Archive for the Terror Category

Inside (2016)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 1 agosto, 2017 by belakarloff

Estando embarazada Sarah tiene un accidente de coche, pereciendo su pareja. Meses después, en navidades, ella está a punto de dar a luz. Pero una mujer misteriosa comienza a acecharla…

Dirección: Miguel Ángel Vivas. Producción: Nostromo Pictures. Productores: Adrián Guerra, Núria Valls. Dirección de producción: Marta Sánchez de Miguel. Productor ejecutivo: Jaume Balagueró. Guion: Jaume Balagueró, Manu Díez, Miguel Ángel Vivas, según el guion original de Alexandre Bustillo y Julien Maury. Fotografía: Josu Inchaustegui. Música: Víctor Reyes. Montaje: Luis de la Madrid. Diseño de producción: Dídac Bono. Efectos especiales: Lluís Rivera (supervisor efectos especiales), Àlex Villagrasa (supervisor efectos visuales). Intérpretes: Rachel Nichols (Sarah), Laura Harring (la mujer), Stany Coppet (Hugo García), Ben Temple, Andrea Tivadar (Alice Donovan), Craig Stevenson (Mike McCogan), David Chevers (Brian), Maarten Swaan (Matthew Fields), Steve Howard (ginecólogo), Richard Felix (Rick Stein)… Nacionalidad y año: España, Estados Unidos 2016. Duración y datos técnicos: 100 min. color 2.35:1.

poster

Desde hacía tiempo Jaume Balagueró iba detrás de dirigir una versión propia del film francés Al interior (À l’intérieur, 2007), a partir de ideas propias para desarrollar la historia de una manera particular. Sin embargo, problemas de derechos impedían llevar a cabo esa adaptación. Al fin, esos problemas parecen haber desaparecido, pero en ese lapso Balagueró ha abandonado la dirección, quedando solo como productor ejecutivo y co-guionista. Como director se ha optado por Miguel Ángel Vivas, responsable de la estupenda pero incómoda Secuestrados (2010), lo cual hace concluir que la elección es de lo más adecuada.

foto1

El problema es que el film de Alexandre Bustillo y Julien Maury, aparte de cierta habilidad formal, si se le despoja del tremendismo gore, se queda en nada, y eso es un poco lo que sucede con esta nueva versión. Cierto es que Balagueró, Manu Díez[1] y Vivas han intentado aportar coherencia y firmeza a la enorme cantidad de inverosimilitudes e idas de olla que salpicaban la película francesa. Han cogido el guion de aquélla a modo de borrador y lo han trabajado a fondo, racionalizándolo.

foto3

Ello conduce a aparte de cambios importantes, haya otros elementos anecdóticos, como reemplazar el gato de la protagonista por un perro, o al jefe por un amigo homosexual, aunque esto último ayuda a eliminar esa tópica idea de la empleada liada con el jefe madurito, máxime porque, dada la situación que acaba de pasar la mujer, resulta fuera de tono semejante aventurita. De ese modo se elimina de un plumazo ese desvío y se va directo al asunto.

foto5

Muchos analistas han juzgado como negativa la ausencia de sangre, lo cual por cierto tampoco es cierto del todo. Ya comenté a raíz de la película original que, de tremenda que era, carecía de efecto para conmocionar. Sin embargo, aquí, con mucho menos consigue más. Yo sabía lo que iba a suceder: la película es muy fiel, inclusive en momentos como el diálogo a través de la puerta, y solo se aparta en el tono y en la parte final. Pues bien, aún sabiéndolo, había momentos en que me sentía inquieto; y el momento en que la mujer acuchilla la mejilla del policía hubo un grito general en el cine. Y para los amantes de las agujas hay un instante de lo más espeluznante.

foto6

Hay otra situación que supera con amplitud al film original, y me temo que aquí violentaré mi norma de no hacer spoilers en las películas de estreno: la muerte del amigo gay, que es ciertamente más incómoda que todos los litros de sangre que anega la cinta previa. Mientras lo ahoga, asfixiándolo, le muestra el móvil desde el que está llamándole su pareja, con la foto de ambos en él, y cómo la llamada se extingue al mismo tiempo que su vida.

foto7

Miguel Ángel Vivas dirige con nervio, dispensando a todo una gran potencia visual, y emplea un recurso habitual en él como es falsear el encuadre y reubicarlo de nuevo, cambiando la óptica. Eso otorga una gran intensidad emocional, y en el aspecto visual el film es brillante, no solo en la envoltura formal –esa lluvia perenne–, sino que ayuda a profundizar en la trama y los personajes. Otro recurso de guion interesante, ausente del film original, es hacer que, a consecuencia del accidente, Sarah sufre de sordera, con lo cual se efectúan interesantes trucos de audio, que a veces se trasladan también a las imágenes: hay un momento en el que, cuando Sarah oye unos pitidos incómodos a través del audífono, la imagen se desenfoca, como si las molestias le provocaran igualmente mareos.

510485_jpg-r_640_360-f_jpg-q_x-xxyxx

Pese a la mayor consistencia del guion con respecto a su predecesora, y una puesta en escena sin duda potente, todo se queda un poco por debajo de las expectativas por lo escaso del conjunto, que no va más allá de un film de suspense con una situación alargada (el mismo hándicap que tenía su inspiración, recordémoslo). Y toda la parte final, lo novedoso, no me termina de cuajar: si la película anterior se pasaba de bruta, esta se queda en el extremo opuesto, con una conclusión muy acomodaticia y blanda. Lástima. Su director se merece mejores propuestas.

inside02

 

Anécdotas

  • Rachel Nichols, protagonista de Inside, protagonizó la serie The Inside (2005-2006).
  • Estrenada en España el 28 de julio de 2017.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] Responsable este de La monja (2005), [REC]2 (2009) y [REC] 4: Apocalipsis (2014), por ejemplo. El proyecto futuro de The Abandoned, para Balagueró y Paco Plaza, sobre un grupo de científicos a cargo del Vaticano para combatir las fuerzas del Mal, lamentablemente parece haber sido cancelado.

Al interior (À l’intérieur) (2007)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 31 julio, 2017 by belakarloff

Estando embarazada Sarah tiene un accidente de coche, pereciendo su pareja. Seis meses después, en navidades, ella está a punto de dar a luz. Pero una mujer misteriosa comienza a acecharla…

Dirección: Alexandre Bustillo, Julien Maury. Producción: La Fabrique de Films, BR Films, Canal+, CinéCinéma, Soficinéma 3, Uni Etoile 4, Cofinova 3. Productores: Vérane Frédiani, Franck Ribière. Co-productores: Rodolphe Guglielmi, Fryderyk Ovcaric, Teddy Percherancier. Guion: Alexandre Bustillo. Fotografía: Laurent Barès. Música: François-Eudes Chanfrault. Montaje: Baxter. Diseño de producción: Marc Thiébault. Efectos especiales: Jacques-Olivier Molon (supervisor de efectos de maquillaje). Intérpretes: Alysson Paradis (Sarah Scarangelo), Béatrice Dalle (la mujer), Nathalie Roussel (Louise Scarangelo), François-Régis Marchasson (Jean-Pierre Montalban), Jean-Baptiste Tabourin (Matthieu), Dominique Frot (la enfermera), Claude Lulé (el médico), Hyam Zaytoun (policía municipal), Tahar Rahim (policía municipal 1), Emmanuel Guez (policía municipal 2), Ludovic Berthillot (policía BAC 1), Emmanuel Lanzi (policía BAC 2), Nicolas Duvauchelle (policía BAC 3), Aymen Saïdi (Abdel Shani Essadi)… Nacionalidad y año: Francia 2007. Duración y datos técnicos: 82 / 72 min. color 1.85:1.

poster

Durante cierta etapa en Francia se dio una corriente cinematográfica que ha venido a denominarse “terror extremo francés”. Tuvo un gran prestigio a nivel internacional, pero, tal como comentó Alexandre Aja durante su visita a Madrid en 2015 durante al festival Nocturna de Madrid, en Francia fue ignorada olímpicamente, lo que condujo a que acabara de morir por inanición. En España, cierto es, fue muy apoyada por los festivales de cine, pero los distribuidores prácticamente ignoraron la mayoría de sus muestras. Algunos de los ejemplares de esta corriente podrían ser Alta tensión (Haute tension, 2003, Alexandre Aja), Calvaire (2004, Fabrice Du Welz), Frontière(s) (2007, Xavier Gens), Ils (2007, David Moreau y Xavier Palud), Martyrs (2008, Pascal Laugier), La horde (2009, Yannick Dahan y Benjamin Rocher)… Y À l’intérieur, claro.

foto1

Al interior (À l’intérieur, 2007) está dirigida por Alexandre Bustillo y Julien Maury. Fue su debut en el medio, y después de la presente dirigieron Livide (2011), Aux yeux des vivants (2014), el segmento “X is for Xylophone” de ABCs of Death 2 (2014) y Leatherface (2017), que está lista para estreno el próximo 20 de octubre de 2017 en Estados Unidos, y en España… ni se sabe.

foto2

Alexandre Bustillo y Julien Maury se conocieron y Bustillo mandó a Maury un borrador del guion que estaba desarrollando, mientras que el segundo envió al primero unos cuantos cortos en los que había trabajado. Bustillo, en su guion, planteaba la idea de convertir al clásico asesino psicópata en una mujer. A partir de ahí desarrollaron esta película, de apenas hora y cuarto de duración, centrada básicamente en el enfrentamiento de una noche entre ambas féminas (Alysson Paradis, como la víctima, Sarah, y Béatrice Dalle como la mujer acosadora, que ofrece un cierto parecido con Barbara Steele).

foto3

Podría parecer mero relleno, pero resulta muy pertinente la alusión a las violentas manifestaciones que asolan París en los días en que transcurre la acción. Es un modo de plantear que la violencia está a flor de piel, y lo que acontece en el interior de la casa es una proyección a lo que, en realidad, está sucediendo a nivel global. El horror externo es un reflejo del horror interno, y viceversa.

foto4.png

Otro elemento interesante del film es el hecho de que la protagonista principal esté embarazada durante el ataque, lo cual hace la película absolutamente desaconsejable para mujeres en esa situación. De todas maneras, el horror extremo de la presente película consiste principalmente en situaciones sangrientas muy explícitas, pero de un nivel tan exagerado que, antes que incomodar, suponen un divertimento gore. Con todo, Bustillo y  Maury trabajan muy bien el film en el aspecto visual, contrastando los colores fríos y azulados del inicio en exteriores con los cálidos y dorados del interior de la vivienda. Da la impresión de que han desarrollado un story-board minucioso, pues la planificación es muy precisa, con planos muy calculados que enseñan justo lo imprescindible.

foto5

Reincidiendo en el aspecto del embarazo, resulta curioso que se ofrezcan planos del interior del vientre, con el bebé habitando en el interior de la placenta, y reaccionando a los estímulos externos. Es una lástima que ese elemento no esté más desarrollado, pues podría haber dado lugar a una situación más compleja en lugar de convertirse simplemente en una hábil, incluso brillante, muestra de horror extremo, y profundizar más en determinados elementos que quedan apenas bosquejados.

foto6

Anécdotas

  • Título en Argentina: Inside: La venganza. Título en México y Perú: Instinto siniestro.
  • Título anglosajón: Inside.
  • En el Screamfest de 2007 fue galardonada con un premio al mejor maquillaje. En los premios Fright Meter de 2008 ganó en las categorías de mejor película de terror, mejor actriz secundaria (B. Dalle) y mejor maquillaje. En los premios Fangoria Chainsaw de 2009 ganó en la categoría de mejor actriz secundaria (B. Dalle) y tuvo nominaciones a mejor actriz (A. Paradis) y mejor maquillaje.
  • La película fue rodada por el mismo orden de guion.
  • Rodada con un presupuesto estimado de tres millones de dólares.
  • El rodaje tuvo lugar entre octubre y diciembre de 2006.
  • Remake: Inside (2016), de Miguel Ángel Vivas.
  • Estrenada en Francia el 13 de junio de 2007. En España, tras diversos pases por festivales, por fin se estrenó durante tres días en Madrid en 2012, en el Artistic Metropol, y después en Barcelona el 22 de abril de 2016, durante dos días, en Phenomena. El 30 de septiembre se lanzó en DVD y BD.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

Quarantine 2: Terminal [dvd: Cuarentena terminal] (2011)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña, Terror on 25 julio, 2017 by belakarloff

Un pequeño grupo de personas toma un avión para un vuelo nocturno. Uno de ellos transporta en una jaula unos hamsters, uno de los cuales muerde a un pasajero cuando ayuda a guardarlos. Poco después, el pasajero comenzará a sentirse indispuesto…

Dirección: John Pogue. Producción: Third Street Pictures, RCR Media Group, Andale Pictures, Lightning Entertainment, Stage 6 Films, Vertigo Entertainment. Productores: Sergio Agüero, Marc Bienstock, Doug Davison, Roy Lee. Productores ejecutivos: Rui Costa Reis, Richard Goldberg, Marc Greenberg, Eliad Josephson. Guion: John Pogue, inspirado en el guion de John Erick Dowdle y Drew Dowdle para la película Quarantine y en el de Jaume Balagueró, Luiso Berdejo y Paco Plaza para Rec. Fotografía: Matthew Irving. Montaje: William Yeh. Diseño de producción: Hannah Beachler. Efectos especiales: Almost Human (efectos de maquillaje), Lion Visual Effects (efectos visuales). Intérpretes: Mercedes Mason (Jenny), Josh Cooke (Henry), Mattie Liptak (George), Ignacio Serricchio (Ed), Noree Victoria (Shilah), Bre Blair (Paula), Lamar Stewart (Preston), George Back (Ralph), Phillip DeVona (Nial), Julie Gribble (Susan), Erin Áine (Nicca), Lynn Cole (Bev), Tom Thon (Doc), Sandra Ellis Lafferty (Louise), Tyler Kunkle (Hvorst), John Curran (capitán Forrest), Andrew Benator (co-piloto Willsy), Jason Benjamin (CDC #1), Beau Turpin, Neko Parham, Judd Lormand, Ray Benitez, Nilsa Castro, Michael L. Covington, Keith Allen Hayes, Roger Herrera, Alphonse A. Lambert Jr., Ken Melde… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2011. Duración y datos técnicos: 86 min. color 1.78:1.

poster

En 2008 se estrenó Quarantine (Quarantine), dirigida por John Erick Dowdle, un remake norteamericano de la española [Rec] (2007), de Jaume Balagueró y Paco Plaza. Se trataba de una adaptación fiel más o menos en un noventa por ciento, es decir, la mayoría de los hallazgos de guion se conservaban, sin embargo la puesta en escena, pese a que repetía el mismo estilo de mockumentary, perdía espontaneidad y exhibía una rutinaria corrección de carácter televisivo.

foto1

Esa película debió dar el suficiente dinero[1] como para programarse una secuela. Curiosamente, el referente esta vez no es [Rec]² (2009), sino que se plantea otra historia que sigue a la de la película norteamericana, tomando rumbos diferentes (o eso parece). En el aspecto temporal, la acción acontece más o menos de forma simultánea a la de Quarantine, pues hay un momento en que uno de los pasajeros está viendo las noticias en la pantalla de su ordenador, y se ve cómo se hallan en plena faena en el edificio de Los Ángeles. En el aspecto estilístico se abandona el estilo mockumentary, para ofrecer un modo de narración convencional, si bien hacia el final los personajes utilizan una especie de visor térmico, lo cual asemeja algunos de los planos a lo que se ofrecía en la primera, y no hay uso de música que no sea diegética (los títulos de crédito finales son solo a base de sonidos ambiente).

foto4.jpg

Así pues, ahora tenemos a una serie de personajes (pocos, para ahorrar presupuesto, aunque se justifica por ser un vuelo nocturno, y esto último ayuda a otorgar la adecuada atmósfera tenebrosa) que van reuniéndose en un avión, como si de una peli catastrófica se tratara. Si bien se ve que el co-piloto está enfermo (dice que su perro le ha contagiado un catarro), será uno de los pasajeros quien, tras ser mordido por un hámster, sea el primero en manifestar los síntomas –se supone que por medio de la sangre se transmitirá el virus antes que por vía respiratoria–. Es decir, tenemos a determinados animales –perros, hamsters, ratas de laboratorio y gatos– que, a lo largo de la película, advertiremos como instigadores de la propagación de la epidemia. Da la impresión de que al guionista/director no le gustasen las mascotas y forjara esta trama para advertir del peligro que podrían desencadenar.

foto6.jpg

El referido director y guionista es John Pogue, quien aquí debuta en el primero de los campos. Después hizo El estigma del mal (The Quiet Ones, 2014), y ahora tiene a punto de estreno el thriller de acción Blood Brother (2017), al que, en apariencia, seguirá una adaptación del cómic Brodie’s Law: Project Jameson de Daley Osiyemi y David Bircham. En la faceta de guionista se puede destacar la trilogía The Skulls (2000/2002/2004) o Rollerball (Rollerball, 2002, John McTiernan) y Ghost Ship – Barco fantasma (Ghost Ship, 2002, Steve Beck).

foto7

Aquí, tras el referido arranque uno esperaría una especie de Zombis en el avión, pero cuando se manifiesta el primer contaminado les ordenan desde tierra que regresen al aeropuerto, y cuando allí llegan son cercados por los de enfermedades infecciosas. De ese modo, quedan atrapados en la terminal[2], donde se descargan las maletas, y así se recupera un tono muy similar al que ofrecía la primera película, reemplazando el edificio de vecinos por la referida terminal, donde la oscuridad, los recovecos y la maquinaria ayudan a establecer el adecuado entorno tenebroso donde pueden ocultarse los infectados.

foto8.jpg

Antes o después de esta circunstancia, el planteamiento es rutinario y los personajes asazmente convencionales. Aunque, algo es algo, al menos el adolescente que aparece no es tan repelente como podría parecer en un inicio, y el señor buenorro que asoma no resulta ser el galán de turno y resulta ser un malote. Por lo demás, lo más interesante es una escena que abusa del exceso de diálogos, pero que explica cómo surgió todo y cuál es el destino de todo lo que acontece. Por lo demás, nada sorprende, y el clímax final es una reformulación apenas disimulada del del film originario.

foto9.jpg

En el aspecto de realización, Pogue ostenta una rutina televisiva. Las (pocas) escenas de acción carecen de tensión, y la mayoría de ellas despliegan personajes hablando, hablando sin parar, y el guion tampoco dispone de un profundo estudio de caracteres para que eso resulte cautivante. Los efectos especiales resultan efectivos, y tiene unos pocos momentos gore, en especial uno con un ojo que hará que más de uno y una aparte la mirada. De todas maneras, es un entretenimiento menor y funcional, que no entusiasma, por supuesto, pero tampoco llega a cabrear. Para los tiempos que corren, démonos con un canto en los dientes.

foto10

Anécdotas

  • Título en Argentina: Cuarentena 2: Terminal.
  • Secuela de Quarantine (Quarantine, 2008), de John Erick Dowdle, remake esa a su vez de la española [Rec] (2007), de Jaume Balagueró y Paco Plaza.
  • Rodada con un presupuesto estimado de cuatro millones de dólares.
  • La película Flight of the Living Dead: Outbreak on a Plane (2007, Scott Thomas) tiene un planteamiento muy similar.
  • Estrenada en Estados Unidos el 17 de junio de 2011, de forma limitada, y después editada en DVD el 2 de agosto. En España se editó directamente en DVD el 3 de agosto.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] Con un presupuesto estimado de doce millones de dólares, en el primer fin de semana de estreno en Estados Unidos hizo una taquilla de 14,211,321, es decir, recuperó el presupuesto, superándolo en más de dos millones.

[2] De ahí el título, no refiriéndose a la condición terminal de los infectados. O también podría ser un juego sutil de palabras, aunque no casa con la sencillez de los planteamientos.

Operazione paura [dvd: Operazione paura] (1966)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 24 julio, 2017 by belakarloff

Una mujer corre aterrorizada y finalmente se lanza contra una verja puntiaguda. Poco después, a la región llega un médico, requerido por el comisario que efectúa la investigación de esa muerte, con el fin de realizar la autopsia al cadáver y comprobar el motivo de la defunción. Pronto el galeno descubre el miedo que asalta a todos los habitantes del pueblo, aterrorizados por la maldición del espectro de una niña…

 Dirección: Mario Bava. Producción: F.U.L. Films. Productores: Luciano Catenacci, Nando Pisani. Guion: Mario Bava, Romano Migliorini, Roberto Natale, según argumento de R. Migliorini y R. Natale. Fotografía: Antonio Rinaldi, [Mario Bava]. Música: Carlo Rustichelli. Montaje: Romana Fortini. Ayudante de dirección: Lamberto Bava. Intérpretes: Giacomo Rossi–Stuart (Dr. Paul Eswai), Erika Blanc (Monica Shuftan), Fabienne Dalí (Ruth, la bruja), Piero Lulli (inspector Kruger), Max Lawrence [Luciano Catenacci] (Karl, el alcalde), Micaela Esdra (Nadienne), Valerio Valeri (Melissa Graps), Gianna Vivaldi (baronesa Graps), Franca Dominici, Giuseppe Addobbati, Mirella Pamphili… Nacionalidad y año: Italia 1966. Duración y datos técnicos: 85/75 min. Color 1.85:1.

poster

Uno se pregunta el motivo por el cual una película como la presente, una de las grandes obras maestras del cine de terror de todos los tiempos, permaneció tanto tiempo inédita en España[1]; ignoro el motivo de que, tras la fecha de su estreno, los distribuidores de nuestro país no prestaran atención a esta joya de Mario Bava, ya que dudo que la censura tuviera mucho que decir, pues sexo y violencia están casi ausentes de las imágenes, dado que el autor de La frusta e il corpo –otra joya inédita durante mucho en nuestro país[2], ésta algo más inquietante para nuestros censores– efectúa la narración por medio de la sugerencia y la creación de atmósferas.

 foto1

En efecto, este maravilloso cuento de fantasmas procura instigar pavor por medio de la iluminación, los encuadres, los movimientos de cámara –casi toda la película está narrada por medio de elegantes travellings que toman distintos puntos de vista, e incluso en un audaz y único plano, Bava transmuta un plano subjetivo en uno objetivo–, efectos de sonido recurrentes únicamente en el lamento del viento y los gemidos de ultratumba de los espectros que rondan el camposanto y el caserón de la baronesa Graps, zooms que, contra todo pronóstico, no están para economizar narración, sino para otorgar un punto de vista; y, en especial, la presencia de esa niña espectral, a veces solamente sugerida por una mano apoyada en el cristal de una ventana.

 foto2

Ver una película como la presente hoy día no solo provoca todo un regocijo para el cinéfilo con paladar, sino que resulta chocante por la gran cantidad de influencias que, sin duda, ha ejercido sobre los posteriores narradores del cine de miedo, pues hay momentos que luego emularán otros cineastas, como el Kubrick de El resplandor, o especialmente el moderno cine de terror oriental sobre fantasmas infantiles, donde se pueden detectar muchos encuadres de este filme con cincuenta años a sus espaldas.

 foto3

Hemos dicho que Operazione paura es un cuento de fantasmas tradicional. Pero también es algo más que eso. Bava juega con la sugerencia a lo largo de la cinta, haciendo uso de la ambigüedad para siempre brindar la duda de si todo es sobrenatural o solo consecuencia de los miedos y supersticiones de los habitantes de ese ignoto villorrio presumiblemente germano. Inclusive, en un momento sublime, Bava distorsiona los soportes de la realidad y ofrece al protagonista –un Giacomo Rossi-Stuart algo envarado– atravesar una estancia, salir por una puerta y llegar a la misma estancia anterior, así sin parar, siempre más rápido, hasta que ve a alguien ante él, lo detiene, y comprueba que es él mismo. Operazione paura es, ante todo, un magistral ejercicio de estilo, que brinda ese maravilloso placer como es narrar una historia por medio de las imágenes, la cámara, la facultad de incursionarnos en la irrealidad por medio, en fin, de la técnica.

foto4

Anécdotas

  • Título en Argentina y Colombia: Mata, bebé, mata.
  • Títulos anglosajones: Curse of the Dead. Curse of the Living Dead. Don’t Walk in the Park. Kill, Baby… Kill!. Operation Fear.
  • En 2004 se realizó un documental en Italia por parte de Gabriele Acerbo y Roberto Pisoni, titulado Mario Bava: Operazione paura, y centrado en analizar toda la obra del realizador.
  • La niña fantasma está interpretada en realidad por un niño, Valerio Valeri, en la que es su única película.
  • Tras dos semanas de rodaje el film se quedó sin presupuesto. Tanto Bava como los actores accedieron a seguir trabajando sin sueldo.
  • Estrenada en Italia el 8 de julio de 1966 en Turín, el 6 de agosto en Milán y el 19 de agosto en Roma.

foto5

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] En 2011, al fin, apareció editada en nuestro país en formato DVD, en versión original subtitulada, publicada por Tribanda.

[2] Editada en 2916 por Regia Films en una espléndida edición en Blu–Ray, con un DVD de extras más libreto.

foto6

foto7

Nocturna 2017 ya tiene cartel

Posted in Ciencia ficción, Cine, Cortometrajes, Festivales, Noticias, Terror on 18 julio, 2017 by belakarloff

NocturnaMadrid_ALTA

El Festival Internacional de Cine Fantástico NOCTURNA MADRID presenta el cartel para su quinta edición, que se celebrará del 25 al 29 de octubre de 2017 con dos sedes principales: Cinesa Proyecciones y Cineteca Madrid.

El cartel, diseñado por Daniel Fumero, sobre un concepto del productor y director José Luis Alemán (La herencia Valdemar, El hombre que vio llorar a Frankenstein…) evoca la quimera del renacimiento de Frankenstein, inspirándose “en las antiguas películas protagonizadas por la criatura salida de la mente de Mary Shelley, donde una palanca vuelve a insuflar vida”.

NOCTURNA MADRID renueva su imagen para destacar la ciudad de Madrid que la acoge y ofrece las mejores películas de género, las visiones más interesantes del nuevo cine fantástico del circuito independiente, premieres internacionales, clásicos y, como siempre, la visita de los homenajeados. En el cartel, “se enciende en la ciudad un nueva edición de NOCTURNA MADRID, sin renunciar a su esencia”.

Gal_Cineteca_1

Nocturna Madrid llega a Cineteca

En su quinta edición, Nocturna Madrid, Festival Internacional de Cine Fantástico, contará con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid y con la colaboración de Cineteca Madrid que por primera vez se suma como nueva sede del festival. Con el objetivo de dar a conocer e impulsar el potencial de los creadores españoles de género, el festival desembarcará en octubre dispuesto a volver a hacer del cine fantástico una fiesta.

Desde su primera edición en 2013, NOCTURNA MADRID ha traído a la capital lo mejor del Cine Fantástico, largometrajes y cortometrajes, muchas veces proyectados por primera (¡o única!) vez en España; homenajes a figuras como Robert Englund, Joe Dante, Tobe Hooper, John Landis, Álex de la Iglesia, Darío Argento o Jaume Balagueró, entre otros; encuentros con el público y actividades paralelas que han convertido a Madrid en el escaparate del cine de género durante esos días.

ix55j66xg2-d1gwampejhy8tozivsnyrslh7mglqmdaoxdqvix_3hvp

La programación completa de Nocturna Madrid se dará a conocer en los próximos meses y se repartirá entre las dos sedes ya confirmadas como nuevos espacios del festival: los cines Proyecciones y las salas de Cineteca Madrid, ubicadas en el Matadero y gestionadas por el propio Ayuntamiento de Madrid.

El plazo de inscripción de cortometrajes y largometrajes, nacionales e internacionales, permanecerá abierto hasta el próximo 1 de septiembre.

La leyenda de la mansión del infierno (The Legend of Hell House) (1973)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 10 julio, 2017 by belakarloff

Mr. Rudolph Deutsch es un millonario que desea descubrir si hay vida más allá de la muerte. Para ello contrata a un grupo de personas para que se instalen en la Casa Infernal, donde han acontecido macabros hechos sobrenaturales, e investiguen las causas de los sucesos.

Dirección: John Hough. Producción: Academy Pictures Corporation. Productores: Albert Fennell, Norman T. Herman. Productores ejecutivos: James H. Nicholson, Susan Hart. Guion: Richard Matheson, según su novela. Música: Delia Derbyshire, Brian Hodgson, Dudley Simpson [sin acreditar]. Fotografía: Alan Hume. Dirección artística: Robert Jones. Montaje: Geoffrey Foot. Efectos especiales: Roy Whybrow (efectos especiales), Tom Howard (efectos visuales), Delia Derbyshire, Brian Hodgson (efectos de sonido). Intérpretes: Pamela Franklin (Florence Tanner), Roddy McDowall (Benjamin Franklin Fischer), Clive Revill (Dr. Lionel Barrett), Gayle Hunnicutt (Ann Barrett), Roland Culver (Mr. Rudolph Deutsch), Peter Bowles (Hanley), Michael Gough (Emeric Belasco). Nacionalidad y año: Reino Unido 1973. Duración y datos técnicos: 95 min. Color 1.85:1.

poster

Richard Matheson (1926-2013) era un firme creyente de los fenómenos parapsicológicos. Cuando escribió la novela La Casa Infernal[1] (Hell House, 1971), por un lado, rendía homenaje al clásico literario sobre la temática La casa encantada / The Haunting: La guarida / La maldición de Hill House (The Haunting of Hill House, 1959) de Shirley Jackson –percíbase la aliteración Hill House/Hell House–; y por otro lado aprovechaba esa reinterpretación de la historia para encauzarla hacia los postulados que le interesaban: reorientar un planteamiento sobrenatural hacia una elucidación (para)científica.

foto1

Cuando James H. Nicholson abandonó la mítica American International Pictures fundó una nueva compañía, Academy Pictures Corporation, que produjo solo dos filmes, el presente y la comedia de acción automovilística La indecente Mary y Larry el loco (Dirty Mary, Crazy Larry, 1974), ambos dirigidos por John Hough. Para La leyenda de la mansión del infierno[2] Nicholson –que murió de un tumor cerebral el 10 de diciembre de 1972, antes de ver el estreno del film el 15 de junio de 1973– tuvo el buen tino de contratar al propio Matheson para escribir el guion. No en vano, el autor de “Nacido de hombre y mujer” (“Born of Man and Woman”, 1950) ya había realizado idéntica –y modélica– misión con El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man, 1957), de Jack Arnold, a partir de El hombre menguante (The Shrinking Man, 1956)[3]. En este caso, la labor del guionista fue bastante fiel a su propia obra, eliminando exclusivamente los elementos más fuertes del libro, que correrían riesgo de ser censurados, como la imagen de ese Cristo empalmado.

foto2.png

El director, como se ha referido, fue el inglés John Hough (n. en 1941), un hombre proveniente de la televisión británica. Había trabajado como ayudante de dirección o director de segunda unidad en series como El barón (The Baron; 1966), Los invencibles de Némesis (The Champions; 1968-1969) y Los vengadores (The Avengers; 1961-1969), y debutó como realizador en esta última. Su paso al cine se hizo con una aventura de Robin Hood, Wolfshead: The Legend of Robin Hood (1969), a la que continuó un hábil thriller, Testigo ocular (Eyewitness, 1970). Aunque ha tocado diversos géneros, está especialmente dotado para el fantástico desde su primer film del género, Drácula y las mellizas (Twins of Evil, 1971).

foto3

En la producción, aparte de Nicholson, trabajó Albert Fennell, uno de los creadores de Los Vengadores, precisamente, así como Norman T. Herman, proveniente de la AIP y, sin acreditar, Susan Hart, habitual actriz en la AIP y esposa en aquel entonces de Nicholson. El rodaje comenzó el 23 de octubre de 1972 en Inglaterra. Los exteriores de la mansión encantada se rodaron en el Wykehurst Park, en West Sussex, y los interiores de la casa de Mr. Deutsch, en la escena inicial, eran del Blenheim Palace de Woodstock, Oxfordshire.

foto4.jpg

La trama la protagonizan cuatro personajes muy distintos que asisten a la mansión encantada, con el fin de averiguar el origen de los supuestos fenómenos que allí acontecen, y para lo cual han sido contratados por Mr. Rudolph Deutsch (Roland Culver). Se trata de Florence Tanner (Pamela Franklin), una médium psíquica; Benjamin Franklin Fischer (Roddy McDowall), un médium físico, y que fue el único que sobrevivió a una incursión previa en la mansión; el doctor Lionel Barrett (Clive Revill), quien cree en la motivación científica de los sucesos, y pretende explicarlos por medio de un gran aparato electrónico que lleva consigo; y Ann Barrett (Gayle Hunnicutt), esposa del anterior, y que no es una mera acompañante, sino que tendrá mucho que ver con los sucesos que acontezcan en el lugar. La mansión perteneció a Emeric Belasco (Michael Gough, en un cameo sin acreditar), personaje que se abandonó a las perversiones más atroces, se dice, y que está un tanto inspirado en Aleister Crowley. El excelente reparto ayuda mucho a la solidez que manifiesta el film, aunque debe señalarse que Matheson quería como protagonistas a Richard Burton y Elizabeth Taylor, sin duda en los papeles del matrimonio Barrett.

foto5

El film comienza con una cita de un experto para otorgar plausibilidad a todo. Una vez los cuatro protagonistas llegan a la casa se comienzan a manifestar de inmediato fenómenos paranormales. Florence piensa que el causante es el espíritu del hijo de Belasco, pero el doctor Barrett es escéptico ante eso, pues no cree en la supervivencia del alma después de la muerte; para él la causa son fuerzas energéticas que perviven en la casa, y que Florence canaliza mentalmente a través de sus poderes mediúmnicos. Para él lo sobrenatural no existe, y el motivo son capacidades mentales inherentes en el ser humano. Una peculiaridad que se manifiesta es que Florence, como se refirió, es una médium psíquica, es decir, establece contacto con lo que fuere de mente a mente, sin ninguna manifestación material; Fischer, por el contrario, es un médium físico, con los consiguientes fenómenos telequinéticos, de ahí que la esposa de Barrett revele su duda sobre si aquél no sería el causante de los portentos que acontecen, y la propia Florence le acuse de ello.

foto6

La película transcurre casi en su integridad dentro de la casa, ofreciendo un enfrentamiento entre las personalidades de los vivos y los muertos. El espíritu que habita la Casa Infernal hace uso de las debilidades de los moradores para vencerlos. La señora Barrett sufre una insatisfacción sexual —¿tal vez es ninfómana, y/o su marido es muy apático en la cama?—, por lo cual despierta sus apetitos para separarla de su esposo; obsérvese, además, cómo la casa está plagada de estatuas y cuadros que representan actitudes sensuales. Florence es muy joven, posiblemente virgen, y añora un amor romántico, de ahí que ante ella parezca manifestarse el espíritu de Daniel Belasco, el hijo de Emeric, que murió emparedado, puede que sin conocer el amor verdadero. El doctor Barrett es un científico pragmático, impulsado por sus convicciones e inflexible ante otras opciones que le presenten, y en su relación marital casi lleva la relación de igual modo. Fischer, al fin, es el único superviviente de la previa incursión en la casa, y se protege con una coraza en muy diversos sentidos, lo cual le hace incapaz de apreciar que esa propia coraza le hace insensible para percibir la verdad de los sucesos.

foto7

Matheson desarrolla un guion riguroso, denso, muy bien documentado, y donde la psicología de los personajes es esencial para el desenvolvimiento de lo que acontece. Hough rueda el film por medio de encuadres de los personajes —y la propia casa, en ese sentido, es un personaje más— en picado o contrapicado, en primerísimos planos cerrados, o en grandes angulares que distorsionan la imagen. Ello otorga al film un aura casi esquizofrénica, de anormalidad, haciendo que el espectador se sienta integrado en un entorno inhabitual, malsano, inquietante. A ello ayuda la excelente banda sonora plagada de sonidos incómodos, ya sea la partitura musical a base de efectos electrónicos, o los gemidos y suspiros que plagan las estancias de la Casa Infernal. Añádanse los efectos especiales, económicos pero muy efectivos. El resultado es una obra maestra de la temática de casas encantadas, una joya absorbente e hipnótica, que, como los buenos vinos, cuanto más se degusta más se disfruta.

foto8.jpg

Anécdotas

  • Título en Argentina, Perú y Venezuela: La leyenda de la casa infernal.
  • Nominada a un premio en 1975 como mejor película de terror por parte de la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films.
  • La novela se ambientaba en Nueva Inglaterra, Estados Unidos, y los implicados eran norteamericanos. La película se trasladó a Inglaterra, con personajes británicos.
  • Estrenada en Estados Unidos el 15 de junio de 1973. En España se estrenó el 2 de septiembre de 1974.

Carlos Díaz Maroto

[1] Existen varias ediciones en castellano. La primera procede de Editorial Vidorama, en 1988, con traducción de Edgar Redon, que la reeditó en 1994. En 2003 La Factoría de Ideas la editó con traducción de Isabel Merino Bodes; esta versión tuvo su volcado a la colección de bolsillo de Puzzle en 2005. Minotauro ofreció otra edición en 2011, aprovechando la traducción de Isabel Merino, y luego hubo otra edición de bolsillo por parte de Booket en 2013. También cabría citar una adaptación al cómic con guion de Ian Edginton, dibujo de Simon Fraser y traducción de Ernest Riera, en 2006, por parte de Norma (edición original, IDW, 2004). Igualmente hay un homenaje en el cómic de Marvel Werewolf by Night, con guion del gran Doug Moench, donde Emeric Belasco aparece bajo el nombre de Belaric Marcosa. Por último, añadir otro homenaje, el relato “La mansión Velasco”, escrito por mí, e incluido en La mansión de los cuervos y otros relatos de casas encantadas, una selección de Ángel Gómez Rivero publicada por Calamar y Algeciras Fantástica en 2014.

cd58a9fc744012181

[2] La película se estrenó en España en septiembre de 1974 con ese título, pero por motivos desconocidos figura en la base de datos del Ministerio de Cultura como La leyenda de la casa del infierno, y con ese título ha aparecido por parte de Fox España en DVD.

[3] También escribió un guion adaptando su novela Soy leyenda (I Am Legend, 1954), con destino a una película a producir por la Hammer. Sin embargo, el proyecto se canceló por temor a la censura y el libreto finalmente fue vendido al productor Robert L. Lippert, quien rodó la película como The Last Man on Earth / L’ultimo uomo della Terra [dvd: El último hombre en la Tierra / Soy leyenda; 1964], de Sidney Salkow. Las modificaciones incorporadas en el texto por parte de William Leicester fueron tantas que Matheson hizo retirar su nombre y lo reemplazó por el de Logan Swanson, seudónimo que utilizó a veces para escribir novelas policiales. Ese guion ha aparecido recientemente en castellano en Soy leyenda ; Las criaturas de la noche; por Richard Matheson; traducción, Manuel Figueroa [1ª obra], Manuel Mata [2ª obra] (Barcelona: Minotauro, 2014), donde se anuncia como “no rodado”.

legend-hell-house-40-84

“Apocalipsis”, de Stephen King

Posted in Ciencia ficción, Literatura, Reseña, Terror on 6 julio, 2017 by belakarloff

The Stand / The Stand: The Complete & Uncut Edition [Novela; septiembre 1978 / mayo 1990] La danza de la muerte; Barcelona: Pomaire, 1979; traducción Eduardo Goligorsky / Apocalipsis; Esplugues de Llobregat, Barcelona: Plaza y Janés, 1990; traducción Lorenzo Cortina, Rosalía Vázquez, Gloria Pons.

TheStand

                En un centro de investigación del ejército norteamericano hay una brecha de seguridad y una cepa mutada de la gripe (conocida después como “Capitán Trotamundos”) escapa, provocando la muerte del 98 % de la población mundial…

NEPVpEgG65GRTR_2_a

                Stephen King había escrito un relato titulado “Marejada nocturna” (“Night Surf”, que apareció en la revista Ubris en su ejemplar de primavera de 1969), donde ya planteaba una idea similar[1]. Esta vez, transformó esa leve recreación atmosférica en un novelón donde exponía el fin de la civilización y la restauración de ésta, al tiempo que, en ese mundo apocalíptico, recreaba un enfrentamiento entre el bien y el mal de resonancias bíblicas.

The-Stand-stephen-king-the-stand-11894156-900-600

Stephen King aparece como actor en la versión televisiva de la novela

                King siempre ha sufrido la debilidad de explayarse en las vivencias cotidianas de los personajes. Aquí llegó a tal punto que el editor original, Doubleday, solicitó al autor que recortara la obra, por lo cual eliminó cerca de cuatrocientas páginas de un total de casi mil doscientas. En 1990 la fiebre kinguiana motivó que se considerase viable comercialmente un libro de tal extensión, así pues el escritor restauró la obra, añadió gran parte de lo eliminado (mas no todo: él mismo reconoce en el prólogo que determinados elementos sobraban), cambió la ambientación de la década de los ochenta a los noventa, y actualizó algunas referencias de cultura pop. La versión condensada fue candidata al premio World Fantasy como mejor novela en 1979. Debe referirse que la primera edición está considerada unánimemente una gran obra, mientras que la segunda ampliada para muchos abusa de un exceso de dilatación de determinadas situaciones; en mi caso, estoy con los segundos. King comenta que la versión abreviada quedaba evidente, sobre todo, en lo episódico de las apariciones del personaje Trashcan Man, si bien, a mi juicio, carece del atractivo que el autor le supone, y sus contribuciones se hacen más bien cargantes. De hecho, uno de los defectos del libro es la carencia de carisma de los personajes negativos (algo aún más acrecentado en la miniserie de televisión). Por lo demás, resulta mucho más interesante el micro-cosmos que va fraguando, con todos los supervivientes “positivos” intentando recrear una sociedad sin incurrir en los errores de la previa.

main-qimg-9ccf4663862d57270939aa2c718c0810-c

El título de La danza de la muerte podría haberle sido sugerido al editor español por una frase que aparece en un momento dado del libro: “La danza de la muerte se hallaba a punto de comenzar, y humeaban ya las cuerdas de violines y guitarras”.

En un momento determinado se menciona, con respecto a la historia de la madre Abigail, que esta tiene cierto poder de ver el futuro, y que, en tiempos, su abuela lo denominó “el resplandor”.

valerie-5

La entidad vampírica de Valeria

Durante un sueño de la madre Abigail, el Hombre Oscuro se le aparece con rostro alargado, blanquecino, con mejillas sonrosadas y dientes puntiagudos. Ese es exactamente el mismo aspecto de la entidad vampírica que aparece en el film checo Valeria y la semana de los milagros (Valerie a týden divu, 1970), de Jaromil Jires, un ser que tiene la capacidad de convertirse en comadreja; precisamente, pocas páginas después, la madre Abigail es atacada por un montón de comadrejas… Randall Flagg le fue inspirado a King por Donald DeFreeze, secuestrador de Patty Hearst[2]. Después, le otorgó dimensiones demoníacas, aunque el personaje de Glen Bateman lo identifica con la entidad lovecraftiana Nyarlathotep. Flagg reaparece en los libros Los ojos del dragón (1986), Corazones en la Atlántida (1999) y en la saga de la Torre Oscura.

Carlos Díaz Maroto

 

[1] Después publicado en la antología El umbral de la noche.

[2] Hay que referir, si acaso a pie de página, que el Donald DeFreeze de la foto del FBI es mucho más terrorífico que el Flagg de la mini-serie televisiva. También se ha de referir que DeFreeze era afroamericano; en el libro no se dice nada en ese sentido, y en la mini-serie es anglosajón.

220px-SLA-DonaldD-Hibernia(300)

Donald De Freeze