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El juego de Gerald (Gerald’s Game) (2017)

Posted in Cine, Reseña, Terror, thriller on 13 octubre, 2017 by belakarloff

El matrimonio Burlingame está entregado a cierto juego sexual, consistente en esposar a ella a la cabecera de la cama y él interpretar el personaje de un supuesto atacante. Pero entonces él muere de un ataque al corazón, y ella se queda allí, encadenada y en soledad, sin que nadie parezca estar disponible para prestar ayuda.

Dirección: Mike Flanagan. Producción: Intrepid Pictures. Productor: Trevor Macy. Co-productora: Melinda Nishioka. Productores ejecutivos: Ian Bricke, Matt Levin, D. Scott Lumpkin. Guion: Mike Flanagan, Jeff Howard, según la novela de Stephen King. Fotografía: Michael Fimognari. Música: The Newton Brothers. Montaje: Mike Flanagan. Diseño de producción: Patrick M. Sullivan Jr. Efectos especiales: Robert Kurtzman (efectos especiales de maquillaje), Bret Culp, Martin Tori (supervisores de efectos visuales). Intérpretes: Carla Gugino (Jessie Burlingame), Bruce Greenwood (Gerald Burlingame), Henry Thomas (Tom), Carel Struycken (Moonlight Man), Kate Siegel (Sally), Chiara Aurelia (Jessie de niña), Natalie Roers, Gwendolyn Mulamba, Jon Arthur, Tom Glynn, Kimberly Battista, Stu Cookson, Nikia Reynolds, Chuck Borden, Charles Adams, Victoria Hardway, Bill Riales, John Ceallach, Joseph Chadwick Kinney, Tony Beard, Dori Lumpkin, Clint Edwards, Brad Spiers, Karlie Bowman, Marcus Deshaun Richardson, Shannon J. Jackson, Michael Amstutz, Cliff Hamilton, Shane Jackson, Robert Gill, Adalyn Jones… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 103 min. Color 2.35:1.

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En cierta manera, El juego de Gerald (Gerald’s Game, 1992) es una novela que sigue una estructura similar a Cujo (Cujo, 1981); es decir, se centra en una única idea, sobre la cual pivota toda la narración. Aunque si en Cujo esa idea disponía de determinados preámbulos que derivaban en esa situación, aquí no sucede lo mismo, sino que arranca directamente con la propia situación. Por supuesto que un planteamiento así no tiene mucho que desarrollar, a menos que se “adorne” de alguna manera. Y esa manera es apelar a la memoria y los recuerdos, a los pensamientos y las reflexiones a las que Jessie, la protagonista, se ve obligada a recurrir mientras la angustia se va apoderando de ella poco a poco. Estos elementos son muy útiles para que Stephen King despliegue su entusiasmo hacia la divagación y hacer rememorar a los personajes situaciones pasadas. Algunos son interesantes, desde luego, pero el primer tercio de la novela se dilata en exceso, y puede conducir al abandono de la lectura a más de uno. Quizás con una estructura más corta, al estilo de Dolores Claiborne (Dolores Claiborne, 1992) –novela con la que forma una especie de díptico– hubiera obtenido más densidad y habría sido más directa. Aquí tenemos, pues, a la protagonista centrada en constante conversación con su conciencia, escindida metafóricamente en diversas personalidades.

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Desde 2014 se arrastraba la idea de adaptar la novela, ya con dirección de Mike Flanagan, hasta que al fin, gracias a la participación de la cadena de televisión Netflix, el proyecto ha salido adelante. El resultado es una de las películas más fieles al texto de King que existen, dado que incluso repite frases literales, tanto procedentes de los diálogos como del texto descriptivo, puesto este en boca de algún personaje.

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Como cabía esperar, gran parte de la carga introspectiva ha sido eliminada, para dar cabida a más argumento descriptivo. De ese modo, hay un prólogo de unos quince minutos que no existe en el libro, aunque se sobreentiende. Eso sí, el director ve la necesidad de justificar la presencia posterior del perro[1], así como hacer que por la radio surja una información sobre profanaciones en un cementerio, para conectar con lo que sucederá más tarde. Esa desesperante manía actual de tratar de explicarlo e hilvanarlo todo…

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El cambio más llamativo estriba en los “personajes” que se aparecen ante la protagonista, alegorías estas de sus reflexiones internas. En el libro eran tres: dos versiones diferentes de ella misma, en diferentes estadios de madurez, y una de una antigua compañera de universidad (que desaparece totalmente en el film); aquí tenemos a ella misma, y a su marido muerto, este último sin duda añadido para otorgar más papel a ese excelente actor que es Bruce Greenwood. El otro cambio drástico es el final, donde Jessie hace frente al criminal en medio de la corte; la reacción de la mujer en el libro me pareció algo bastante fuera de tono, con ella escupiendo a una persona que sin duda era un disminuido psíquico; en el film se resuelve con mayor diplomacia e inteligencia.

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Flanagan aprovecha esa trama para, por un lado, potenciar un ejercicio de suspense donde la desesperación de Jessie va yendo en aumento de modo paulatino; y por otro escarba en la personalidad de la mujer, lacerada a causa de un incidente acontecido en su pasado, cuando, durante un eclipse, su padre abusó sexualmente de ella. De ese modo, ambas situaciones pivotan en círculo, siendo una, en cierta manera, consecuencia de la otra, y habiendo de exorcizar ese fantasma del pasado para hacer frente al del presente.

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De esa manera, el personaje que acecha en la oscuridad, contemplándola en un aterrador silencio, ese psicópata violador de tumbas, así como de sus moradores, resultaría una enseña sobre el otro monstruo que tortura su existencia, esto es, su propio padre. Cuando por fin logra asumir esa circunstancia y pasar página, como si dijéramos, la circunstancia actual es también dada de lado, y Jessie logra seguir adelante. El monstruo desaparece, se quita la máscara, y se convierte también en una víctima.

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Pieza de cámara, con prácticamente un único escenario, salimos de ahí en tres ocasiones: el prólogo introductorio, el flashback del eclipse y el abuso, y el epílogo en el juzgado. Cada uno de ellos representa tres estadios emocionales diferentes de la protagonista, y cabe destacar el ambiente preciosista pero pesadillesco de los momentos del eclipse, ligado a ese trauma que marca la infancia y la edad de adulta de Jessie.

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Una película de esas características, desde luego, precisa unas interpretaciones que consigan que el espectador se crea esas situaciones, y se logra sobradamente por medio de una extraordinaria Carla Gugino como Jessie, que calibra con notable tino la gradación paulatina de la histeria en la cual va incursionando, intentando controlarse a sí misma; Bruce Greenwood como su marido, Gerald Burlingame, alguien en apariencia agradable, cercano y directo, aunque tras esa grata fachada se oculta un hombre con pliegues más oscuros; Henry Thomas como Tom, el padre de Jessie, un personaje que ha de luchar contra la monstruosidad que percibe en él mismo, que es al mismo tiempo verdugo y víctima, y que nos demuestra que el niño de E.T. ha madurado esplendorosamente, aunque siga una carrera dispersa; y por último, el entrañable Carel Struycken –La familia Addams, Twin Peaks, Star Trek: la nueva generación– como ese enfermo mental y con acromegalia, que se halla a mitad de camino entre los simbólico y lo real.

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No es una joya, como ha sido calificada ampliamente, pero sí una película más que interesante que mejora una de las novelas más flojas de su autor, calibrando con mayor precisión los distintos elementos que confluyen en ella.

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Anécdotas

  • Rodada en la localidad de Mobile, Alabama, entre el 17 de octubre y el 13 de noviembre de 2016.
  • El personaje “Moonlight Man” es descrito como que padece de acromegalia. El actor que lo interpreta, Carel Struycken, realmente sufre esa enfermedad, aunque ha sido caracterizado para exagerar sus rasgos.
  • En un momento dado Gerald llama al perro Cujo, en guiño a otra novela de King. El mismo personaje también hace una alusión a la saga de La Torre Oscura, a través de la frase “todo sirve al haz”.
  • La referencia de Jessie a una mujer y un pozo es un guiño a Dolores Clayborne, novela que se interconecta con El juego de Gerald por medio de una especie de conexión telepática entre ambas protagonistas.
  • Exhibida en Estados Unidos el 24 de septiembre de 2017 en el Fantastic Fest, y después estrenada por Netflix el 29 de septiembre de 2017.

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Bibliografía

  • El juego de Gerald; por Stephen King; traducción de María Vidal. Barcelona: Debolsillo, 2005. Colección: Bestseller; 102 – Biblioteca de Stephen King; 42. T.O.: Gerald’s Game (1992).

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] En el libro sabremos que el perro abandonado se llamaba Príncipe; la protagonista lo denominará así cuando le intenta dar de comer.

 

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Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Humor, Parodia, Reseña, thriller on 29 septiembre, 2017 by belakarloff

La malvada Poppy destruye los cuarteles generales de Kingsman. Eggsy viaja a los Estados Unidos para buscar la colaboración de Statesman, otra organización secreta que controla la paz mundial, para que le ayuden a detener a la pérfida tratante de drogas, que pretende provocar un holocausto mundial aprovechando la adicción de muchas personas.

Dirección: Matthew Vaughn. Producción: Twentieth Century Fox Film Corporation, Marv Films, Shangri-La Entertainment, TSG Entertainment. Productores: Adam Bohling, David Reid, Matthew Vaughn. Productores ejecutivos: Dave Gibbons, Pierre Lagrange, Stephen Marks, Mark Millar, Claudia Schiffer. Guion: Jane Goldman, Matthew Vaughn, según el cómic The Secret Service de Mark Millar y Dave Gibbons. Fotografía: George Richmond. Música: Henry Jackman, Matthew Margeson. Montaje: Eddie Hamilton. Diseño de producción: Darren Gilford. Efectos especiales: 4DMax, BUF, Blind, Clear Angle Studios, Efficacy4D, Framestore, Mark Roberts Motion Control, Moving Picture Company, The Senate Visual Effects, Snow Business International, Sony Pictures Imageworks. Intérpretes: Taron Egerton (Eggsy), Edward Holcroft (Charlie), Gordon Alexander (chófer de Kingsman), Mark Strong (Merlin), Hanna Alström (princesa Tilde), Calvin Demba (Brandon), Thomas Turgoose (Liam), Tobi Bakare (Jamal), Julianne Moore (Poppy), Keith Allen (Charles), Tom Benedict Knight (Angel), Colin Firth (Harry Hart), Michael Gambon (Arthur), Sophie Cookson (Roxy), Björn Granath (rey de Suecia), Lena Endre (reina de Suecia), Samantha Coughlan (guía turística), Channing Tatum (Tequila), Halle Berry (Ginger), Elton John (Elton John), Jeff Bridges (Champ), Pedro Pascal (Whiskey), Martyn Ford, Poppy Delevingne, Grant Gillespie… Nacionalidad y año: Reino Unido, Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 141 min. Color 2.39:1.

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Oro de baratillo

Mientras asistía al visionado de Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle, 2017, Matthew Vaughn) no podía dejar de pensar en otra película, Kick Ass 2: Con un par (Kick-Ass 2, 2013, Jeff Wadlow). Ambas coinciden en bastantes aspectos: son secuelas de sendas películas que parodiaban los estereotipos de determinado tipo de cine con frescura, humor malicioso y vigor. Ambas, también, caen en el error en las que no cayeron sus predecesoras, siendo además continuaciones muy inferiores a sus originales.

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Kingsman: El círculo de oro recicla en cierta manera la estructura dramática de su predecesora, como también suele ser habitual en las secuelas; de este modo, el espectador distingue rasgos aparecidos con anterioridad y se siente seguro, reconoce las reglas del juego. Aquí, por poner un ejemplo palpable, tenemos la repetición de la escena de la pelea en el pub (aquí taberna) con un grupo de chulos engreídos. Pero esa repetición se extiende a todo lo que es el esqueleto dramático principal del film, reemplazando personajes, lugares y demás “adornos” externos.

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La película, como es norma, empieza con una escena super-trepidante. Después, la narración cae en picado y ya no levanta vuelo. Las escenas se dilatan en exceso, se hacen cansinas y, en realidad, muchas de ellas nada aportan. Todo funciona a base de acumulación, siendo este el único recurso expresivo utilizado para aportar un supuesto interés. Esa es otra de las cláusulas que parecen exigir las secuelas: repetir todo, pero centuplicado. Más acción, más explosiones, más chistes… Son como un remake hipertrofiado, amén de maquillado para aparentar ser otra cosa.

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Otro problema son los actores. Tiempo atrás, el crítico de cine Peter Bogdanovich rodó una película titulada ¿Qué me pasa, doctor? (What’s Up, Doc?, 1972), que pretendía ser un homenaje a La fiera de mi niña (Bringing Up Baby, 1938). Rodados los primeros días y revisado el material, Bogdanovich comprobó que la cosa no funcionaba, no sabía muy bien porqué. Invitó a un pase a Howard Hawks, director del film homenajeado, y este le respondió: “Para que una película cómica funcione, los actores se lo han de tomar en serio”. Vueltas a rodar las escenas con ese criterio, ya todo fue mejor. Y ese es el problema de esta película: que muchos de los actores se toman a pitorreo sus cometidos, efectúan una interpretación sin creerse sus personajes. Matrícula de honor –en el aspecto negativo–, para dos actores tan excelentes por norma como Julianne Moore y Jeff Bridges, que se abordan sus papeles con una desidia que muestra una total falta de profesionalidad. Otros, sencillamente, son mediocres, como Pedro Pascal, una especie de Burt Reynolds de segunda (que ya es decir). Solo cabe destacar en el lado positivo a Mark Strong, Colin Firth y, sobre todo, Bruce Greenwood como un presidente de los Estados Unidos de aspecto kennedyano y carácter trumpero. Greenwood, además, es de los pocos que saben transmitir vis cómica sin efectuar una interpretación chusca.

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Hay puntos positivos, pero desperdigados aquí y allá en algo que no logra una unidad consecuente. Para los aficionados al pulp resultan muy placenteros los elementos de ciencia ficción, así los dispositivos robóticos de los que dispone la mala: un acólito con un brazo cibernético, una androide y, en especial, una pareja de perros sabuesos mecánicos. O ese plano de resonancias apocalípticas, con todos los infectados amontonados en jaulas. O algunos gags dispersos. No tiene gracia, empero, aunque insisten machaconamente en ello, en sacar a Elton John soltando palabrotas de continuo. Si hubiera sido un cantante más estirado… Elton John, por cierto, se muestra muy simpático (y muy viejo), pero queda evidente que no es un actor ni de lejos.

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La trama es casi un calco del film previo, solo que a los protagonistas se les une otro grupo, esos agentes estadounidenses, con el fin de americanizar el producto, y que los espectadores de aquel país se sientan más en casa. Es una cinta de humor y acción muy elemental y trivial, que pretende aparentar ser cáustica, pero que se queda muy corta en todos los aspectos. A mí se me hizo inclusive aburrida, pecado mortal en el que nunca debería caer una película de esta índole.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: Kingsman: El círculo dorado.
  • Secuela de Kingsman: Servicio secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014), de Matthew Vaughn.
  • El montaje original sumaba ochenta minutos más al metraje definitivo.
  • Tercera vez que Bruce Greenwood interpreta al presidente de los Estados Unidos. La primera vez fue en 13 días (Thirteen Days, 2000, Roger Donaldson), donde hacía de Kennedy, y la segunda en La búsqueda: El diario secreto (National Treasure: Book of Secrets, 2007, Jon Turteltaub), donde era un presidente ficticio.
  • Estrenada en el Reino Unido el 20 de septiembre de 2017; en Estados Unidos y en España se estrenó el 22.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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The Limehouse Golem (The Limehouse Golem) (2016)

Posted in Cine, Reseña, Terror, thriller on 20 septiembre, 2017 by belakarloff

Año 1880. Londres es asaltado por unos misteriosos crímenes. El inspector Kildare comienza a investigar, al mismo tiempo que se juzga a Lizzie Cree por el supuesto asesinato por envenenamiento de su marido. Pronto, Kildare descubre que, de alguna manera, Cree y su difunto esposo están vinculados a esos crímenes, así como un local de music-hall, a partir de las confesiones del asesino que ha descubierto manuscritas en un ejemplar de Del asesinato considerado como una de las bellas artes de Thomas de Quincey.

Dirección: Juan Carlos Medina. Producción: Number 9 Films. Productores: Elizabeth Karlsen, Joanna Laurie, Stephen Woolley. Co-productora: Caroline Levy. Productores ejecutivos: Peter Hampden, Nicki Hattingh, Norman Merry, Anne Sheehan, Christopher Simon. Guion: Jane Goldman, según la novela de Peter Ackroyd. Fotografía: Simon Dennis. Música: Johan Söderqvist. Montaje: Justin Krish. Diseño de producción: Grant Montgomery. Efectos especiales: Sheila Wickens (supervisora de efectos visuales), Ian Rowley (supervisor de efectos especiales), Nathaniel De’Lineadeus (diseño de FX dentales y manufactura). Intérpretes: Olivia Cooke (Lizzie Cree), Bill Nighy (John Kildare), María Valverde (Aveline Ortega), Eddie Marsan (Tío), Douglas Booth (Dan Leno), Daniel Mays (George Flood), Sam Reid (John Cree), Adam Brown (Mr. Gerrard), Paul Ritter (Augustus Rowley), Henry Goodman (Karl Marx), Amelia Crouch (Lizzie de pequeña), Peter Sullivan (inspector Roberts), Morgan Watkins, Damien Thomas, Simon Meacock, Keeley Forsyth, Siobhán Cullen, Mark Tandy, Olesja Sidorovich, Michael Jenn… Nacionalidad y año: Reino Unido 2016. Duración y datos técnicos: 109 min. color 2.35:1.

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Sexo, asesinatos y grand-guignol

Las novelas son un buen caldo de cultivo para las adaptaciones cinematográficas, sobre todo cuando son exitosas, pues ello atraerá al espectador a las salas. Así que, por supuesto, The Limehouse Golem está basada en una, Dan Leno, el Golem y el music hall (Dan Leno and the Limehouse Golem, 1994) escrita por el estudioso y novelista Peter Ackroyd. La cinta exhibe una ambientación victoriana y ofrece asesinatos truculentos al estilo de Jack el destripador, como no para de señalar la misma publicidad del film, e incorpora toques de crítica social. La novela, y la cinta, también incluye elementos del teatro del grand-guignol[1], así como obras musicales y bastante picantes que atraían mucho al público ávido de sensaciones fuertes.

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El guion corre a cargo de Jane Goldman, cuyos trabajos más conocidos son Kick-Ass: Listo para machacar (Kick-Ass, 2010) y Kingsman: Servicio secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014), cintas bien distintas a esta, y caracterizadas por un humor que aquí está ausente casi en su totalidad. El problema con el film estriba en que el argumento resulta muy interesante, pero la construcción del guion es demasiado deslavazada y poco concreta, resulta en exceso discursivo y da la impresión de que la autora no ha sabido extraer equilibradamente el material de la novela. Se intenta hacer crítica social y contar una historia de misterio, pero como si fuesen dos historias aisladas; no existe una unión verdadera entre las dos tramas y se deja una de ellas cojeando, la policiaca. Y, tal como ya ocurría con la malograda La mujer de negro (The Woman in Black, 2012, James Watkins), no se sabe dar ni ritmo ni tensión a lo que se nos está narrando, y a la vez se muestra muy cobarde en mencionar determinados temas, así la homosexualidad, que es apuntada con veladas alusiones que no quedan sutiles, sino pacatas, aunque al final vuelva a sugerirlo por si no había quedado claro.

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Juan Carlos Medina fue el director de la interesante aunque fallida Insensibles / Insensíveis (2012), una co-producción entre España, Francia y Portugal, con guion de Luiso Berdejo y el propio Medina. Aquí su trabajo se muestra bastante irregular: hay momentos que transitan por caminos interesantes, como la visualización de los sospechosos de ser el asesino, aunque resultan algo repetitivos, pero otros aparecen bastante insustanciales, con poca fuerza, sin brío, mostrando cierta desidia, principalmente en las escenas de tensión. Así pues da la sensación de que le interesa más la crítica social que el suspense. Lástima que no se esfuerce en dotar a las escenas de investigación o a aquellas en que se ven los asesinatos de poderío y desasosiego, resultando las primeras en exceso farragosas, demasiado explicativas. Todos está rodado con tanta limpieza y pulcritud que parece que no hay un interés por ofrecer al espectador algo que le haga removerse en la butaca, pese a la ocasional explicitud de algunos crímenes –necesaria, con todo, para hilvanar con el tono de grand-guignol que se busca–.

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Las interpretaciones son las que ayudan en cierto modo a solventar un poco esos inconvenientes. Bill Nighy, como el inspector John Kildare, está soberbio en su papel, haciendo que el público se preocupe por él, por su tesón en buscar al asesino, a pesar de todos los problemas que aparecen en su camino. Olivia Cooke, interpretando a Lizzie Cree, hace creíble su difícil papel principal. Douglas Booth está un poco histriónico como Dan Leno, aunque es comprensible dado el personaje que interpreta, un cómico de music hall y actor teatral que existió en la realidad y que hacía muchos de sus espectáculos interpretando a mujeres. También aparece la española María Valverde, con un papel bastante ingrato, aunque a veces da la sensación de que solo está para mostrarse desnuda. Eddie Marsan, en el cometido de Tío (sí, le llaman así, Uncle), o Daniel Mays como el policía ayudante de Kildare, el agente George Flood, o Sam Reid como John Cree, están magníficos en su roles, con esa aparente facilidad que detentan los británicos para desarrollar sus roles, en especial los de época.

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The Limehouse Golem es una película que podría haber dado más de lo que ofrece; unas buenas interpretaciones no pueden salvar un guion penoso, que destroza una muy sugestiva historia, y una realización plana y desaprovechada que echa a perder una buena fotografía y una mejor ambientación, aunque, claro, a estas alturas eso es lo mínimo que se puede pedir a un film.

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Anécdotas

  • Anunciado inicialmente su estreno en España como Los misteriosos asesinatos de Limehouse.
  • Nominada al Méliès de Plata en 2017 como mejor película europea.
  • El film concursó en el Festival de Sitges de 2016, en concreto el día 15 de octubre.
  • El papel de Bill Nighy fue ofrecido inicialmente a Alan Rickman, pero lo rechazó por problemas de salud, los que terminaron por llevarle a la muerte. El film está dedicado a él.
  • En un papel muy breve tenemos a Damien Thomas, el conde Karnstein de la hammeriana Drácula y las mellizas (Twins of Evil, 1971, John Hough).
  • Estrenada en el Reino Unido el 1 de septiembre de 2017. En España se estrenó el 8 de septiembre de 2017.

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Bibliografía

  • Dan Leno, el Golem y el music hall; por Peter Ackroyd; traducción, Alberto Coscarelli. Barcelona: Edhasa, 1999. Colección: Narrativas históricas Edhasa; s/n. T.O.: Dan Leno & the Linehouse Golem (1994). Editado en Estados Unidos como The Trial of Elizabeth Cree.

Luis Alboreca (Madrid. España)

 

[1] Le Théâtre du Grand-Guignol fue fundado en 1894 por Oscar Méténier, en el área de Pigalle, en París. Solía representar por noche unas cinco o seis breves obras, de temática criminal o sobrenatural, con muchos efectos especiales de índole sangrienta. Entre 1920 y 1922 se representaron brevemente obras de esas características en Londres, bajo la dirección de Jose Levy, en el Little Theatre del Strand.

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El amante doble (L’amant double) (2017)

Posted in Cine, Fantasía, Reseña, thriller on 18 septiembre, 2017 by belakarloff

Chloé se enamora de su psicoanalista, y un tiempo después ambos se van a vivir juntos. Pero ella descubre algo que él le oculta: tiene un hermano gemelo, que también es psicoanalista. Inicia una relación con él…

Dirección: François Ozon. Producción: Mandarin Films, FOZ, Mars Films, Films Distribution, France 2 Cinéma, Scope Pictures, Canal+, Ciné+, France Télévisions, A Plus Image 7. Productores: Eric Altmayer, Nicolas Altmayer. Guion: François Ozon, Philippe Piazzo, según la novela Lives of the Twins de Joyce Carol Oates. Fotografía: Manuel Dacosse. Música: Philippe Rombi. Montaje: Laure Gardette. Diseño de producción: Sylvie Olivé. Efectos especiales: Mikael Tanguy (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Marine Vacth (Chloé Fortin), Jérémie Renier (Paul Meyer / Louis Delord), Jacqueline Bisset (señora Schenker / la madre de Chloé), Myriam Boyer (Rose, la vecina), Dominique Reymond (la ginecóloga / doctora Agnès Wexler), Fanny Sage (Sandra Schenker), Jean-Édouard Bodziak (joven psicoanalista), Antoine de La Morinerie (psicoanalista 1), Jean-Paul Muel (psicoanalista 2), Keisley Gauthier (gemelo 1), Tchaz Gauthier (gemelo 2), Clemence Trocque (gemela con los labios rojos), Pascal Aubert (policía [voz]), Guillaume Le Pape (doble de Paul y Louis), Benoît Giros (doble de Paul y Louis)… Nacionalidad y año: Francia, Bélgica 2017. Duración y datos técnicos: 107 min. color 2.35:1.

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Vaya par de gemelos

François Ozon es uno de los realizadores franceses más interesantes de la actualidad. En ocasiones se le llama “el Pedro Almodóvar francés”, por el hecho de ser homosexual y la temática de algunas de sus películas, no todas; pero ese calificativo me resulta injusto y restrictivo para un cineasta con un universo mucho más rico y poliédrico que el del manchego.

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En esta ocasión acude a una apetecible novela de Joyce Carol Oates (publicada bajo el seudónimo de Rosamond Smith), inspirándose lejanamente en ella, según parece[1], para componer una historia que, sin tener el referente del original, a ojos cinéfilos recuerda poderosamente la película Inseparables (Dead Ringers, 1988), de David Cronenberg[2]. En ambos casos tenemos dos hermanos gemelos obsesionados por la misma mujer, pero en esta ocasión la historia nos es narrada desde la perspectiva de la propia mujer. De hecho, ello no es sino el telón sobre el que se vuelca otra obsesión, la de la referida fémina, en un transparente juego de espejos (los espejos, de hecho, son recurso continuado a lo largo de la película, para aludir la dualidad que todos poseemos).

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La dualidad sería, precisamente, el tema principal de una película plagada de esas alusiones, como el gato que tiene la protagonista, Chloé, que disfruta de su reflejo en el que tiene Louis (obsérvese el broche del gato, también después duplicado).

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Siguiendo con las analogías cinéfilas, el film también podría recordar a otro cineasta de peso que ha basculado entre el cine fantástico y el realista como es Roman Polanski. Así, tendríamos referencias a una cinta como Repulsión (Repulsion, 1965), en lo que a la obsesión de la protagonista se refiere, y cómo poco a poco esta se va enturbiando y enrareciendo, sumergiéndonos en su propio mundo de fantasía; o también a El quimérico inquilino (Le locataire, 1976), en concreto por esa vecina inquietante, que tiene el apartamento lleno de animales disecados y que la observa de una manera que parece ocultar algo; inclusive esa vecina podría remitir también, en sus injerencias en la vida de Chloé, a la Minnie de La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, 1968).

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Terminando ese juego de referencias, existe un momento que rememora a la inquietante La posesión (Possession, 1981), de Andrzej Zulawski, y en concreto a uno de sus momentos más turbadores, y que hace que la esquizofrenia y la distorsión fantástica del filme alcance se gradación más álgida.

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De este modo, El amante doble (L’amant double, 2017) es una película pesadillesca, inquietante y sin lugar a dudas fantástica, no por lo que cuenta, sino por el modo en que lo cuenta, esto es, internándose directamente en la mente de un personaje desequilibrado y adoptando la narración desde esa perspectiva. No queda claro cuándo el punto de vista se quiebra, cuándo éste pierde su enfoque objetivo para entrar en el subjetivo; quizás desde el inicio fue así y no lo percibíamos. En todo caso, ese es un elemento que ha provocado que la película haya gozado de críticas negativas. El espectador cree que está asistiendo a una narración sincera, donde parece controlar todos los elementos del discurso. Después, sin embargo, y de un modo paulatino, la historia comienza a distorsionarse, a irrumpir, de hecho, en el desvarío, el absurdo inclusive. En este aspecto, el espectador pierde el asidero narrativo-emocional que poseía y se ve perdido; y, lo peor de todo, cree que el realizador lo engaña, recurriendo al fácil recurso del todo vale, aprovechando que la narración se efectúa desde el punto de vista de una mente distorsionada.

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Algo de eso hay, sin duda, y provoca cierta insatisfacción, máxime por los elementos tan sugestivos que, con todo, integran una película de singular riqueza y que no puede ser rechazada sin más. Estructuralmente recuerda un tanto a otra película de Ozon, muy distinta, Una nueva amiga (Une nouvelle amie, 2014)[3], historia de intriga que, esta vez, bascula entre el drama y el humor perverso. Así, pese a las referencias aludidas –intencionadas o no–, la cinta muestra la personalidad de su autor por encima de todo, integrando los referentes a su universo propio.

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Es El amante doble, por ende, un film irregular e imperfecto, pero no cabe desecharlo por ello, calibrando que las obras no redondas también tienen su interés, máxime cuando muchas cintas mucho menos sugerentes y complejas son celebradas con un entusiasmo ciego. Prestemos pues, atención a esta nueva incursión en el universo personal de un artista como François Ozon, y esperamos con ansia su nueva aportación, que llegará a no mucho tardar, sin lugar a dudas.

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Anécdotas

  • Títulos anglosajones: Amant Double / The Double Lover.
  • Realizada con un presupuesto estimado de 8,3 millones de dólares.
  • La película está basada libremente en la novela Lives of the Twins (1987) de Joyce Carol Oates, que publicó bajo el seudónimo de Rosamond Smith, y fue publicada bajo el título de Kindred Passions en el Reino Unido.
  • Estrenada en Francia el 26 de mayo de 2017, al mismo tiempo que se presentaba en el Festival de Cannes (donde fue seleccionada para competir por la Palma de Oro). En España se estrenó el 8 de septiembre.

 

Bibliografía

  • Vidas gemelas; por Rosamond Smith [Joyce Carol Oates]; traducción de Juan Gabriel López Guix. Barcelona: Versal, 1988. Colección: Meridianos; nº 12. T.O.: Lives of the Twins (1987).

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

 

[1] Su película anterior fue la excelente Frantz (Frantz, 2016), con también inspiración lejana, esta vez en la soberbia película Remordimiento (Broken Lullaby, 1932) de Ernst Lubitsch –basada a su vez en la obra teatral El hombre que yo maté (L’homme que j’ai tué, 1930), de Maurice Rostand–.

[2] Esta, a su vez, también está basada en una novela, en concreto Los gemelos; por Bari Wood y Jack Geasland; traducción del inglés, Esther Donato. Barcelona: Grijalbo, 1980. Colección: Edibolsillo Paperback; s/n. T.O.: Twins (1977).

[3] Basada ésta en un relato, “Su nueva amiga” (“The New Girlfriend”), que ganó el premio Edgar del año 1985, y que otorga la asociación Mystery Writers of America. Está incluido en la antología Su nueva amiga; por Ruth Rendell; traducción, Mar Hernández. Madrid: Alfaguara, 1993. Colección: Alfaguara/bolsillo; s/n. T.O.: The New Girlfriend and Other Stories (1985).

“Materia oscura”, de Blake Crouch, novedad en Nocturna Ediciones

Posted in Ciencia ficción, Literatura, Noticias, thriller on 15 septiembre, 2017 by belakarloff

CUALQUIER DECISIÓN SE RAMIFICA EN UN NUEVO MUNDO

Jason Dessen vive en Chicago, donde ha renunciado a sus grandes aspiraciones científicas para dar clases y centrarse en su familia. Una noche, tras asistir a la celebración en honor de un antiguo compañero galardonado con un importante premio de astrofísica, Jason se dirige a casa… y nunca llega. Un hombre oculto tras una máscara de geisha lo conduce a punta de pistola a una central eléctrica abandonada, donde le inyecta algo.

Cuando recobra la conciencia, unos desconocidos con trajes especiales lo reciben con las palabras «bienvenido de nuevo». Pero esta realidad no es la que conoce: su mujer no es la misma, su hijo no ha nacido y él ni siquiera es profesor.

¿Es este mundo un sueño? ¿O acaso lo era su vida anterior?

NN3. Materia oscura (cubierta)

«Excepcional».

Andy Weir, autor de El marciano (Marte)

«Una odisea increíble sobre mundos paralelos y las consecuencias de nuestros actos que se despliega con toda la intriga y la fuerza de un verdadero thriller (…). Sus personajes sobresalientes y polifacéticos consiguen que la historia lata con un gran corazón».

New York Journal of Books

«Puede que sea el thriller más vertiginoso y frenético que hayas leído en todo el año, con un giro final ingenioso y alucinante».

The Guardian

«Brillante. Un libro memorable. Creo que Blake Crouch ha inventado algo nuevo»

Lee Child

«Un thriller de ciencia ficción con muy buen ritmo y lleno de acción (…). Sus personajes bien definidos y sus giros hábiles contribuyen a crear una lectura rápida, inteligente y cautivadora».

Financial Times

«Personajes excelentes y una tensión bien trabajada».

Publishers Weekly

 

Blake Crouch COPY Paul Pennington

EL AUTOR:

Blake Crouch nació en Carolina del Norte en 1978 y se licenció en Filología Inglesa y Escritura Creativa. Es autor de una docena de libros, varios de ellos adaptados a la televisión, entre los que destaca la trilogía Wayward Pines, cuya adaptación produjo M. Night Shyamalan. Su última novela, Materia oscura (Nocturna, 2017), se vendió en subastas a una veintena de idiomas y Sony compró sus derechos cinematográficos.

Autor: Blake Crouch
Traducción: Noemí Risco Mateo
Fecha de publicación: 11-9-2017
Formato: 16 x 23 cm
Encuadernación: Rústica con solapas
Páginas: 441
PVP: 17,00 €
ISBN: 978-84-16858-21-7
Colección: Noches Negras, n.º 3
Género: Novela (thriller)

 

El seductor (The Beguiled) (1971)

Posted in Cine, Otros géneros, Reseña, thriller on 28 agosto, 2017 by belakarloff

Durante la Guerra Civil norteamericana, una niña encuentra moribundo a un soldado del Norte. Lo traslada a la residencia de señoritas en la cual habita, en el Sur, donde deciden curarlo para después entregarlo a las autoridades. Pero mientras se va recuperando, las mujeres de distinta edad del lugar comienzan a sentirse fascinadas por él…

Dirección: Don Siegel. Producción: The Malpaso Company para Universal Pictures. Productor: Don Siegel. Productor asociado: Claude Traverse. Productores ejecutivos: Jennings Lang y, sin acreditar, Julian Blaustein, Clint Eastwood. Guion: John B. Sherry [Albert Maltz] y Grimes Grice [Irene Kamp], con reescritura de Claude Traverse (sin acreditar), basado en la novela de Thomas Cullinan. Fotografía: Bruce Surtees. Música: Lalo Schifrin. Montaje: Carl Pingitore. Diseño de producción: Ted Haworth. Efectos especiales: Bud Westmore (maquillaje). Intérpretes: Clint Eastwood (John McBurney), Geraldine Page (Martha), Elizabeth Hartman (Edwina), Jo Ann Harris (Carol), Darleen Carr (Doris), Mae Mercer (Hallie), Pamelyn Ferdin (Amy), Melody Thomas Scott (Abigail), Peggy Drier (Lizzie), Patricia Mattick (Janie), Charlie Briggs (primer capitán confederado), George Dunn (Sam Jefferson), Charles G. Martin (segundo capitán confederado), Matt Clark (Scrogins), Patrick Culliton (Miles Farnswoth), Buddy Van Horn (soldado), Randy Brown (sargento confederado), Victor Izay (conductor del carro), Bill Lee (cantante), Jim Malinda (Wade)… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1971. Duración y datos técnicos: 105 min. color 1.85:1.

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Cuando Clint Eastwood leyó el libro The Painted Devil (1966), de Thomas P. Cullinan (inédito en España, faltaría más), creyó que podría dar un giro a su carrera, al interpretar a un personaje con más matices de lo acostumbrado. El guion original fue escrito por Albert Maltz, quien ya había trabajado para Eastwood y Siegel en la anterior colaboración entre ambos, la simpática pero pobretona Dos mulas y una mujer (Two Mules for Sister Sara, 1970), y otorgó un final feliz a la historia. Tanto actor y director quedaron descontentos con el libreto, por lo que hubo variadas reescrituras; al final, Maltz retiró su nombre de los créditos y firmó como John B. Sherry.

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En todo caso, este no fue el único problema vivido por la producción. Cuando la película fue estrenada, Universal la promocionó como una cinta de acción, provocando la insatisfacción de los seguidores habituales de Eastwood. El resultado fue, por supuesto, un fracaso en taquilla, alcanzando poco más de un millón de dólares de recaudación. Sin embargo, hoy día está considerado un film de culto.

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No es sorprendente este rechazo que en un principio sintió la película para aquellos que esperaban encontrar la película prometida por la propaganda. Y es que esta extraña y perversa historia de posesión y dominio recíprocos, desde luego, queda lejos de ser una película de acción al uso, aunque tiene algunos elementos de ello. Se trata más bien un melodrama gótico, con tono de American Gothic, ambientado durante la Guerra Civil norteamericana en el profundo Sur. Se percibe que Siegel está muy interesado en el material que tiene entre manos y lo trata con respeto. Procura darle un ritmo pausado, utilizando fundidos muy lentos –posiblemente influido por la nouvelle vague–, y en momentos altera el eje de la cámara para conferir un tono desquiciado, acorde con la personalidad de los protagonistas de la historia, mientras que la utilización de zooms sirven para enfatizar sensaciones emocionales de los personajes. Resulta interesante el uso de la voz en off para mostrar los pensamientos de algunas de las mujeres.

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El personaje de Eastwood, John McBurney, llamado McB, no es para nada un héroe. Al contrario, es un mentiroso manipulador: las dos veces que narra su actividad en el frente está mintiendo, y pronto, cuando percibe el efecto turbador que provoca en las mujeres, comienza a manipularlas, haciendo uso de su atractivo físico. El ambiente enrarecido de la mansión viene propiciado desde la propia dueña, Martha (una excelente Geraldine Page), que vivió un idilio con su propio hermano[1], y que siente también impulsos lésbicos hacia una de las discípulas. En cuanto a estas, de muy variada edad, también se sienten atraídas por el soldado, inclusive la niña de doce años que lo encuentra (“Estabas con ella, y estaba desnuda. ¡Pensé que yo te gustaba!”), encarnada espléndidamente por la actriz que por entonces contaba con esa misma edad Pamelyn Ferdin, a la que podemos recordar por la serie de televisión Lassie (Lassie; 1954-1974) en la etapa 1972-1973, y en películas de terror como Satán, mon amour (The Mephisto Waltz, 1971, Paul Wendkos) o ¿Qué le pasa a Helen? (What’s the Matter with Helen?, 1971, Curtis Harrington).

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Cabe señalar que, cuando las mujeres introducen en la casa a McB, un movimiento de cámara conecta ese instante con el plano de un cuervo, atado a la barandilla del primer piso, que está allí para ser curado ya que tiene un ala rota. Al finalizar el film, cuando sacan el cadáver de McB para enterrarlo, el plano está encuadrado desde la barandilla, donde vemos al cuervo muerto. Así, uniendo ambas situaciones en un único plano, se establece un paralelismo entre hombre y cuervo, percibiéndose el carácter simbólico del pájaro. También al inicio del film, una de las muchachas menciona que las hormigas no matan al gusano, sino que lo introducen en la madriguera para hacer uso de él. De esta manera, McB es hombre, cuervo y gusano, todo ello desde una perspectiva profundamente negativa. El talento de Siegel –y de Eastwood– consiste en que, pese a ello, el personaje siga resultando, de algún modo, atractivo para el espectador; es también un seductor a nuestros ojos.

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Merece destacarse también un momento espléndido, en una fantasía sexual que tiene Martha, donde ella es visualizada como la imagen de la virgen María y a McB en la de Jesucristo, emulando un cuadro que la mujer tiene en la habitación y que poco antes nos fue mostrado (Siegel, empero, estropea la alusión volviendo a enseñar inmediatamente después otra vez el cuadro, no confiando en la atención del espectador). Esta imagen de virgen mártir protegiendo a su hijo se contrapone con el auténtico perfil de la mujer, artera y ruin.

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Un último detalle, y es la impresión de que Stephen King tenía este film en mente cuando escribió su novela Misery (Misery, 1987), pues algunos elementos coinciden, como el personaje herido, acogido para su curación, y la amputación de la pierna. Curioso el mundo de las influencias.

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Anécdotas

  • Título en Argentina, Colombia, México y Perú: El engaño.
  • De toda su filmografía, esta es la película favorita de Don Siegel.
  • Durante esta película Eastwood rodó su auténtico primer film, un documental de doce minutos sobre Siegel: The Beguiled: The Storyteller (1971).
  • La idea original de Siegel para el papel de Martha fue Jeanne Moreau, pero el jefe de la Universal, Lew Wasserman, lo vetó.
  • Como títulos del film fueron considerados “Pussy-footing Down at the Old Plantation” y “On One I Walked”. El primer título podría traducirse algo así como “Dándole vueltas en la vieja plantación”; el segundo, como “Sobre uno caminé”.
  • Remake: La seducción (The Beguiled, 2017), de Sofia Coppola.
  • Estrenada en Estados Unidos el 31 de marzo de 1971 en Nueva York, y el 19 de mayo en Los Ángeles. En España se estrenó el 5 de junio de 1972, en los cines Carlos III, Consulado, Princesa y Roxy A de Madrid.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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[1] En España el doblaje convirtió al hermano en marido, para evitar el incesto. También se amputaron diversas escenas. El redoblaje de esas nuevas escenas está bien traducido, es decir, se menciona al hermano, con lo cual el despiste del espectador español es manifiesto al no casar el parentesco con las escenas que se mantienen con el doblaje original.

Mañana regresa “Pulp Fiction” por parte de 39 Escalones

Posted in Cine, Noticias, Proyecciones, thriller on 6 julio, 2017 by belakarloff

Como ya os hemos ido informando, a partir de mañana 7 de julio la distribuidora 39 Escalones reestrena en cines PULP FICTION en más de 70 salas de toda España (en algunos cines será mediante un evento de dos o tres días y, en la mayoría, dentro de la programación normal) –podéis ver el listado de cines en https://www.facebook.com/PulpFiction2017enCines/

cartelalternativo

Se trata de una oportunidad muy especial de celebrar los 25 años de Quentin Tarantino en el cine y de acercar, tal y como ya hizo 39 Escalones el año pasado con LA HISTORIA INTERMINABLE, este clásico moderno a las nuevas generaciones para que la puedan disfrutar en pantalla grande y que los que ya vivieron el estreno en 1994 puedan revivir aquella experiencia. En definitiva, un evento en el que disfrutar con la magia del cine de una gran película.

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