autor del guion de este episodio, donde se nos muestra a una criatura que se refugia en la Enterprise huyendo de uno de los ataques de ira de su padre, cuyo enorme poder pone en serio peligro a la nave y a toda su tripulación. El episodio es delicioso y entrañable y trata, como es habitual en la historia de Star Trek, uno de esos temas tabú que están presentes en nuestra sociedad y que todo el mundo intenta minimizar y ocultar: el maltrato infantil (algo que, casualidad o no, fue incorporado como parte de la infancia del Kirk alternativo mostrado en el reciente reboot de J.J. Abrams). “Come Not Between The Dragons” es otro de esos episodios que ningún aficionado al Star Trek clásico debería perderse.

Aparte de estos episodios, Star Trek Continues también han filmado tres cortometrajes: “Turnabout Intruder” (una continuación del episodio final de la serie original del mismo título), “You’ve Got the Conn” y “Happy Brithday, Scotty”, sin nada notable que aportar a la fan-serie en su conjunto.

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Tras la publicación en junio de 2016 de las polémicas “normas de uso” por parte de CBS y que afectan a todas las producciones de fans, Star Trek Continues aseguró a sus fans la publicación y distribución de su séptimo episodio en septiembre de 2016, con el título de “Embracing the Winds”. Y cumplieron su promesa: nos obsequiaron con un episodio más reflexivo de lo habitual. Muy en la línea de los episodios clásicos “Court Martial” o las escenas nuevas de “The Menagerie”, el capítulo nos muestra una temática que está muy de actualidad: no todos los prejuicios entre los seres humanos han sido superados por mucho que así se quiera hacer ver a la opinión pública. En este caso se muestran las reticencias de ciertos miembros del mando de la Flota Estelar a permitir que una mujer sea la primera capitana de una nave estelar. ¿Un anticipo de lo que realmente subyace en la conciencia de la ciudadanía norteamericana y que ha aflorado bruscamente con la reciente victoria electoral de Donald Trump?

Los responsables de Star Trek Continues prosiguen con su intensa actividad en las redes sociales y sus apariciones en convenciones de fans alrededor del mundo, pero de momento no han anunciado nada concreto sobre el rodaje de nuevos episodios.

http://www.startrekcontinues.com

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STAR TREK: (PRELUDE TO) AXANAR (EE.UU., 2014)

Y con ellos llegó el lío. Así de claro podríamos describir lo que la distribución del cortometraje Prelude To Axanar supuso en julio de 2014. Por primera vez, y tras una exitosa campaña de crowdfunding (más de 600.000 dólares recaudados), un grupo de actores y equipo técnico completamente profesional se disponían a realizar una película independiente del más alto nivel. Olvídense de Of Gods and Men o de Renegades… Lo de Axanar iba realmente en serio, con el respaldo de una empresa constituida exclusivamente (en principio) para la realización de la película.

CBS/Paramount había sido muy tolerante hasta ese momento con las producciones de fans, siempre y cuando cumplieran aquella máxima de que “no se obtuviera ningún beneficio económico a cambio”, pero lo ambicioso del proyecto Axanar comenzó a poner nerviosos a los servicios legales de la compañía. Se había traspasado la línea roja (según los abogados de CBS/Paramount) que separaba la simple devoción por el legado de la franquicia de lo que parecía ser el comienzo de un fructífero negocio. Y no se lo iban a permitir. Pero antes, veamos qué es (o que pretendió ser) Axanar

El proyecto Axanar nace en la mente de Alec Peters en 2010, cuando todavía era empleado de CBS Consumer Products (la división de la compañía dedicada a la comercialización de todo el merchandising oficial de la franquicia). Anteriormente había estado trabajando para Paramount en diversos campos, como por ejemplo siendo uno de los responsables de la subasta de los decorados del Star Trek Experience que estuvo alojado durante años en el Hotel Hilton de Las Vegas.

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Peters comienza a planear la filmación de uno de los episodios de la línea temporal de Star Trek que nunca habían sido llevados a la pantalla: las hostilidades entre la Federación y el Imperio Klingon acontecidas aproximadamente dos décadas antes de la época en la que se sitúa la serie original. Ambos bandos están en plena época de expansión, y las hostilidades se hacen cada vez más evidentes en las teóricas fronteras que los separan. La mediación de los vulcanos no parece funcionar, y los klingon se sienten cada vez más fuertes, y cuando ven que la Federación puede ser un obstáculo más serio de lo que creían en un principio comienzan el desarrollo de un poderoso nuevo modelo de nave de combate, el conocido crucero D7.

La Flota Estelar, que lleva tiempo inmersa en la construcción de las nuevas naves clase Constitución (a la que pertenecerá la USS Enterprise), ha de cambiar rápidamente de estrategia y desarrollar un nuevo tipo de nave de combate, la clase Ares. El capitán Garth de Izar (héroe de infancia de Kirk y visto en TOS: “Whom Gods Destroy”) es el encargado de realizar las primeras y exitosas incursiones en territorio klingon con el nuevo prototipo de nave de combate. Garth de Izar, sabedor de que la inteligencia klingon ha descubierto el lugar donde se están construyendo las naves de la Flota Estelar, idea un ingenioso plan-trampa para atraer al grueso de la flota klingon a aquella zona, el planeta Axanar. El plan fue un éxito y los klingon salieron derrotados y muy mermados de ese enfrentamiento, dando lugar a la frágil tregua vista en la serie original de Star Trek.

Toda esta historia sería contada en un largometraje, pero previamente los responsables de la producción pusieron en circulación un cortometraje-documental en el que los actores que participaban en la película (todos ellos profesionales) interpretaban ya sus papeles y ponían al espectador “en situación” para preparar el terreno de cara al largometraje. También se incluían algunas escenas ya finalizadas de la película, todas ellas de una calidad apabullante. Nada que envidiar a una producción profesional de Hollywood, algo no visto hasta entonces en una producción independiente. Prelude To Axanar fue un éxito completo, con decenas de miles de visionados en YouTube en el primer mes tras su presentación en la ComicCon de San Diego en julio de 2014. Iluminación, fotografía, vestuario, efectos especiales… todo era abrumadoramente perfecto. Las interpretaciones de los actores (muchos de ellos conocedores de la franquicia por haber participado en alguna de las series de la misma) también eran de una calidad sobresaliente.

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Lamentablemente, Axanar nunca llegará a ver la luz. En diciembre de 2015 (pocos días después de que CBS anunciara el comienzo de la producción de una nueva serie oficial para televisión en 2017) y sin previo aviso, CBS y Paramount demandaron en un tribunal de Los Ángeles a la compañía de Peters (Axanar Productions Inc.) por la violación sistemática de derechos de autor, sembrando la incertidumbre entre el fandom y colocando en una delicada encrucijada al resto de producciones de fans que seguían activas.

Los últimos movimientos de CBS (las estrictas “normas de uso” para las producciones de fans, publicadas en junio de 2016) apuntan a que el asunto Axanar acabará resolviéndose amistosamente, pero la dulce relación entre la compañía y los fans ya ha quedado seriamente dañada. Aun así, durante la campaña de promoción de la última película Star Trek: Más allá, el director Justin Lin y el productor J.J. Abrams realizaron unas declaraciones en la propia cadena CBS mostrándose partidarios de que la demanda se retire y ambas partes se sienten a hablar sin demandas de por medio. CBS no ha movido ficha de momento, pero tampoco parece que, vistos los problemas que está teniendo la pre-producción de la nueva serie para televisión Star Trek Discovery, la prioridad de CBS/Paramount sea la de continuar con esta absurda situación.

http://www.axanarproductions.com

La reacción de los fans no se hizo esperar, y pocas semanas después veía la luz un cortometraje realizado con marionetas digitales titulado Stailed Trek: Prelude To Ax’d-We-Are, donde se recreaba el corto original y sólo se cambiaban los nombres de los personajes y cualquier referencia explícita a Star Trek.

https://www.youtube.com/watch?v=_cnHe0oIJIs

 

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STAR TREK: CHASING THE INFINITE SKY (EEUU; 2016)

Cortometraje de apenas cinco minutos de duración y realizado completamente a base de planos digitales de enorme calidad. No se puede decir que tenga un argumento concreto, pero es el único fan-film conocido que utiliza los diseños de naves de la línea temporal alternativa del reboot de J.J. Abrams, así como su peculiar estilo visual con los famosos y controvertidos reflejos en la cámara.

Para finalizar esta sección, comentar que existen docenas de montajes alternativos realizados por fans que están basados en las películas de Star Trek o en algunos de sus episodios más célebres. La gran mayoría de ellos están recopilados en la web http://www.fanedit.org, pero dichos videos son muy difíciles de encontrar debido a que Paramount nunca ha visto con buenos ojos este tipo de “manipulación” de su producto, e incluso ha llegado a amenazar a sus creadores con demandas legales.

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El futuro: CBS/Paramount y su peculiar formar de calmar los ánimos

El pasado mes de junio de 2016, CBS/Paramount hacía público en su página oficial http://www.startrek.com/fan-films un documento inesperado: las reglas de uso (o “guidelines”) que, a partir de ese momento, debían acatar todas las producciones de fans basadas en la franquicia de Star Trek. Y recalco lo de acatar porque no era una recomendación para poner fin a la incertidumbre generada por la demanda legal contra los responsables de Axanar, sino un decálogo de estrictas normas dirigidas a limitar la proliferación de este tipo de producciones.

No es la primera vez que los propietarios de los derechos de Star Trek actúan de esta forma. A mediados del año 1999, y también sin previo aviso, el departamento legal de Paramount Pictures enviaba un requerimiento por escrito a los responsables de una veintena de páginas web que ofrecían noticias e información sobre las novedades de Star Trek (operadas básicamente desde EE.UU. y Europa) para que cesaran su actividad. Internet estaba ya convirtiéndose en un medio de comunicación asequible de forma masiva a la sociedad occidental, y se vislumbraba un próspero futuro para la red global. Es más, la propia Paramount había inaugurado en la segunda mitad de 1998 su portal web oficial de Star Trek, dejando de ser una sección más dentro de la página principal de la compañía.

Paramount argumentó que se había realizado esta “limpieza” para proteger los derechos de autor de la compañía, aunque en un mundo cada vez más comunicado comenzó a correr rumores sobre la verdadera razón de este movimiento. Una de ellas apuntaba a que, una vez establecido su portal de noticias y merchandising oficial, Paramount no quería una competencia que escapaba a su control. Otro de esos rumores, probablemente con más fundamento, fue la filtración del argumento de la novena película de la saga para el cine, Star Trek Insurrection (a estrenar en diciembre de ese año 1999) y que, como ley básica de vida en Internet, se propagó rápidamente entre las páginas web especializadas. La criba fue completamente aleatoria: se requirió el cierre de pequeñas (pero activas) páginas mantenidas por aficionados, mientras que portales más grandes (y diversificados en distintos temas relacionados con el cine y el género fantástico) no se veían afectados. Es como si la gente del departamento legal de Paramount hubieran hecho una simple búsqueda en Yahoo o AOL (los buscadores más utilizados en aquella época, la “era Google” aún no había llegado) y hubieran seleccionado las direcciones web de los resultados que aparecían en primer lugar. Lógicamente, dichas páginas web cerraron casi de inmediato ante el inesperado apocalipsis que se les venía encima.

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Star Trek: Némesis

 

Este agresivo movimiento de Paramount no consiguió (obviamente) su objetivo. El desarrollo de Internet ya era imparable, y la información fluía cada vez con mayor rapidez y en mayor cantidad. No se le podían poner puertas al campo. Y, como guinda del pastel, los fans de Star Trek comenzaban a hacer sus propias películas cada vez con mayor calidad gracias a la llegada de los medios digitales y la cada vez más ingente presencia de potentes ordenadores personales en los hogares. Y no hubo movimientos extraños por parte de Paramount, que estaba más preocupada por el cada vez más evidente agotamiento de la franquicia, que echó el cierre en cine tras el fracaso comercial de Star Trek Nemesis (2002) y poco después anunciaba el parón definitivo de sus productos para televisión a finales de 2004. Tiempo de reflexión, alegaron en aquel momento.

Como ya hemos comentado en la sección anterior, uno de los fan-films más populares en ese momento, Star Trek New Voyages, consiguió un acuerdo con Paramount para poder continuar su actividad sin incurrir en problemas legales. Esto dio alas a otros proyectos de fans, que bajo el supuesto de que la misma regla se les aplicaba a todos, continuaron su actividad. Aunque, y es conveniente remarcarlo de nuevo, Star Trek New Voyages era la única producción de fans que tenía permiso por escrito con Paramount para continuar filmando episodios basados en Star Trek.

El caso Axanar fue el primer aviso de que algo se estaba moviendo, y solo era la punta del iceberg de lo que CBS/Paramount (ahora ambas compañías co-propietarias de los derechos de Star Trek) estaba preparando: unas estrictas limitaciones que, más allá de lo legal o de lo éticamente razonable, tenían como único fin frenar el cada vez más popular fenómeno de los fan-films entre los aficionados. Y, de esta manera, dos semanas después de que CBS anunciara a bombo y platillo el regreso de Star Trek a la televisión, el fandom trekkie se veía sacudido por la decisión de la compañía de limitar la producción de las creaciones de aficionados. Quien escribe estas líneas siempre ha creído más en la causalidad que en la casualidad, y la coincidencia de ambos anuncios en tan corto espacio de tiempo no deja de ser más que sospechoso.

Bien… Como hemos comentado al principio de esta sección, las “guidelines” de CBS respecto a los fan-films constan de diez puntos básicos, que muestran de forma clara y cristalina el objetivo de este movimiento legal por parte de CBS, seguida de un comentario individual a cada una de ellas.

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James Cawley, responsable de Star Trek: New Voyages

  1. Las producciones de los aficionados deberán tener una duración inferior a quince minutos para un relato completo, o no más de dos partes, episodios o fragmentos que no deben exceder de los treinta minutos en total, evitando crear temporadas, partes, secuelas o material extra adicionales.

Es decir: limitaciones a la creatividad. Es cierto que Paramount fue capaz de contarnos magníficas historias en su serie de animación de los años setenta, que estaba compuesta por episodios de 22 minutos de duración. Pero ese formato de historia de corta duración ya apenas se utiliza en producciones actuales (la excepción sería The Big Bang Theory, pero cada episodio es más una colección de sketches que el desarrollo de una historia con introducción, nudo y desenlace). Los aficionados no están autorizados a dar rienda suelta a su imaginación.

  1. El título de la producción o de cualquiera de sus partes no puede incluir el apelativo “Star Trek“. Sin embargo, en el título se ha de incluir un subtitulo con la frase “una producción Star Trek realizada por aficionados” en un lugar bien visible. Las producciones de aficionados no pueden usar el término “oficial” en su título o subtítulo, ni siquiera a través de otras formas de promoción, como pueden ser las redes sociales.

Es decir: no queremos que se nos asocie con estas producciones de fans que, en algunos casos, nos pueden hacer sonrojar si nuestra nueva serie de televisión no funciona como esperamos. Bastantes guantazos hemos recibido ya con el (enormemente rentable) reboot creado por J.J. Abrams. Además, es bastante absurdo y contradictorio que no quieran que la denominación “Star Trek” aparezca en el título pero, por el contrario obliguen, a incluirla en alguna parte del metraje de la misma.

Star Trek (2008) Directed by: J.J. Abrams

Star Trek según Abrams

  1. El contenido de las producciones de aficionados deben ser originales, no se permiten reproducciones, recreaciones ni extractos de las producciones oficiales de Star Trek. En caso de utilizar contenidos de terceras partes ajenos a Star Trek, se han de tener por escrito los permisos necesarios para el uso de esos contenidos.

Es decir: no permitimos que nadie use nuestro material filmado con anterioridad (esto hasta cierto punto lo comparto) pero disimulamos alegando que, de paso, protegemos los derechos de autor de otras producciones. Esto podría aplicarse perfectamente, por ejemplo, al cruce Star Trek / Babylon5 visto en Star Wreck: In The Pirkinning).

4. Si las producciones de fans usan vestuario, accesorios u otros elementos disponibles a la venta, dichos objetos deben ser artículos oficiales y no artículos de otra procedencia o imitaciones de dichos objetos.

Es decir: señores, pasen por caja, que aún no tenemos las arcas lo suficientemente llenas. ¿Alguien puede imaginar que la compañía obligara a todos los aficionados que acuden a las miles de convenciones anuales de Star Trek que se celebran a lo largo ancho del planeta a comprar sus trajes y caracterizaciones (sobre todo ahora que está tan de moda el fenómeno “cosplay”)? Estas caracterizaciones con las que los aficionados acuden a estos eventos son la auténtica salsa de dichas convenciones, y en la mayoría de los casos fruto de horas y horas de trabajo robado a otras actividades. Otro ejemplo: ¿Qué ocurriría si un grupo de aficionados, siguiendo estrictamente estas normas, quiere rodar un cortometraje cuya acción se sitúa en la sala de ingeniería de la USS Enterprise? ¿Dónde adquieren una reproducción a escala de dichos decorados? Evidentemente no se venden, por lo que se les permite gastarse una importante cantidad de dinero en construir una réplica, pero si en cualquier escena de dicha producción alguien ha de empuñar un fáser, ha de ser una réplica oficial comprada a la compañía. Por lo tanto, ¿se ha de presentar una especie de memorándum de todo el material usado en ese cortometraje, especificando que se han agotado todas las vías disponibles para adquirir el material? Absurdo, muy absurdo.

  1. Las producciones de aficionados deben ser verdaderas producciones “fan”. O sea, los creadores, actores y cualquier otro participante deben ser aficionados que no pueden recibir compensación alguna por su trabajo, y en ningún caso pueden ser trabajadores actuales o ex-trabajadores de ninguna de las series, películas o producciones en DVD de Star Trek, ni tampoco de ninguna otra producción propiedad de CBS o Paramount Pictures.

Es decir: nuestros profesionales son nuestros y no permitimos que cedan su talento para producciones ajenas que escapan a nuestro control. Aunque ya no trabajen para nosotros, aunque estén retirados.

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Los fans frente a las normas…

  1. Las producciones de aficionados no pueden ser comercializadas:

– CBS y Paramount Pictures no se oponen a una limitada recaudación de fondos para la creación de una producción de este tipo, siempre y cuando la cantidad total no exceda de 50.000 dólares, con todos los gastos incluidos. Cuando se alcance ese límite de 50.000 dólares, cualquier recaudación de fondos deberá cesar.

– Las producciones de aficionados solo podrán exhibirse o distribuirse de forma gratuita y/o compartirse a través de servicios de transmisión de contenidos por Internet que no generen beneficios.

– Las producciones de fans no pueden ser distribuidas en ningún formato físico, como discos DVD o Blu-ray.

– Las producciones de aficionados no pueden ser usadas para obtener ingresos publicitarios. Esto incluye, por ejemplo, el uso de publicidad al principio o al final de la producción o el uso de banners publicitarios, que al hacer click en ellos redirijan al usuario a lugares que estén asociados con dicha producción.

– No se puede poner a la venta, ni ofrecer como premio, gratificación o compensación ningún tipo de producto o servicio sin licencia relacionado con Star Trek o con las producciones de aficionados a través de la campaña de recaudación de fondos para dicha producción.

– Las producciones de aficionados no pueden obtener beneficios vendiendo o concediendo licencias de uso sobre los decorados, atrezzo o vestuario creados para dicha producción.

Es decir: los fan-films han de ser financiados en su totalidad por los bolsillos de sus creadores (incluyendo lo especificado en el punto 4). Una vez realizada dicha producción, no se puede intentar recuperar parte de la inversión de ninguna forma. Además, se establece una severa limitación al presupuesto de cada fan-film y todos aquellos que quieran hacer donativos a la misma tendrán claro que no tienen derecho ni siquiera a una copia del mismo.

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Construyendo el puente de New Voyages

 

Estamos completamente de acuerdo en que los derechos de autor existen por una razón, y es que los creadores reciban una compensación por sus obras y su creatividad. Se ha dado el caso de gente que ha estado vendiendo copias en DVD de algunas de estas producciones de aficionados incluso en las grandes convenciones de EE.UU. (cosa absolutamente repudiable), pero eso no es excusa para ser tan estrictos con, por ejemplo, el uso compartido de decorados o vestuario por parte de varios fan-films de forma conjunta.

  1. Las producciones de aficionados deben ser apta para todos los públicos y adecuadas para su exhibición pública. Dichas producciones no deben incluir descalificaciones, desnudos, obscenidades, pornografía, simbología sobre drogas, alcohol, tabaco o cualquier actividad nociva o ilegal, ni tampoco ningún material que pueda ser ofensivo, fraudulento, difamatorio, injurioso, despectivo, sexualmente explícito, intimidatorio, que incite al odio, ni puede incluir ningún otro tipo de contenido inapropiado. El contenido de las producciones de aficionados no pueden violar los derechos de privacidad de ningún individuo.

Es decir: olvidad las parodias de tiempos pasados, queremos cosas serias y “políticamente correctas”. El problema es que lo que en una zona geográfica del planeta puede considerarse normal, en otro lugar puede considerarse ofensivo. La historia está plagada de ejemplos de conflictos que se iniciaron por una de estas razones. ¿Dónde está el límite? ¿Quién controla todos estos aspectos? ¿Censura? O peor aún… ¿autocensura?

  1. Las producciones de fans deben mostrar la siguiente declaración de exoneración de responsabilidad en los créditos de la misma y en cualquier material promocional, incluida la página o espacio web donde se aloje dicha producción:

Star Trek y todas las marcas, logotipos y personajes son propiedad exclusiva de CBS Studios Inc. Esta producción de aficionados no ha sido aprobada, patrocinada, ni está asociada a CBS, Paramount Pictures, ni a cualquier otra franquicia de Star Trek, y es una producción realizada por aficionados, sin ánimo de lucro y destinada exclusivamente a uso lúdico. No se permite su exhibición o distribución con fines comerciales. No se podrán reivindicar ante CBS ni Paramount Pictures hipotéticos derechos independientes.”

Es decir: nosotros no tenemos nada que ver con lo que estáis haciendo. Si surge algún problema que vaya más allá de estas normas de uso, es vuestro problema.

Una declaración similar tuvo que ser colocada en todas las páginas web vinculadas al fan-film Star Trek New Voyages como parte del acuerdo alcanzado con Paramount en 2005 para ser consideradas “oficiales” y quedar amparadas por dicho acuerdo.

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Aparición “oficial” de Cawley en el Star Trek de Paramount

  1. Los creadores de producciones de aficionados no pueden registrar sus obras, ni ningún elemento de las mismas, amparándose en la protección de derechos de autor o de marcas comerciales.

Es decir: si a pesar de que sigáis nuestras normas inventáis algún nombre, diseñáis algún logotipo o algo similar que alcanza gran popularidad entre vuestra audiencia, no podéis registrarlo como propiedad vuestra. Bien, a pesar de ser otro freno a la creatividad, en este caso creemos que CBS/Paramount tiene razón, dado que se está utilizando una plataforma de enorme popularidad a nivel planetario como es Star Trek.

  1. Las producciones de aficionados no pueden insinuar o dar origen a malentendidos en lo que se refiere a su aprobación por parte de CBS o Paramount Pictures.

Aprobación no, pero permisividad y “buen rollo” sí. Es beneficioso para ambas partes, pero parece que CBS/Paramount ve al aficionado más como un limón al que exprimir que como un aliado, como ese enorme grupo de gente que ha convertido Star Trek en uno de los fenómenos sociales más populares y estudiados de la cultura popular.

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Fans de ST en una convención

Y la coletilla final, por si quedaba alguna duda:

CBS y Paramount Pictures se reservan el derecho a revisar, revocar y/o retirar estas directivas en cualquier momento bajo su propia conveniencia. Estas directivas no son una licencia y no suponen una aprobación o autorización a ninguna producción de aficionados ni ninguna renuncia a ningún derecho que CBS o Paramount Pictures puedan tener en lo referente a obras de ficción de aficionados creadas al margen de estas directivas.

Es decir: donde hoy digo blanco, mañana puedo decir negro. Ya se sabe que los asuntos legales son muy delicados, y es muy fácil aplicar aquel conocido dicho de “hecha la ley, hecha la trampa”. Para cubrirse ante el hipotético caso de que alguien encontrara un resquicio legal para burlar estas normas, siempre queda el recurso de cambiar las reglas del juego de forma unilateral. Impresentable.

Ante esta situación, algunos fan-films han declarado ya públicamente que no continuarán con su actividad, como Star Trek New Voyages. Otros, como Star Trek Continues, de momento siguen con su actividad. Star Trek Renegades ha cambiado su imagen pública para borrar todo rastro de relación con la franquicia (vestuario, diseño de las naves, decorados…) y se han rebautizado como Renegades – The Series. Y el resto de producciones que permanece no ha hecho ningún movimiento, probablemente esperando a ver si las cosas cambian cuando se consolide la nueva serie de televisión Star Trek: Discovery. El tiempo, como es habitual, pondrá las cosas en su lugar.

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Texto: Fernando Martínez

(con la colaboración de Sergio García)

El artículo comienza aquí

 

«Son pero no son: fan-films y fan-series de Star Trek (2ª parte)», por Fernando Martínez

Posted in Animación, Artículo, Ciencia ficción, Cortometrajes, Televisión on 25 noviembre, 2016 by belakarloff

Siguiendo con la serie de textos que estamos publicando para celebrar el 50 aniversario de la creación de la serie Star Trek, os ofrecemos aquí la segunda de las tres partes acerca de los fan-films dedicados a la materia, y de la que ya disponéis de su primera entrega.

Son pero no son: fan-films y fan-series de Star Trek (2ª parte)

por Fernando Martínez

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PRODUCCIONES SERIAS

Nota: No están todas las que son, pero son todas las que están. Listar todas las producciones de fans que se han realizado alrededor del universo Star Trek necesitaría de un libro entero. Analizaremos aquellas que, por su importancia histórica o por sus características especiales, constituyen un rico y variado muestrario de la devoción de uno de los colectivos de fans más activos del planeta.

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PARAGON’S PARAGON (EE.UU., 1974)

Es el primer fan-film de Star Trek con cierto argumento del que se tiene constancia, rodado por John Cosentino en 1974. Se gastó aproximadamente dos mil dólares de la época para rodar este largometraje de unos 100 minutos de duración y es digna de elogio por muchos factores. En una época en la que aún no existían las grabadoras domésticas de vídeo, Cosentino logró replicar con una exactitud asombrosa varios de los decorados de la serie original de Star Trek. Esto incluía una vistosa réplica del puente de mando (con luces navideñas parpadeantes instaladas detrás de los decorados), la sala del transportador, el turboascensor, la cabina del capitán e incluso parte del interior de una nave klingon. Asimismo, se crearon prótesis y vestuario para las dos razas alienígenas presentes en la película, los klingons y los organianos, y todo ello simplemente a base de ver una y otra vez los episodios originales y recopilando todas las fotos encontradas en revistas, tiendas de merchandising y varios cientos realizadas directamente de las emisiones en televisión.

El rodaje se realizó en condiciones muy precarias, dado que las bombillas usadas en los decorados tenían que ser de gran potencia para conseguir la iluminación deseada… y se corría el riesgo de que los materiales usados en los paneles (básicamente hechos de madera y plexiglás) pudieran arder en cualquier momento. De la misma manera, la bombilla de 500 watios que se instaló dentro del visor de la estación científica de Spock no podía estar más de un minuto encendida, ya que se tuvo que instalar una lámina que filtrara parte de esa luz para proteger los ojos del actor, y eso hacía que el calor se acumulara rápidamente en el interior, corriendo el riesgo de que la bombilla se fundiera o estallase. Acostumbrados como estamos en la actualidad a la facilidad que nos da la tecnología para conseguir replicar cualquier cosa, lo que Cosentino y su grupo consiguieron filmar en 1974 no puede ser calificado de otra forma que “una obra de arte”. Todo el material original se rodó en formato Super 8 con sonido.

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El argumento de la película se basaba en la primera novela original inspirada en el universo de Star Trek, titulada Spock Must Die! (una variante del episodio clásico “The Enemy Within”) escrita por James Blish. Para evitar un plagio completo de la novela, el grupo de fans prescindió por completo de la denominación “Star Trek” y la nave fue rebautizada con el nombre de USS Paragon. Los nombres de los personajes también fueron ligeramente modificados. El capitán se llamaba Richard Kirk, el primer oficial vulcano era Mr. Sellek y el doctor respondía al nombre de Costa.

Un fragmento con sonido rescatado de una posterior copia en vídeo doméstico:

https://www.youtube.com/watch?v=Wvn5_ZuWKCk

y otras escenas sin el sonido original, extraídas de la copia original en Super 8:

https://www.youtube.com/watch?v=B2BW1G4K8B4

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STAR TREK BY 70’S KIDS (EE.UU., 1978)

A finales de los años setenta del siglo XX un grupo de chavales aficionados al cine llevaron un paso más allá el sueño de todo joven de la época: hacer una película con su cámara de Super 8 para enseñársela a sus amigos. Liderados por Rob Hampton (que tenía a sus espaldas solo catorce añitos y era un gran fan de Roger Corman) filmaron unos cortometrajes muy ingeniosos imitando a sus sagas y películas favoritas. Hicieron, además del de Star Trek, uno de Jaws (Tiburón), de King Kong, de Simbad y de Alien, a un ritmo de aproximadamente un corto cada dos-tres semanas, todos ellas solo con las voces. Las filmaciones se hicieron en los alrededores de Boston y las voces fueron re-grabadas por los mismos protagonistas entre 2005 y 2008, añadiendo efectos sonoros y fragmentos musicales.

http://www.republibot.com/content/fan-film-friday-interview-rob-hampton-70s-kids

https://www.youtube.com/watch?v=Tvd9B2iMmfc

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THE PRICE FOR PEACE (EE.UU., 1981)

Rodado en 1981 por Steve Anderson en formato Super 8, narra el viaje del capitán William Drake a bordo de la USS Orion para asistir a una conferencia de paz intergaláctica. Se utilizaron miniaturas a escala para las naves y el estilo de vestuario visto en la primera película para el cine. Hay rumores de que el actor George Takei hace un breve cameo, pero no se puede asegurar porque la grabación nunca ha sido digitalizada.

Para evitar conflictos de derechos de autor no se usó en ningún momento la denominación “Star Trek”, sino otra que rezaba “Basada en la visión de Gene Roddenberry de la vida en el siglo XXIII”. Se sabe de su existencia gracias a una breve mención en la revista Starlog Cinemagic de 1982 (cuya editorial irónicamente se titulaba “La muerte del formato Super 8”).

https://archive.org/stream/CineMagic016/016#page/n9/mode/2up

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YORKTOWN: A TIME TO HEAL (EE.UU., 1985-actualidad)

Uno de los primeros fan-films rodados que alcanzó una cierta notoriedad fue obra del norteamericano Stan Woo, que consiguió la participación de George Takei (el Sulu de la serie original) en algunas de las escenas, y se comenzó a filmar en 1985. El diseño de la nave Yorktown corrió a cargo de Andrew Probert, que poco después sería el creador de la USS Enterprise NCC-1701D para Star Trek: The Next Generation. Su acción se situaba en algún momento indeterminado entre la serie original de televisión y la primera película para el cine, y Sulu era asignado a la USS Yorktown mientras la Enterprise estaba siendo sometida al profundo remodelado que vimos en 1979. Fue mencionada en la revista Starlog (junio de 1987).

Lamentablemente dicha película nunca fue acabada, a pesar de que en el año 2010 se retomó la producción (ya con los actuales medios digitales) y se filmaron las escenas que faltaban en los decorados que usaban otras producciones de fans. En 2011 se presentó un teaser con un avance de los nuevos efectos especiales generados por ordenador, con la intención de lanzar la película definitivamente al año siguiente. Seguimos esperando.

http://www.yorktownfilm.com/   

https://archive.org/stream/starlog_magazine-119/119#page/n13/mode/2up

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STAR TREK: DIGITAL GHOST (Alemania, 2000)

Película de 22 minutos de duración creada para promocionar la FedCon del año 2000 (la convención más importante de Europa, que se celebra cada primavera en Alemania), ambientada en la época de las tres últimas películas de la tripulación de Jean-Luc Picard. En ella, dos oficiales de la USS Enterprise-E tienen la misión de comprobar el correcto funcionamiento del prototipo de una nueva nave estelar, la USS Enterprise-HC, cuya principal novedad es que su computadora (llamada Roxanne y que puede adoptar apariencia humana en forma de holograma) es capaz de realizar todas las funciones sin necesidad de tripulación. Pero, como es de suponer, dicha prueba no será un camino de rosas, ya que una nave hostil intentará tomar el control de la Enterprise para descubrir sus secretos.

Esta producción fue dirigida por Thomas Wolf y los efectos especiales son obra de Tobias Richter, uno de los artistas 3D más aclamados del continente.

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STAR TREK: HIDDEN FRONTIER (EE.UU., 2000-2007)

Es la primera fan-serie creada por Rob Caves y que consta de 50 episodios de aproximadamente 30 minutos cada uno y divididos en 7 temporadas. Se sitúa cronológicamente después de los hechos relatados en Star Trek: Insurrection, teniendo su centro de acción en la base Deep Space 12 en órbita del planeta Ba’ku y como nave principal la USS Excelsior al mando de la capitana Elizabeth Shelby (personaje visto en TNG: “The Best Of Both Worlds”).

Es la primera producción de fans filmada en su totalidad en formato digital, con los decorados completamente virtuales (croma). Presenta una amplia gama de alienígenas de las diversas razas conocidas del universo Trek, e incluye por primera vez personajes abiertamente homosexuales, tanto masculinos como femeninos. Gran parte de los episodios solo fueron distribuidos en una baja resolución de pantalla, en parte para evitar entrar en conflictos legales con Paramount (cuya franquicia ya comenzaba a mostrar serios problemas de agotamiento).

Como curiosidad extrema, el tema principal de la serie está extraído del excelente film-parodia del universo de Star Trek Galaxy Quest (Dean Parisot, 1999, música compuesta por David Newman) y se pudo usar sin problemas dado que la banda sonora de dicha película no llegó a ponerse a la venta en su momento. Para los últimos episodios de la serie se seleccionaron composiciones enviadas por los propios fans.

Una vez finalizada la serie, los mismos creadores se embarcaron en otras fan-series menores, como Star Trek: Diplomatic Relations, Star Trek: Odyssey, Star Trek: The Helena Chronicles o Star Trek: Equinox, todas ellas de escaso impacto en el fandom debido a la aparición de nuevas producciones de mayor calidad.

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STARSHIP EXETER (EE.UU., 2002-2014)

Creada por Jimm y Josh Johnson, este fan-film es el primero rodado en decorados reales. Narra las aventuras de una de las naves gemelas de la Enterprise, la USS Exeter NCC-1706 (vista en TOS: “The Omega Glory”) al mando del capitán John Quincy Garrowick. El primer episodio, “The Savage Empire”, fue estrenado a finales de 2002, con una buena aceptación por parte del público. Mezclaba hábilmente unos cuidados decorados del interior de la nave con escenas rodadas al aire libre simulando un planeta extraterrestre, aunque el amateurismo de la producción era más que evidente, además de estar rodado aún con cámaras domésticas. Para su segundo episodio, “The Tressaurian Intersection”, (ya rodado con equipos digitales) contaron con un guion de Dennis Russell Bailey (autor del episodio de TNG: “Tin Man”) y comenzó a rodarse a principios de 2004. Dada la complejidad de su creación, los autores decidieron ir lanzando el episodio por partes, según se iba terminando de filmar y montar. El salto cualitativo (tanto visual como artístico) es muy notable, pero el gran esfuerzo que suponía hizo que, a partir de la tercera (de cinco) partes la cosa fuera yendo más lenta. Muchos fans llegaron a creer que el episodio nunca se acabaría, ya que la cuarta parte se lanzó en 2009 y la parte final no vio la luz hasta el mes de mayo de 2014, diez años después de haberse iniciado su producción. Esto se debió al constante ir y venir de los encargados de los efectos visuales, que abandonaban la producción al ver el enorme trabajo que suponía la creación de las espectaculares escenas finales.

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Un tercer episodio, titulado “The Atlantis Invaders”, fue anunciado en 2009 en su página web (antes de la finalización de “The Tressaurian Intersection”), pero pocos meses después se confirmó que todos los esfuerzos estaban centrados en acabar el segundo episodio y que, tras su finalización, el proyecto llegaría a su fin.

Los decorados de Starship Exeter fueron cedidos a una productora independiente llamada “Starbase Studios” –http://www.starbasestudios.net con el fin de que se pudieran filmar otros fan-films de la era clásica. Solo hay constancia de que se finalizara un corto de quince minutos titulado “Planet L-197” de la serie Starship Grissom, planeada como protagonizada por una nave de formación y entrenamiento de cadetes de la Flota Estelar. Completamente olvidable.

Starship Exeter fue sin lugar a dudas la fan-serie que marcó el camino a seguir por producciones posteriores que llegaron a alcanzar una enorme popularidad como Star Trek New Voyages o Star Trek Continues.

http://www.starshipexeter.com/

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STAR TREK: DARK ARMADA (Países Bajos, 2006-2014)

Fan-serie situada en una línea temporal alternativa posterior a lo visto en Star Trek: Nemesis. Narra las aventuras de la nave USS Batavia al mando del capitán Alexander Richardson, y se filmaron siete episodios de quince minutos (uno de ellos, “Choices”, dividido en dos partes) más un cortometraje de cinco minutos. Se utilizan escenarios virtuales por completo y el resultado final es más bien pobre, con unos actores que no parecen ser capaces de salir de su amateurismo ni a golpe de fáser. No obstante, la serie alcanzó una gran popularidad en su zona geográfica.

En 2014 se anunció un nuevo episodio titulado “Out Of Time”, pero al poco tiempo se hizo público que dicho episodio no se filmaría, pero que a cambio se comenzaba a desarrollar el concepto para una nueva serie titulada Star Trek: Batavia, que supondría el relevo de algunos de los personajes.

La serie fue “apadrinada” en el año 2007 por el actor John De Lancie (Q).

http://www.darkarmada.nl

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STAR TREK: OF GODS AND MEN (EE.UU., 2006-2008)

Aunque no pueda considerarse estrictamente un fan-film, esta producción independiente fue concebida por un buen montón de actores de las series oficiales de Star Trek como una mini-serie de tres episodios de media hora para conmemorar el 40 aniversario de la franquicia. Entre ellos tenemos a Walter Koenig, Nichelle Nichols, Grace Lee Whitney (TOS), Chase Masterson, Cirroc Lofton (DS9), Garret Wang, Tim Russ, Ethan Phillips (VOY) Gary Graham (ENT), además de Alan Ruck (el capitán de la Enterprise-B en Star Trek: Generations). Asimismo encontramos bastantes nombres relacionados con la franquicia en otras partes del equipo, como son los guionistas o los responsables de la fotografía.

La historia, un tanto confusa y atropellada, se desarrolla en gran parte en una línea temporal alterada que guarda gran similitud con el popular “universo espejo” creado en el episodio “Mirror, Mirror” de la serie original y desarrollado posteriormente tanto en DS9 como en el fantástico doble episodio de ENT In A Mirror, Darkly.

Estamos a principios del siglo XXIV (2305 para ser más exactos) y un desconocido personaje busca información sobre el paradero del capitán Kirk, que en esos momentos está oficialmente muerto tras el incidente sufrido en el vuelo inaugural de la Enterprise-B pero que permanece en “el limbo” de la cinta estelar Nexus. Dicho personaje no es otro que Charlie Evans (TOS: “Charlie X”), que al enterarse de su muerte y no poder llevar a cabo su largamente planeada venganza decide utilizar al Guardián del Tiempo (TOS: “The City On The Edge Of Forever”) para alterar la línea temporal real, matando a la madre de Kirk antes de que éste nazca. Como se puede observar, también gran parte de los elementos más populares y conocidos de la franquicia se dan cita aquí.

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Tim Russ (Tuvok en VOY) es el director, y Douglas Conway el productor ejecutivo, por lo tanto se repite la colaboración que unos pocos años antes habían realizado para el cortometraje Roddenberry On Patrol. Russ intentó por todos los medios que la película fuera aceptada como parte de la franquicia de Star Trek, pero sólo consiguió el permiso para que pudiera ser distribuida en DVD al margen de CBS/Paramount (pero nunca como venta directa, sino como obsequio al adquirir merchandising diverso relacionado con la producción como gorras, camisetas…) y permitir su visionado online. Desde el pasado mes de junio de 2016, y debido a las estrictas normas establecidas por CBS/Paramount para el uso de todo el material relacionado con la franquicia por parte de los fan-films, dicho DVD ya no puede ser adquirido.

Es encomiable el esfuerzo de este gran número de estrellas de la franquicia de Star Trek por realizar un producto de aspecto profesional dirigido a los fans (aunque todos ellos cobraron para ajustarse a lo exigido por los sindicatos de actores y guionistas de Hollywood, el SAG), pero lamentablemente el resultado final es pobre, muy pobre. Los actores cumplen sin despeinarse porque conocen sus personajes a la perfección, pero toda la parte artística (fotografía, efectos especiales, decorados, vestuario…) rezuman amateurismo por los cuatro costados. Cabe destacar que toda la parte realizada por ordenador (naves espaciales, explosiones…) están muy por debajo de lo esperado. Parte del rodaje se realizó en los decorados de otro fan-film muy popular, Star Trek New Voyages, y su máximo responsable, James Cawley, tiene un pequeño papel en la película interpretando al sobrino de James T. Kirk.

Como última nota anecdótica, decir que la destrucción del planeta Vulcano que se ve en esta producción no creó la controversia que, dos años más tarde, desataría la ira de una gran parte de los fans en la primera película del reboot de la franquicia para la gran pantalla dirigida por J.J. Abrams.

http://startrekofgodsandmen.com   

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STAR TREK AURORA (EE.UU., 2006-actualidad)

Situado en la época inmediatamente posterior a la misión de cinco años de la serie original de Star Trek (año 2270), esta producción completamente generada por ordenador (personajes incluidos) narra las aventuras de una pequeña nave de carga de la Federación (la SS Aurora) que realiza su “reparto” más allá de las fronteras del espacio de la Federación. Toda la producción corrió a cargo de Tim Vining. La película, de 55 minutos de duración, se fue distribuyendo por partes comenzando a mediados del año 2006 y finalizando en diciembre de 2011, cuando también se distribuyó la versión completa. Un segundo episodio, titulado “Mudd in Your I” comenzó a realizarse en abril de 2015 y actualmente ya se han distribuido cuatro de sus cinco partes.

La producción tiene un enorme mérito. La iluminación es magnífica y los personajes adaptan perfectamente sus movimientos y expresiones a los diálogos y a las situaciones, aunque las limitaciones del modelado de figuras 3D humanas aún está lejos de ser perfecto (si no eres Pixar, claro).

http://www.auroratrek.com

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THE NEW ANIMATED STAR TREK ADVENTURES (EE.UU., 2008-actualidad)

En el año 2007 un grupo de fans de la serie de animación de Star Trek (emitida entre los años 1973 y 1974) liderados por Curt Danhauser decidieron realizar nuevos episodios de la misma, y para ello utilizaron planos extraídos directamente de los episodios originales que se habían editado recientemente en formato DVD. Las voces de los personajes fueron grabadas e incorporadas a los episodios por ellos mismos (la mayoría de ellas interpretadas por el propio Danhauser). Progresivamente fueron añadiendo también elementos visuales propios, como los diseños de algunas naves o la aparición de algún nuevo alienígena, pero siempre respetando al máximo el look original.

Debutaron en julio de 2008 con el cortometraje de 7 minutos “The Element of Surprise”, manteniendo intacto el estilo visual que Filmation creó para la serie. Posteriormente editaron “And Let The Heavens Fall”, distribuido a través de su web en varios fragmentos entre septiembre de 2008 y abril de 2009. La duración total de esta segunda producción ya rondaba los 40 minutos y se presentaba como el “episodio 23” de la serie (la serie de animación oficial constó de 22 capítulos). En abril de 2011 comenzó la distribución del “episodio 24” titulado “Ptolomy Wept”, (una secuela de TOS: ”Requiem For Methuselah”) que ha tardado cinco años en completarse, ya que el último fragmento vio la luz en el mes de mayo de 2016. La duración total del episodio es de unos 70 minutos.

Aparte de estos dos episodios, este grupo de fans está realizando una serie de cortometrajes de carácter educativo (PSA o Public Service Announcement), algo muy habitual en la televisión norteamericana y que suelen estar protagonizados por grandes estrellas del medio.

La serie de animación oficial tuvo el suyo, emitido en 1975, y estaba dirigido a concienciar a la población sobre la necesidad de mantener limpios los espacios públicos.

https://www.youtube.com/watch?v=G-7H-n0VrYU

No nos consta que, en todos estos años, ni CBS/Paramount ni los herederos del catálogo de Filmation hayan puesto problema alguno a esta producción de fans.

http://www.danhausertrek.com/AnimatedSeries

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STAR TREK ENTERPRISE: THE NEW GENERATION (Alemania, 2003-actualidad)

Ambientada después de la tercera temporada de Star Trek: Enterprise, esta producción alemana creada por Jürgen Kaiser está rodada con la técnica stop motion a partir de las figuras de los personajes (de unos 16 centímetros de altura cada una). Posteriormente se contó con la ayuda de otros fans para poner las voces a los personajes, aportar el carísimo material técnico necesario para una filmación de este tipo y, por último, crear los efectos especiales digitales para las escenas de exteriores. Algunos de los fondos espaciales son parte del archivo público que la NASA tiene en su página web. Según declaraciones del propio Kaiser, crear cada segundo de metraje (60 imágenes, ya que está rodada en HD) costaba entre 60 y 90 minutos.

Se han acabado dos episodios. El primero de ellos se titula “Der Zeitspiegel”, dura 32 minutos y se adentra en el popular “universo espejo” de la serie original, con la aparición de algunos de los personajes de la serie clásica (en su versión malvada, obviamente). Se filmó entre los años 2003 y 2007 con las voces en alemán y subtítulos en inglés, y en 2008 algunos de los componentes de la popular producción Star Trek New Voyages prestaron su tiempo y sus voces para realizar el doblaje en inglés, y esta versión se tituló “Crossroads”. El segundo episodio se comenzó a filmar en el año 2008 y se acabó a finales de 2015, con el título en alemán “Der Anfang vom Ende” y de una hora de duración. De nuevo se interactúa con personajes de otras sagas de la franquicia, e incluso brevemente con el universo alternativo creado en las actuales películas de J.J. Abrams. Está prevista, al igual que ocurriera con el primer episodio, una versión doblada al inglés titulada “The Beginning of the End” que Kaiser quiere tener acabada antes de finalizar el año 2016. El trailer de dicha versión doblada al inglés fue presentado en el marco de la FedCon de 2016, la convención de fans de ciencia ficción más importante de Europa y que se realiza cada mes de mayo en la ciudad de Bonn.

Probablemente lo más atractivo de esta producción sea la aparición de otros personajes y naves muy populares de la franquicia de Star Trek y el uso de las figuras esqueléticas metálicas de la saga Terminator para dar vida a los villanos. Por lo demás, los argumentos son una mediocre macedonia de cosas ya vistas anteriormente en Star Trek y el aspecto excesivamente estático de las imágenes lastra en exceso el resultado final (excepto para incondicionales de la famosa Thunderbirds creada por Gerry Anderson en la segunda mitad de la década de los sesenta del siglo XX).

http://www.enterprise-fanfilm.de

https://www.youtube.com/watch?v=fiMWeSskCy4

https://www.youtube.com/watch?v=bJ3FNopHpTI

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STAR TREK: METRENSKY INCIDENT (República Checa, 2007)

Largometraje ambientado en la época de TNG/DS9 producido por un club de fans de la República Checa llamado Kontinuum. Narra una aventura de la nave USS Avatar al mando de la capitana Talisa Ren, que ha de rescatar a un científico de Vulcano que ha sido secuestrado por los (aparentemente) pacíficos habitantes del planeta Metren. La película, rodada en formato 4:3 con cámaras de formato DV y de forma casi artesanal, rezuma amateurismo por todas partes. Los escenarios están todos realizados mediante superposición digital (croma), el vestuario y maquillaje son bastante básicos y las escenas exteriores están más cerca de una producción del siglo XX, con una cámara que se mueve de forma torpe y unos primeros planos completamente estáticos.

Aún así, hemos creído conveniente citarla en esta sección dado que es una de las pocas producciones de fans basadas en Star Trek procedentes de un país de la antigua Europa del Este que alcanzó una cierta relevancia.

https://www.youtube.com/watch?v=eXna2YCMY3g

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STAR TREK: PHOENIX (EE.UU., 2010–actualidad)

Fan-serie creada por Leo Roberts, al que posteriormente se unieron Jön Johnson y Jeff Ayers, este último escritor de varias novelas de Star Trek. La acción se sitúa cuarenta y dos años después de los acontecimientos vistos en Star Trek: Nemesis y narra las aventuras de la primera nave exclusivamente destinada a asuntos políticos y diplomáticos de la Federación, la enorme USS Phoenix NCX-101138, de clase Ascension, capaz de albergar en su interior a más de diez mil seres vivos (entre humanos y alienígenas) y construida en parte con tecnología romulana. El primer episodio, titulado “Cloack And Dagger (part 1)” de poco más de media hora de duración, fue distribuido en Internet en mayo del año 2010, y en él habían trabajado centenares de voluntarios y sus efectos especiales fueron acabados por algunos miembros del equipo que participaron en la elaboración de la primera película de J.J. Abrams para la pantalla grande (2009). El resultado visual es prácticamente el de cualquier producción televisiva de la actualidad, La conclusión de la historia fue anunciada en 2015 y se afirmó que sería realizada solo en modo audio, aunque las reglas de uso impuestas por CBS en junio de 2016 han hecho que dicha producción haya quedado parada momentáneamente.

http://www.stphoenix.com

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STAR TREK HORIZON (EE.UU., 2014)

Largometraje de 102 minutos de duración ambientado en la época de Star Trek: Enterprise, obra de Tommy Kraft (que lo hace prácticamente todo excepto ponerse delante de la cámara) tras una campaña de recaudación de fondos en Kickstarter. Narra una aventura de la tripulación de la nave Discovery NX-04, que ha de detener el uso de un arma devastadora por parte de los romulanos. La acción se sitúa dentro de la llamada “Guerra Fría Temporal” vista durante la tercera temporada de la serie oficial. La nave Enterprise NX-01 al mando de Archer hace una breve aparición.

La estética de la película es algo peculiar. A pesar de estar rodada con cámaras de última tecnología, la imagen de la misma está constantemente difuminada por un efecto digital de desenfoque y una iluminación poco convencional. Ello se debe a que todos los decorados fueron generados digitalmente (croma) y los responsables del film pretendieron disimularlo dándole cierto toque artístico que, no obstante, llega a ser cansino debido a la larga duración de la misma. Aún así, no hay que quitarle mérito a una producción que tardó cerca de dos años en terminarse, y cuyo resultado final es más que aceptable, con sus espectaculares escenas de batallas espaciales incluidas.

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Una segunda producción de este equipo de fans se anunció el pasado mes de abril de 2016, y llevará el título de Star Trek: Federation Rising, aunque ya ha sido oficialmente descartado después de una carta remitida por el departamento legal de CBS/Paramount amenazándoles con una demanda judicial por violación de derechos de autor.

https://www.youtube.com/watch?v=l94v4YOqxOc

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STAR TREK: RENEGADES (EE.UU., 2014-actualidad)

El equipo de Star Trek: Of Gods and Men regresa en el año 2012 con una campaña de crowfunding en Kickstarter (y dos más posteriormente en Indiegogo) con la intención de crear una fan-serie estable y profesional. En esta ocasión la acción se sitúa unos diez años después del regreso de la USS Voyager a la Tierra. Pavel Chekov es almirante con más de ciento cuarenta años de edad y Tuvok se ha convertido en el máximo responsable de la Sección 31, la sección de inteligencia de la Flota Estelar encargada de resolver los conflictos de forma “no oficial”. Al ver que la nueva amenaza que se cierne sobre la Federación (la repentina escasez de cristales de dilitio y, por tanto, el progresivo aislamiento de los mundos de la Federación debido a la falta de combustible warp para las naves de aprovisionamiento) no va a poder ser parada por la Flota Estelar, se crea una tripulación donde se reúnen algunos de los criminales más peligrosos de la Federación. Sólo ellos podrán parar dicha amenaza… si son capaces de trabajar juntos y no matarse entre ellos.

El primer trailer se pone en circulación a finales de 2013 y el primer episodio (de 90 minutos de duración) ve la luz en agosto de 2015. A los actores que ya participaron en Of Gods and Men se unen otros nuevos, entre los que cabe destacar a Robert Picardo (VOY) y a Sean Young (la replicante de Blade Runner).

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Lamentablemente, y por segunda vez en este equipo de producción, el aspecto visual no está a la altura de lo esperado. Una fotografía oscura y excesivamente contrastada, unos efectos digitales (humo, explosiones…) propias de un grupo de principiantes y un maquillaje alienígena excesivamente forzado contribuyen a que el resultado sea muy pobre para justificar los 375.000$ recaudados. Sólo los elegantes planos de las naves estelares (obra del conocido artista alemán Tobias Richter) salvan el producto del desastre completo.

Tim Russ intentó sin éxito que CBS licenciara la serie de forma oficial, consiguiendo solo el permiso para su visionado online y su distribución en DVD de la misma forma que ocurriera con Of Gods and Men (como regalo al adquirir algún otro producto de merchandising). Y todo ello se vio frustrado cuando, en junio de 2016, CBS hacía públicas sus estrictas normas de uso que debían seguir los fan-films de Star Trek. El equipo, ya inmerso en la producción del segundo episodio “The Requiem”, se vio obligado a cambiar su denominación a Renegades – The Series (eliminando toda referencia a Star Trek en el título) e incluso necesitaron reanudar la campaña de recaudación de fondos en Indiegogo para poder volver a filmar todas las escenas que contuvieran algún tipo de referencia visual que se pudiera asociar con la franquicia (uniformes, diseños de naves, nombres de los personajes…).

No hay fecha prevista para el lanzamiento de este segundo episodio. De momento solo se ha publicado un primer teaser en julio de 2016, mostrando el nuevo look de la producción.

http://renegades.show

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«Son pero no son: fan-films y fan-series de Star Trek (1ª parte)», por Fernando Martínez

Posted in Animación, Artículo, Ciencia ficción, Cortometrajes, Televisión on 17 noviembre, 2016 by belakarloff

Siguiendo con la serie de textos que estamos publicando para celebrar el 50 aniversario de la creación de la serie Star Trek, os ofrecemos aquí la primera de tres partes (habrá una cuarta, complementaria) acerca de los fan-films dedicados a la materia.

 

Son pero no son: fan-films y fan-series de Star Trek

por Fernando Martínez

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Introducción

La franquicia Star Trek acaba de cumplir cincuenta años. Desde aquel lejano 8 de septiembre de 1966, la saga creada por el visionario Gene Roddenberry ha ido acumulando millones de seguidores en todo el planeta, abarcando ya prácticamente a cinco generaciones. Y según muchos sociólogos y expertos en fenómenos audiovisuales, el aficionado a Star Trek está en la cumbre de la pirámide que virtualmente podríamos construir basándonos en la fidelidad a su afición. Dicho de forma simple: el aficionado a Star Trek nunca ha dado la espalda a aquello que considera parte de su vida.

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Star Trek nació en una época de grandes cambios en la sociedad norteamericana, donde se aglutinaban de forma simultánea un buen puñado de pequeñas revoluciones sociales (la libertad sexual y creativa ‘hippie’, la lucha de la raza negra por conseguir finalmente la tan ansiada y justa igualdad de derechos sociales…) junto a otros hechos que frustraban a gran parte de los ciudadanos (la guerra del Vietnam, el asesinato de JFK…). Pero a pesar de todas estas diferencias, había una constante que unía a toda la población: la carrera espacial contra la Unión Soviética, ser los primeros en poner un pie en la Luna, llegar más rápido, más lejos… y comenzar a explorar la última frontera. La visión optimista ofrecida por la serie original de Gene Roddenberry sobre el futuro de la humanidad en el espacio cautivó a millones de jóvenes, que sintieron el polvo lunar debajo de sus propios zapatos cuando por fin la tripulación del Apolo 11 consiguió el tan ansiado objetivo el 21 de julio de 1969. Pero la historia es a veces cruel y caprichosa, porque la serie de televisión de Star Trek, aquella que había acompañado a los titánicos esfuerzos de los astronautas en los últimos tres años, había sido cancelada por la cadena NBC pocas semanas antes (concretamente, su último episodio “Turnabout Intruder” se emitió el 3 de junio).

Las causas de dicha cancelación serían prolijas de referir, pero la semilla ya estaba plantada. Miles de fans comenzaron a enviar cartas a la cadena de televisión pidiendo que Star Trek continuara en antena, que como única respuesta recibieron la promesa de la re-emisión de la serie aprovechando el gancho de la imparable llegada de los receptores de televisión en color a los hogares del país. Pero eso no fue suficiente.

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Los fans consiguen su objetivo

A pesar de haber contado con un presupuesto relativamente bajo, NBC se aferró a los datos puros y duros de la baja audiencia (que años después se demostraría que eran falsos y/o manipulados) para responder a las peticiones de los aficionados ‘sindicando’ la serie. Esto, en términos simples, significa que la cadena nacional ya no tenía la exclusiva de emisión al haber vendido los derechos a multitud de cadenas regionales y locales… y de paso “amortizaba” gran parte del dinero invertido en ella. Casi todo el elenco actoral y técnico ya estaba trabajando en otros proyectos (tanto en cine como en televisión) y esa fue otra excusa de la NBC para no satisfacer por completo las demandas de los fans.

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Pero durante esa segunda emisión de Star Trek, los fans parecieron multiplicarse como tribbles. ¿Cómo era posible que la serie contara con un público tan fiel que no se había detectado entre 1966 y 1969? ¿Cuál había sido el detonante de un cambio de actitud tan abrumador? Se escribieron numerosas columnas en los principales periódicos del país, preguntándose cómo una serie barata y maltratada por su propia cadena había conseguido un público tan fiel y entusiasta. Había nacido el fandom de Star Trek. Aún con las constantes y exitosas re-emisiones de Star Trek en diversas cadenas del país, se organizó en Nueva York la primera reunión nacional de aficionados en enero de 1972. La organización esperaba la asistencia de unos pocos cientos de aficionados, pero las estimaciones se quedaron cortas al ver cómo cerca de tres mil personas se presentaron en las puertas del hotel donde se celebraba el evento. Con la asistencia del propio Gene Roddenberry y de gran parte de los actores secundarios de la serie y algunos de los principales guionistas, el evento fue un enorme éxito. Los asistentes acudieron ataviados con todo tipo de indumentarias relacionadas con la serie y comenzaron a escucharse por primera vez los términos trekker y trekkie. Pocos días después, la organización anunció que el evento se repetiría al año siguiente, ya bajo la denominación de “International Star Trek Convention”, a la que esta vez sí que acudieron todos los protagonistas principales, tanto actores como guionistas… y varios pesos pesados del género literario de ciencia-ficción como Isaac Asimov.

https://www.youtube.com/watch?v=Ekg0LZJWg5c

Durante ese año 1972, los aficionados que habían acudido a Nueva York con aquellas rudimentarias cámaras analógicas se dedicaron a editar las imágenes con un enorme cariño y a intercambiarlas entre ellos como si fueran verdaderos tesoros. Incluso algunos de ellos habían filmado pequeños cortometrajes caseros durante esos años, y también se los llevaron a la convención. De alguna forma, y casi sin quererlo, habían nacido los fan-films de Star Trek: películas filmadas por aficionados para declarar su amor incondicional a la serie de Roddenberry. Sin deseo de compensación monetaria alguna a cambio, sin deseo de notoriedad en los medios. Con el simple deseo de compartir sus experiencias. La NBC, de repente, se convenció del irrefrenable fenómeno social que se había puesto en marcha y comenzó a planear el regreso de Star Trek a la televisión, aunque en esta ocasión en formato de animación. Pero eso ya es otra historia…

 

Televisión, cine y… videocámaras domésticas

Los fans de Star Trek son unos ejemplares únicos. Si reuniéramos a un millar de ellos procedentes de diversas partes del mundo, cada uno de ellos tendría su particular visión de la creación de Gene Roddenberry. De su pasado, de su presente… y de su futuro. Lo más probable es que no fuéramos capaces de encontrar a dos aficionados que tuvieran a la vez la misma lista de episodios favoritos, la misma lista de actores preferidos, etc… El universo de Star Trek es tan grande y diverso que se puede abordar desde infinitos puntos de vista, todos ellos tan válidos como el que pudiera tener su creador. Es la razón principal por la cual Star Trek es una saga única. Con todas sus virtudes y todos sus defectos, pero única. Todas sus reencarnaciones, ya sean televisivas, cinematográficas o literarias, continúan aportando riqueza y vitalidad a la saga. Y con la llegada de las tecnologías audiovisuales a nuestros hogares, la visión de los fans no debía ser menos importante.

Si durante los primeros años de la década de los setenta del siglo XX hubo una importante cantidad de aficionados que escribieron a Gene Roddenberry proponiéndole nuevas historias que contar (¡incluso guiones completos!), ahora era el momento de hacer realidad esos deseos… convirtiéndose en los protagonistas de sus propias aventuras, escribiendo y filmando su propia y personalísima visión de Star Trek. Aquella raza alienígena que siempre habían deseado volver a ver en pantalla, aquel villano que marcó su juventud y que deseaban resucitar, aquel redshirt que tan simpático resultó y que apenas duró quince minutos vivo en pantalla… todo eso podía hacerse realidad en medio de un ambiente de camaradería durante las horas de sol en el patio trasero de cualquier hogar norteamericano o de cualquier otra parte del mundo. Los aficionados se dispusieron, lenta e inexorablemente, a dejar de ser meros espectadores pasivos para convertirse en los protagonistas de sus propias historias. Y tomando el relevo de la multitud de fanzines que circulaban en la época como alternativa a las líneas oficiales de cómics, había llegado el momento de filmar sus propias películas.

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Debido a la limitación técnica de los medios analógicos, dichas “producciones” se limitaban a cortometrajes de escasos minutos de duración (en su mayoría de tono humorístico para disimular en cierta forma la calidad artística del producto final). Esto, unido a la existencia de las producciones oficiales, relegó a estos primeros fan-films a un cierto estatus underground. No existía medio alguno de difundir de forma masiva estos productos, que tampoco eran demasiado bien vistos en las convenciones oficiales.

 

Siglo XXI: los equipos digitales toman el mando

Con la franquicia de Star Trek de nuevo consolidada como una de las referentes del género (tanto en cine como en televisión), la llegada de Internet a los hogares a mediados de la década de los noventa supuso una auténtica revolución para el fandom de Star Trek. Por primera vez, todos aquellos inquietos aficionados que alguna vez habían soñado con encontrar a otros grupos con sus mismos deseos creativos veían hecho realidad su sueño. Los ordenadores personales también comenzaban a hacer acto de presencia de forma masiva. El típico “PC con Windows” aún estaba en pañales en cuanto a la multimedia, pero otras empresas invirtieron todo su esfuerzo en poner al alcance del usuario medio herramientas que pudieran realizar cosas similares a las que se podían ver en cine y televisión. Compañías como SGI (con sus poderosas y caras máquinas Silicon Graphics) y Commodore [1] (con su asequible plataforma Amiga) dieron alas a la imaginación de los fans, sobre todo a ver cómo algunas populares y exitosas producciones televisivas de la época usaban estas computadoras de forma regular, con el considerable ahorro que ello suponía respecto a las técnicas profesionales que estaban en mano de unas pocas empresas especializadas como Industrial Light And Magic de George Lucas.

Era el momento de dar el salto cualitativo. Las primeras videocámaras digitales en formato DV ya permitían grabar y editar con calidad digital, y por fin se abandonaban las interminables horas de montaje analógico procedentes de grabaciones en VHS o Betamax. El ahorro de tiempo de la post-producción ahora se iba a invertir en más tiempo para elaborar guiones más ambiciosos, con una mayor calidad visual y, sobre todo, abandonar por fin la marginalidad.

A partir de este punto nos dedicaremos a repasar un listado de las principales producciones de fans, que dividiremos en tres grupos:

  • Las producciones de carácter comercial, sobre todo videoclips musicales.
  • Las producciones humorísticas, directas herederas del espíritu inicial de este fenómeno.
  • Las producciones “serias” realizadas con todo tipo de medios y, en muchas ocasiones, con la participación de profesionales de la industria.

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Producciones comerciales

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LESLIE FISH – BANNED FROM ARGO (EE.UU., 1977)

Siguiendo la tradición de los montajes audiovisuales intercambiados por los fans en las primeras convenciones de Star Trek, en 1978 apareció un primitivo videoclip realizado con fragmentos de varios episodios de la serie clásica (incluso con algunas escenas descartadas de la misma) y cuya base musical era la canción del mismo título grabada un año antes por la compositora de bluegrass Leslie Fish. No se sabe con certeza quién o quiénes son los autores de dicho montaje audiovisual, pero indirectamente lanzó a la fama a Fish, que durante décadas fue reclamada en las convenciones trekkies para que realizara una interpretación en directo de su canción, algo que no se consiguió hasta la WorldCon del año 2013 (celebrada en San Antonio, Texas) donde lo hizo sentada delante de un decorado que simulaba el puente de la Enterprise.

La canción tuvo un segundo revival en 1987 cuando la discográfica Off Centaur editó un recopilatorio de canciones grabadas por músicos aficionados a Star Trek titulado “Where No Man…” y que sólo se comercializó en Estados Unidos en formato cassette. La canción recibió en 2003 el Pegasus Award, un premio que se concede a la mejor producción filk (un género musical basado en las raíces típicas del folk norteamericano pero cuya letra o performance tengan algún tipo de relación con la ciencia ficción).

https://www.youtube.com/watch?v=q50UBIWXvfc

http://fanlore.org/wiki/Where_No_Man

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THE FIRM – STAR TREKKIN’ (Reino Unido, 1987)

Escrita por John O’Connor y Grahame Lister, la canción inicialmente no fue aceptada por ninguna compañía discográfica. Los autores enviaron copias a varias emisoras de radio locales inglesas junto con sus números de teléfono. Una emisora de Liverpool emitió en varias ocasiones la canción indicando dicho teléfono, y los autores comenzaron a recibir llamadas de particulares solicitando una copia del single. Haciéndose eco de dicho fenómeno, la BBC Radio 1 apostó por la canción, que rápidamente se convirtió en una de las más populares del momento. La discográfica K-Tel compró los derechos y lanzó el single a 45 rpm, que se mantuvo durante dos semanas en el número uno de los sencillos más vendidos en UK. El sello Dino Music la comercializó en Australia pocas semanas después, donde también fue un éxito comercial. No ocurrió lo mismo con el álbum que fue grabado pocos meses después por el grupo, de título “Serious Fun”, que fue un estrepitoso fracaso. En EEUU no llegó a comercializarse aunque varias pequeñas emisoras locales intentaron hacer de ella un éxito. El videoclip de “Star Trekkin’” está rodado usando técnicas de stop-motion donde aparecen personajes que parodian a los protagonistas de la serie original de Star Trek, junto a un montón de extraños seres alienígenas y con una reproducción original de la USS Enterprise apareciendo en numerosas ocasiones. Un auténtico y primitivo fan-film.

https://www.youtube.com/watch?v=7ZS2-4-iUJ4

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EDELWEISS – STARSHIP EDELWEISS/PLANET EDELWEISS (Austria, 1992)

En el año 1992, un estrafalario grupo austriaco liderado por los DJ’s Martin Gletschermayer, Matthias Schweger y Walter Werzowa conseguían por fin editar su primer álbum. Habían tenido un relativo éxito (circunscrito exclusivamente a su país) en 1989 con la canción “Bring Me Edelweiss” pero la cosa no pasó de ahí. “Wonderful World Of Edelweiss” fue el título del álbum, y los dos singles extraídos del mismo fueron grandes éxitos en las pistas de baile de toda la Europa continental.

El primero de ellos, “Starship Edelweiss”, utilizaba la conocida melodía de Alexander Courage que se popularizó en la serie original de Star Trek como gancho comercial (con licencia del autor) y alrededor de ella se realizó un surrealista videoclip donde los protagonistas aparecían ataviados con uniformes claramente inspirados en los de Kirk, Spock y compañía. La acción se desarrollaba en el interior de una estrafalaria nave espacial que, detalles humorísticos aparte, se identificaba claramente como una imitación de la USS Enterprise. En el vídeo también aparecían “los villanos” interpretando las estrofas cantadas “en idioma alienígena” de la canción, claramente inspirados en los klingons. La versión del videoclip es algo diferente a la del álbum, ya que esta última no contiene las partes rap.

https://www.youtube.com/watch?v=eEpcjgYHE4U

El segundo single, “Planet Edelweiss” va en la misma línea, pero se homenajea a los populares juegos de plataformas de las primeras videoconsolas domésticas. Un humano ataviado con la indumentaria de Star Trek y un klingon dirigen a sus respectivos equipos en una divertida (y a veces grosera) competición. Su peculiar versión de la Enterprise vuelve a aparecer en varios momentos del videoclip.

https://www.youtube.com/watch?v=ipVJZUk2eVw

El álbum (el único en su carrera) apenas alcanzó el número 10 en las listas de ventas de su país, siendo residual su aparición en las listas del resto de países europeos debido a la escasa distribución que hizo su compañía discográfica. Aún así, con el paso de los años este disco se ha convertido en un objeto de culto buscado ansiosamente por los fans, que sobre todo persiguen alguna de las escasas diez mil copias editadas en CD en todo el mundo, una cuarta parte de ellas en Japón.

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NERF HERDER – MR. SPOCK (EE.UU., 2002)

Banda de punk-rock fundada en 1994 en Santa Barbara (California) caracterizada por sus letras que hacen constantes referencias a iconos de la cultura pop (comenzando por su propio nombre, que hace referencia a una “profesión” mencionada por la princesa Leia a Han Solo en la segunda entrega de la saga Star Wars: “Why you stuck-up, half-witted, scruffy-looking nerf herder!”). Un chiste que lamentablemente se pierde en el doblaje al español pues se adaptó como: “¿Qué estás diciendo? ¡Presumido, estúpido anormal! ¡Piojoso!”.

En su tercer álbum de estudio (“American Cheese”, 2002) incluyeron una canción dedicada al gran icono de la saga Star Trek, titulada sencillamente “Mr. Spock”. La promoción se acompañó de un delirante videoclip en el que los miembros de la banda se muestran ataviados con los típicos uniformes de la serie clásica y rodeados de alienígenas que abarrotan una improvisada pista de baile.

https://www.youtube.com/watch?v=xK9P-BrfzLE

La banda, a lo largo de su carrera, también ha obtenido cierta notoriedad por haber grabado canciones dedicadas a “Los Cazafantasmas”, a “Doctor Who” o la intro de la serie de televisión “Buffy The Vampire Slayer”.

 

S.P.O.C.K. (Suecia, 1993-2012)

Banda de pop basada en sintetizadores de origen sueco, han grabado nueve discos. Gran parte de su repertorio hace referencias a diversos momentos de la saga Star Trek, y siempre tocan en directo ataviados con los típicos uniformes de la serie clásica.

https://www.youtube.com/watch?v=Y0kzI9m6gO0

Por otra parte, fans a nivel individual han realizado videoclips de otras canciones de artistas/grupos que han homenajeado a la franquicia.

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También existen multitud de vídeos realizados por fans sobre grandes éxitos de la música pop, siendo uno de los más populares el “Star Trek Rhapsody” basado en la emblemática canción del grupo británico Queen, y uno de los más recientes es la “versión klingon” del archiconocido “Gangman Style” del surcoreano PSY. Todos ellos también son, a su peculiar manera, auténticos fan-films basados en Star Trek.

Producciones humorísticas

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STAR TREK: THE PEPSI GENERATION (EE.UU., 1988)

Producido y dirigido por Ryan K. Johnson, este cortometraje ambientado en la época de Star Trek: The Next Generation puede considerarse uno de los primeros fan-films de tono paródico que realmente tiene un argumento propio. La pequeña fanfarria de la intro de esta producción fue cedida por un compositor habitual en las bandas sonoras de las series Trek, Dennis McCarthy (y de la BSO de Star Trek: Generations en 1994).

Contando con las enormes limitaciones que suponía la filmación, edición y post-producción en formato analógico, este cortometraje de 15 minutos tiene un enorme mérito y tardó más de un año en finalizarse por completo.

https://www.youtube.com/watch?v=iadT8uL2GME

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STAR WRECK (Finlandia, 1992-actualidad)

Serie de parodias iniciada por Samuli Torssonen en 1992. La primera de ellas consistía simplemente en unas cuantas naves pixeladas disparándose entre ellas, al más puro estilo de los videojuegos de las consolas de la época. Poco a poco fueron incorporando los avances en el modelado 3D hasta que en la sexta entrega dan el salto definitivo a la imagen con actores reales con Star Wreck: In The Pirkinning. La filmación y post-producción de dicho largometraje (103 minutos) duró siete años (1998-2005) y fue dirigido por Timo Vuorensola.

Star Wreck: In The Pirkinning es sin lugar a dudas el fan-film más ambicioso basado en el universo de Star Trek. Comenzó a rodarse con medios analógicos y en un principio iba a ser otro cortometraje, pero su paso al formato DV para el rodaje los animó a emprender la arriesgada aventura de convertirlo en largometraje. La cinta está plagada de espectaculares escenas CGI dignas de cualquier gran producción de la época. La historia mezcla elementos de las películas de la época de TNG con una completa recreación del universo de otra de las series míticas del género, Babylon 5. Los modelos CGI de ambas sagas son asombrosamente idénticos a los originales, empezando por la nave de la tripulación protagonista, que es una detallada réplica de la USS Enterprise NCC1701-E.

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Lamentablemente, el tono paródico (a veces demasiado absurdo y grosero) y el amateurismo desprendido por la mayoría de los actores lastran en exceso el resultado final. Aún así, es un largometraje que ningún fan de Star Trek y/o de Babylon 5 debería ignorar.

Star Wreck: In The Pirkinning tiene además el honor de haber sido la única producción de estas características que interesó a una gran multinacional de la industria. La división nórdica de la productora Universal compró los derechos de la película para su comercialización en los países del norte de Europa, con la única condición de que todos los planos CGI fueran realizados de nuevo para no entrar en conflicto con Paramount y Warner, las propietarias de los derechos de Star Trek y de Babylon 5 respectivamente. Dicha versión salió a la venta a finales del año 2006 bajo la denominación “Imperial Edition”, y constaba de dos discos DVD con la nueva versión del largometraje y un buen puñado de extras que mostraban al completo las peripecias de los siete años de trabajo. Posteriormente, en el año 2009 Universal también la editó en EE.UU., aunque con un solo disco DVD. Y como gran curiosidad, una pequeña editora independiente japonesa llamada AMG & Medallion Media también la editó en aquel país… ¡doblada al japonés! De la misma forma, un canal de televisión por satélite italiano también realizó el doblaje a este idioma.

Los autores del film, a pesar de todo este éxito, lograron los permisos de Paramount y de Warner para conseguir mantener la versión original solo para distribución por Internet, cuyo número de descargas superaba los dos millones (sin contar los visionados en plataformas como YouTube o Vimeo) antes de la comercialización del DVD.

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En el año 2012, unos aficionados suizos realizaron una secuela titulada Star Wreck 2π: Full Twist, Now! con la autorización de Torssonen y Vuorensola. Aunque el esfuerzo es encomiable, el resultado artístico es inmensamente inferior a su predecesora y absolutamente prescindible.

A principios del año 2015, los responsables de Star Wreck: In The Pirkinning anunciaron a través de su página de Facebook que estaban preparando una versión remasterizada en alta definición de la película original, y que comenzaban la producción de una secuela de la misma.

Como apunte final, decir que Star Wreck: In The Pirkinning es el fan-film que ha sido subtitulado a más idiomas, aproximadamente una veintena (incluido el klingon).

http://www.starwreck.com/

https://www.youtube.com/watch?v=RHAPXlVq5lk

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STEAM TREK: THE MOVING PICTURE (Reino Unido, 1994)

Rodado por los miembros del club de fans Endeavour bajo el nombre de “The Ad Hoc Film Society”, este curioso cortometraje de once minutos de duración nos narra una aventura de los tripulantes de la nave USS Isambard NCC-1 en la superficie de un planeta alienígena (con monstruo incluido). Fue escrito y dirigido por Dennis Sisterson y Ashley Levy. Hasta aquí, nada especial, si no fuera porque la producción está rodada al estilo de los inicios del cine, con una estética muy similar a la popular Viaje a la Luna (Le Voyage dans la Lune. Georges Méliès, 1902) y donde el futuro donde se desarrolla la acción está situado en el año 1980.

Para imprimirle aún más parecido, el cortometraje fue rodado en formato Super 8 sin sonido, al que después se le añadió una banda sonora con base de piano al más puro estilo de la época dorada del cine mudo. Todos los decorados son simples sábanas con las consolas pintadas a mano. El coste total del cortometraje no superó las cien libras, y se estrenó en el auditorio de uno de los hoteles del aeropuerto de Heathrow con una “fila cero” llena de celebridades, entre ellos Patrick Stewart, David Prowse y Arthur C. Clarke.

El cortometraje fue digitalizado y reestrenado en la Swecon/Steampunkfestival del año 2014 en la ciudad sueca de Gävle, ya en plena moda del revival de la moda steampunk.

https://www.youtube.com/watch?v=Z-AVEUxg3xc

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STONE TREK (EE.UU., 1999-2006)

Realizada completamente en formato de animación flash, Stone Trek es creación del dibujante Brian Matthews. Mezcla de forma humorística los elementos e historias más conocidos de la serie clásica de Star Trek con la estética de la serie de Hanna-Barbera Los Picapiedra (The Flintstones; 1960-1966). Narra las aventuras de la nave USS Magnetize BCC-1701 y su intención inicial era filmar tres temporadas, cada una de las cuales tendría los mismos episodios que la serie original de Star Trek y el título de cada episodio haría referencia al original (ejemplos: “Charcoalie X”, “The Impugnity Syndrome” o “Day of the Doveasaurus”), aunque finalmente sólo se llegaron a realizar media docena de ellos debido a que sus responsables fueron realizando otros cruces con diferentes series y películas del género, como las dos partes de “20001 BC: A Space Oddity”. En el año 2001, como homenaje al 35 aniversario de la franquicia, realizaron un episodio especial en el que parodiaban el videoclip de la canción “Star Trekkin’” del grupo The Firm (ver sección anterior).

Como curiosidades, mencionar que cada episodio llevaba la cuenta de los redshirts muertos y los fans tenían la oportunidad de enviar sus fotos para ser seleccionados y caricaturizados como algunos de estos redshirts.

http://www.angelfire.com/fl/sapringer/STONETREK.HTML

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REDSHIRT BLUES (EE.UU., 2001)

Escrito y dirigido por David O. Rogers, este sencillo y rudimentario cortometraje de apenas diez minutos narra las andanzas de dos redshirts en una misión de reconocimiento en un imaginario e inhóspito planeta. Uno de ellos está harto de que Kirk le asigne siempre las misiones más peligrosas, y el otro es un recién graduado.

Con unos diálogos ingeniosos, este cortometraje es un homenaje a todos esos actores que fueron pasando fugazmente por la serie clásica de Star Trek y cuya única función era la de ser “carne de cañón” para proteger a los oficiales al mando de la misión. Es simpático.

https://www.youtube.com/watch?v=EVduvWTxQ5w

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RODDENBERRY ON PATROL (EE.UU., 2003)

Cortometraje de quince minutos que, en tono humorístico y sin mayores pretensiones, pretende llevar a la pantalla varias de las etapas profesionales por las que deambuló Gene Roddenberry antes de crear Star Trek (sobre todo centrándose en su etapa como policía en Los Ángeles). La producción corre a cargo de Douglas Conway, posteriormente responsable de Star Trek: Of Gods And Men y de la actual Renegades. Conway logró captar para el film con un gran número de actores de la franquicia de Star Trek como Walter Koenig y Nichelle Nichols (TOS), Robert Beltran, Ethan Phllips, Tim Russ y Robert Picardo (VOY) y la narración corrió a cargo de George Takei. Tim Russ también fue el director.

Concebido en su origen como un cortometraje sin ánimo de lucro, finalmente fue comercializado en DVD por una pequeña productora llamada PlanetX Studios (ya desaparecida) y distribuido solo en EEUU y Canadá. En la actualidad solo se pueden adquirir copias a través de la tienda virtual en Internet propiedad del hijo de Gene Roddenberry.

https://shop.roddenberry.com/products/roddenberry-on-patrol-DVD

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KLINGON PROPAGANDA (EE.UU., 2009)

Cortometraje de animación de apenas dos minutos de duración. Su creador es Mark Farinas, dibujante profesional propietario de una pequeña empresa de animación digital llamada Bad Monkey Studios. Fue realizado como divertimento de cara a los fans, aunque algunos de ellos propusieron a Farinas que filmara un vídeo más largo (y más serio) para presentarlo a CBS/Paramount y explorar la posibilidad de convertirlo en la punta de lanza de una nueva serie oficial de animación. Naturalmente, dicho proyecto nunca llegó a materializarse.

https://www.youtube.com/watch?v=P9sFyY9LN0M

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STALLED TREK: AMUTT TIME (EE.UU., 2012)

Deliciosa parodia del episodio de la serie clásica “Amok Time”, realizada con marionetas digitales en 3D. Su duración es de 16 minutos y es obra de Mark R. Largent. Fue financiado a través de una campaña de recaudación de fondos en Kickstarter, logrando reunir unos dos mil dólares. A pesar de las recientes “normas de uso” publicadas por CBS y que afectan a todas las producciones de fans basadas en Star Trek, este cortometraje aún se puede adquirir en formato DVD a través de su página web a cambio de diez dólares.

http://paunk.storenvy.com/products/366299-stalled-trek-amutt-time-dvd

https://www.youtube.com/watch?v=M5ZkBQht78A

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THE RED SHIRT DIARIES (EE.UU., 2013-actualidad)

Curioso proyecto creado por la actriz Ashley Victoria Robinson y por el director Jason Inman. Ashley interpreta a la alférez Williams, miembro del equipo de seguridad de la Enterprise y que, contrariamente a lo que vimos en la mayoría de episodios de la serie original de Star Trek, siempre sobrevive a cada misión. De esta forma, y con un formato de videoblog, la protagonista relata de forma humorística las vicisitudes que (se supone que) ha sufrido en cada uno de los episodios de la serie. Por lo tanto, cada cortometraje lleva el mismo título que los capítulos de la serie original y esporádicamente le sirven para hacer hilarantes comentarios sobre la trama de dicho episodio o para hacer aparecer algún otro tripulante de la nave.

Actualmente lleva una treintena de cortos grabados más sus correspondientes “detrás de las cámaras” para la mayoría de ellos.

http://www.theredshirtdiaries.com/

 

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En España también se han creado algunos cortometrajes en tono paródico basados en Star Trek. Entre ellos destacaríamos:

– “Star Trek: El Cortometraje” (2001, 18 minutos) obra del club USS Barcelona Trek.

https://www.youtube.com/watch?v=IpPXTsnuPso

– “Hispatrek” (2003, 10 minutos), a cargo del Club Star Trek de Sevilla.

https://www.youtube.com/watch?v=V4RvhVBX5Ho

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– “Hispatrek II: El Enemigo Interior” (2008, 15 minutos), a cargo del Club Star Trek de Sevilla.

https://www.youtube.com/watch?v=uFtkcRWuP0g

https://www.youtube.com/watch?v=qXaa06KX_Dk

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– “Operación Jamaharon” (2008, 4 minutos), a cargo del Club Star Trek de Sevilla.

https://www.youtube.com/watch?v=OpHkrN3DeDQ

– The Holo Xperience (2013, 11 minutos), a cargo de un grupo de fans de Granada. Es un crossover entre Star Wars y Star Trek (aunque no lo parezca hasta casi el final del metraje).

http://www.swthx-fanfilm.com/

– Star Trek: Pump Up The Volume” (2016, 4 minutos) a cargo del Club Star Trek de España.

https://www.youtube.com/watch?v=kVUAajtuqxI

Continúa aquí

 

[1] Los efectos especiales de las dos primeras temporadas de la serie Babylon 5 fueron realizados con ordenadores Commodore Amiga que estaban en los propios domicilios de los creadores de dicha serie.

 

La trinidad galáctica: Kirk, Spock y McCoy

Posted in Artículo, Ciencia ficción, Cine, Televisión on 8 noviembre, 2016 by belakarloff

Siguiendo con nuestra celebración del 50 aniversario de la creación de Star Trek, ofrecemos ahora un artículo, centrado en tres de los más carismáticos personajes de la franquicia.

La trinidad galáctica: Kirk, Spock y McCoy

Por

Manuel Aguilar

 

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Una de las facetas más características de las sucesivas etapas televisivas y cinematográficas de la saga Trek es la relación inconfundible que se establece entre las diferentes tripulaciones, relación que va más allá de la mera semblanza de personajes, otorgándoles una densidad especial que trasciende al propio reparto y a la ficción; se trata mucho más de un concepto cercano al de la familia.

Las series protagonizadas por familias eran habituales en la televisión norteamericana[1] en los años en que Roddenberry hizo realidad su ideal humanista, pero en este caso ese ideal estaba muy alejado del concepto almibarado del clan tradicional, manteniéndose el grupo aquí representado unido por la amistad y la camaradería, concepto sin duda influido por la etapa en el ejército y los años como patrullero en que el guionista/productor trabajó antes de entrar en el mundo televisivo, que a su vez inspiró numerosas series posteriores (no por casualidad muchas de ellas adscritas al género policiaco), y originado en la tradición westerniana, muy popular también en la televisión del momento (al fin y al cabo, esa es la génesis conceptual de la saga: una “Caravana a las estrellas”)[2].

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Desde los primeros episodios fue revelándose una muy especial unión entre tres personajes, que acabó convirtiéndose en la misma esencia de las aventuras de la Enterprise clásica: lo que se ha venido definiendo como “la Trinidad”, a saber, la interdependencia y adhesión entre el capitán Kirk, el oficial científico Spock y el oficial médico Leonard “Bones” McCoy.

De caracteres diametralmente opuestos, resulta fascinante (como diría el señor Spock) comprobar cómo estos personajes acaban conformando una supra-entidad en la que cada uno de sus miembros representa un rasgo del “cuerpo” principal: así, Kirk representa la fuerza, el valor y la intuición, Spock el raciocinio, y el gruñón pero bondadoso McCoy el corazón, rasgos que por otra parte comparte el resto de la tripulación, en mayor o menor medida.

Esta relación a tres se mantuvo a lo largo de las sucesivas temporadas y películas, en un equilibrio caracterizado por una constante tensión que, de hecho, se erige como punto clave en más de un capítulo. En cualquier caso, fue forjándose durante la primera temporada, donde, a la hora de descender a un planeta para cumplir una misión, es el trío el que, sin más motivo aparente que la pura inercia, suele encargarse de ello[3]; excepcionales, en este sentido, son los episodios “El Galileo Siete” (“The Galileo Seven”, 1967 [1.16]), donde se establece la relación amor/odio entre Spock y McCoy a través del conflicto entre la fidelidad al deber y la iniciativa propia, -conflicto por cierto en el que Spock lleva las de perder- y “Consejo de guerra” (“Court Martial”, 1967 [1.20]), donde Spock consigue equilibrar a la perfección su lógica con la lealtad a su capitán, instaurando así la gran amistad que, por encima de reglas y rangos, une a ambos personajes, amistad que se reafirma en el soberbio “El diablo en la oscuridad” (“The Devil in the Dark”, 1967 [1.25])[4] donde son las dudas y reacciones de Kirk frente a las de Spock, y viceversa, las que determinan la actitud de ambos respecto a la Horta, la criatura protagonista de la historia, apreciándose así una mayor interrelación entre la psicología de los personajes y el desarrollo de las historias.

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The Galileo Seven

Continuando en la primera temporada, la unión entre el capitán y su primer oficial se manifiesta de nuevo en “La colección de fieras” (“The Menagerie”, 1966 [1.11/1.12]) -único episodio en dos partes de toda la serie, donde se retoma metraje del piloto no emitido en el estreno, “The Cage” (1964/1986[1.0]), en el que, para salvar a Kirk, Spock no duda en transgredir las normas, poniendo en peligro su puesto en la Flota. Tal muestra de lealtad se verá recompensada, de modo un tanto peculiar, en “Esa cara del Paraíso” (“This Side of Paradise”, 1967 [1.24]), donde unas esporas espaciales revelan la faceta humana de Spock al permitirle abandonarse a las emociones (y olvidar, a la vez, sus cometidos en la Enterprise), obligando a Kirk a obsequiarle con una serie de insultos con el fin de enfurecerle y hacerle recapacitar, con notable riesgo para su integridad física por otra parte, ya que la fuerza de un vulcano desatado es considerable. Obviando este detalle, podría quedar alguna duda sobre el esfuerzo imaginativo del capitán a la hora de proferir los improperios, mas la verdadera naturaleza de sus sentimientos queda posteriormente fuera de cuestión en “Operación: aniquilación” (“Operation Annhilate!”, 1967 [1.29]), donde este se ve tan afectado por el mal que sufre Spock (quien aquí queda temporalmente ciego) como para reprochárselo al doctor, de forma indirecta por temor a herirle, puesto que este ya se siente bastante mal al haber perdido la vista el vulcano por acceder a someterse a un experimento; estamos ante un episodio particularmente relevante en este aspecto, pues no solo afloran los sentimientos de protección entre los tres personajes, sino que se desarrolla una serie de conflictos que rubrican la complejidad que caracteriza su unión.

Una vez establecida dicha complejidad, la segunda temporada se inicia con un verdadero punto de inflexión: “La época de Amok” (“Amok Time”, 1967 [2.1]), episodio importante por diversas razones, entre las cuales nuestros amigos representan parte destacada, puesto que, a partir de aquí, esa mayor interrelación trío-historias se convierte en una constante: de hecho, una de las mayores bazas del episodio la constituye la perfecta construcción del guion por parte del gran Theodore Sturgeon, hábil e iconoclasta escritor que no solo teje uno de los primeros estudios en profundidad de una sociedad alienígena realizados en la saga, sino que, conocedor del valor emblemático del trío galáctico, descubre nuevos y reveladores aspectos de su naturaleza y articula todos y cada uno de los elementos de la trama en torno a este.

En efecto, ya desde el principio la historia adquiere un tono inquietante: Sturgeon, sin duda influido por la dualidad mostrada en “Esa cara del Paraíso” y el concepto de la doble naturaleza inherente al ser humano que tantos mitos y joyas literarias ha creado, aporta matices más oscuros a lo expuesto en el citado episodio, desvelando -para asombro del capitán y los propios espectadores- la verdadera condición violenta de los vulcanos, reprimida por una férrea adhesión a la frialdad de la lógica; más tarde, cuando el oficial científico muestra su necesidad vital de culminar el ritual de cortejo de su raza -más conocido como pon farr-, la unión con Kirk y McCoy se ve puesta a prueba una vez más, no dudando ambos, como hiciera Spock en “The Menagerie”, en arriesgarse y descender con su amigo a su mundo natal[5], viéndose inmersos en una sociedad hostil donde el ritual conlleva más importancia que los individuos, a través de la liberación de poderosos instintos primordiales que implica a nuestros héroes, obligándoles a un dramático enfrentamiento.

Cuando el desenlace parece haber llegado a su extremo más trágico, Spock deja de lado -voluntariamente- su rigidez emocional para mostrar sin tapujos sus sentimientos (lo que, para un vulcano, equivale a desnudarse), para luego disimularlos improvisando una justificación racional, que no hace otra cosa que refrendar el apego más que fraternal de Spock por su capitán. Nunca hasta este momento la unión entre los tres personajes había pasado una prueba tan dura ni tan descarnada, ni las emociones expuestas tan a flor de piel.

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Theodore Sturgeon

 

La prueba, por otra parte, no será liviana tampoco para McCoy (“No se lo cree ni él”, es la sentencia del doctor hacia el falso razonamiento del vulcano), quien a la postre se revela como el mejor conocedor de Spock a pesar de las numerosas ocasiones en que su actitud le saca de quicio. En este sentido, las discusiones entre ambos personajes -la eterna lucha entre la cabeza y el corazón, podría decirse-, serán una constante en la que a veces queda muy difusa la frontera entre la mera gresca amistosa y una verdadera confrontación: expresiones como “duende de sangre verde”, “desagradecido” o “inhumano”, aunque puedan parecer simpáticas fuera de contexto, hacen dudar a los testigos que no les conocen, obligando más de una vez a Kirk a actuar como mediador, así en “Espejo, espejito” (“Mirror, Mirror”, 1967 [2.4.]), donde la ironía de Kirk suaviza la sutil reflexión de Spock sobre la barbarie de la humanidad tras visitar el Universo Espejo (sin dejar de mirar al doctor), evitando sin duda una nueva bronca; o en “Pan y circo” (“Bread and Circuses”, 1968 [2.25]), donde hace la observación definitiva sobre el comportamiento de estos dos: “¿Son enemigos?” “No lo saben ni ellos”[6]. La excepción confirma la regla y, a veces, son Spock y McCoy los que deben hacer entrar en razón a su capitán: así ocurre en “Obsesión” (“Obssesion”, 1967 [2.13])[7], donde Kirk se convierte en émulo del capitán Ahab al perseguir implacablemente a una especie de vampiro espacial que masacró a los tripulantes de la Farragut, nave en la que anteriormente había servido.

Así, a la postre se evidencia la profundidad de la lealtad entre los tres tripulantes y los sacrificios y riesgos que cada uno está dispuesto a afrontar por el otro, hasta el punto de que, en numerosas ocasiones, será este espíritu de fraternidad y sacrificio el que decida su destino. Así, en “La manzana” (“The Apple”, 1967 [2.5]) -donde, pese a salvar el vulcano a su capitán, McCoy tiene numerosas ocasiones para lanzarle sus pullas a Spock, ante el desconcierto del vulcano frente a las costumbres sexuales de la sociedad alienígena que aquí encuentran- , “Los años de la muerte” (“The Deadly Years”, 1967 [2.12]) -otra dura prueba para su amistad, al sufrir una enfermedad degenerativa que les hace envejecer prematuramente, con todas las limitaciones mentales, no solo físicas, que ello conlleva-, “El síndrome de inmunidad” (“The Inmunity Syndrome”, 1968 [2.18]) -aquí la tensión entre Spock y McCoy se hace especialmente palpable ante la amenaza de una ameba espacial que absorbe la energía vital de todo ser vivo que halla en su camino, traduciéndose en una demostración de dignidad, en la que ambos rivalizan para sacrificarse en aras de la salvación de la nave y sus compañeros de tripulación, lo que no hace sino confirmar (aunque ninguno lo admitiría jamás) el enorme apego que les une- o “El mejor ordenador” (“The Ultimate Computer”, 1968 [2.24]), una de las más entrañables demostraciones de lealtad por parte de Spock a Kirk, apoyándole constantemente al ser este relegado a funciones de mero observador ante la intrusión de una computadora de última tecnología, lo que supone un duro golpe al orgullo del capitán.

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The Paradise Syndrome

 

La tercera y última temporada, por su parte, constituye una reafirmación de lo establecido en la anterior, con preponderancia de situaciones en que la cohesión del trío se verá puesta de nuevo a prueba ante la situación de peligro de uno de sus integrantes, obligando a los demás a darlo todo para salvar a su camarada, quizá para reforzar la tensión dramática y compensar la escasez de presupuesto que será especialmente notoria en esta etapa. Así sucederá con la amnesia de Kirk en el planeta habitado por indios de “El síndrome el Paraíso” (“The Paradise Syndrome”, 1968 [3.3]), con un descerebrado Spock en la surrealista “El cerebro de Spock” (“Spock’s Brain”, 1968 [3.1]) -donde el doctor tiene ocasión de demostrar sus cualidades realizando una operación diríase imposible que, además, le permite hurgar a su gusto en los vericuetos mentales del vulcano-, con un enfermo McCoy en la agridulce “Pues el mundo es hueco y yo he tocado el cielo” (“For the World is Hollow and I Have Touched the Sky”, 1968 [3.8]) u otra vez Spock, mostrando su faceta humana con una mujer del pasado en la también melancólica “Todos nuestros ayeres” (“All Our Yesterdays”, 1969 [3.23])[8].

Excepciones hay a dicha norma, no por casualidad, en algunos de los mejores episodios de esta temporada, con argumentos más trabajados, como el de “El incidente del Enterprise” (“The Enterprise Incident”, 1968 [3.2]), donde nuevamente la complicidad entre Kirk y Spock soslayará toda sospecha de traición por parte del vulcano, eje principal de esta trama de espionaje con romulanos, o el de “La empática” (“The Empath”, 1968 [3.12]), episodio en el que la citada escasez de presupuesto -aquí especialmente palpable- se ve subsanada por la fuerza interpretativa de sus protagonistas y la especial sensibilidad que Joyce Muskat insufla a su guion, articulando la trama, según la lección de Sturgeon, en torno a la camaradería y el espíritu de sacrificio de nuestros tripulantes, en un argumento que por otra parte recuerda mucho al de “The Cage”, con el trío tomando el relevo del capitán Pike.

Muy significativo, en este sentido, será el inquietante “La telaraña tholiana” (“The Tholian Web”, 1968 [3.9]), episodio en el que las decisiones de Spock y McCoy no solo serán decisivas para salvar a Kirk, atrapado en una dimensión paralela, sino para ayudar al resto de la tripulación a mantener la calma, en especial a Uhura, cuyos sentimientos por el capitán, implícitos a lo largo de toda la serie, quedan ya evidenciados, lo que con toda probabilidad preparó a los espectadores para el mítico beso interracial de “Los hijastros de Platón” (“Plato’s Stepchildren”, 1968 [3.10])[9]. La tensa atmósfera acrecentada a lo largo del episodio, por otra parte, y muy en especial la tensión palpable entre Spock y McCoy, aquí desprovistos del equilibrio mediador de Kirk, recuerda mucho a la lograda en el magnífico “The Inmunity Syndrome”. El resto de episodios con los que concluirá la temporada y la serie no estarán ya a la altura de los mencionados, si bien la fusión mental de Spock con un Kirk abatido por haber causado la muerte de su amada en “Réquiem por Matusalén” (“Requiem for Methuselah”, 1969 [3.19]) no deja de resultar entrañable: “Olvide”, musita el vulcano con un fugaz estremecimiento, pues, al unirse de una forma tan íntima con su capitán, su lado humano ha cobrado durante algunos instantes una fuerza inusitada.

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Turnabout Intruder

 

La serie, al fin, concluirá con “La intrusa traidora” (“Turnabout Intruder”, 1969 [3.24]), simpático episodio que, sin embargo, no logra una despedida a la altura de lo que una serie como esta hubiese merecido (lo que, por otra parte, no es de extrañar teniendo en cuenta su prematura cancelación) y en el que, como no podía ser menos, serán McCoy y Spock quienes descubran y revelen la impostura de la mujer que ha poseído –mentalmente- a su capitán. Durante el largo período en el que solo el fervor de los seguidores y la posterior -y magnífica- serie de animación mantuvieron vivo el espíritu Trek, nuestros tres amigos no tuvieron demasiadas ocasiones de mostrar de nuevo su probado apego, salvo, dentro de la citada serie, en el espléndido “Los años del pasado” (“Yesteryear”, 1973 [1.2]), en el que D.C. Fontana, responsable de algunos de los mejores guiones de la saga (tanto en la etapa clásica como en La nueva generación), y buena conocedora del universo Trek, retoma el planteamiento de nada menos que “The City on the Edge of Forever”, haciendo que esta vez sea Spock quien viaje a través del Guardián del Tiempo, en concreto a su infancia en Vulcano, lo que permite, no solo mostrar la fidelidad entre los tres amigos, arriesgando Kirk y McCoy incluso el continuo temporal para rescatar a Spock, sino exponer en profundidad facetas de la vida cotidiana en la sociedad vulcana que hasta ahora solo habían sido comentadas[10]. Ya en “Albatros” (“Albatross”, 1974 [2.4]), episodio de la segunda y última temporada, será McCoy, acusado de genocidio en un planeta donde él mismo extinguió una plaga, quien de nuevo haga actuar a sus amigos para investigar lo sucedido y socorrerle.

Al fin, tras el feliz salto de la saga a la gran pantalla de la mano de Robert Wise en Star Trek: la película – La conquista del espacio (Star Trek: The Motion Picture, 1979), ese espíritu retomó su protagonismo con más fuerza que nunca en la segunda y tercera entregas de la saga, Star Trek II: La ira de Khan (Star Trek II: The Wrath of Khan, 1982), de Nicholas Meyer, y Star Trek III: en busca de Spock (Star Trek III: The Search for Spock, 1984), dirigida por el propio Leonard Nimoy[11]. Nunca como hasta entonces había quedado tan patente la profundidad de la unión Kirk-Spock-McCoy, en particular en la segunda, película especialmente querida por los trekkies al ser continuación directa de uno de los episodios más populares de la serie, “Semilla espacial” (Space Seed, 1967 [1.22]), si bien lo que en realidad impactó a los espectadores fue su final, la muerte de Spock[12], en una de las secuencias más dramáticas y sentidas de toda la historia Trek y, probablemente, de la ciencia ficción. Si bien el final abierto deja muy claro que el vulcano regresaría, no por ello la secuencia deja de emocionar, en especial a través de las reacciones de aquellos que le rodean: Kirk, en un desgarrador tour de force por parte de William Shatner, evidencia la quiebra vital que para él representa la pérdida de su más querido amigo; Nicholas Meyer, por su parte, y con el buen criterio que le caracteriza, enriquece la secuencia con numerosos detalles que enfatizan la afinidad y respeto mutuo entre ambos personajes. Así, Spock, ya moribundo, se arregla el uniforme antes de despedirse de su capitán, para luego unirse con él mediante el saludo vulcano y el lema, extensible al espíritu de la propia saga, “El bienestar de la mayoría supera al de la minoría”[13]. Para Kirk, por noble que haya sido el sacrificio, su caída representa la soledad, la ausencia del amigo a quien recurrir.

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Star Trek II

 

La lacónica frase de McCoy, tantas veces citada en la serie, “Ha muerto, Jim”, adquiere aquí un carácter especialmente lapidario, pues con el vulcano se han ido muchas cosas; quizá por ello, será el propio doctor quien se encargue de atenuar la amargura de la situación, en un intento de confortar a Kirk: “No habrá muerto mientras siga vivo en nuestro recuerdo”. Spock, en efecto, forma parte ya parte indisoluble de ellos, y nadie puede saberlo mejor que el propio doctor, pues, antes de realizar su sacrificio, el vulcano le arrincona y efectúa con él la fusión mental, en una suprema muestra de respeto y estima -mayor aún que la mostrada hacia Kirk- al elegir a McCoy para perpetuar su esencia a través de él, lo que da buena prueba del gran vínculo que, por encima de discusiones y confrontaciones, en realidad les unía. Es lástima que el guion de la siguiente entrega no aproveche el cúmulo de posibilidades que semejante desenlace ofrecía.

En efecto, los conflictos mentales y confusión de personalidades sufridas por McCoy tras la fusión, que deberían constituir un punto clave en el desarrollo del tercer film, se reducen a un mero esbozo[14] a favor de la anécdota aventurera del rescate y transmigración de Spock a su propio cuerpo, a través de la exploración de su infancia y posterior llegada a la madurez en el seno del planeta Génesis, creado en el film previo. La película queda, pues, como un producto interesante pero irregular, un intento fallido de aunar acción, espectacularidad e intimismo que podría haber dado mucho más de sí; ya en la siguiente y cuarta entrega, Star Trek IV: misión salvar la Tierra[15] (Star Trek IV: The Voyage Home, 1986), de nuevo dirigida por Nimoy, resulta de lo más sorprendente que la única consecuencia para el doctor, tras su comunión mental con Spock, sea su curiosidad (por otra parte, lógica) por lo que pueda haber más allá de la muerte, curiosidad que se verá respondida por el estoicismo de Spock y la subsiguiente irritación de McCoy, que ve muy poco recompensado el sufrimiento que le causó su sacrificio por el vulcano, tanto a él como a Kirk, quien, de forma similar a la de “Amok Time”, lo arriesgó todo, tripulación incluida esta vez, para salvar a su amigo.

En cualquier caso, tras la divertida peripecia en el San Francisco del siglo XX, donde la complicidad entre el capitán y Spock crea algunos gags notables, y el interludio fordiano con el trío al calor de la hoguera[16] en el inicio de Star Trek V: The Final Frontier [tv/vd/dvd/bd: Star Trek V: la última frontera, 1989) -esta vez dirigida por William Shatner-, la imposibilidad de que los miembros del trío puedan actuar por separado queda, una vez más, puesta de manifiesto en la sexta y última entrega protagonizada por la tripulación clásica, Star Trek VI: Aquel país desconocido[17] (Star Trek VI: The Undiscovered Country,1991), donde Nicholas Meyer retoma las riendas de la dirección con gran acierto, pues, consciente de que la película representa una despedida frente a la pujanza televisiva de La nueva generación, recupera el espíritu de la serie implicando a nuestros ya talluditos héroes en una aventura que aúna aliento épico e introspección, y donde, cómo no, el trío juega un papel básico: así, Kirk y McCoy se ven enfrentados a una dura prueba: sobrevivir en una cárcel klingon, donde deberán unir fuerzas e ingenio para fugarse y regresar a su nave, mientras Spock, como ya hiciera en “The Menagerie”, no duda en arriesgarse por sus amigos organizando un rescate, lo que con toda seguridad hubiese hecho aun no debiéndole a estos la vida. A la vez, desmantela una conspiración de la que depende la paz en la galaxia y, de paso, aprovecha para revelar su parentesco con cierto detective consultor terrestre…

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Star Trek VI: The Undiscovered Country

Los años y décadas pasaron, el éxito monumental de La nueva generación quedó en la historia, y, frente a la taquilla de un nuevo siglo que ya no respondía con el mismo fervor al postulado humanista de Roddenberry, nuestra tripulación se vio inmersa en una realidad alternativa, comenzando un renovado periplo fílmico con nuevos y juveniles rostros encarnando a nuestros viejos amigos. En lugar de aprender del fracaso comercial que también sufrió la serie original, los responsables de esta nueva saga optaron por realizar una serie de action movies al uso, con preponderancia de la acción frente a la reflexión, como queda bien patente en la tercera y hasta ahora última entrega, Star Trek: más allá (Star Trek Beyond, 2016, de Justin Lin. Así, tras un prometedor inicio sepultado (nunca mejor dicho) por la habitual avalancha de explosiones, puñetazos y fuegos de artificio, la adrenalina se erige en verdadero y único protagonista, llevando al film a la vacuidad más absoluta, donde Kirk y McCoy se convierten en meros émulos de Han Solo y Luke Skywalker y solo brilla la relación entre Spock y el doctor.

Es curioso que sea precisamente en esta película donde al menos se intenta dar cierta importancia a la mítica camaradería de nuestros personajes: así, McCoy demuestra su apego hacia el vulcano, arriesgándose por él en una situación de peligro, lo que no libra a Spock de ser obsequiado con algunas réplicas del primero, ingeniosas a pesar de algún chiste escatológico que los guionistas tuvieron a bien poner en boca de ambos. No cabe duda de que estos (demasiado) fugaces atisbos del verdadero espíritu Trek son lo mejor de esta nueva caja de truenos en celuloide, gracias en buena parte a la espléndida labor de Zachary Quinto y Karl Urban, no solo de notorio parecido con Leonard Nimoy y DeForest Kelley respectivamente, sino excelentes intérpretes.

No sabemos lo que esto puede significar de cara a las próximas entregas[16], si la definitiva pérdida de identidad de la saga, si el comienzo de nuevos rumbos más acordes con la visión de Roddenberry; en cualquier caso, en el aquí y ahora, al menos queda el consuelo de la pervivencia de la amistad[17], más allá de cualquier taquilla, más allá de cualquier contingencia, más allá de cualquier mundo. La Enterprise seguirá explorando lo desconocido, pero, como dice Kirk: “Esto no lo podemos hacer solos”.

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[1] Súmese a ello la nueva serie de televisión que está en rodaje, Star Trek: Discovery, y que se ambienta diez años antes de lo acontecido en la serie clásica, y dentro del universo canónico, lo cual podría suponer la reaparición de nuestros personajes.

[2] Como en la primera entrega, el verdadero Spock, atrapado en la realidad alterna, le dice a un bisoño Kirk: “Nuestra amistad será legendaria”.

[1] Una buena muestra, dentro de la ciencia ficción, es la representada por Perdidos en el espacio (Lost in Space; 1965-1968), donde la peripecia interestelar de la tradicional familia protagonista contrasta notablemente con los personajes que pueblan la creación de Roddenberry (si bien la premisa básica de la serie -anterior, no lo olvidemos- debió influir de algún modo).

[2] Caravana (Wagon Train; 1957-1965) fue una excelente serie del Oeste, acerca de una caravana de colonos que se dirige hacia California, y que durante el camino, episodio a episodio, viven aventuras. Roddenberry vendió el concepto de Star Trek, como se ha dicho, como una “Caravana a las estrellas”.

[3] Ejemplo claro de ello esLa ciudad en el límite del tiempo” (“The City on the Edge of Forever”, 1967 [1.28]), uno de los mejores episodios de toda la serie, donde McCoy desencadena la trama, y nadie se extraña de que sean Kirk y Spock -y no otros- quienes viajen en el tiempo para resolver la situación y salvar al doctor. El abrazo final de este a un desconsolado Kirk queda, no obstante, como una de las imágenes icónicas representativas de la amistad entre ambos personajes.

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The City on the Edge of Forever

 

[4] En este episodio, William Shatner sufrió la muerte de su padre; aunque el actor prefirió acabar el rodaje, tuvo el apoyo de Leonard Nimoy en todo momento, lo que creó un vínculo de afecto que, de alguna manera, se transmite al propio episodio.

[5] Esta vez, el motivo de que los tres desciendan en solitario se ve totalmente justificado: Spock no tiene otra opción, ya que, como vulcano, obviar el pon farr le acarrearía serias consecuencias físicas, incluso la muerte; McCoy por motivos médicos; y Kirk para coordinar el equipo y no implicar a ningún tripulante más, puesto que al optar por ayudar a su amigo, los dos oficiales han transgredido una orden directa de la Flota Estelar.

[6] No obstante, Spock también se permite a veces obviar su habitual estoicismo y tomarse la revancha: así, en “Hijo de un jefe” (“Friday’s Child”, 1967 [2.11]), en el que el vulcano manifiesta abiertamente su regodeo al ver a McCoy haciendo de padre adoptivo.

[7] De hecho, por una vez, Spock se digna confiarse a McCoy solicitándole ayuda, a lo que el doctor responde con un escueto “Necesito una copa”. No es para menos, pero no nos engañemos: Spock quiere una explicación sobre la obsesión, un comportamiento humano que no puede entender.

[8] Es lógico ese tono nostálgico en ambos episodios, pues, por paradójico que parezca, es el amor la fuerza motriz y fuente de conflicto de ambos argumentos.

[9] Aunque fuese con la excusa moral de que ambos están poseídos por entidades alienígenas.

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Lust in Space

 

[10] De hecho, este es uno de los pocos episodios de esta serie cuyo argumento se integró en el canon (es decir, la cronología oficial de la saga).

[11] Con este título se inaugura la tendencia a que sean los propios actores los encargados de dirigir las sucesivas entregas, haciendo así que la etapa fílmica adquiera un carácter más familiar.

[12] Aquello representó un auténtico desafío para Nimoy, razón por la cual aceptó participar en la entrega.

[13] Este lema podría explicar, sobre todo en estos días, la razón por la que la saga tiene tantos seguidores como detractores.

[14] Esta posibilidad, sin embargo, y ya dentro de La nueva generación, sí es aprovechada en el soberbio episodio de la tercera temporada “Sarek” (“Sarek”, 1990 [3.23]), donde, una vez más, Patrick Stewart demuestra su excelencia interpretativa ante la lucha interna de Picard al realizar la fusión mental con el padre de Spock.

[15] Ante la raquítica taquilla que, según parece, arrojaba la franquicia en España, el film se estrenó meramente como Misión: salvar la Tierra; posteriormente ha sido añadida la denominación de la saga y su numeración en posteriores pases televisivos y en ediciones en vídeo, DVD y blu-ray.

[16] La escena fue rechazada de plano por una gran parte de los aficionados, al considerarla poco Trekkie ¿¿¿???

[17] Aquí sucedió exactamente igual a lo referido en la nota 15. De hecho, la previa entrega ni llegó a estrenarse en cines.

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