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Gran jugada en la Costa Azul (Mélodie en sous-sol) (1963)

Posted in Cine, Reseña, thriller on 16 enero, 2018 by belakarloff

Charles acaba de salir de la cárcel. Su mujer le propone montar un negocio en la Costa Azul y así empezar una nueva vida. Pero Charles, que ya no es joven, no se conforma con poco y desea dar un último gran golpe que le permita retirarse a lo grande. Para ello tiene un plan perfecto para acceder a la caja fuerte de un casino en Cannes, que guarda una gran suma de dinero. Para llevar a cabo el mismo necesita alguien que lo ejecute, y para ello cuenta con la complicidad de Francis, un joven compañero de prisión.

Dirección: Henri Verneuil Producción: Cité Films, Compagnia Cinematografica Mondiale, Compagnie Internationale de Productions Cinématographiques. Productores: Jacques Bar, Jacques Juranville. Guion: Albert Simonin, Michel Audiard, según la novela de John Trinian [Zekial Marko]. Fotografía: Louis Page Música: Michel Magne Howard Montaje: Françoise Bonnot. Diseño de producción: Robert Clavel Intérpretes: Jean Gabin (Charles), Alain Delon (Francis Verlot), Claude Cerval (comisario de policía), Viviane Romance (Ginette), Henri Virlojeux (Mario), Jean Carmet (barman), José Luis de Vilallonga (M. Grimp), Rita Cadillac (Liliane), Jimmy Davis (Sam), Dominique Davray (Léone), Dora Doll (condesa Doublianoff), Germaine Montero (Mme. Verlot), Maurice Biraud (Louis Naudin), Carla Marlier (Brigitte)… Nacionalidad y año: Francia, 1963. Duración y datos técnicos: 118 min. B/N. 2,35:1

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“Billares Olympic Club, calle de la Jetée, con cinco fotos de carné, a poder ser con corbata”. Estas son las palabras que suelta Charles, un magnífico y ya otoñal Jean Gabin, que se ha tirado a la sombra cinco años en su última visita a prisión y que parece traerse algo entre manos como para poder retirarse; su tiempo ha tenido para calcularlo bien. Al otro lado del teléfono, Francis, un jovencito Alain Delon, ex compañero de Charles en el trullo, es la otra pieza que falta del puzle.

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Henri Verneuil viene de dirigir Un mono en invierno (Un singer en hiver, 1962) y anteriormente El presidente (Le président, 1961), ambas protagonizadas por Jean Gabin precisamente (en la primera de ellas también aparece Jean-Paul Belmondo, con el que trabajaría bastante). Repiten Michel Audiard en las labores de guion y Louis Page en la de fotografía. Más tarde, Gabin, Delon y Verneuil se volverían a ver las caras en El clan de los sicilianos (Le clan des siciliens, 1969).

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El film del cineasta de I…como Ícaro (I… comme Icare, 1979) está estructurado, tal como lo suelen estar este tipo de películas, en una primera parte de presentación y búsqueda de los integrantes del equipo, una parte central donde se lleva a cabo la planificación del golpe y una tercera donde se ejecuta el mismo, sin olvidar la resolución.

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Hay escenas y comentarios verdaderamente gozosos. Cabe destacar la escena donde se revelan las argucias por parte de Charles para poner a prueba al cuñado de Francis y saber si es un tío de fiar y con aguante. O aquel momento en que Francis recaba información al camarero de la piscina del hotel; la situación está llena de comentarios chispeantes y ciertamente divertidos.

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No te dejes maravillar por el mar, siempre estuvo allí”, “No te sorprendas de la piscina, ya que te diste tu primer chapuzón a los dos años”, son solo un par de las gemas que escupe el personaje del Jean Gabin cuando le enumera algunas de las bondades del hotel donde se va a alojar Francis para llevar a cabo su plan (voz en off y acción en paralelo por parte de Francis en la localización, frente por frente al objetivo del futuro atraco).

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Memorable escena aquella donde el trío se encuentra reunido en la habitación de un hotel para ultimar bien los detalles del plan. El protagonista de La gran ilusión (La grande illusion, Jean Renoir, 1937) aparece enfundado en un pragmático y llamativo pijama mientras da las últimas instrucciones. Comentarios punzantes soltados con desdén y cierta sensación de hastío en ellos.

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El cometido de Francis, el de poder acceder entre bastidores a través del acceso a un espectáculo que se está preparando, entronca muy bien con el físico del actor, lo que aprovecha el film, dando pie al Delon más seductor y canalla que tiene que lidiar y codearse con el mundillo de los artistas para ganarse el acceso y así aprovecharlo en el instante adecuado, llegando a intimar lo suficiente con una corista para soltarle algunas perlas: “Si le doy una patada a una palmera caen cincuenta zorras como tú” o “A las putas, a medida que se acerca el invierno, les gustan más las pieles“.

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Hablando del mundillo, y como anécdota, comentar que el espectáculo que se lleva preparando a lo largo de todo el filme, a la hora de mostrarse luce poco glamuroso, con poca chispa. Uno no sabe muy bien si es por el tiempo de la película (no creo, ya que he visto películas mucho más antiguas con números de lo más efervescentes) o porque de alguna manera ese rancio es buscado a propósito.

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La ejecución del robo debe marchar como una pieza de relojería. Charles pone el cerebro y Francis pone el físico. El sigilo, los antifaces, alguna que otra acrobacia, la parquedad en palabras y alguna arma en ristre parece ser la conjunción perfecta para que todo salga bien. El robo, que se desarrolla a lo largo de un buen puñado de minutos, trascurre sin apenas diálogos, fiel a la tradición de un clasicazo como es Rififi (Rififi, 1955) de Jules Dassin.

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Todo desemboca en un clímax imponente, con unos minutos finales casi insoportables por la tensión generada y donde la fatalidad hace acto de presencia, primero en forma de periódico y luego pervirtiendo de alguna forma ese lugar de diversión en el que sus protagonistas aspiran a abandonarse para siempre, y que se torna en puro reverso. Todo ello muy contenido y con una excelente planificación, que lo convierte en uno de esos finales que dejan verdadera huella.

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A nivel interpretativo, tenemos a un Alain Delon que, como hemos dicho, se encuentra en su salsa, más que correcto; sale airoso y con nota en el papel de ese pillo guaperas y seductor. Por otro lado, tenemos a un Jean Gabin que es todo laconismo, ironía y cuyo personaje denota cierto hastío, todo ello desde una gran economía interpretativa, valorándose mucho más.

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Una excelente fotografía en blanco y negro por parte de Louis Page, que junto a un lustroso Cinemascope, realza especialmente ese glamuroso ambiente del Cannes de los años sesenta. En el apartado de la música tenemos a Michel Magne, un compositor de cierto recorrido que tiene en su haber casi un centenar de composiciones para el cine, y que aporta eficacia al mismo.

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La cinta está trufada de suculentos detalles y recursos técnicos, especialmente la fantástica planificación que se hace en el uso de los espejos a lo largo de todo el film o ese travelling que recorre parte de la piscina y que finaliza enmarcando la silueta de Delon usando esa especie de ojo de buey de la propia base del trampolín. Y es que se aprovecha muchos de los instantes para enmarcar determinados elementos (por ejemplo, otro también ayudándose del brazo en jarras del propio Francis para encuadrar a su futura “presa”). El uso de picados y contrapicados, especialmente entre los bastidores, adelantando la dificultad de la misión o en las escenas del robo, o aquel efecto en el que el actor que protagonizó El silencio de un hombre (Le samourai, 1967) de Melville, cierra los ojos mientras va en coche.

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Anécdotas: 

  • En los EEUU, se llamó Any Number Can Win y en el Reino Unido, The Big Snatch. En Francia salió con Mélodie en sous-sol (Melodía en el sótano). Por su parte, el título para Latinoamérica: Cualquiera puede ganar.
  • La novela original de Zekial Marko lleva de nombre The Big Grab (1960), y que fue escrita bajo el seudónimo de John Trinian.
  • Henry Verneuil fue uno de los directores que estuvo en el punto de mira de los críticos (luego algunos ya directores de la nouvelle vague), siendo repudiado.
  • Existe una versión coloreada de la película, que además elimina 13 minutos de metraje.
  • La edición de DVD de Impulso, que es la que he podido comprobar, tiene una calidad de imagen bastante buena y respeta la proporción de imagen original, aunque tiene el defecto que contiene subtítulos en castellano solo en aquellas escenas que fueron censuradas en su época y que ahora han sido añadidas para la edición del DVD. Una auténtica pena. Parece ser que La casa del cine para todos sacó una edición que sí contiene subtítulos en castellano; eso sí, desconozco si con el metraje completo.
  • Estrenada en Francia el 19 de marzo de 1963. En España se estrenó el 7 de octubre de 1963, en Madrid.

 

Jesús Mayoral Velázquez de Castro

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Jean Reno protagonizará la nueva película de Pablo Aragües, “1200 almas”

Posted in Cine, Noticias, Terror, thriller on 28 noviembre, 2017 by belakarloff

Para Reno será su primera película española

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La primera película en España de Jean Reno, 1200 Almas, es un thriller fantástico que cuenta la historia de Carla, una chica que viaja a un pequeño pueblo de los Pirineos, de donde era su familia, a esparcir las cenizas de su madre recién fallecida. Allí conoce a Jacques (Jean Reno), un ermitaño del pueblo que sabe más de lo que aparenta. Juntos se enfrentarán a un pueblo unido lleno de muertes, mentiras, violencia y sucesos extraños que esconden una maldición relacionada con la combustión espontánea.

 Junto a Jean Reno participan en la cinta la actriz sueco-española Ingrid García-Jonsson y el español Nicolás Coronado, entre otros nombres que anunciaremos próximamente.

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El director

Pablo Aragües nos cuenta sobre su nueva película:

“Escribí el guion pensando en Jean Reno como Jacques, era una imagen que tenía de Jacques, pero no me imaginaba ni de lejos que podríamos hacer la película con él. Cuando Marta, mi productora, me preguntó “¿Has pensado en alguien para Jacques?”, se lo dije y ella no lo dudó: “Vamos a buscar a su representante y a mandárselo”. A los dos días de leer el guion nos dijo que sí. Es un privilegio poder trabajar con un actor como él. Yo he crecido con las películas de Luc Besson, con Misión Imposible, con Ronin…  La primera versión del guion es de hace nueve años, para mí es un sueño cumplido que él lo vaya a hacer.

»También me siento muy afortunado por poder repetir con Nicolás Coronado y por poder trabajar con Ingrid Garcia-Jonsson. La sigo desde antes de Hermosa juventud y admiro muchísimo lo que hace. Tenía muy claro desde el principio que la quería a ella como protagonista femenina, es el personaje que nos guía en toda la historia, y es una alegría enorme que desde el principio dijera que sí”.

1200 Almas es una producción de Marta Cabrera, acompañada en la producción ejecutiva por Paul Hudson y Entropy Studio. El rodaje comenzará el próximo mes de junio y se desarrollará íntegramente en Aragón, cuenta con el apoyo de Aragón TV, el Gobierno de Aragón, Ayuntamiento de Zaragoza, así como de la Aragón Film Comission.

 

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Jean Reno nació en Casablanca (Marruecos). Sus padres provienen de la provincia de Cádiz. A pesar de su origen español, esta será la primera vez que Reno protagonice una película española. Reno es conocido por películas como Los visitantes… ¡no nacieron ayer! de Jean-Marie Poiré (1993) con Christian Clavier, León – El profesional de Luc Besson (1994) con Natalie Portman,  French Kiss (1994) de Lawrence Kasdan con  Meg Ryan, Mission: Impossible (1995) de Brian de Palma con Tom Cruise, Godzilla (1997) de Roland Emmerich con Matthew Broderick, Ronin (1997) de John Frankenheimer con Robert de Niro, Los ríos púrpura de Mathieu Kassovitz con Vincent Cassel,  El código Da Vinci (2006) de Ron Howard con Tom Hanks, o Diré tu nombre (2017) de Sean Penn con Javier Bardem y Charlize Theron.

José Coronado protagoniza la nueva película de Miguel Ángel Vivas, “Tu hijo”

Posted in Cine, Noticias, thriller on 20 noviembre, 2017 by belakarloff

La cinta se rodará en Sevilla en el 2018

José Coronado será el protagonista de la nueva película del director sevillano Miguel Ángel Vivas, Tu hijo.

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Ganador de un Goya por No habrá paz para los malvados de Enrique Urbizu, entre otra multitud de galardones, José Coronado es uno de los actores más exitosos y queridos del cine español, al que últimamente hemos visto en producciones como Oro, de Agustín Díaz Yanes, Contratiempo de Oriol Paulo, El hombre de las mil caras de Alberto Rodríguez, Cien años de perdón de Daniel Calparsoro, o Es por tu bien de Carlos Theron.

Coronado ya ha colaborado con Miguel Ángel Vivas este año en la serie que Telecinco está rodando en Galicia, Oeste – Vivir sin permiso, en la cual Vivas ha dirigido varios capítulos.

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Oeste – Vivir sin permiso

 

Miguel Ángel Vivas nos cuenta sobre la película:

Tu hijo es sin duda la película más personal en la que he trabajado hasta hoy. Es como si todo lo que he hecho hasta ahora sirviera solo para ponerme al frente de este proyecto. Todo lo que me importa está aquí”

 

Sinopsis:

Un padre siempre hará lo que crea mejor para su familia. La vida del doctor Jaime Jiménez se viene abajo cuando su hijo de diecisiete años queda en estado vegetativo debido a una brutal paliza que recibe a la salida de una discoteca. Tras ver que la justicia no hace nada por detener a los culpables, él mismo emprenderá un viaje a los infiernos en busca de venganza.

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Tu hijo es una coproducción hispano francesa de Apache Films, Las Películas del Apache, La Claqueta PC y Ran Entertainment.

La película está producida por Enrique López Lavigne y Olmo Figueredo, y llegará a los cines de la mano de eOne Films Spain.

Enrique López Lavigne nos habla sobre Tu hijo:

“Desde que vi Secuestrados quise trabajar con Miguel Ángel Vivas, y desde que trabajé con José Coronado en Oro supe que querría repetir con él, pero dándole un protagonista, y el que está escrito por Alberto Marini y Vivas es tan bueno que estoy contando los días para empezar el rodaje”

Alberto Marini, que ya colaboró con Vivas en el guion de Extinction, y que estuvo nominado en la pasada edición de los Premios Goya por el libreto de la exitosa El desconocido (Dani de la Torre),  vuelve a hacerse cargo del guion junto a Vivas.

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Sobre Miguel Ángel Vivas

Nacido en Sevilla en 1974, se licenció en Ciencias de la Información por la Universidad Europea de Madrid y se diplomó en Dirección Cinematográfica por la Escuela de Cinematografía de la Comunidad de Madrid. Es director y guionista. Su primer largometraje, Reflejos, ganó el Premio Opera Prima de Antena3 y Vía Digital al mejor guion. Los cortometrajes El hombre del saco (2002) y I’ll See You in my Dreams (2003) fueron los perfectos precedentes a Secuestrados (2010), largometraje reconocido internacionalmente con premios como el logrado a mejor película en el Festival de Cine de Bogotá. Con esta película, Miguel Ángel Vivas, también fue reconocido como el mejor director en el Festival de Cine Fantástico de Austin. Más adelante ha dirigido el cortometraje The Room (2011) y la TV Movie “Los tres cerditos”, emitida dentro de la serie Cuéntame un Cuento (TV, 2013). En 2015 estrena la película Extinction, y se involucra en un nuevo proyecto para tv llamado Apaches. En televisión también ha dirigido varios capítulos de las exitosas La casa de papel y Mar de plástico, ambas de Atresmedia y Oeste, Vivir sin permiso de Telecinco.

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Secuestrados (2010)

 

Este año 2017 estrena en el Festival de Sitges y posteriormente en cines la película Inside, remake de A l’intérieur, cinta de terror francesa de 2007.

En los últimos meses Apache Films ha estrenado la adaptación al cine de la exitosa obra de teatro musical La llamada de Javier Calvo y Javier Ambrossi, Verónica de Paco Plaza, Selfie de Víctor García León y Oro de Agustín Díaz Yanes, basado en un relato inédito de Arturo Pérez Reverte. Esta misma semana estrena la serie Vergüenza, dirigida por Álvaro Fernández Armero y Juan Cavestany, y tiene pendiente de estreno la película The Maus de Yayo Herrero y Quién te cantará de Carlos Vermut.

 

El autor (2017)

Posted in Cine, Humor, Reseña, thriller on 17 noviembre, 2017 by belakarloff

Álvaro trabaja en una notaría de Sevilla pero sueña con ser escritor, aunque todo lo que escribe es insípido y le falta alma. Sin embargo, su mujer Amanda acaba de publicar un best-seller. Tras una crisis, el matrimonio se separa y es entonces cuando Álvaro decide acometer la tarea de escribir una gran novela. Falto de talento e imaginación, será a partir de una observación por parte de Juan, su profesor de escritura, cuando Álvaro comience a descubrir que la ficción puede ser escrita a partir de la manipulación de la realidad, tejiendo una telaraña de la que nadie podrá escapar, ni siquiera él mismo…

Dirección: Manuel Martín Cuenca. Producción: Icónica Producciones, Lazona, La Loma Blanca PC, Alebrije Cine y Video, Canal Sur Televisión, Junta de Andalucía, Lazona Producciones, Televisión Española, Instituto de la Cinematografía y de las Artes Audiovisuales. Productores: Mónica Lozano, David Naranjo, José Nolla, Gonzalo Salazar-Simpson, Alex Zito. Co-productor: Manuel Martín Cuenca. Productores ejecutivos: José Nolla, Jaime Ortiz de Artiñano. Guion: Manuel Martín Cuenca, Alejandro Hernández, según la novela de Javier Cercas. Fotografía: Pau Esteve. Música: José Luis Perales. Montaje: Ángel Hernández Zoido. Dirección artística: Sonia Nolla. Intérpretes: Javier Gutiérrez (Álvaro), Antonio de la Torre (Juan), María León (Amanda), Tenoch Huerta (Enrique), Adriana Paz (Irene), Craig Stevenson (Craig McCallan), Miguel Ángel Luque (policía), Adelfa Calvo (portera), Domi del Postigo (El Manu), Rafael Téllez (Sr. Montero), Carmelo Muñoz Adame… Nacionalidad y año: España, México 2017. Duración y datos técnicos: 112 min. Color.

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En la primera escena, Álvaro asiste a una masterclass, dada en la lengua de Shakespeare, donde proyectan lo que parece ser El viaje del emperador. Curiosamente, este documental sobre la odisea de este pingüino (el abandono de la zona de confort con resolución y valentía conducido por la necesidad) podría tener ciertas concomitancias con la búsqueda de nuestro protagonista, en este caso en pos de la auto-realización.

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Álvaro es un tipo gris, que se busca constantemente pero que no se halla, necesita expresarse, busca trascender, pero lo que escribe es demasiado inane porque todo resulta demasiado ajeno a él, no lo vive. Es a raíz de una reprimenda por parte de su profesor de narrativa cuando todo empieza a cambiar. Está dispuesto a hacer lo que sea para seguir haciendo lo que más le gusta, entrando en un espiral sin retorno para seguir alimentando la ficción a costa de lo que sea y de quien sea; progresivamente su personaje se va revistiendo de forma irremediable de mucha más negrura.

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Manuel Martín Cuenca, tras la perturbadora Caníbal, vuelve a traernos otra historia, no menos turbadora, basada en la novela El móvil de Javier Cercas, la cual reflexiona sobre los límites, especialmente morales, de la creación literaria, así como sobre la instrumentalización de los demás. Una historia donde la ficción es superada por la propia realidad y a su vez el escritor por lo propiamente “escrito”.

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El cineasta ha indicado respecto a la película: “Es una sátira, una exageración conectada con las pulsiones de la realidad”. Sobre la adaptación de la novela de Cercas comenta: “Es una novela corta que leí del tirón, la cerré, me reí de mí mismo y dije ‘aquí hay una película’”. Después, sobre el trabajo con Alejandro Hernández en el guion ha comentado que “[hemos respetado] la esencia de la novela pero haciendo nuestra la historia”, ya que, según él, “hay que traicionar la letra para respetar el espíritu cuando haces una adaptación”.

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“Las situaciones están llevadas hasta el límite, y eso mueve a la risa al espectador. La comedia funciona mejor cuando huyes de ella, cuando la trabajas desde la seriedad más absoluta”, asevera Javier Gutiérrez.

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En el apartado actoral, un Javier Gutiérrez inconmensurable le insufla vida a este frustrado escritor que parece tan necesitado de escribir sobre los demás como vivir la vida de estos. Secundado por un ramillete de estupendos secundarios, un Antonio de la Torre en un papel bastante simpático y fuera de sus registros más serios y trillados da vida a un profesor algo impertinente. El papel de María León es algo inane, aunque resulta ser el tema principal en algunas de las charlas más hilarantes entre el protagonista y su profesor. Por último, alabar a Adelfa Calvo como la portera del edificio, que cuaja una grandísima actuación, siendo protagonista de unos cuantos momentos de lo más divertidos.

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Sobre el personaje de Álvaro, el cineasta comenta: “Nunca me ha interesado esa idea de los personajes que complacen al espectador, me interesan los que incomodan al espectador, con los que es difícil empatizar, pero a los que es fácil comprender, porque hay algo en ellos algo de cada uno de nosotros”. Otro ejemplo de lo que comenta el director almeriense es el personaje principal de Caníbal, al cual le dio vida Antonio de la Torre.

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En el apartado musical, José Luis Perales, a sus setenta y dos años parece haber tachado uno de sus deseos por cumplir. El cineasta de La flaqueza del bolchevique relata que “no hemos hecho la rutina habitual, sino que ha sido un proceso de investigación, de acercamiento, de búsqueda, que yo he sentido muy cercano a mi forma de trabajar”. Por su parte, el compositor castellonense nos cuenta que “cuando escribo, llevo mucho tiempo con las notas en la cabeza. Me siento como una mujer embarazada: a los nueve meses me sale una canción. Voy acumulando ideas, tonos, y un día escribo y sale del tirón. Lo mismo me ha ocurrido aquí”.

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La cinta se encuentra rodada en Sevilla, a la que se le saca gran parte de su encanto gracias a una cuidada fotografía por parte de Pau Esteve y a unas estupendas localizaciones. Como curiosidad, la magia del cine, o quién sabe si la pluma del propio Álvaro, hace que determinados barrios sevillanos estén mucho más cerca de lo que cabría esperar.

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Dramático en sus comienzos, ahondando en la sátira, el filme termina virando al suspense. La película, que podría verse como una vuelta de tuerca realista de la estupenda cinta En la casa de François Ozon, tiene varios giros que consiguen mantener el suspense hasta un final contundente. El epílogo funciona como contrapunto ciertamente humorístico y como evolución coherente de ese “monstruo” que se ha creado.

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Anécdotas

 

  • La película está basada en el libro El móvil, la primera novela de Javier Cercas, publicada originalmente en 1987.
  • La cinta fue a competición en la Sección Oficial de la 65 edición del Festival de Cine Internacional de San Sebastián.
  • Fue ganadora del premio FIPRESCI – Special Presentations en el Festival Internacional de Cine de Toronto (TIFF).
  • Preguntado por su final, que difiere al de la novela, Manuel Martín ha explicado que su preocupación era que se viera venir y que fuera coherente. Por su parte, Cercas ha señalado que película y libro acaban de manera diferente porque el final de la novela es “metaliterario, no cinematográfico” y para “ser leal a una novela tienes que traicionarla para llevarla al cine”.
  • Estrenado en España el 17 de noviembre de 2017.

 

Bibliografía

El móvil; por Javier Cercas; seguido de “Nota de un lector”; por Francisco Rico. Barcelona: Planeta-De Agostini, 2004. Colección: Los grandes autores de la narrativa actual.

 

Jesús Mayoral Velázquez de Castro (Sevilla. España)

 

“Materia oscura”, de Blake Crouch

Posted in Ciencia ficción, Libros recibidos, Literatura, Reseña, thriller on 10 noviembre, 2017 by belakarloff

Título: Materia oscura

Autor: Blake Crouch

Traductora: Noemí Risco Mateo

Pie de imprenta: Madrid: Nocturna Ediciones, 2017

Colección: Noches Negras, nº 3

T.O.: Dark Matter (2016)

Género – materia: novela – ciencia ficción – thriller – universos alternativos

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Blake Crouch es famoso en particular por ser el autor de la trilogía que ha dado lugar a la serie de televisión Wayward Pines, producida por M. Night Shyamalan; solo la primera de las novelas de la saga está publicada en España. Ahora, Nocturna Ediciones ofrece esta obra, que parece que se está preparando para ser trasladada al cine por parte de Sony, y que trata el cautivante tema –para mí– de los universos alternativos, un tanto en la línea de Futuros perdidos, de Lisa Tuttle, que ya comenté aquí, aunque si allí se utilizaba para crear un drama existencial, en esta ocasión se tiende más hacia el thriller, si bien el drama también ocupa un lugar importante en la trama, con una arrebatadora historia de amor, así como la ciencia ficción más ortodoxa.

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El autor

El protagonista es Jason Dessen, un profesor de física que vive felizmente en Chicago con su esposa y su hijo adolescente, aunque abandonó unas aspiraciones laborales más altas para conformar una familia. Un día que sale de fiesta, a su regreso es secuestrado a punta de pistola por un misterioso individuo oculto tras una máscara que representa a una geisha –y cuya identidad es fácilmente adivinable– y lo conduce a un hangar, le inyecta un extraño fluido y lo introduce en una máquina. Cuando despierta Jason está en un universo alternativo donde no está casado, y parece ser que está implicado en la creación de esa máquina. Poco a poco intenta percatarse sobre la realidad en la cual está enredado, intentando no perder la razón en el empeño, y cuando al fin es consciente de lo que acontece intentará volver a su auténtico universo.

La novela está narrada en primera persona por el protagonista y en presente continuo, con un estilo muy sencillo, conformado por frases muy breves y puntos y aparte constantes. A algunos lectores puede parecer que es un tratamiento muy simplificado, y de hecho en otros autores esa técnica me ha echado atrás. Sin embargo, aquí funciona, el autor confiere inmediatez y origina una especie de diálogo entre narrador y lector, entrando este muy bien en la mente del personaje. Personaje muy bien definido, por cierto, y el plato fuerte de la narración son los diálogos y las reflexiones a las cuales se abandona el protagonista.

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La lectura es muy rápida y fluida, el texto se devora en un suspiro, y el resultado es una novela muy entretenida, amén de cautivante. No es sci-fi hard, ni falta que hace, sino un entretenimiento vigoroso y efectivo, que además hace pensar. Recomendable.

Carlos Díaz Maroto

El juego de Gerald (Gerald’s Game) (2017)

Posted in Cine, Reseña, Terror, thriller on 13 octubre, 2017 by belakarloff

El matrimonio Burlingame está entregado a cierto juego sexual, consistente en esposar a ella a la cabecera de la cama y él interpretar el personaje de un supuesto atacante. Pero entonces él muere de un ataque al corazón, y ella se queda allí, encadenada y en soledad, sin que nadie parezca estar disponible para prestar ayuda.

Dirección: Mike Flanagan. Producción: Intrepid Pictures. Productor: Trevor Macy. Co-productora: Melinda Nishioka. Productores ejecutivos: Ian Bricke, Matt Levin, D. Scott Lumpkin. Guion: Mike Flanagan, Jeff Howard, según la novela de Stephen King. Fotografía: Michael Fimognari. Música: The Newton Brothers. Montaje: Mike Flanagan. Diseño de producción: Patrick M. Sullivan Jr. Efectos especiales: Robert Kurtzman (efectos especiales de maquillaje), Bret Culp, Martin Tori (supervisores de efectos visuales). Intérpretes: Carla Gugino (Jessie Burlingame), Bruce Greenwood (Gerald Burlingame), Henry Thomas (Tom), Carel Struycken (Moonlight Man), Kate Siegel (Sally), Chiara Aurelia (Jessie de niña), Natalie Roers, Gwendolyn Mulamba, Jon Arthur, Tom Glynn, Kimberly Battista, Stu Cookson, Nikia Reynolds, Chuck Borden, Charles Adams, Victoria Hardway, Bill Riales, John Ceallach, Joseph Chadwick Kinney, Tony Beard, Dori Lumpkin, Clint Edwards, Brad Spiers, Karlie Bowman, Marcus Deshaun Richardson, Shannon J. Jackson, Michael Amstutz, Cliff Hamilton, Shane Jackson, Robert Gill, Adalyn Jones… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 103 min. Color 2.35:1.

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En cierta manera, El juego de Gerald (Gerald’s Game, 1992) es una novela que sigue una estructura similar a Cujo (Cujo, 1981); es decir, se centra en una única idea, sobre la cual pivota toda la narración. Aunque si en Cujo esa idea disponía de determinados preámbulos que derivaban en esa situación, aquí no sucede lo mismo, sino que arranca directamente con la propia situación. Por supuesto que un planteamiento así no tiene mucho que desarrollar, a menos que se “adorne” de alguna manera. Y esa manera es apelar a la memoria y los recuerdos, a los pensamientos y las reflexiones a las que Jessie, la protagonista, se ve obligada a recurrir mientras la angustia se va apoderando de ella poco a poco. Estos elementos son muy útiles para que Stephen King despliegue su entusiasmo hacia la divagación y hacer rememorar a los personajes situaciones pasadas. Algunos son interesantes, desde luego, pero el primer tercio de la novela se dilata en exceso, y puede conducir al abandono de la lectura a más de uno. Quizás con una estructura más corta, al estilo de Dolores Claiborne (Dolores Claiborne, 1992) –novela con la que forma una especie de díptico– hubiera obtenido más densidad y habría sido más directa. Aquí tenemos, pues, a la protagonista centrada en constante conversación con su conciencia, escindida metafóricamente en diversas personalidades.

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Desde 2014 se arrastraba la idea de adaptar la novela, ya con dirección de Mike Flanagan, hasta que al fin, gracias a la participación de la cadena de televisión Netflix, el proyecto ha salido adelante. El resultado es una de las películas más fieles al texto de King que existen, dado que incluso repite frases literales, tanto procedentes de los diálogos como del texto descriptivo, puesto este en boca de algún personaje.

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Como cabía esperar, gran parte de la carga introspectiva ha sido eliminada, para dar cabida a más argumento descriptivo. De ese modo, hay un prólogo de unos quince minutos que no existe en el libro, aunque se sobreentiende. Eso sí, el director ve la necesidad de justificar la presencia posterior del perro[1], así como hacer que por la radio surja una información sobre profanaciones en un cementerio, para conectar con lo que sucederá más tarde. Esa desesperante manía actual de tratar de explicarlo e hilvanarlo todo…

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El cambio más llamativo estriba en los “personajes” que se aparecen ante la protagonista, alegorías estas de sus reflexiones internas. En el libro eran tres: dos versiones diferentes de ella misma, en diferentes estadios de madurez, y una de una antigua compañera de universidad (que desaparece totalmente en el film); aquí tenemos a ella misma, y a su marido muerto, este último sin duda añadido para otorgar más papel a ese excelente actor que es Bruce Greenwood. El otro cambio drástico es el final, donde Jessie hace frente al criminal en medio de la corte; la reacción de la mujer en el libro me pareció algo bastante fuera de tono, con ella escupiendo a una persona que sin duda era un disminuido psíquico; en el film se resuelve con mayor diplomacia e inteligencia.

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Flanagan aprovecha esa trama para, por un lado, potenciar un ejercicio de suspense donde la desesperación de Jessie va yendo en aumento de modo paulatino; y por otro escarba en la personalidad de la mujer, lacerada a causa de un incidente acontecido en su pasado, cuando, durante un eclipse, su padre abusó sexualmente de ella. De ese modo, ambas situaciones pivotan en círculo, siendo una, en cierta manera, consecuencia de la otra, y habiendo de exorcizar ese fantasma del pasado para hacer frente al del presente.

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De esa manera, el personaje que acecha en la oscuridad, contemplándola en un aterrador silencio, ese psicópata violador de tumbas, así como de sus moradores, resultaría una enseña sobre el otro monstruo que tortura su existencia, esto es, su propio padre. Cuando por fin logra asumir esa circunstancia y pasar página, como si dijéramos, la circunstancia actual es también dada de lado, y Jessie logra seguir adelante. El monstruo desaparece, se quita la máscara, y se convierte también en una víctima.

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Pieza de cámara, con prácticamente un único escenario, salimos de ahí en tres ocasiones: el prólogo introductorio, el flashback del eclipse y el abuso, y el epílogo en el juzgado. Cada uno de ellos representa tres estadios emocionales diferentes de la protagonista, y cabe destacar el ambiente preciosista pero pesadillesco de los momentos del eclipse, ligado a ese trauma que marca la infancia y la edad de adulta de Jessie.

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Una película de esas características, desde luego, precisa unas interpretaciones que consigan que el espectador se crea esas situaciones, y se logra sobradamente por medio de una extraordinaria Carla Gugino como Jessie, que calibra con notable tino la gradación paulatina de la histeria en la cual va incursionando, intentando controlarse a sí misma; Bruce Greenwood como su marido, Gerald Burlingame, alguien en apariencia agradable, cercano y directo, aunque tras esa grata fachada se oculta un hombre con pliegues más oscuros; Henry Thomas como Tom, el padre de Jessie, un personaje que ha de luchar contra la monstruosidad que percibe en él mismo, que es al mismo tiempo verdugo y víctima, y que nos demuestra que el niño de E.T. ha madurado esplendorosamente, aunque siga una carrera dispersa; y por último, el entrañable Carel Struycken –La familia Addams, Twin Peaks, Star Trek: la nueva generación– como ese enfermo mental y con acromegalia, que se halla a mitad de camino entre los simbólico y lo real.

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No es una joya, como ha sido calificada ampliamente, pero sí una película más que interesante que mejora una de las novelas más flojas de su autor, calibrando con mayor precisión los distintos elementos que confluyen en ella.

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Anécdotas

  • Rodada en la localidad de Mobile, Alabama, entre el 17 de octubre y el 13 de noviembre de 2016.
  • El personaje “Moonlight Man” es descrito como que padece de acromegalia. El actor que lo interpreta, Carel Struycken, realmente sufre esa enfermedad, aunque ha sido caracterizado para exagerar sus rasgos.
  • En un momento dado Gerald llama al perro Cujo, en guiño a otra novela de King. El mismo personaje también hace una alusión a la saga de La Torre Oscura, a través de la frase “todo sirve al haz”.
  • La referencia de Jessie a una mujer y un pozo es un guiño a Dolores Clayborne, novela que se interconecta con El juego de Gerald por medio de una especie de conexión telepática entre ambas protagonistas.
  • Exhibida en Estados Unidos el 24 de septiembre de 2017 en el Fantastic Fest, y después estrenada por Netflix el 29 de septiembre de 2017.

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Bibliografía

  • El juego de Gerald; por Stephen King; traducción de María Vidal. Barcelona: Debolsillo, 2005. Colección: Bestseller; 102 – Biblioteca de Stephen King; 42. T.O.: Gerald’s Game (1992).

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] En el libro sabremos que el perro abandonado se llamaba Príncipe; la protagonista lo denominará así cuando le intenta dar de comer.

 

Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Humor, Parodia, Reseña, thriller on 29 septiembre, 2017 by belakarloff

La malvada Poppy destruye los cuarteles generales de Kingsman. Eggsy viaja a los Estados Unidos para buscar la colaboración de Statesman, otra organización secreta que controla la paz mundial, para que le ayuden a detener a la pérfida tratante de drogas, que pretende provocar un holocausto mundial aprovechando la adicción de muchas personas.

Dirección: Matthew Vaughn. Producción: Twentieth Century Fox Film Corporation, Marv Films, Shangri-La Entertainment, TSG Entertainment. Productores: Adam Bohling, David Reid, Matthew Vaughn. Productores ejecutivos: Dave Gibbons, Pierre Lagrange, Stephen Marks, Mark Millar, Claudia Schiffer. Guion: Jane Goldman, Matthew Vaughn, según el cómic The Secret Service de Mark Millar y Dave Gibbons. Fotografía: George Richmond. Música: Henry Jackman, Matthew Margeson. Montaje: Eddie Hamilton. Diseño de producción: Darren Gilford. Efectos especiales: 4DMax, BUF, Blind, Clear Angle Studios, Efficacy4D, Framestore, Mark Roberts Motion Control, Moving Picture Company, The Senate Visual Effects, Snow Business International, Sony Pictures Imageworks. Intérpretes: Taron Egerton (Eggsy), Edward Holcroft (Charlie), Gordon Alexander (chófer de Kingsman), Mark Strong (Merlin), Hanna Alström (princesa Tilde), Calvin Demba (Brandon), Thomas Turgoose (Liam), Tobi Bakare (Jamal), Julianne Moore (Poppy), Keith Allen (Charles), Tom Benedict Knight (Angel), Colin Firth (Harry Hart), Michael Gambon (Arthur), Sophie Cookson (Roxy), Björn Granath (rey de Suecia), Lena Endre (reina de Suecia), Samantha Coughlan (guía turística), Channing Tatum (Tequila), Halle Berry (Ginger), Elton John (Elton John), Jeff Bridges (Champ), Pedro Pascal (Whiskey), Martyn Ford, Poppy Delevingne, Grant Gillespie… Nacionalidad y año: Reino Unido, Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 141 min. Color 2.39:1.

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Oro de baratillo

Mientras asistía al visionado de Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle, 2017, Matthew Vaughn) no podía dejar de pensar en otra película, Kick Ass 2: Con un par (Kick-Ass 2, 2013, Jeff Wadlow). Ambas coinciden en bastantes aspectos: son secuelas de sendas películas que parodiaban los estereotipos de determinado tipo de cine con frescura, humor malicioso y vigor. Ambas, también, caen en el error en las que no cayeron sus predecesoras, siendo además continuaciones muy inferiores a sus originales.

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Kingsman: El círculo de oro recicla en cierta manera la estructura dramática de su predecesora, como también suele ser habitual en las secuelas; de este modo, el espectador distingue rasgos aparecidos con anterioridad y se siente seguro, reconoce las reglas del juego. Aquí, por poner un ejemplo palpable, tenemos la repetición de la escena de la pelea en el pub (aquí taberna) con un grupo de chulos engreídos. Pero esa repetición se extiende a todo lo que es el esqueleto dramático principal del film, reemplazando personajes, lugares y demás “adornos” externos.

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La película, como es norma, empieza con una escena super-trepidante. Después, la narración cae en picado y ya no levanta vuelo. Las escenas se dilatan en exceso, se hacen cansinas y, en realidad, muchas de ellas nada aportan. Todo funciona a base de acumulación, siendo este el único recurso expresivo utilizado para aportar un supuesto interés. Esa es otra de las cláusulas que parecen exigir las secuelas: repetir todo, pero centuplicado. Más acción, más explosiones, más chistes… Son como un remake hipertrofiado, amén de maquillado para aparentar ser otra cosa.

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Otro problema son los actores. Tiempo atrás, el crítico de cine Peter Bogdanovich rodó una película titulada ¿Qué me pasa, doctor? (What’s Up, Doc?, 1972), que pretendía ser un homenaje a La fiera de mi niña (Bringing Up Baby, 1938). Rodados los primeros días y revisado el material, Bogdanovich comprobó que la cosa no funcionaba, no sabía muy bien porqué. Invitó a un pase a Howard Hawks, director del film homenajeado, y este le respondió: “Para que una película cómica funcione, los actores se lo han de tomar en serio”. Vueltas a rodar las escenas con ese criterio, ya todo fue mejor. Y ese es el problema de esta película: que muchos de los actores se toman a pitorreo sus cometidos, efectúan una interpretación sin creerse sus personajes. Matrícula de honor –en el aspecto negativo–, para dos actores tan excelentes por norma como Julianne Moore y Jeff Bridges, que se abordan sus papeles con una desidia que muestra una total falta de profesionalidad. Otros, sencillamente, son mediocres, como Pedro Pascal, una especie de Burt Reynolds de segunda (que ya es decir). Solo cabe destacar en el lado positivo a Mark Strong, Colin Firth y, sobre todo, Bruce Greenwood como un presidente de los Estados Unidos de aspecto kennedyano y carácter trumpero. Greenwood, además, es de los pocos que saben transmitir vis cómica sin efectuar una interpretación chusca.

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Hay puntos positivos, pero desperdigados aquí y allá en algo que no logra una unidad consecuente. Para los aficionados al pulp resultan muy placenteros los elementos de ciencia ficción, así los dispositivos robóticos de los que dispone la mala: un acólito con un brazo cibernético, una androide y, en especial, una pareja de perros sabuesos mecánicos. O ese plano de resonancias apocalípticas, con todos los infectados amontonados en jaulas. O algunos gags dispersos. No tiene gracia, empero, aunque insisten machaconamente en ello, en sacar a Elton John soltando palabrotas de continuo. Si hubiera sido un cantante más estirado… Elton John, por cierto, se muestra muy simpático (y muy viejo), pero queda evidente que no es un actor ni de lejos.

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La trama es casi un calco del film previo, solo que a los protagonistas se les une otro grupo, esos agentes estadounidenses, con el fin de americanizar el producto, y que los espectadores de aquel país se sientan más en casa. Es una cinta de humor y acción muy elemental y trivial, que pretende aparentar ser cáustica, pero que se queda muy corta en todos los aspectos. A mí se me hizo inclusive aburrida, pecado mortal en el que nunca debería caer una película de esta índole.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: Kingsman: El círculo dorado.
  • Secuela de Kingsman: Servicio secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014), de Matthew Vaughn.
  • El montaje original sumaba ochenta minutos más al metraje definitivo.
  • Tercera vez que Bruce Greenwood interpreta al presidente de los Estados Unidos. La primera vez fue en 13 días (Thirteen Days, 2000, Roger Donaldson), donde hacía de Kennedy, y la segunda en La búsqueda: El diario secreto (National Treasure: Book of Secrets, 2007, Jon Turteltaub), donde era un presidente ficticio.
  • Estrenada en el Reino Unido el 20 de septiembre de 2017; en Estados Unidos y en España se estrenó el 22.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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