Ya a la venta el segundo número de “Obsesión Continua”

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Fanzines, Nota de Prensa, Noticias, Terror on 9 enero, 2018 by belakarloff

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Nos llega el siguiente comunicado urgente:

Nos complace comunicaros que ya se encuentra disponible el segundo número de Obsesión continua, nuestro fanzine dedicado al cine de género.

No ha sido una tarea fácil pero, después de casi dos años de espera e infinidad de contratiempos, al fin podemos decir que el segundo número de OBSESIÓN CONTINUA sale a la luz. En esta nueva entrega abordamos el slasher ESCÓNDETE Y TIEMBLA, el clásico oculto TROLL, el díptico de LOS 7 HOMBRES DE ORO; nos dejamos llevar por el delirio kitsch de VOYAGE OF THE ROCK ALIENS y seguimos con nuestro especial sobre el canibalismo en el cine con ESTE PERRO MUNDO. Una vez más buscamos en las estanterías de los videoclubs para traeros alguna de sus pequeñas joyas e incluimos un par de entrevistas la mar de suculentas: una a Chuck Parello, director de HENRY: RETRATO DE UN ASESINO 2. Y otra a la emblemática actriz Barbara Crampton. Y por último cerramos este número con una firma invitada, el realizador Ciro Altabás, quien realiza un sentido homenaje al recientemente fallecido Alfonso Azpiri.

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Esperamos que todos estos contenidos sean de vuestro agrado y que disfrutéis de este segundo número ya que, aunque no creemos en estas cosas, podemos aseguraros que es un milagro que finalmente haya salido publicado.

El precio del fanzine es de 4 euros más gastos de envío (según tarifa de correos) y en breve daremos a conocer las tiendas especializadas en las que podréis adquirir vuestro ejemplar.

¡Muchas gracias por vuestra atención!

Para más información y pedidos:

facebook.com/obsesioncontinuafanzine

obsesioncontinua@gmail.com

 

 

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Black Mirror: “USS Callister” (2017) [episodio serie TV]

Posted in Ciencia ficción, Reseña, Televisión on 5 enero, 2018 by belakarloff

En un futuro cercano, una mujer entra a trabajar en una empresa de juegos de ordenador, en especial porque admira al programador y co-propietario de la compañía, Robert Dale. Pero este se revela como un sociópata que tiene una copia privada de un juego, inspirado en una serie de ciencia ficción de los sesenta, y donde introduce clones informáticos de sus compañeros de trabajo que conservan recuerdos de sus previas existencias. Ella será la siguiente…

Dirección: Toby Haynes. Distribución: Netflix. Productoras: Annabel Jones, Louise Sutton. Co-productor: Ian Hogan. Productor ejecutivo: Charlie Brooker. Guion: William Bridges & Charlie Brooker. Fotografía: Stephan Pehrsson. Música: Daniel Pemberton. Montaje: Selina Macarthur. Diseño de producción: Phil Sims. FX: Matthew Smith (diseño de prótesis), Russell Dodgson (supervisor de efectos visuales). Intérpretes: Jesse Plemons (Robert Daly), Cristin Milioti (Nanette Cole), Jimmi Simpson (Walton), Michaela Coel (Shania), Billy Magnussen (Valdack), Milanka Brooks (Elena Tulaska), Osy Ikhile (Nate Packer), Paul G. Raymond (Kabir Dudani), Hammed Animashaun (repartidor de pizzas), Tom Mulheron (Tommy), Aaron Paul (Gamer691 [voz]), Kirsten Dunst (empleada de Callister)… Nacionalidad y año: RU 2017. Duración y datos técnicos: 76 min. Color 2.20:1 – 1.33:1 (algunas escenas).

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La serie británica Black Mirror, emitida a través de Netflix, ofrece episodios independientes, pero tienen la peculiaridad en su mayoría de ambientarse en un futuro muy próximo, y suponer alegorías sociales centradas en taras de nuestro entorno que han sufrido un leve giro hacia el enfoque fantacientífico. El resultado es bastante irregular, según sea el episodio, todos ellos escritos (solo o en compañía) por Charlie Brooker, creador de la serie, quien tiene una amplia carrera en la televisión británica, con gran parte de su obra desconocida en nuestro país debido a la mediocre y virada programación de nuestros canales. Destaquemos, sin embargo, la mini-serie, célebre en su día, Dead Set: Muerte en directo (Dead Set, 2008), mezcla entre el programa Gran hermano y las películas de zombis.

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Este episodio, el primero de la cuarta temporada, arranca de un modo que hace sospechar un radical cambio de rumbo en la serie, pero una vez pasado ese prólogo en formato 1.33:1 e imagen desvaída, para emular las series de ciencia ficción de los años sesenta del pasado siglo (y, en especial, Star Trek, lo cual no disimula en modo alguno), una vez pasado ese prólogo, decía, vuelve a adoptar el ambiente de otros episodios de Black Mirror, con ese futuro que casi puede vislumbrarse a la vuelta de la esquina, salvo ciertos elementos más vanguardistas.

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Después comprobamos que Brooker —en unión a su co-guionista en esta ocasión, William Bridges[1]— lo que intenta es contraponer dos conceptos de ciencia ficción, digamos el de space opera tradicional por un lado y el de la anticipación con mensaje, aunque ello ya lo ofrecía la propia serie Star Trek, pero entendámonos: en el concepto de lo que hoy día se entiende como ciencia ficción inteligente, hard.

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Lo más interesante lo representa el personaje protagonista, encarnado por Jesse Plemons, habitual de la serie Fargo (Fargo; 2014-…), y a quien vimos a las órdenes de Steven Spielberg en la estupenda El puente de los espías (Bridge of Spies, 2015), y con quien repetirá en breves semanas en Los archivos del Pentágono (The Post, 2017). En su estado “civil”, digamos, Robert Daly es un personaje mediocre y acomplejado en el entorno social, aunque sea luego brillante en el aspecto profesional. Esas carencias emocionales las cubre con su alter ego, el capitán Daly de la USS Callister, nave de la Flota Estelar con la que recorre el cosmos en una misión de explorar audazmente nuevos mundos. Por medio de ese capitán da rienda suelta a su carácter reprimido. Y es que ese capitán Daly podría ser algo así como una mezcla entre el capitán James Tyberius Kirk y algunos villanos propios del universo Trek. De Kirk toma su chulería machista, llevándola hacia un nivel superlativo, aunque hay momentos que resultan muy divertidos, como cuando hace uso de uno de sus subordinados —su socio en la compañía en la vida real— para apoyar los pies.

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Sobre el villano hay que efectuar determinadas matizaciones. Se ha leído por ahí que el episodio bebe abundantemente de uno de los sketches de la película En los límites de la realidad (Twilight Zone: The Movie, 1983), la del niño con poderes que aplica su propia dictadura en el entorno familiar, esto es, el segmento “It’s a Good Life”, dirigido por Joe Dante, en concreto por el motivo en el que Daly elimina todas las facciones del rostro de su subordinada —en la película originaria solo elimina la boca de una de sus hermanas—. Cabe recordar que ese sketch es un remake del episodio homónimo de la serie La dimensión desconocida (The Twilight Zone; 1959-1964), basado en un relato de Jerome Bixby. Y que Bixby después fue activo colaborador en la serie original de Star Trek/Viaje a las estrellas/La conquista del espacio (Star Trek; 1966-1969), la cual está caracterizada también por la inclusión de seres todopoderosos, como podría ser Charlie X, el Trelane de “El escudero de Gothos” (“The Squire of Gothos”, 1967) o Q, ya en Star Trek: la nueva generación (Star Trek: The Next Generation; 1987-1994). Tal como en estos personajes, el capitán Daly es un ser omnipotente, un dios colérico y cruel que maneja el mundo que ha creado y a sus moradores para satisfacer su mero y vano capricho. De ese modo, la psicopatía del personaje real se proyecta sobre su avatar, y crea un personaje complejo y cautivante, dentro de su perversión. Mientras, sus criaturas se verán estimuladas por la llegada de una nueva víctima, y decidirán rebelarse y destruir a Dios, para conseguir su propio albedrío.

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Siquiera sea mínimamente, cabe resaltar también la presencia de un “villano” más estandarizado dentro del universo “ficticio”, un malvado que ríe a carcajadas mientras comete iniquidades, y que en nada remite a los habituales de Star Trek, estando más cerca de los de los seriales de los años cuarenta o de la series de dibujos animados. Es, supongo, un elemento secundario para aportar humor, sin más trascendencia, puesto que el resto de los elementos se perciben propiciatoriamente cómplices con la creación de Gene Roddenberry.

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La puesta en escena de Toby Haynes[2] consigue separar en tono y estilo ambos universos, percibiéndose que los momentos Trek intentan ser fieles en estética a los originales, resaltando los planos de la muchacha negra que supone un émulo de Uhura, y que semeja un calco. Efectos de sonido reproducen también otros de la serie, y la música procura recordar en ocasiones algunos de los compases clásicos de la misma.

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El final representa un simpático quiebro a todo lo narrado, y deja un final abierto que podría derivar en más aventuras del equipo de exploradores espaciales. De hecho, corre por ahí el rumor de que, debido al éxito del episodio, se está planteando un spin-off. No estaría nada mal…

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Anécdotas

  • Kirsten Dunst aparece en un breve cameo. Estaba de visita a su pareja Jesse Plemons y no se planeó su aparición.
  • Episodio 1º de la 4ª temporada de la serie. Estrenado originalmente, junto al resto de la temporada, el 29 de diciembre de 2017.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

CALIFICACIÓN: ***

  • bodrio * mediocre ** interesante *** buena **** muy buena ***** obra maestra

[1] También participó en otro episodio de la serie, “Shut Up and Dance” [3.3], y tiene una breve carrera, inédita en España, para variar.

[2] Es su primera aportación a la serie. Con anterioridad dirigió episodios para Doctor Who, Sherlock y Jonathan Strange & Mr Norrell, entre otras.

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Estrenos de cine en España: 5-01-2018

Posted in Cine, Estreno on 5 enero, 2018 by belakarloff

Entre ellas (Faut pas lui dire). Francia, Bélgica 2016

Género: Comedia romántica

Director: Solange Cicurel

Actores: Camille Chamoux, Laurent Capelluto y Stéphane Debac.

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Insidious: La última llave (Insidious: The Last Key). EEUU 2018

Género: Terror

Director: Adam Robitel

Actores: Leigh Whannell, Lin Shaye, Angus Sampson, Kirk Acevedo, Spencer Locke, Josh Stewart y Bruce Davison.

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Molly’s Game (Molly’s Game). EEUU 2017

Género: Biográfica

Director: Aaron Sorkin

Actores: Jessica Chastain, Idris Elba, Kevin Costner, Michael Cera, Jeremy Strong, Chris O’Dowd y Brian d’Arcy James.

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Que baje Dios y lo vea. España 2017

Género: Comedia

Director: Curro Velázquez

Actores: Alain Hernández, Karra Elejalde, Macarena García y Antonio Durán “Morris”.

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Qué fue de Brad (Brad’s Status). EEUU 2017

Género: Comedia dramática

Director: Mike White.

Actores: Ben Stiller, Jenna Fischer, Michael Sheen, Jemaine Clement, Luke Wilson y Austin Abrams.

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Sola en casa (Gnome Alone). EEUU 2017

Género: Animación – comedia – fantasía

Directores: Peter Lepeniotis, Shelly Shenoy

Actores: Becky G., Josh Peck, David Koechner y Jim Cummings.

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Wonderstruck. El museo de las maravillas (Wonderstruck). EEUU 2017

Género: Drama

Director: Todd Haynes.

Actores: Cory Michael Smith, Julianne Moore y Damian Young.

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El Superman animado de los hermanos Fleischer

Posted in Animación, Artículo, Cómic, Ciencia ficción, Cine, Cortometrajes, superhéroes on 4 enero, 2018 by belakarloff

por Luis Alboreca y Carlos Díaz Maroto

 

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Los Fleischer Studios fueron en su época los más fuertes rivales de Walt Disney en lo que se refiere a cine de animación en Estados Unidos. Fueron fundados en 1921 con el nombre de Inkwell Studios, y ejercieron hasta abril de 1942, momento en el cual la Paramount, compañía que distribuía sus cintas, se hizo con la empresa, convirtiéndola en Famous Studios. Los fundadores fueron Max Fleischer y Dave Fleischer, dos hermanos[1] que decidieron crear la compañía cuando Max inventó el rotoscopio, una técnica que consiste en rodar actores reales y después calcar sus movimientos, para que los dibujos animados tengan una movilidad de lo más natural. Durante la época del cine mudo crearon el personaje Koko el payaso, y más adelante ofrecieron a Betty Boop (que sufrió las iras de los censores) o Popeye el marino, entre otros.

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En 1937 Walt Disney estrenó Blancanieves y los siete enanos/Blancanieves y los siete enanitos (Snow White and the Seven Dwarfs), el primer largometraje de animación de la historia, y donde se hacía uso de la técnica del rotoscopio en el personaje protagonista, así como en el del príncipe, y a este los Fleischer respondieron con Gulliver’s Travels [tv/vd/dvd: Los viajes de Gulliver, 1939], que también empleaba el sistema con el viajero. Tras esa película ofrecieron un nuevo largo, Mr. Bug Goes To Town (1941), y después surgió la idea de llevar a Superman por primera vez a la pantalla.

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En realidad, la propuesta vino por parte de la Paramount, que buscaba sacar provecho del éxito de los comics y del serial radiofónico acerca del Hombre de Acero, con la idea de hacer una serie de cortos de animación con destino a los cines[2]. El serial radiofónico, de hecho, fue el punto de partida de muchos de los proyectos posteriores en la pantalla, grande y pequeña, sobre la creación de Siegel y Schuster. Titulado The Adventures of Superman, se emitió por las ondas de 1940 a 1951, por diversas cadenas sucesivas, con una duración de quince o treinta minutos, y una periodicidad entre tres y cinco días a la semana, según la época. Con esponsorización de los cereales Kellogg’s, fue un enorme éxito, e implantó ciertos elementos iconográficos, desde la famosa presentación de “Look! Up in the Sky!” hasta “Esto es un trabajo para Superman”.

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El editor de la entonces National Comics (después DC) con los actores Bud Collyer y Joan Alexander

 

El protagonista que encarnaba a Superman/Clark Kent fue Bud Collyer, quien después también le pondría voz en la serie de los Fleischer y otras de carácter televisivo. Entre 1940 y 1946 mantuvieron la identidad del actor en secreto, hasta una entrevista en la revista Time con motivo de una campaña de tolerancia racial y religiosa. Los programas se hacían en directo, así pues para ofrecerle vacaciones a Collyer inventaron la kryptonita: en esos casos, Superman quedaba alelado y solo podía soltar gruñidos, que eran interpretados por cualquier otro actor; para reemplazarle añadieron en las aventuras a Batman y Robin, que debutaron el 2 de marzo de 1945[3]. Otros elementos que nacieron con el serial radiofónico fueron Perry White[4], Jimmy Olsen[5] o el inspector Henderson. Los guiones de los episodios serían escritos entre B. P. Freeman y Jack Johnstone. Tanto los seriales en imagen real como la serie de televisión de los cincuenta constan como basados en este serial radiofónico[6].

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Dado que el proyecto de hacer los cortos animados era muy problemático, y con el fin de desanimar a la Paramount, los Fleischer comentaron que cada corto exigiría un coste de cien mil dólares. La productora, sin embargo, no se achantó, y les ofreció cincuenta mil por corto, es decir, cerca del triple de lo que solía costar uno de Popeye.

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Los hermanos, pues, se pusieron a ello, y el 26 de septiembre de 1941 estrenaban en los cines el primer título de la serie, que respondía sencillamente a Superman (aunque en algunas copias se le ha re-titulado The Mad Scientist). El arranque (y que se repetiría a lo largo de todos los cortos) ofrecía el celebérrimo “¡Mira! ¡En el cielo! ¡Es un pájaro, es un avión, es…! ¡Superman!”. Después, en un rapidísimo resumen, se narraba la salida del pequeño del planeta Krypton justo en el momento en que estalla, cómo cae a la Tierra, es recogido por un ciclista y lo lleva a un orfanato (aquí, pues, aún no hay padres adoptivos de por medio). Y luego ya se encadena con Clark Kent sirviendo en el Daily Planet. De los comics (y el serial radiofónico) sólo se tomarían los personajes de este, así como Lois Lane y Perry White; nadie más, ni amigos ni enemigos. En el proceso de animar a Superman, los Fleischer consideraron ridícula la representación de ofrecerle brincando “más alto que un edificio”, así pues le otorgaron el poder de volar, adelantándose así a los comics en ese sentido. Ese primer corto, además, ofrecía al malvado científico con un buitre como mascota[7], animal este que caricaturizaba actitudes humanas, elemento único de tal índole en toda la serie. Al año siguiente el episodio sería nominado a un Oscar como mejor corto de dibujos animados, si bien sería derrotado por su más directa rival, la Disney. La animación era espléndida, y el hermoso colorido brindaba a ese corto una dinámica espectacular. Según Les Daniels “a Hollywood le tomó décadas duplicar de nuevo semejantes efectos”[8].

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El primer episodio de la serie animada para cines

 

La voz de Superman (y su alter ego Clark Kent) la ofrecía Bud Collyer, mientras que la de Lois Lane la hacía Joan Alexander; ambos provenían del serial radiofónico. La célebre música sería compuesta por Sammy Timberg, un habitual de los estudios Fleischer. Y de nuevo se hizo uso del sistema de rotoscopio, lo cual confería una pasmosa naturalidad a los movimientos de los personajes. A ello se suma el empleo de luces y sombras con el fin de crear efectos dramáticos, otorgándole a los resultados un look muy moderno y atractivo.

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Bud Collyer

 

Siempre con dirección de Dave Fleischer, y con Whitney Ellsworth, editor de los comics del personaje, como consultor de los argumentos, una tanda inicial contó con nueve cortos, finalizando con Terror on the Midway, estrenado el 28 de agosto de 1942. Sin embargo, en los estudios las cosas no iban bien; los hermanos Fleischer no se aguantaban el uno al otro y, finalmente, cada uno se fue por su lado, vendiendo los estudios a la Paramount, que les cambió el nombre por el de Famous Studios hasta 1956, en que volvieron a variar a Paramount Cartoon Studios, llegando su cierre en 1967. Otras fuentes, sin embargo, señalan que todo fue debido a las deudas contraídas en los intentos de pasarse a la producción de largometrajes, motivo por el cual la Paramount acabaría absorbiendo los estudios.

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Terror on the Midway

 

Así pues, ya con el sello Famous Studios, una nueva tanda de ocho cortos fueron realizados, y con la ausencia de los Fleischer en ellos, aunque muchas de las características permanecieron. Algunos guionistas de las primeras historias, como Seymour Kneitel o Isadore Sparber, pasaron a tomar el relevo de Dave Fleischer como directores de los cortos, manteniendo la fuerza en la planificación y el uso de las sombras chinescas para crear efectos dramáticos. Fue en esa nueva etapa, sin embargo, en que se reforzaron los elementos propagandísticos, aunque en realidad fueron pocos capítulos los que introdujeron japoneses o nazis en las historias, y mostraban un aire caricaturizado de éstos no muy diferente al de muchas películas “serias” de la época (o en los propios comics de Superman). También en esta etapa fue cuando se introdujo un nuevo personaje “fijo”, un botones del Daily Planet llamado Louis, que pretendía ser un elemento humorístico, pero que por suerte solo apareció escasos segundos en dos de los episodios. Los trucos dramáticos sigiueron siendo excelentes, como en el episodio Jungle Drums, donde los efectos de sombras cambiantes provocados por las hogueras, así como los encuadres inclinados otorgaban un espléndida atmósfera, solo enturbiada por los rasgos caricaturizados (ridiculizados) de los aborígenes. Fue la propia Paramount la que finiquitó los cortos, rebajando los presupuestos y después cancelando la producción.

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Jungle Drums

 

Según el libro All-Star Companion V. 4, también se planteó una serie de cortometrajes de Batman con igual equipo, pero la entrada de Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial dio al traste con el proyecto.

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Bruce Timm se inspiró en la dinámica visual y estética del Superman de los Fleischer para su posterior y célebre serie televisiva sobre el Hombre Murciélago.

 

Los cortos no se estrenaron en España, debido a la censura sobre la imagen de Superman. Más adelante, con el éxito de la película de Richard Donner, se realizó un montaje de todos los episodios, y el larguísimo film resultante fue exhibido en nuestros cines como Las originales aventuras animadas de Superman (Animated Aventures of Superman), con estreno en nuestras pantallas el día 1 de diciembre de 1979. También se emitieron después, por televisión, a modo de serie regular con el título de Las aventuras de Superman, en las cadenas autonómicas.

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Los episodios están hoy día libres de derechos, motivo por el cual han aparecido masivamente en muy distintas ocasiones en ediciones de vídeo y DVD en condiciones muy económicas pero, también, con muy mala calidad de imagen, en grandes centros comerciales, por ejemplo. La edición más recomendable es la de Warner, en su lata especial con toda la saga de películas; en los extras del primer Superman viene la etapa Fleischer, y en los de Superman II la fase Famous Studios; la imagen es muy superior en calidad a las demás, aunque sigue viéndose dañada, y precisa una edición en condiciones[9].

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Dirección: Dave Fleischer (1-3-4-5-6-7-8-9); Seymour Kneitel (2-10-16-17); Isidore Sparber (11); Dan Gordon (12-15); I. Sparber (13-14). Arreglos musicales: Sammy Timberg. Intérpretes: Clayton ‘Bud’ Collyer (Superman/Clark Kent), Joan Alexander (Lois Lane), Jackson Beck (narrador/Perry White).

  1. Superman (Superman/ The Mad Scientist). Fecha de estreno: 26-09-1941.
  2. The Mechanical Monster (Los monstruos mecánicos). 21-11-1941.
  3. Billion Dollar Limited (El tren del billón de dólares). 09-01-1942.
  4. The Artic Giant (El gigante del Ártico). 26-02-1942.
  5. The Bulleteers (Los hombres bala). 26-03-1942.
  6. The Magnetic Telescope (El telescopio magnético). 24-04-1942.
  7. Electronic Earthquake (Terremoto eléctrico). 15-05-1942.
  8. Volcano (El volcán/Volcán). 10-07-1942.
  9. Terror On The Midway (Terror en el boulevard/Terror en el circo). 30-08-1942.
  10. Japoteurs (Saboteadores). 18-09-1942.
  11. Showdown (Cara a cara). 16-10-1942.
  12. Eleventh Hour (La hora undécima/La undécima hora). 20-11-1942.
  13. Destruction, Inc. (La destrucción). 25-12-1942.
  14. The Mummy Strikes (La maldición de la momia). 19-02-1943.
  15. Jungle Drums (Tambores en la jungla/Tambores de la jungla). 26-03-1943.
  16. The Underground World (El mundo subterráneo). 18-06-1943.
  17. Secret Agent (Agente secreto). 30-07-1943.

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Secret Agent

 

[1] El hijo de Dave y sobrino de Max fue el gran realizador Richard Fleischer, responsable de joyas del cine como Veinte mil leguas de viaje submarino (20,000 Leagues Under the Sea, 1954), Los vikingos (The Vikings, 1958), Impulso criminal (Compulsion, 1959) o El estrangulador de Boston (The Boston Strangler, 1968), entre otras muchas.

[2] Los cines de la época solían programar cortos de animación como complemento a sus sesiones cinematográficas, y cada estudio disponía de su propia sección de animación, o contrataba alguna compañía para tal fin. Disney era por aquel entonces distribuido por RKO, Warner creó sus famosos Looney Tunes y la MGM aportó a Tom y Jerry, por ejemplo.

[3] Después, hubo intentos de crear un serial radiofónico centrado en Batman y Robin, primero en 1943 y luego en 1950, pero no dieron resultado.

[4] White apareció en el segundo capítulo del serial radiofónico, emitido el 14 de febrero de 1940; en el cómic no saldría hasta el Superman nº 7 (noviembre de 1940).

[5] En realidad, en el nº 6 de Action Comics (noviembre de 1938) aparece un personaje que muchos estudiosos consideran la primera aparición de Jimmy Olsen, aunque no se le menciona por su nombre. La primera aparición con tal nombre se produjo en la radio el 15 de abril de 1940, y después en el cómic en el Superman nº 13 (noviembre/diciembre de 1941).

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[6] Los programas de radio originales pueden ser escuchados aquí: http://www.archive.org/details/superman_otr

[7] Igual que Bela Lugosi en La legión de los hombres sin alma (White Zombie, 1932, Victor Halperin).

[8] DC Comics: Sixty Years: Sixty Years of the Worlds Favorite Comic Book Heroes; introducción de Jenette Kahn. Londres: Virgin Books, 1995; pág. 68.

[9] Sería deseable aprovechar el doblaje que se hizo para cines, añadiendo el audio original y subtítulos, por supuesto, y tirar, en cuestión de imagen, de las restauraciones habidas en Estados Unidos.

 

Van Helsing (Van Helsing) (2004)

Posted in Aventuras, Cine, Reseña, Terror on 3 enero, 2018 by belakarloff

En Transilvania, el doctor Frankenstein da vida a su monstruo ante el control del Conde Drácula. Un año después, Van Helsing, tras acabar con Mr. Hyde en París, es requerido por la curia vaticana, para la cual trabaja luchando contra el mal, para hacer frente al vampiro y sus afanes de conquista…

Director: Stephen Sommers. Producción: Carpathian Pictures, Universal, Stillking Films, The Sommers Co. Productores: Bob Ducsay, Stephen Sommers. Productor ejectuvo: Sam Mercer. Productores asociados: David Minkowski, Artist W. Robinson, Matthew Stillman. Guion: Stephen Sommers. Fotografía: Allen Daviau. Música: Alan Silvestri. Efectos especiales: Grez Cannom, ILM. Montaje: Bob Ducsay. Diseño de producción: Allan Cameron. Intérpretes: Hugh Jackman (Van Helsing), Kate Beckinsale (Anna Valerious), Richard Roxburgh (Conde Vladislaus Drácula), David Wenham (Carl), Will Kemp (Velkan), Shuler Hensley (monstruo de Frankenstein), Elena Anaya (Aleera), Silvia Colloca (Verona), Martin Klebba (Dwerger), Josie Maran (Marishka), Kevin J. O’Connor (Igor), Samuel West (Dr. Victor Frankenstein), Robbie Coltrane (Mr. Hyde), Stephen Fisher (Dr. Jekyll), Alun Armstrong, Tom Fisher, Dana Moravková, Zuzana Durdinova, Samantha Sommers… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2004. Duración y datos técnicos: 132′ C 1.85:1.

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En sus inicios como director, Stephen Sommers abordó sendas adaptaciones de la literatura infantil/juvenil, como son Las aventuras de Huckleberry Finn de Mark Twain y El libro de la selva de Rudyard Kipling. Producciones sencillas y efectivas, no lograron hacer olvidar las previas versiones fílmicas que existen, pero al menos fueron obras honestas sin mayores pretensiones. Después Sommers escribiría y dirigiría un gran bodrio fílmico, Deep Rising – El misterio de las profundidades (Deep Rising, 1997), que supondría un claro indicio de por dónde iban los tiros en los alardes de autoría de nuestro hombre: revisión de los arquetipos clásicos del género fantástico, inclusión de un desmesurado e infantil sentido del humor y una capacidad para la acción característica del cine contemporáneo, más anclado por la sobresaturación de ruido (explosiones sin par, música a mayores decibelios de los permisibles al oído humano) y un epiléptico montaje que por la aptitud auténtica de crear verdadero ritmo con la narración.

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Durante la década de los noventa la Universal planeó una nueva versión de su magistral clásico La momia (The Mummy, 1932), y muchos directores (y guionistas) entraron y salieron de los preparativos; entre los nombres que se barajaron y fueron eliminados figura un artista tan interesante como Clive Barker, que fue excluido porque su plan derivaba en exceso terrorífico, y se buscaba una perspectiva más ligera, para un público más amplio (más comercial, en definitiva). Esa perspectiva les cayó como llovida del cielo con Sommers, que les consiguió un tremendo blockbuster con su versión rodada en 1999, y donde se detectan débilmente rastros de la trama del clásico de Karl Freund, y que pudo contar con una secuela en 2000 que respondería al evidente título de El regreso de la momia (The Mummy Returns). Los ingredientes para este mega-éxito eran los mismos que los de Deep Rising, aunados a una revisión del cine de aventuras más apoyado en el recuerdo de la trilogía Indiana Jones del tándem Lucas/Spielberg que en la rica tradición literaria y cinematográfica existente.

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Tras cometer ese ramplón sacrilegio con el personaje del faraón venido del reino de los muertos, Sommers echó el ojo al resto de criaturas del panteón terrorífico de la Universal, en concreto Frankenstein, Drácula y el hombre lobo. Para unir a estos personajes buscó como eje vertebrador a Van Helsing, personaje creado por Bram Stoker para su novela Drácula (Dracula, 1897), y que aparecería infinidad de veces en la pantalla, en la Universal por parte del actor Edward Van Sloan, y para la Hammer encarnado por Peter Cushing, quien, a mi juicio, es el mejor actor que ha dado vida a la némesis del conde Drácula.

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Para sus planes de representar a Van Helsing, Sommers buscó al joven actor Hugh Jackman, recién salido del éxito del díptico (hasta aquel momento) X-Men rodado por Bryan Singer en 2000 y 2003, y donde encarnaba al personaje de Lobezno (Wolverine), con el cual, curiosamente, tendrá más de un punto de contacto el héroe de esta película.

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El arranque del film se ofrece en blanco y negro, y supone un mini-remake de las escenas de la creación y el final en el molino de El doctor Frankenstein (Frankenstein, 1931), de James Whale, con la inclusión de dos novedades: por un lado, el conde Drácula rige los movimientos del científico que osó retar a Dios, y por otro, no paran de haber explosiones sin cuento en todo momento. A continuación, ya en color, se nos traslada a París, donde Sommers efectúa un plagio/homenaje a un mediocrísimo mega-éxito del momento, La liga de los hombres extraordinarios (The League of Extraordinary Gentlemen, 2003), de Stephen Norrington, y después, sin parar, hasta el final. Y es que el guion de Sommers hace que los perpetrados más de medio siglo atrás por Edward T. Lowe para los cócteles de monstruos de la Universal semejen debidos a Joseph L. Mankiewicz o algún otro genio en la materia, dado el escaso rendimiento que le da a los elementos de los que dispone. Así pues, la película deriva en una continuada persecución de unos personajes sobre otros, mezclados con aparatosas explosiones e interminables incendios —uno no deja de sorprenderse por la facilidad que tiene todo en este film para arder—, amalgamado con diálogos ultra-pueriles declamados con la mayor de las trascendencias.

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Así pues, la película deriva en un aburrido y sobresaturado film de acción, más cercano a una atracción de un parque temático que a algo relacionado con el cine —más allá del soporte de celuloide sobre el cual está impreso—, y donde da auténtica lástima el destino al que han sido orientados nuestros adorables monstruos. El golpe de honor lo recibe el conde Drácula, que aquí es representado como la peor versión de toda la historia fílmica (hasta Michael Pataki otorga más dignidad en sus engendros de serie Z de los setenta a la creación de Stoker), representado por el flojo actor Richard Roxburgh como si de una reina del glam se tratase, sin otorgarle misterio, malignidad, señorío…

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Por su parte, el hombre lobo está supeditado a caer incesantemente en un río cercano, o a sufrir continuados coitus interruptus en sus accesos de conversión, pues cada vez que una nube tapa la luna llena, recupera la forma humana, y viceversa, a conveniencia de un guion caprichoso como pocos (el elemento de curación de la licantropía debido a una vulgar jeringuilla de la que dispone Drácula es ignorado totalmente por una abnegada hermana ante el sufrimiento de su pariente, para después ser usado como recurso final). El monstruo de Frankenstein, en definitiva, es una figura patética en el más amplio de los sentidos, indeciso entre la imagen tradicional karloffiana y el tono shakespeariano que le otorgó Kenneth Branagh en su discutible versión.

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Si hemos mencionado al actor que representa a Drácula, en verdad nefasto, no puede decirse que el resto del elenco sobresalga en sus cometidos, pues todo el reparto, en su integridad, resulta pésimo en su labor, con un Hugh Jackman distante y escéptico y una Kate Beckinsale insulsa e inexpresiva; si bien, en verdad, poco pueden hacer con unos personajes definidos en el guion meramente por el nombre, pues no hay ahondamiento en ellos más allá de su presentación y sus acciones físicas. Y es que el libreto no es otra cosa que una concatenación de ocho o diez escenas de acción estiradas hasta más allá de la lógica progresión narrativa e interconectadas por una sucesión de casualidad y caprichos del demiurgo Sommers.

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Así, nos encontramos ante un ejercicio de marketing destinado a que los adolescentes sientan vibrar su adrenalina para después, una vez llegados a casa, sigan remedando el film luchando de nuevo contra los monstruos en el conveniente juego de ordenador destinado a tal efecto. No hay otro objetivo en esta mareante noria de ruido y furia.

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Anécdotas

  • Título en Argentina: Van Helsing: El cazador de monstruos. Título en México y Venezuela: Van Helsing: Cazador de monstruos.
  • En un inicio, el papel de Carl lo iba a haber hecho Paul Hogan…
  • Estuvo previsto un spin-off a modo de serie televisiva, por parte de la NBC, llamada Transylvania y protagonizada por un sheriff del Salvaje Oeste luchando en Europa con monstruos, y con ocasionales apariciones como invitado de Hugh Jackman. Sin embargo, se canceló por motivos presupuestarios.
  • Michael Bay estuvo previsto para dirigir el film, pero prefirió en su lugar hacer La isla (2005).
  • Precuela: Van Helsing: Misión en Londres (Van Helsing: The London Assignment, 2004, Sharon Bridgeman). Mediometraje de animación directo a DVD.
  • Estrenada en Estados Unidos el 7 de mayo de 2004, al igual que en España.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

CALIFICACIÓN: *

  • bodrio * mediocre ** interesante *** buena **** muy buena ***** obra maestra

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El último escalón (Stir of Echoes) (1999)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 22 diciembre, 2017 by belakarloff

Tom Witzky es un tipo de clase obrera que vive con su mujer y su hijo pequeño. Una noche en una fiesta en casa de unos vecinos accede a ser hipnotizado. A partir de ese momento, Tom comienza a tener unas visiones extrañas de la que una chica es protagonista.

Dirección: David Koepp. Producción: Artisan Entertainment. Productores: Judy Hofflund, Gavin Polone. Productor ejecutivo: Michele Weisler. Guion: David Koepp, según la novela de Richard Matheson. Fotografía: Fred Murphy. Música: James Newton Howard. Montaje: Jill Savitt. Diseño de producción: Nelson Coates. Efectos especiales: Roger Barski, Rodman Kiser, John D. Milinac, David Simone, Roy Unger, Mark Weidling Intérpretes: Kevin Bacon (Tom), Kathryn Erbe (Maggie), Illeana Douglas (Lisa), Kevin Dunn (Frank), Liza Weil (Debbie, la niñera), Jennifer Morrison (Samantha), Zachary David Cope (Jake), Conor O’Farrell (Harry)… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1999. Duración y datos técnicos: 99 min. Color. 1.85:1.

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Si hiciésemos una lista de aquellas películas que injustamente permanecieron casi en el ostracismo en el momento de su estreno debido a que otra le hiciese sombra, El último escalón se hallaría por méritos propios en la misma, y que no hace justicia para nada a esta estupenda película. Y es que tuvo la mala fortuna de coincidir con la sorprendente ópera prima de M. Night Shyamalan, El sexto sentido (The Sixth Sense, 1999). Incluso fue tachada de plagio de esta, una absoluta incongruencia, ya que está basada en una novela que se escribió muchos años antes.

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Nuestro protagonista, Tom, es un tipo corriente que trabaja en una empresa de mantenimiento del tendido telefónico de la ciudad, se siente un donnadie y sueña con hacer algo importante en su vida. Habita en un barrio obrero de Chicago y, a pesar de que uno de los vecinos recalque el pedigrí del mismo, el paso del metro por un paso elevado cada poco tiempo parece hacer hincapié en todo lo contrario.

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Precisamente será a partir de haber sido hipnotizado cuando su vida cambia por completo como no hubiese imaginado entonces. Es cierto que no es algo que coja por sorpresa, ya que desde la primera escena, donde aparece su hijito bañándose, la historia pone las cartas sobre la mesa y más o menos deja ver a las claras por dónde van a ir los tiros.

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Tras su estupendo debut con El efecto dominó (The Trigger Effect, 1996), David Koepp se vuelve a poner detrás de las cámaras, adaptando él mismo la novela del gran Richard Matheson. Ya en su haber tenía algún que otro guion suculento. como el de Jurassic Park – Parque Jurásico (Jurassic Park, 1992), Malas influencias (Bad Infuence, 1990), notable e infravalorado thriller del cineasta de L.A. Confidential (L.A. Confidential, 1997) u otros para Brian De Palma, como el de Ojos de serpiente (Snakes Eyes, 1998) o el de la soberbia Atrapado por su pasado (Carlito’s Way, 1993).

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El filme tiene fuerza y una historia estupendamente pergeñada (sin duda en parte gracias a su fuente original), que nos facilita adentrarnos en este peculiar viaje, en cierta forma teledirigido, que padece el protagonista. Hay algún elemento que disloca un poco, como la secuencia del cementerio. Y es que el encuentro, fortuito o no, del hijo con el soldado de color en un entierro resulta algo forzada. El mismo recuerda en cierta forma a aquel encuentro que tenía el niño con aquel guarda del hotel también de raza negra en El resplandor (The Shinning, 1980), de Stanley Kubrick.

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Hablando de ciertas semejanzas, la naturaleza de la casa en la que viven Tom y su familia tiene ciertas concomitancias con aquella(s) en Poltergeist, fenómenos extraños (Poltergeist, 1982). No es el único parecido con la película de Tobe Hooper: también tenemos cierto episodio pesadillesco que sufre el protagonista ante el espejo del baño.

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Conforme avanza la película, las experiencias extrasensoriales se van a haciendo más patentes e incluso más virulentas, y con ello la pérdida de control es cada vez más progresiva por parte del protagonista. Tom empieza a creer que todo parece formar parte de un plan urdido, volcándose de lleno en ello. Incluso a su mujer llega a decirle que es lo más importante que ha tenido entre manos en su vida.

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Como anécdota, en un momento dado el hijo está viendo por televisión The Mummy’s Shroud, [tv/vd/dvd: El sudario de la momia, 1967] cuando automáticamente se cambia a otro canal donde emiten La noche de los muertos vivientes (Night of the Living Dead, 1968). Tiene su gracia, sobre todo cuando, a pesar de que ambas películas están solamente separadas por un año, se sabe de la gran diferencia que hay entre ambas y lo que significó la aparición de la cinta del cineasta de Martin [tv/dvd: Martin; vd: El regreso de los vampiros vivientes, 1977] para el panorama del cine de terror.

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Uno de los puntos fuertes del filme, junto a la propia historia, son las imágenes ligadas a ese mundo sobrenatural o pesadillas, algunas creando algún que otro buen sobresalto, o aquellas tan sugerentes ligadas a la escena de la hipnosis, que conforme la mente de Tom va plegándose a las palabras y los designios de la hipnotizadora, se modifica poco a poco ese escenario mental creado (como esas paredes ornamentadas cambiando de color al ser bañadas de negro) en el que se encuentra sumido el hipnotizado. O aquel recuerdo de dicha sesión, donde el protagonista sentado en una butaca levita hacia esa pantalla de cine iluminada mostrándole una clave, que aportan mucha fuerza visual.

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Todos los personajes están muy bien construidos, aunque algunos, como el personaje de la cuñada, tiene un papel más o menos relevante al principio con esa función digamos de “disparador” de la situación, para luego casi desaparecer. Mención especial a Kevin Bacon, que realiza una gran interpretación aportando mucha fuerza y credibilidad a ese personaje torturado que anda sumergido en una espiral de locura que no llega a comprender.

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Se podría hablar de una historia sobre justicia sobrenatural, que habla sobre esqueletos guardados en el armario, sobre la podredumbre que se encuentra bajo la fachada de un buen vecindario, un barrio que se encuentra podrido hasta el tuétano.

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Anécdotas

  • Título en Argentina, México y Venezuela: Ecos mortales.
  • En el año 1999 tuvo un premio especial por parte del National Board of Review. En 2000, la International Horror Guild la premió como mejor película, y fue galardonada con el gran premio en el Festival de Cine de Gérardmer.
  • El director, David Koepp, es habitual colaborador de Steven Spielberg como guionista (ha escrito los guiones de Parque Jurásico y La guerra de los mundos entre otras).
  • Jennifer Morrison, la actriz que da vida a la fantasma, es la protagonista de la película Leyenda urbana 2 (Urban Legends: Final Cut, 2000). También trabaja en la serie House.
  • La canción que suena hacia el final en el radiocasete, en un momento importante de la película, es la clásica Paint it Black de The Rolling Stones, versionada por Gob.
  • El libro que lee la canguro es El increíble hombre menguante, precisamente de Richard Matheson.
  • El guion fue retocado Andrew Kevin Walker, aunque la Writers Guild of America le denegó la acreditación en el film, por lo cual aparece en el apartado de agradecimientos.
  • El número de la casa de Tom y Maggie, cambia en los distintos flashbacks.
  • Secuela: El último escalón 2 (Stir of Echoes: The Homecoming, 2007, Ernie Barbarash) [telefilm].
  • Estrenada en Estados Unidos el 10 de septiembre de 1999. En España se estrenó el 14 de julio de 2000.

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Bibliografía

  • El último escalón; por Richard Matheson; traducción, Isabel Merino Bodes. Arganda del Rey (Madrid): La Factoría de Ideas, 2004. Colección: Terror; nº 11. T.O.: A Stir of Echoes (1958).

 

Jesús Mayoral Velázquez de Castro (Sevilla. España)

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Wonder Wheel (Wonder Wheel) (2017)

Posted in Cine, Otros géneros, Reseña on 22 diciembre, 2017 by belakarloff

Años cincuenta, en Coney Island, Nueva York. Humpty recibe la visita de su hija, Carolina, que ha abandonado a su marido, un gángster. Al principio, él la rechaza, pero al poco accede a acogerla. La esposa de Humpty, Gimmy, que tiene un lío con Mickey, un salvavidas con aspiraciones a escritor, no lo ve con buenos ojos…

Dirección: Woody Allen. Producción: Amazon Studios, Gravier Productions. Productores: Erika Aronson, Letty Aronson, Edward Walson. Co-productora: Helen Robin. Productores ejecutivos: Mark Attanasio, Ron Chez, Adam B. Stern. Guion: Woody Allen. Fotografía: Vittorio Storaro. Montaje: Alisa Lepselter. Diseño de producción: Santo Loquasto. Intérpretes: Jim Belushi (Humpty), Juno Temple (Carolina), Justin Timberlake (Mickey), Kate Winslet (Ginny), Max Casella (Ryan), Jack Gore (Richie), David Krumholtz (Jake), Robert C. Kirk, Tommy Nohilly, Tony Sirico, Steve Schirripa, John Doumanian, Tom Guiry, Gregory Dann, Bobby Slayton, Michael Zegarski, Geneva Carr, Ed Jewett, Debi Mazar, Danielle Ferland, Maddie Corman, Jacob Berger, Jenna Stern, Michael Striano, John Mainieri… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 101 min. color 2.00:1.

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Desde que Woody Allen debutó como director en 1969 con Toma el dinero y corre (Take the Money and Run) ha llovido mucho, y en todo ese tiempo el autor de Manhattan (Manhattan, 1979) ha variado no pocas veces de estilo. Para mí, su mejor etapa es la que circunda a esa obra maestra que he citado en segundo lugar, y desde hace unos años he perdido la antigua costumbre de acudir puntualmente a cada uno de sus estrenos. Sus películas más recientes no son malas, pero han perdido la capacidad de hechizar y emocionar; esos filmes, además, transmiten una sensación inevitable de deja vu y de estar dando vueltas sobre unas constantes que, diríase, son siempre las mismas, sin solución de renovación. De vez en cuando surgen, empero, algunos títulos que incitan la frase por parte de algunos de “esta es como las de antes”.

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Wonder Wheel (Wonder Wheel, 2017), no es “como las de antes”, pero tiene bastante buen cine dentro. Tarda un tanto en arrancar, como si Allen tuviese dudas a la hora de colocar las piezas sobre el tablero de ajedrez y empezar la partida. Sus seguidores reconocerán determinados leit motivs que caracterizan su obra. La novedad aquí, en cierta manera, lo representa su ambientación. La acción tiene lugar en Coney Island, una zona de Nueva York caracterizada por su playa y por su parque de atracciones. Como es norma desde hace un tiempo, el director de fotografía es Vittorio Storaro, y Allen se apoya ampliamente en él para otorgar al film gran parte de su encanto, aportando una visualidad deslumbrante. El arranque de la cinta es en la playa, y las imágenes recuerdan enormemente al principio de Imitación a la vida (Imitation of Life, 1959, Douglas Sirk).

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Como también es norma en Allen, la narración en primera persona proviene de un personaje que representa una especie de alter ego del propio director, cuando este no aparece como actor. Desde un tiempo a esta parte emplea actores jóvenes, tratando, acaso, de rejuvenecer la imagen que de sí mismo ofrece, e incluso los intérpretes elegidos tenían un cierto parecido físico a él mismo. Aquí, sin embargo, emplea a Justin Timberlake, que esta vez no se le parece nada; acaso intente esta vez idealizar un poco esa imagen referida, no solo haciéndola más joven, sino también más agraciada físicamente.

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Justin Timberlake es Mickey, que trabaja en la playa de salvavidas, pero que tiene la intención de convertirse en un gran escritor. Está liado con una madura pero atractiva mujer, Ginny (Kate Winslet), que trabaja de camarera y tiene un hijo pequeño que padece manías incendiarias. Ginny, a su vez, está casada con Humpty (Jim Belushi), un hombre rudo. A todo esto, llega al lugar la hija de este último (Carolina: Juno Temple), con quien no se habla desde que ella decidió entregar su vida a un gángster. Ahora, ella huye de este, al fin consciente de lo que ha hecho. La trama pivotará alrededor de todos estos personajes, menos de lo que es norma en el cine de su autor. Es, también, un drama de relaciones, que intenta aportar una imagen de esperanza: todos los personajes tienen una ambición diríase inalcanzable. También la brillante y colorida fotografía de Storaro intenta contribuir a ese tono de ilusión. Sin embargo, en el fondo se trata de una historia árida, desesperanzada y trágica. En un momento dado Mickey regala a Carolina un libro con obras de Eugene O’Neill y, si se analiza a fondo, la historia que todos esos personajes viven podría asemejarse a alguna de las tragedias de ese gran autor norteamericano.

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Al fondo de la imagen, en muchos momentos, vislumbramos la Wonder Wheel, la rueda de la maravilla, una noria que hay en ese parque de atracciones. Se trata de un emblema de esos anhelos que rigen la vida de esos personajes, que están por encima y más allá de ellos, y que no pueden aprehender entre las manos. Ellos, aunque no lo deseen, se ven abocados a las miserias de sus vidas. Están atrapados en unas existencias de las que no pueden escapar.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y México: La rueda de la maravilla.
  • En los premios Hollywood Film de 2007 Kate Winslet consiguió el galardón de “actriz del año”. Vittorio Storaro fue nominado a la mejor fotografía por el Círculo de Críticos de de Cine de San Francisco, el Camerimage y la Asociación de Críticos de Cine de St. Louis.
  • Estrenada en Estados Unidos el 1 de diciembre de 2017 (cumpleaños de Woody Allen). En España se estrenó el 22 de diciembre.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)