“Cinezoico”: un libro monstruoso de Octavio López Sanjuán

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Fantasía, Libros de cine, Noticias on 3 octubre, 2017 by belakarloff

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“Siempre fue mi favorito desde niño”. Eso dijo el doctor Alan Grant en la película Parque Jurásico cuando se encontró cara a cara con el dinosaurio que había sido su fantasía en sus años de juventud. Igual que le sucedió a él, estas enormes bestias que poblaron nuestro planeta hace millones de años han formado parte de nuestra imaginación, y el mundo del cine los ha plasmado como ningún otro medio en imágenes en movimiento que nunca podremos olvidar. Desde la misma prehistoria del séptimo arte hasta el monstruosamente realista cine contemporáneo, Octavio López Sanjuán nos lleva de la mano en un viaje como ningún otro: un elaborado repaso a las películas de dinosaurios más representativas, en el que conoceremos cómo los cineastas han sido capaces de llevar a la vida a estas criaturas legendarias a lo largo de más de un siglo. Y no solo eso, pues también descubriremos qué especies del Mesozoico han poblado cada filme en detalle, y cuánta fidelidad con la realidad fueron capaces de representar en pantalla los técnicos de efectos visuales. Supervisado por el prestigioso paleontólogo José Luís Sanz, este recorrido por la vida del cine de dinosaurios es un educativo e iluminador escaparate de la resurrección en celuloide de estos fascinantes animales desaparecidos.

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Octavio López Sanjuán nació en San Vicente del Raspeig en 1982. En 2003, junto a Rubén Ortiz y Jonathan Bellés funda la página web godzillaencastellano.com, la primera web de habla hispana dedicada al saurio nipón.

Desde 2014, colabora mensualmente en la revista Scifiworld en la sección “Monsterland”, dedicada al cine de monstruos japoneses. En la misma publicación ha realizado artículos de otras películas relevantes del cine fantástico, incluyendo entrevistas realizadas expresamente a los implicados en las diferentes producciones. Entre ellos se encuentran los especiales dedicados a la saga Temblores, Expediente X, Cortocircuito o El monstruo del armario.

En 2015, publica su primer libro, ¿A quién vas a llamar?, de Tracy el gorila a Peter Venkman, la historia de los cazafantasmas, un exhaustivo recorrido por la figura del cazafantasmas tanto en cine como televisión, y donde se incluyen más de cincuenta entrevistas exclusivas realizadas a los partícipes de las diferentes producciones.

Además, organiza anualmente el “Godzilla Weekend”, evento alicantino dedicado al kaiju eiga.

Cinezoico: el dinosaurio a través de la historia del cine es su segundo libro publicado, encontrándose actualmente inmerso en otros proyectos relacionados con el cine fantástico.

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Autor: Octavio López Sanjuán.

Pie de imprenta: Editorial Rosetta, 2017

Número de páginas: 288

Acabado: Tapa blanda con solapas, fotos en blanco y negro.

ISBN: 978-84-697-5464-1

Precio: 21 €

 

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Sunset in El Dorado (1945)

Posted in Cine, Reseña, Western on 3 octubre, 2017 by belakarloff

Una muchacha que trabaja en una agencia que organiza viajes al Oeste está aburrida de su vida y escapa, dirigiéndose precisamente al Oeste. Es interceptada por su tía y su prometido cuando está llegando a El Dorado, una ciudad fantasma que ella desea visitar, pues su abuela vivió allí. Un flashback nos ubica en aquellos días…

Dirección: Frank McDonald. Producción: Republic Pictures. Productor asociado: Louis Gray. Guion: John K. Butler, según argumento de   Leon Abrams. Fotografía: William Bradford. Música: R. Dale Butts, Mort Glickman, Joseph Dubin. Montaje: Tony Martinelli. Dirección artística: Frank Hotaling. Efectos especiales: Howard Lydecker, Theodore Lydecker. Intérpretes: Roy Rogers (Roy Rogers), Trigger (Trigger), George ‘Gabby’ Hayes (Gabby), Dale Evans (Lucille Wiley / Kansas Kate), Hardie Albright (Cecil Phelps / Cyril Earle), Margaret Dumont (tía Dolly / tía Arabella), Roy Barcroft (Buster Welch), Tom London (sheriff Gridley), Stanley Price (Lyle Fish), Robert J. Wilke (Curley Roberts), Ed Cassidy (U. S. Marshal), Dorothy Granger (Maisie), Bob Nolan (Bob, líder de los Sons of the Pioneers), Sons of the Pioneers (músicos), George Chesebro, Edmund Cobb, Tex Cooper, Franklyn Farnum, Timmy Hawkins, Fred Howard, Jack Kirk, Frank O’Connor, Lucille Vance… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1945. Duración y datos técnicos: 65/54 min. B/N 1.37:1.

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Dale Evans es la protagonista absoluta de esta película, aunque figura la cuarta en el reparto, por debajo incluso ¡de un caballo! Al fin y al cabo, esta película es del Oeste, y por aquella época este tipo de productos iban dirigidos casi en exclusiva al público masculino, que tenía a Roy Rogers como ídolo, y en particular a la chiquillería, que adoraba a Trigger, “el caballo más listo del cine”, como solía ser anunciado. El elemento femenino era obligado por tradición, y así además las novias y esposas no se mostraban renuentes a presenciar una cinta donde preponderaban los papeles masculinos. Por lo general, la “chica” de la película era un personaje prescindible, para meter dos o tres escenas de amor, o para ser rescatada. Sin embargo, aquí es ella la que conduce toda la historia.

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La referida Dale Evans (1912-2001) fue una actriz asidua a los westerns musicales de esa época, muchos protagonizados por Roy Rogers, y de hecho acabó protagonizando al lado de este la serie Roy Rogers (The Roy Rogers Show; 1951-1957), ambos con sus propios nombres como personajes –algo habitual en los westerns de serie B de la época de este en los héroes masculinos–. Roy Rogers (1911-1998), por su parte, fue uno de los actores y vocalistas más famosos de su generación. Debutó como cantante en varios grupos de los años treinta, hasta que en 1934 se incorporó a Sons of the Pioners. Formando parte del conjunto apareció en la película Rhythm on the Range (1936, Norman Taurog), con Bing Crosby a la cabeza del reparto. En 1937 abandonó el grupo, y en 1938 protagonizó su primer western, Under Western Stars (1938, Joseph Kane). Sus películas solían incorporar tramas muy sencillas y canciones, en muchas de las cuales reaparecían sus compañeros de Sons of the Pioners. En Estados Unidos fue todo un mito, pero en España apenas se le conoció; pocas de sus películas se estrenaron, si bien después la citada serie televisiva apareció en nuestros televisores. Más conocido, diríase, fue por los tebeos que se distribuyeron de él, editados por la mexicana editorial Novaro.

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La presente es una más de las muchas películas que protagonizó. Se caracteriza por el hecho de estar narrada en dos tiempos: el presente (de la época de rodaje) y el pasado del Oeste dorado. La historia del pasado supone una trama muy elemental, con un malvado dueño de saloon que roba a un buscador de oro el mapa de una mina que ha localizado. Entre ambos extremos se hallan dos amigos del viejo (el entrañable George ‘Gabby’ Hayes), por un lado la cantante del saloon, Kansas Kate, y por el otro el vaquero Roy Rogers. Todo se resuelve según los cánones conocidos, con muy sositas escenas de acción.

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Como es norma en películas de esta estructura, los actores repiten personajes en las diferentas épocas en que se ambienta. Queda claro que Kansas Kate fue la abuela de la actual Lucille Wiley, pero nada queda claro respecto a los demás personajes: si, como queda obvio, al final Kansas Kate se casó con el Roy Rogers del pasado, el actual sería el nieto, y por ende Lucille se liaría con un pariente. También parece insinuarse que Gabby comienza un idilio con la tía Arabella (la gran Margaret Dumont de las películas de los hermanos Marx), y luego ambos también están en el presente. En realidad, todo es un juego cinematográfico, para identificar los roles de los personajes sin mayor complicación.

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El resultado es un western de serie B sin más trascendencia, que al menos en la versión resumida que parece pervivir ha eliminado algunas de las aburridas canciones que solían ilustrar estas cintas.

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Anécdotas

  • El coordinador de especialistas es el habitual Yakima Canutt. El doble de Roy Rogers es Joe Yrigoyen, y el de Roy Barcroft, Fred Graham.
  • Estrenada en Estados Unidos el 29 de septiembre de 1945. En España jamás se ha visto.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Vuelven “Los pájaros” de Daphne du Maurier, por parte de El Paseo Editorial

Posted in Literatura, Noticias, Otros géneros, Relatos, Terror on 2 octubre, 2017 by belakarloff

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Daphne du Maurier (1907-1989), autora de una excepcional obra narrativa, regresa con una nueva traducción de cinco de sus grandes relatos: El manzano, El joven fotógrafo, Bésame otra vez, forastero, El viejo y Los pájaros, que inspiró la célebre película de Alfred Hitchcock.  En todos ellos se nos presentan tramas con obstáculos misteriosos, en las que la realidad se construye en torno a acontecimientos intrusos y fantasmagóricos. En todas estas narraciones, a decir de Slavoj Žižek, autor del prólogo, “la intromisión de una dimensión inesperada perturba la marcha ‘normal’ de las cosas” y hace aún más palpable la miseria oculta bajo el manto de un tranquilo acontecer cotidiano.  Los relatos contenidos en este volumen ya aparecieron con anterioridad en el volumen Los pájaros, publicado en la célebre colección Reno, con traducción en aquel entonces de Antonio Martín Pérez, y estando ausente en este caso otro relato, Monte Veritá.

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Colección EL PASEO CENTRAL, nº 5
Prólogo de Slavoj Žižek
Traducción de Miguel Cisneros Perales
978-84-945885-9-4
272 páginas | 20,95 euros |
A la venta en todas las librerías el 23 de octubre de 2017

 

 

“Paul Naschy / Jacinto Molina: La dualidad de un mito”: libro coordinado por José Luis Salvador Estébenez

Posted in Libros de cine, Noticias, Presentaciones, Terror on 2 octubre, 2017 by belakarloff

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El próximo día 5 de octubre de 2017 Vial of Delicatessens lanza al mercado el libro colectivo Paul Naschy / Jacinto Molina: La dualidad de un mito, el cual será presentado oficialmente el próximo 12 de octubre a las 13 horas dentro del espacio Brigadoon en el marco del Festival Internacional de Cine Fantástico de Sitges, en un acto que contará con la presencia de su coordinador José Luis Salvador Estébenez, así como de varios de los autores participantes.

Conocido y venerado a lo largo y ancho del mundo, no hay duda de la consideración de mito que Paul Naschy disfruta a día de hoy entre los aficionados al cine de terror. Sin embargo, a pesar de esta apreciación, su figura y obra se encuentran aún carentes de una auténtica valoración crítica que reconozca sus verdaderos méritos. Por exceso o por defecto, las no pocas publicaciones que han abordado su trayectoria, ya sea de forma parcial o global, han estado guiadas por filias y fobias que, en la mayoría de los casos, han eclipsado al análisis puro y duro, que atendiera a los siempre necesarios criterios de rigor y objetividad. Paul Naschy/Jacinto Molina. La dualidad de un mito nace con el confesado objetivo de cubrir este vacío. Para tal fin, en sus más de seiscientas páginas se da cita una nutrida nómina de autores de muy diferente condición y procedencia, entre los que figuran varios de los más prestigiosos especialistas europeos en cine de género y fantástico, conformando así un rico crisol de miradas hacia Naschy y su cine, lo más libre posible de prejuicios y subjetividades.

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De la mano de sus textos, el presente volumen reseña una por una todas las películas en las que intervino de forma directa o indirecta el cineasta madrileño, además de incluir diferentes apartados que repasan sus guiones no realizados, sus diferentes memorias y biografías, así como su producción literaria; otro compuesto por varias entrevistas a profesionales que trabajaron en algún momento codo con codo junto a Paul, una selección de declaraciones inéditas de nuestro protagonista, y una última sección de apéndices formada por artículos que abordan los efectos especiales en su cine, la filosofía y el trasfondo sociocultural de sus películas, sus influencias o su relación con terceros países. Un estudio, en definitiva, que aspira a ser lo más completo y exhaustivo posible, siempre con la intención de que sea el lector quien en última instancia tenga la última palabra entorno a la auténtica valoración de Naschy y su obra, en virtud de las opiniones e informaciones vertidas.

Paul Naschy/Jacinto Molina. La dualidad de un mito cuenta con la participación (por orden alfabético) de: Daniel Aguilar, Santiago Aguilar, Joan Bassa, Antonio Vicente Chinchilla, Roberto Curti, Carlos Díaz Maroto, Ramón Freixas, Javier G. Romero, Roberto García Ochoa-Peces, Valentin Guermond, Rubén Íñiguez Pérez, Domingo Lizcano, Diego López, Jorge Loser, Javier Ludeña, Víctor Olid, Juan Andrés Pedrero Santos, David Pizarro, Javier Pueyo, Davide Pulici, Javier Pulido, Jonathan Rigby, Juan Pedro Rodríguez Lazo, Fernando Rodríguez Tapia, José Manuel Romero Moreno, José Luis Salvador Estébenez, Adrián Sánchez Esbilla, Erika Tiburcio Moreno, Joaquín Torán y Mikel Zorrilla Trueba.

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El volumen presenta las siguientes carácteristicas:

Págs.: 640 Formato: 150 x 210 mm. Papel interior: offset, b/n Portada: laminado mate. Color Encuadernación fresada.

 Paul Naschy/ Jacinto Molina: La dualidad de un mito tiene un PVP unitario de 27,50 € (envío certificado incluido para pedidos en la web de la editorial) y podrá adquirirse exclusivamente a través de http://vialofdelicatessens.blogspot.com y en tiendas especializadas.

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Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle) (2017)

Posted in Aventuras, Ciencia ficción, Cine, Humor, Parodia, Reseña, thriller on 29 septiembre, 2017 by belakarloff

La malvada Poppy destruye los cuarteles generales de Kingsman. Eggsy viaja a los Estados Unidos para buscar la colaboración de Statesman, otra organización secreta que controla la paz mundial, para que le ayuden a detener a la pérfida tratante de drogas, que pretende provocar un holocausto mundial aprovechando la adicción de muchas personas.

Dirección: Matthew Vaughn. Producción: Twentieth Century Fox Film Corporation, Marv Films, Shangri-La Entertainment, TSG Entertainment. Productores: Adam Bohling, David Reid, Matthew Vaughn. Productores ejecutivos: Dave Gibbons, Pierre Lagrange, Stephen Marks, Mark Millar, Claudia Schiffer. Guion: Jane Goldman, Matthew Vaughn, según el cómic The Secret Service de Mark Millar y Dave Gibbons. Fotografía: George Richmond. Música: Henry Jackman, Matthew Margeson. Montaje: Eddie Hamilton. Diseño de producción: Darren Gilford. Efectos especiales: 4DMax, BUF, Blind, Clear Angle Studios, Efficacy4D, Framestore, Mark Roberts Motion Control, Moving Picture Company, The Senate Visual Effects, Snow Business International, Sony Pictures Imageworks. Intérpretes: Taron Egerton (Eggsy), Edward Holcroft (Charlie), Gordon Alexander (chófer de Kingsman), Mark Strong (Merlin), Hanna Alström (princesa Tilde), Calvin Demba (Brandon), Thomas Turgoose (Liam), Tobi Bakare (Jamal), Julianne Moore (Poppy), Keith Allen (Charles), Tom Benedict Knight (Angel), Colin Firth (Harry Hart), Michael Gambon (Arthur), Sophie Cookson (Roxy), Björn Granath (rey de Suecia), Lena Endre (reina de Suecia), Samantha Coughlan (guía turística), Channing Tatum (Tequila), Halle Berry (Ginger), Elton John (Elton John), Jeff Bridges (Champ), Pedro Pascal (Whiskey), Martyn Ford, Poppy Delevingne, Grant Gillespie… Nacionalidad y año: Reino Unido, Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 141 min. Color 2.39:1.

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Oro de baratillo

Mientras asistía al visionado de Kingsman: El círculo de oro (Kingsman: The Golden Circle, 2017, Matthew Vaughn) no podía dejar de pensar en otra película, Kick Ass 2: Con un par (Kick-Ass 2, 2013, Jeff Wadlow). Ambas coinciden en bastantes aspectos: son secuelas de sendas películas que parodiaban los estereotipos de determinado tipo de cine con frescura, humor malicioso y vigor. Ambas, también, caen en el error en las que no cayeron sus predecesoras, siendo además continuaciones muy inferiores a sus originales.

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Kingsman: El círculo de oro recicla en cierta manera la estructura dramática de su predecesora, como también suele ser habitual en las secuelas; de este modo, el espectador distingue rasgos aparecidos con anterioridad y se siente seguro, reconoce las reglas del juego. Aquí, por poner un ejemplo palpable, tenemos la repetición de la escena de la pelea en el pub (aquí taberna) con un grupo de chulos engreídos. Pero esa repetición se extiende a todo lo que es el esqueleto dramático principal del film, reemplazando personajes, lugares y demás “adornos” externos.

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La película, como es norma, empieza con una escena super-trepidante. Después, la narración cae en picado y ya no levanta vuelo. Las escenas se dilatan en exceso, se hacen cansinas y, en realidad, muchas de ellas nada aportan. Todo funciona a base de acumulación, siendo este el único recurso expresivo utilizado para aportar un supuesto interés. Esa es otra de las cláusulas que parecen exigir las secuelas: repetir todo, pero centuplicado. Más acción, más explosiones, más chistes… Son como un remake hipertrofiado, amén de maquillado para aparentar ser otra cosa.

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Otro problema son los actores. Tiempo atrás, el crítico de cine Peter Bogdanovich rodó una película titulada ¿Qué me pasa, doctor? (What’s Up, Doc?, 1972), que pretendía ser un homenaje a La fiera de mi niña (Bringing Up Baby, 1938). Rodados los primeros días y revisado el material, Bogdanovich comprobó que la cosa no funcionaba, no sabía muy bien porqué. Invitó a un pase a Howard Hawks, director del film homenajeado, y este le respondió: “Para que una película cómica funcione, los actores se lo han de tomar en serio”. Vueltas a rodar las escenas con ese criterio, ya todo fue mejor. Y ese es el problema de esta película: que muchos de los actores se toman a pitorreo sus cometidos, efectúan una interpretación sin creerse sus personajes. Matrícula de honor –en el aspecto negativo–, para dos actores tan excelentes por norma como Julianne Moore y Jeff Bridges, que se abordan sus papeles con una desidia que muestra una total falta de profesionalidad. Otros, sencillamente, son mediocres, como Pedro Pascal, una especie de Burt Reynolds de segunda (que ya es decir). Solo cabe destacar en el lado positivo a Mark Strong, Colin Firth y, sobre todo, Bruce Greenwood como un presidente de los Estados Unidos de aspecto kennedyano y carácter trumpero. Greenwood, además, es de los pocos que saben transmitir vis cómica sin efectuar una interpretación chusca.

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Hay puntos positivos, pero desperdigados aquí y allá en algo que no logra una unidad consecuente. Para los aficionados al pulp resultan muy placenteros los elementos de ciencia ficción, así los dispositivos robóticos de los que dispone la mala: un acólito con un brazo cibernético, una androide y, en especial, una pareja de perros sabuesos mecánicos. O ese plano de resonancias apocalípticas, con todos los infectados amontonados en jaulas. O algunos gags dispersos. No tiene gracia, empero, aunque insisten machaconamente en ello, en sacar a Elton John soltando palabrotas de continuo. Si hubiera sido un cantante más estirado… Elton John, por cierto, se muestra muy simpático (y muy viejo), pero queda evidente que no es un actor ni de lejos.

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La trama es casi un calco del film previo, solo que a los protagonistas se les une otro grupo, esos agentes estadounidenses, con el fin de americanizar el producto, y que los espectadores de aquel país se sientan más en casa. Es una cinta de humor y acción muy elemental y trivial, que pretende aparentar ser cáustica, pero que se queda muy corta en todos los aspectos. A mí se me hizo inclusive aburrida, pecado mortal en el que nunca debería caer una película de esta índole.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: Kingsman: El círculo dorado.
  • Secuela de Kingsman: Servicio secreto (Kingsman: The Secret Service, 2014), de Matthew Vaughn.
  • El montaje original sumaba ochenta minutos más al metraje definitivo.
  • Tercera vez que Bruce Greenwood interpreta al presidente de los Estados Unidos. La primera vez fue en 13 días (Thirteen Days, 2000, Roger Donaldson), donde hacía de Kennedy, y la segunda en La búsqueda: El diario secreto (National Treasure: Book of Secrets, 2007, Jon Turteltaub), donde era un presidente ficticio.
  • Estrenada en el Reino Unido el 20 de septiembre de 2017; en Estados Unidos y en España se estrenó el 22.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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madre! (mother!) (2017)

Posted in Cine, Otros géneros, Reseña, Terror on 29 septiembre, 2017 by belakarloff

Ambos viven aislados en una casa. Él publicó en tiempos un libro, y ahora está intentando crear otro. Al lugar acude un hombre, en apariencia despistado, pero que en realidad es un admirador, que se queda a vivir con ellos. Al poco, el visitante invita a su esposa a sumarse.

Dirección: Darren Aronofsky. Producción: Protozoa Pictures. Productores: Darren Aronofsky, Scott Franklin, Ari Handel. Productor asociado: Dylan Golden. Productores ejecutivos: Mark Heyman, Josh Stern, Jeff G. Waxman. Guion: Darren Aronofsky. Fotografía: Matthew Libatique. Montaje: Andrew Weisblum. Diseño de producción: Philip Messina. Efectos especiales: Hybride Technologies, Industrial Light & Magic. Intérpretes: Jennifer Lawrence (madre), Javier Bardem (él), Ed Harris (hombre), Michelle Pfeiffer (mujer), Brian Gleeson (hermano menor), Domhnall Gleeson (hermano mayor), Jovan Adepo, Amanda Chiu, Patricia Summersett, Eric Davis, Raphael Grosz-Harvey, Emily Hampshire, Abraham Aronofsky, Luis Oliva, Stephanie Ng Wan, Chris Gartin, Stephen McHattie, Ambrosio De Luca, Gregg Bello, Arthur Holden, Henry Wai Ciu Kwok… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 121 min. color 2.35:1.

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Viaje en torno a la musa…raña

Hace no mucho tiempo Darren Aronofsky logró cierto prestigio crítico con sus primeras películas, Pi, fe en el caos (Pi, 1998) y Réquiem por un sueño (Requiem for a Dream, 2000), principalmente. Pero de forma paulatina el prestigio que había logrado fue desinflándose poco a poco por medio de películas a mitad de camino entre la pretenciosidad y la falta de sentido del ridículo. Su penúltima película hasta ahora, Cisne negro (Black Swan, 2010), suponía un buen ejemplo de su forma de ver el cine, una cinta hueca pero llena de pretensiones, claro ejemplo de paleto americano que se cree que está haciendo algo muy trascendente porque trata el artístico mundo del ballet, amén de plagiar con todo descaro una obra maestra como Las zapatillas rojas (The Red Shoes, 1948, Michael Powell, Emeric Pressburger). Aunque, si bien esta logró cierto equilibrio crítico, no fue así con la siguiente, Noé (Noah, 2014), presunta adaptación bíblica que fue sistemáticamente repudiada, pero que yo disfruté por verla meramente como un film postapocalíptico al estilo de, por ejemplo, Roma 2072 D.C. – Los gladiadores (I guerrieri dell’anno 2072, 1984, Lucio Fulci).

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Con esta nueva cinta se ha superado en un esfuerzo que merece digna recompensa. Esta vez su punto vista se centra en el cine intelectual de los años sesenta y setenta, con el ojo puesto en cineastas como Luis Buñuel, Wojciech Has o Alain Resnais. Es decir, madre! (mother!, 2017) –sí: curioso el modo de presentar el título en castellano– es cine metafórico, simbólico, abstracto, que pretende lanzar grandes y complejas ideas. Solo que lo hace con una torpeza que puede despertar tanto el desconcierto como la carcajada. Aronofsky ha declarado que para esta su nueva opera magna se ha inspirado en películas como La semilla del diablo (Rosemary’s Baby, 1968, Roman Polanski) o El ángel exterminador (El ángel exterminador, 1962, Luis Buñuel), y algo de ello hay, cierto –poco de la primera y algo más de la segunda–, junto a otros treinta y siete filmes más. Sabido de sobra es el aprecio que Aronofsky siente por fagocitar ideas e imágenes de películas previas, y aquí no se corta un pelo, habiendo incluso planos que copian literalmente ideas de directores como Dario Argento –de un momento de Tenebre (Tenebrae, 1982), por concretar–. El director de El luchador (The Wrestler, 2008) sufre aquí un empacho e indigestión del cine que ha deglutido, pero en el proceso ha asimilado poco, lanzando un cacao de ideas que, en realidad, son pocas, se contradicen entre sí, y se agotan a los cuarenta y cinco minutos de comenzar.

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Si intentamos encuadrar la película en un género concreto, podríamos definirlo algo así como un melodrama de horror. Así, es una cinta de relaciones de pareja, donde paulatinamente se va involucrando algo inquietante. Al principio semeja que incluso se trata de algo coherente, con una pareja viviendo en un caserón apartado; parecen quererse, pero en sus miradas se percibe un resentimiento oculto. El punto de vista se centra en todo momento en el personaje de ella (Jennifer Lawrence), con la cámara persiguiéndola en todo momento y encuadrándola a menudo en primer plano; los demás personajes, incluido su marido (Javier Bardem), se hallan más lejanos, y solo se aproximan a la cámara cuando es a ella a la que se acercan. Dentro de ese contexto aparece un personaje (Ed Harris), que parece haber llegado allí mal indicado, pero luego se percibe que ha venido a propósito: es un fan del marido, escritor de prestigio, y que está intentando pergeñar su segunda gran obra. El marido, impulsado por su ego, le convida a quedarse, y al poco aparece la esposa del fan (Michelle Pfeiffer), al que éste ha invitado por toda la jeta. El fan se está muriendo de cáncer de pulmón (es un fumador compulsivo) y en un momento dado la protagonista lo halla tosiendo de forma incontenible sobre la taza del váter, luciendo en un costado algo que parece un estigma. Después, del retrete asoma una cosa carnosa y tumefacta, que suelta un aullido lastimero, antes de que ella lo arrastre con el agua. Podría interpretarse como una encarnación física del cáncer, o algo igual de profundo.

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Todo lo que precede, en realidad, nada aporta, y es una artimaña de Aronofsky de tocar muchos palos en su intento de aparentar que está narrando algo consistente. De hecho, la visita de esa pareja –a la que continuará la aparición de los dos hijos de esta– es un modo de mostrar la intromisión en el hogar donde, hasta ahora, los protagonistas habitaban plácidamente. Estos moraban un microcosmos seguro, donde la intrusión de lo ajeno desmorona el hábitat que hasta entonces existía. Después, esos visitantes desaparecen y no vuelven a hacer acto de presencia, olvidándose el director de ellos. Poco después, se plantea de nuevo otra intrusión, de similar carácter: ahora toda una pléyade de admiradores del escritor, en lo que es una redundancia con respecto a la primera aparición.

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Así, madre! comienza a convertirse en un cúmulo de pleonasmos visuales, donde, de todas maneras, ese enfoque antes referido, el de la intrusión en el hogar, tampoco es la clave última sobre la cual se articula el discurso del autor. Así, toda esa amalgama no sería, en definitiva, sino una metáfora sobre el proceso de creación, donde no resulta difícil ver en el personaje de Javier Bardem un trasunto del propio Aronofsky, en una visión que tendría no poco de egocentrismo. Así, el autor se debe, sobre todo, a su público, y debe sufrir sacrificios en aras de su posteridad. Y también ha de luchar para alcanzar el favor de la musa, para luego apartarla de sí. Una vez esta ha dado a luz la idea primigenia, aquélla ya no es necesaria y es abandonada.

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Todo ello, desde luego, es una mezcolanza confusa y obvia a un tiempo, redundante y contradictoria, que da vueltas sobre sí misma de un modo constante. Es un film pedante y vacío en el sentido más llano de la expresión, un viaje al ego de un autor que está más enamorado de sí mismo que del cine, un cineasta que pretende aludir metafóricamente al tema de la creación, de la musa, pero que acaba mirando las musarañas.

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Anécdotas

  • Título de rodaje: Day 6.
  • Michelle Pfeiffer reconoce que no entendió el guion la primera vez que lo leyó, considerándolo “esotérico”. De todas maneras, quedó atraída por su personaje.
  • Rodado en 16 mm y luego hinchado.
  • Aronofsky escribió el primer borrador en cinco días.
  • Rodado con un presupuesto estimado de 33 millones de dólares.
  • Estrenado en Estados Unidos el 13 de septiembre de 2017, en una premiere en Nueva York, y luego masivamente el 15. En Madrid se estrenó el 29 de septiembre.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Granja maldita (The Curse) (1987)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 28 septiembre, 2017 by belakarloff

Zack vive en una granja con su madre y su hermana junto a su padrastro, un fanático religioso, y el hijo de este. Una noche cae en el lugar un extraño objeto del cielo, que al poco encoge y desaparece, absorbiendo la tierra una extraña sustancia que segrega. Días después, el agua del pozo cercano comienza a saber de un modo raro…

Dirección: David Keith. Producción: Trans World Entertainment. Productor: Ovidio G. Assonitis. Productor asociado: Louis Fulci [Lucio Fulci]. Productores ejecutivos: Ovidio G. Assonitis, Moshe Diamant. Guion: David Chaskin, [según el relato “The Colour Out of Space” de H. P. Lovecraft]. Fotografía: Robert D. Forges [Roberto Forges Davanzati]. Música: Franco Micalizzi. Montaje: Claudio M. Cutry. Diseño de producción: Franco Vanorio. Efectos especiales: Frank Russell (maquillaje), Lucio Fulci (diseñador de efectos ópticos), Kevin Ehrman (efectos visuales), Mark Moller (modelador). Intérpretes: Wil Wheaton (Zack), Claude Akins (Nathan), Malcolm Danare (Cyrus), Cooper Huckabee (Forbes), John Schneider (Willis), Amy Wheaton (Alice), Steve Carlisle (Davidson), Kathleen Jordon Gregory (Frances), Hope North (Esther), Steve Davis (Mike), Angelo Casadei (Arthur, paciente de Alan)… Nacionalidad y año: Estados Unidos, Italia 1987. Duración y datos técnicos: 91 min. color 2.35:1.

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A mi juicio, el relato “El color que cayó del cielo”[1] (“The Colour Out of Space”; Amazing Stories, 1927) es de lo mejor que escribió H. P. Lovecraft. No se interna en los Mitos de Cthulhu, y es más un relato de ciencia ficción con momentos de horror, donde destacan instantes atmosféricos como esos árboles que se mueven sin que sople el viento, o la madre en el ático, encogida, y que brilla en la oscuridad. Adaptarlo al cine es muy difícil, porque en esencia carece de personajes con los cuales jugar, y hay que partir, diríase, de cero; está formado por pequeños detalles que van casando de un modo paulatino, y dispone de diversos personajes que solo sirven de nexo narrador, no interviniendo en la historia, forjándose por medio de flash-backs dentro de flash-backs. Las dos versiones digamos “canónicas” que existen del relato[2] son El monstruo del terror (Die, Monster, Die!, 1965), de Daniel Haller, y la que acontece, siendo la presente la que, relativamente, mayor fidelidad argumental arroja.

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Como es norma en este tipo de producciones baratas, la acción se traslada a la época actual de rodaje. Para ello se sumerge la trama dentro de una “guerra” de corporaciones que compran granjas familiares para comerciar con ellas; según refiere Assonitis, el productor, esto fue inspirado por la crisis social de granjeros vivida durante la administración Reagan. Es un buen decorado, sin duda, pese a que está desarrollado de un modo superficial y representa un telón muy de fondo.

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Como se ha dicho, prácticamente hay que crear personajes de cero. Con todo, se percibe cierta fidelidad; así, el narrador del relato aparece en un rol secundario, Willis (interpretado por un jovencísimo John Schneider, el papá de Superman en la serie Smallville), y la estructura de la familia en la granja, por lo que recuerdo, se mantiene, con padre, madre y tres hijos, si bien las segundas nupcias han sido incorporadas para introducir cierto drama a la situación.

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El que el padre sea un maltratador y un fanático religioso, y el hijo de este un abusador, solo parece estar para añadir una notas de “color” a la trama, pero son un acusado error: si hubiese sido un padre amoroso y abnegado, la “mutación” posterior hubiera proyectado mayor intensidad; algo similar a esto sucede con los dos perros de la familia, que en su primera aparición resultan amedrentadores: si hubiesen sido cariñosos, el momento en que se vuelven locos y atacan hubiese tenido más impacto. Pese a lo interesante del personaje del padre, fanático religioso e intransigente como hemos dicho, al final la conversión no hace otra cosa que transformar un tipo de “monstruo” en otro, más explícito, pero sin los adecuados contrastes.

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El guion está escrito por David Chaskin, quien con anterioridad había participado en la polémica Pesadilla en Elm Street 2: La venganza de Freddy (A Nightmare on Elm Street Part 2: Freddy’s Revenge, 1985, Jack Sholder), y después trabajó en la atractiva Lecturas diabólicas (I, Madman, 1989, Tibor Takács). Aquí realiza una labor muy irregular, adoptando determinadas vías narrativas del relato bien incorporadas, pero fastidiándola en casi todo lo demás.

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Uno de los problemas estriba en el perfil superficial o caricaturesco de los personajes, llevándose la palma de honor el hermano gordito, el especulador de fincas y la secretaria de este, que parecen extraídos directamente de otra película, como pudiera ser el caso de Los albóndigas en remojo (Up the Creek, 1984, Robert Butler). A ello se suma la incorporación de algunas situaciones sexuales gratuitas, única forma que parece haber para mantener el interés del espectador hasta que comienzan a pasar cosas… Añadamos el personaje del obrero que se beneficia a la madre, y que desaparece sin más de la trama, sin que sepamos si ha sido despedido, o acaso asesinado y tirado al interior del pozo.

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Como productor tenemos a Ovidio G. Assonitis, curioso individuo nacido en Alejandría, Egipto, de padres griegos, que desde mediados de los sesenta mantuvo una extensa labor de distribución cinematográfica para países orientales. A finales de esta década se afincó en Italia, donde produjo una diversidad de películas de variadas temáticas, y debutó como realizador con la curiosa Poder maléfico (Chi sei?, 1974), co-dirigida con Robert Barrett. Poco después comienza a co-producir con Estados Unidos, donde rueda películas con un inconfundible sabor latino, como su segunda incursión en la dirección, la risible Tentáculos (Tentacoli / Tentacles, 1977), o la “mítica” Piraña II: los vampiros del mar (Piranha Part Two: The Spawning, 1981), de donde despidió al rey del mundo James Cameron para asumir él mismo la realización.

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La presente cinta tiene amplia participación tanto de personal norteamericano como italiano, alguno de estos últimos encubierto en el clásico seudónimo para disimular. Sin embargo, para la dirección se optó por David Keith, un actor estadounidense con amplia carrera a sus espaldas, que debió sentir el gusanillo de la realización[3], y Assonitis consideraría que podría ser manejable. En esta película, que Keith rueda en su localidad natal, se muestra particularmente inexperto. Solo hay un instante con cierta fuerza en la escena donde Claude Akins está balanceándose en una hamaca, recitando la biblia, mientras su esposa está frente a él, atada en la cama, entre sombras. De hecho, en un par de ocasiones más el director aprovecha bien el recurso de la oscuridad, pero son apenas unos segundos en un metraje de hora y media.

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A destacar también lo mal aprovechado que está el personaje de la madre, que acaba convirtiéndose en un grotesco monstruo con una máscara que la transfigura en un risible espantajo; en el relato de Lovecraft, es alguien que se va degradando de forma paulatina y acaba por ser encerrada en el ático, donde es una cosa encogida y que relumbra en la oscuridad. Todo el trasfondo mítico y telúrico del relato desaparece en una trama demasiado luminosa y costumbrista. El montaje, de igual modo, es un absoluto horror, y se da circunstancia de una falta de continuidad entre los planos, así como una carencia total de sensación de peligro, existiendo también una pésima labor por parte de los especialistas en las peleas físicas.

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Los que hemos leído el relato podemos re-interpretar algunas secuencias, pero me temo que los demás espectadores quedarán desconcertados, como ese, en apariencia, gratuito desmoronamiento final de la casa, que semeja la inclusión de un tópico del género sin más, no quedando claro que la entidad de más allá de las estrellas que mora en el interior del pozo haya decidido retornar a los eones cósmicos de donde procedía.

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Como protagonista absoluto, por delante del título inclusive, comparece Wil Wheaton (acreditado como Will Wheaton), justo después de su espléndida revelación en Cuenta conmigo (Stand by Me, 1986, Rob Reiner). Aquí se le percibe algo indeciso en algunos momentos, sin duda porque no tiene un cineasta potente para dirigirle, pero se distingue la mezcla de impetuoso y desvalido que caracterizaba al joven actor.

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La película resulta decepcionante por las posibilidades que proyectaba el espléndido relato de Lovecraft, pero independientemente de ello es una cinta mediocre por sí misma. Sin embargo, resulta un entretenimiento menor, medianamente entretenida, y al menos aporta una estupenda interpretación por parte de Claude Akins. Tampoco está tan mal, al final.

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Anécdotas

  • Títulos en Italia: La fattoria maledetta / The curse – La maledizione.
  • Título de rodaje en Estados Unidos: The Well.
  • Título alternativo en Estados Unidos: The Farm.
  • Título en Argentina: La maldición. Título en México: El maleficio.
  • En 1988, en los premios Young Artist Amy Wheaton recibió una nominación a mejor actriz por debajo de los diez años en cine o televisión.
  • Wil Wheaton declaró que lo único positivo respecto a esta película es que su hermana logró un trabajo.
  • Pese a lo créditos, Assonitis dijo que Fulci nada tuvo que ver con la producción, ocupándose realmente de dirigir la segunda unidad.
  • En los títulos de crédito no hay mención alguna a Lovecraft; sin embargo, el trailer publicitario original sí lo cita.
  • “Secuelas”: Catacombs / Curse IV: The Ultimate Sacrifice (1988), de David Schmoeller; Curse II: The Bite (1989), de Frederico Prosperi; Curse III: Blood Sacrifice / Panga [vd: Sacrificio de sangre / La maldición del hechicero, 1991], de Sean Barton. En realidad, nada tienen que ver con la originaria, titulándose así para aprovecharse del éxito de la presente.
  • Otras adaptaciones del relato: El monstruo del terror (Die, Monster, Die!, 1965), de Daniel Haller [Reino Unido, EEUU]; La couleur de l’abîme (1983), Pascal Kané [telefilm; Francia]; Colour from the Dark (2008), de Ivan Zuccon [Italia]; Die Farbe (2010), de Huan Vu [Alemania]; 13 Histórias Estranhas (2015); segmento “A Cor que Caiu do Espaço”, de Petter Baiestorf [Brasil]; The Colour Out of Space (2017), de Patrick Müller [CM; EEUU].
  • Estrenada en Estados Unidos el 11 de septiembre de 1987. En España se estrenó en junio de 1989 en Sevilla, y en Madrid el 20 de noviembre de 1989 en el Cinestudio Los Ángeles, en programa triple con Payasos asesinos (también estreno) y Al borde de la locura.

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Bibliografía

  • “El color del espacio exterior”. En Narrativa completa Vol. II; por H. P. Lovecraft; recopilación de Juan Antonio Molina Foix. Madrid: Valdemar, 2007. Colección: Gótica; nº 63. Traducción de: “The Colour Out of Space” (Amazing Stories; 1927). También traducido como: “El color que cayó del cielo”; “El color surgido del espacio”; “El color de allende el espacio”; “El color que cayó del espacio”; “El color más allá del espacio”; “El color fuera del espacio”; “El color que surgió del espacio”.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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[1] Véase en el apartado “Bibliografía” la infinita variedad de títulos que ha conocido en España. Sin embargo, para mí siempre será el que cito, que fue con el primero con que lo leí.

[2] Véase en el anecdotario todas las que he podido localizar.

[3] Después de la presente dirigió dos películas más, Las aventuras de Tennessee Buck (The Further Adventures of Tennessee Buck, 1988) y Waterville (2003), sin especial relevancia.

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