The Night the World Exploded (1957)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña on 20 julio, 2017 by belakarloff

El doctor Conway desarrolla un ingenio para predecir terremotos. Su máquina prevé un inminente temblor de niveles catastróficos, por lo cual hace una advertencia al gobierno, pero no es tomado en consideración. Cuando el seísmo se da se convoca una reunión urgente. Pero Conway señala que eso solo es el principio, y que se acerca un terremoto que deja al anterior en pañales…

Dirección: Fred F. Sears. Producción: Clover Productions para Columbia Pictures. Productor: Sam Katzman. Guion: Jack Natteford, Luci Ward. Fotografía: Benjamin H. Kline, Irving Lippman. Música: George Duning, Friedrich Hollaender, Arthur Morton, Leith Stevens. Montaje: Paul Borofsky, Al Clark. Dirección artística: Paul Palmentola. Intérpretes: Kathryn Grant (Laura ‘Hutch’ Hutchinson), William Leslie (Dr. David Conway), Tristram Coffin (Dr. Ellis Morton), Raymond Greenleaf (gobernador Chaney), Charles Evans (general Bortes), Frank J. Scannell (sheriff Quinn), Marshall Reed (ayudante del general), Fred Coby (ranger Brown), Paul Savage (ranger Kirk), Terry Frost, Paul Bradley, John Close, Sam Harris, Robert Kino, Lyle Latell, Pierce Lyden, Philo McCullough, Paul McGuire, Dennis Moore, Charles Morton, John Phillips, Fred F. Sears, Natividad Vacío, Otto Waldis, John Zaremba… Nacionalidad y año: Estados Unidos 1957. Duración y datos técnicos: 64 min. B/N 1.85:1.

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The Night the World Exploded (1957) es una de las muchas películas de ciencia ficción de los años cincuenta del pasado siglo, de un nivel de calidad aceptable, que fueron totalmente ignoradas por los distribuidores españoles debido a sus habituales prejuicios hacia lo fantástico. Por esa misma época se estrenó un aluvión de films norteamericanos del género de la comedia, el western, la aventura o el policial, por citar algunos, que llegaron sin problema alguno (salvo por cuestiones de censura), de nivel similar o inferior al presente, pero que centraban su trama en el “realismo”.

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Y eso que la presente cinta busca su base en un cierto “realismo”. Así, no hay monstruos ni extraterrestres, sino que la trama se sustenta en fenómenos “naturales” que provocan desastres a nivel planetario. La película se alberga en la temática catastrófica, y podría decirse que es un precedente de títulos como Terremoto (Earthquake, 1974, Mark Robson) o, sobre todo, 2012 (2012, 2009, Roland Emmerich). Aquí, una serie de terremotos asola la Tierra, y un grupo de científicos intentará impedirlo. Para ello los protagonistas se sumergen en las entrañas del planeta, a través de las cuevas Carlsbad, bello paraje turístico norteamericano, sito en la Montañas Guadalupe, al sureste de Nuevo México. Gran parte de la cinta se concentra en esa localización, donde los investigadores descubren un nuevo elemento, el 112, causante de los fenómenos: son rocas de unos tres centímetros de diámetro que, al contacto con el aire, crecen, se calientan y, al fin, explotan.

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La película es sencilla y entretenida. No busca ser un film revolucionario en la historia del cine, sino un mero elemento de distracción de los que se proyectaban en los cines de la época en programas dobles. La trama está escrita por Jack Natteford, habitual en el cine del Oeste, junto a Luci Ward, sin duda la encargada de otorgar el punto de vista femenino necesario. La protagonista de la película, de hecho, es Kathryn Grant (la princesa Parisa de la sensacional Simbad y la princesa), por encima del elenco masculino, si bien su papel será el habitual del cine en la época, así, aunque sirva de ayudante de su prometido, el profesor Conway, por lo general solo le pasará una carpeta o el teléfono, y preparará café. Además, de ello, la muchacha tiene una perra terrible con casarse, mientras su novio intenta salvar el mundo.

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Dirige Fred F. Sears, habitual director, también, de westerns, pero que en los cincuenta realizó un puñado de cintas de ciencia ficción, así The Werewolf [dvd: Los colmillos del lobo, 1956] –cinta licantrópica con explicación científica–, The Earth versus the Flying Saucers [tv/dvd: La Tierra contra los platillos volantes, 1956] –la más famosa, con efectos de Ray Harryhausen– y The Giant Claw [dvd: La garra gigante, 1957], amén de la presente. Sears es un artesano con oficio, sencillo y sin filigranas, que va directo al asunto y busca efectuar su cometido con un presupuesto demasiado limitado. Aquí, muchos planos de terremotos son imágenes de archivo, ofreciendo solo efectos realizados a propósito en el derrumbe dentro de las cuevas, así como en la explosión final en la presa (donde también se intercalan algunos planos de archivo).

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Anécdotas

* Estrenada en programa doble junto a The Giant Claw (1957), de igual director y productor, en junio de 1957.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Nocturna 2017 ya tiene cartel

Posted in Ciencia ficción, Cine, Cortometrajes, Festivales, Noticias, Terror on 18 julio, 2017 by belakarloff

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El Festival Internacional de Cine Fantástico NOCTURNA MADRID presenta el cartel para su quinta edición, que se celebrará del 25 al 29 de octubre de 2017 con dos sedes principales: Cinesa Proyecciones y Cineteca Madrid.

El cartel, diseñado por Daniel Fumero, sobre un concepto del productor y director José Luis Alemán (La herencia Valdemar, El hombre que vio llorar a Frankenstein…) evoca la quimera del renacimiento de Frankenstein, inspirándose “en las antiguas películas protagonizadas por la criatura salida de la mente de Mary Shelley, donde una palanca vuelve a insuflar vida”.

NOCTURNA MADRID renueva su imagen para destacar la ciudad de Madrid que la acoge y ofrece las mejores películas de género, las visiones más interesantes del nuevo cine fantástico del circuito independiente, premieres internacionales, clásicos y, como siempre, la visita de los homenajeados. En el cartel, “se enciende en la ciudad un nueva edición de NOCTURNA MADRID, sin renunciar a su esencia”.

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Nocturna Madrid llega a Cineteca

En su quinta edición, Nocturna Madrid, Festival Internacional de Cine Fantástico, contará con el apoyo del Ayuntamiento de Madrid y con la colaboración de Cineteca Madrid que por primera vez se suma como nueva sede del festival. Con el objetivo de dar a conocer e impulsar el potencial de los creadores españoles de género, el festival desembarcará en octubre dispuesto a volver a hacer del cine fantástico una fiesta.

Desde su primera edición en 2013, NOCTURNA MADRID ha traído a la capital lo mejor del Cine Fantástico, largometrajes y cortometrajes, muchas veces proyectados por primera (¡o única!) vez en España; homenajes a figuras como Robert Englund, Joe Dante, Tobe Hooper, John Landis, Álex de la Iglesia, Darío Argento o Jaume Balagueró, entre otros; encuentros con el público y actividades paralelas que han convertido a Madrid en el escaparate del cine de género durante esos días.

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La programación completa de Nocturna Madrid se dará a conocer en los próximos meses y se repartirá entre las dos sedes ya confirmadas como nuevos espacios del festival: los cines Proyecciones y las salas de Cineteca Madrid, ubicadas en el Matadero y gestionadas por el propio Ayuntamiento de Madrid.

El plazo de inscripción de cortometrajes y largometrajes, nacionales e internacionales, permanecerá abierto hasta el próximo 1 de septiembre.

La guerra del planeta de los simios (War for the Planet of the Apes) (2017)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Estreno, Reseña on 13 julio, 2017 by belakarloff

Han pasado cinco años desde el amanecer, y ahora los simios están enzarzados en una guerra abierta con los humanos. Cuando unos soldados, liderados por el Coronel, incursionan en el campamento, César decidirá ir tras ellos. A él se le unirán unos compañeros que no desean dejarlo solo…

Dirección: Matt Reeves. Producción: Chernin Entertainment para 20th Century Fox. Productores: Peter Chernin, Dylan Clark, Rick Jaffa, Amanda Silver. Co-productor: Ryan Stafford. Productores ejecutivos: Mark Bomback, Mary McLaglen, Jenno Topping. Guion: Mark Bomback, Matt Reeves, según los personajes creados por Rick Jaffa, Amanda Silver. Música: Michael Giacchino. Fotografía: Michael Seresin. Diseño de producción: James Chinlund. Montaje: William Hoy, Stan Salfas. Efectos especiales: Halon Entertainment, Weta Digital. Intérpretes: Andy Serkis (César), Woody Harrelson (el Coronel), Steve Zahn (Simio Malo), Karin Konoval (Maurice), Amiah Miller (Nova), Terry Notary (Rocket), Ty Olsson (Red Donkey), Michael Adamthwaite (Luca), Toby Kebbell (Koba), Gabriel Chavarria (Preacher), Judy Greer (Cornelia), Sara Canning (Lake), Devyn Dalton (Cornelius), Aleks Paunovic (Winter), Alessandro Juliani (Spear), Max Lloyd-Jones (Blue Eyes), Timothy Webber, Lauro Chartrand, Shaun Omaid, Roger Cross, Mercedes de la Zerda, Doug Chapman, James Pizzinato, Chad Rook, Dean Redman, Steve Baran, Sandy Robson, Levi Meaden, Billy Wickman… Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 140 min. Color 2.35:1.

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El gran combate

Si la serie simia original sirvió para efectuar reflexiones acerca de la problemática de la época, como la segregación racial o la guerra de Vietnam, la nueva franquicia también ha servido para deliberar. Así, la primera entrega, El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011, Rupert Wyatt), era más directa, y arremetía contra la experimentación y la crueldad hacia los animales. La segunda, El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes, 2014, Matt Reeves), en vista de su enfoque, estaba más encauzada hacia la acción, pero también servía para reflexionar con respecto a la tendencia del ser humano a implicarse en todo tipo de absurdas guerras. Esta nueva entrega, por descontado, también aprovecha, mientras efectúa un espectáculo visual de primer orden, para matizar cuestiones acerca de nuestra humanidad y nuestra inhumanidad.

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Matt Reeves, director de la previa entrega, repite en la presente. Recordemos que, con anterioridad, también nos ofreció las muy estimables Monstruoso (Cloverfield, 2008) y Déjame entrar (Let Me In, 2010)[1], y próximamente nos entregará la muy apetecible The Batman[2]. En El amanecer… compuso una historia épica e intensa, pero aquí ha aspirado a, sin alejarse de ese tono, introducir también parte del material reflexivo que potenciaba tanto el primer título. Así, ese tono antimilitarista que colmaba el título previo aquí se ve exaltado.

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El personaje del Coronel podría recordar al coronel Kurtz que encarnaba Marlon Brando en Apocalypse Now (Apocalypse Now, 1979, Francis Ford Coppola), y algo de eso hay: incluso en un momento dado, para subrayar ese acercamiento, en un túnel se ve una pintada donde se puede leer Ape-calypse Now!

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Sin embargo, pese a ese elemento, hay más proximidad en lo que se expone con la barbarie a la que sometió el ejército norteamericano –con el consentimiento de los altos cargos y del gobierno– a la población indígena del lugar. La frase “El único kong[3] bueno es el kong muerto”[4] es una mención a la cita “El único indio bueno es el indio muerto”, proclamada por el general Philip Sheridan (1831-1888) durante las Guerras Indias. Pero aparte de ello, todo el periplo que sufren los simios de la película resulta muy similar al de tantos westerns pro-indios del pasado, destacando en especial uno, El gran combate (Cheyenne Autumn, 1964, John Ford). La película, además, adquiere un acusado tono fordiano en muchos momentos, como su contraposición entre la épica y el tono intimista y familiar.

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Es ahí, en el campo emocional, donde la película logra subir aún más puntos en el cómputo global. A ello ayudan unos personajes muy bien definidos, como es el propio César, que película a película ha ido madurando en humanidad, uniéndose a ello los puntos negativos que ello comporta, y él es muy consciente de ello. La relación entre César y Maurice podría ser un reflejo de la del teniente coronel Thursday (Henry Fonda) y el capitán Kirby (John Wayne) de Fort Apache (Fort Apache, 1948, John Ford), con el segundo representando la conciencia del primero.

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Continuando los símiles fordianos, incluso tenemos un elemento humorístico en la figura de Simio Malo (Steve Zahn), que vendría a ser el equivalente de Andy Devine en tantas obras del autor de La diligencia (Stagecoach, 1939). Elemento humorístico, por cierto, que nada molesta, que resulta tierno y que, en cierta manera, contrasta con los momentos duros de la cinta, incrementando estos.

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Resulta también de gran interés el personaje de la niña Nova (Amiah Miller, todo un descubrimiento[5]). Cuando los simios la encuentran es una muchacha traumatizada y carente de emociones. El contacto con los protagonistas originará que ella, poco a poco, se vaya llenando de sentimientos y empatía, esto es, se irá “humanizando” a través de su contacto con los “animales”. Por contraste, los militares se rigen por unos comportamientos primitivos y animalescos, y resulta muy significativo el personaje de Preacher, quien a lo largo de toda la película esperamos que actúe de un determinado modo convencional, “frustrándonos” minuto a minuto.

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Por supuesto nada de ello se podría conseguir sin unas interpretaciones a la altura. Andy Serkis está, sencillamente, grandioso, y va siendo hora de que se le valore en su justa medida. La evolución psicológica que ha ido aportando a su personaje película a película resulta patente, y aquí es más maduro, pero más amargo también. A lo largo del metraje consigue que nos olvidemos de que se trata de una creación digital detrás de la cual hay un lenguaje corporal, una voz con una extraordinaria gama de matices y, en particular, una mirada que desarma. Woody Harrelson como el Coronel también logra un buen trabajo con un personaje muy difícil, y que en manos de otro actor con menos recursos podría haber caído en la caricatura. Él logra otorgarle templanza y credibilidad, y dentro de los rasgos totalmente negativos que arrostra el personaje se percibe un quiebro en su armadura (véase la fotografía de su hijo).

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Resulta un convencionalismo pero hay que mencionarlo, y es que una película de tamaña producción industrial ofrece una solución técnica y visual a la altura. Pese a que en algunos momentos determinados simios resalten contra el fondo, percibiéndose la mascarilla creada para fundir los diversos planos rodados en momentos distintos. Ello no importa, puesto que otro aliciente consigue que nos sumerjamos en la historia, y es la ya aludida parte emocional. La cinta consigue que la atención se mantenga en todo momento y estemos emocionalmente implicados en lo que acontece en esos simios que muestran más rasgos humanos que esos soldados exaltados y ebrios de sangre –magnífica escena de todos celebrando la victoria a los compases de America the beautiful, y que muchos interpretarán, témome, justo al revés–. A todo ello ayuda también la estupenda banda sonora creada por Michael Giacchino, un compositor que, sospecho, tampoco está siendo valorado como merece[6].

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En resumidas cuentas, nos encontramos con una rara avis como es un blockbuster efectuado de un modo que considera al público como alguien inteligente, y no la clásica verbena de fuegos artificiales sin nada más que aportar. Solo esperamos que el fin de esta supuesta trilogía no sea tal, sino que prosigan las aventuras de estos simios, y al mismo nivel de respeto como hasta ahora se ha mantenido.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: El planeta de los simios: La guerra.
  • El nombre del grupo de humanos rebeldes, Alfa y Omega, es una alusión a la bomba atómica de Regreso al planeta de los simios. El logo de los cascos y las banderas es el mismo que el de la bomba.
  • Andy Serkis, Terry Notary y Karin Konoval son los únicos actores que repiten en la de momento trilogía, encarnando a César, Rocket y Maurice, respectivamente.
  • Entregas previas de la saga: El origen del planeta de los simios (Rise of the Planet of the Apes, 2011, Rupert Wyatt); El amanecer del planeta de los simios (Dawn of the Planet of the Apes, 2014, Matt Reeves).
  • Estrenada en España el 12 de julio de 2017. En Estados Unidos se estrena el día 14.

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Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

[1] Y previas a esas tenemos diversas aportaciones televisivas, así como una comedia que no he visto, Mi desconocido amigo (The Pallbearer, 1996), con David Schwimmer, Gwyneth Paltrow y Michael Rapaport. Viniendo de él habrá que darle un voto de confianza.

[2] Con Ben Affleck como Bruce Wayne/Batman, y Jeremy Irons como Alfred.

[3] “Kong” es un apelativo despectivo por parte de los soldados hacia los simios, en alusión a King Kong.

[4] Ya se aludía en Regreso al planeta de los simios, por parte del general Ursus, y reemplazando “kong” por “simio”.

[5] En todo caso, esta no es su primera película, pues con anterioridad estuvo en Nunca apagues la luz (Lights Out, 2016, David F. Sandberg). También ha participado en diversas series televisivas.

[6] Atención a la careta inicial de la 20th Century Fox, que ofrece su famosa música orquestada con una instrumentación de carácter primitivo.

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Nebo zovyot (1959)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Reseña on 11 julio, 2017 by belakarloff

Un periodista, fanático de la exploración cósmica, especula cómo será el futuro. En una estación espacial una nave rusa está pendiente de iniciar el primer vuelo tripulado a Marte cuando reciben la visita de un célebre astronauta y deportista estadounidense. Al enterarse los norteamericanos de los planes soviéticos hacen que su proyecto se adelante drásticamente para ser los primeros en llegar.

Dirección: Mikhail Karzhukov, Aleksandr Kozyr. Producción: A. P. Dovzenko Filmstudio. Guion: Mikhail Karzhukov, Yevgeni Pomeshchikov, Aleksei Sazanov. Música: Yuli Meitus. Fotografía: Nikolai Kulchitsky. Diseño de producción: T. Kulychichkaya. Montaje: L. Mkhitaryyanch. Efectos especiales: G. Lukashov, Y. Schvech. Intérpretes: Ivan Pereverzev (Yevgeny Petrovich Kornev), Aleksandr Shvorin (Andrei Gordienko), Konstantin Bartashevich (Klark), Larisa Borisenko (Olvra), V. Chernyak (Gregori Vasilivich Somov), Viktor Dobrovolsky (Demchenko), S. Filimonov (Troyan), Taisiya Litvinenko (Lena), L. Lobov (Sashko), Alla Popova (Korneva), Marina Samojlova (madre), Gurgen Tonunts (Herman Berst)… Nacionalidad y año: URSS 1959. Duración y datos técnicos: 77 min. Color 1.37:1.

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La ciencia ficción rusa es de gran tradición. A nivel literario, ya en 1769 podemos encontrar lo que pudiera ser la primera muestra de proto-ci-fi con Dvoryanin-filosof, de Fedor Dmitriev-Mamonov, una fábula filosófica voltairiana influida por Micromégas (1752). A mediados del siglo XIX se ofrecen algunas obras sobre viajes especulativos a diversos planetas de nuestro Sistema, como “Voyage to the Sun and Planet Mercury and All the Visible and Invisible Worlds” (1832) de Dmitry Sigov, “Correspondence of a Moonman with an Earthman” (1842) de Pyotr Mashkov, “Voyage to the Moon in a Wonderful Machine” (1844) de Semyon Dyachkov o “Voyage in the Sun” (1846) de Demokrit Terpinovich. En todo caso, en el sentido estricto, el primer escritor que puede ser considerado “de ciencia ficción” fue Alexander Veltman (1800-1870), que en 1836 publicaría Predki Kalimerosa: Aleksandr Filippovich Makedonskii, que es considerada no solo la primera novela de ciencia ficción rusa, sino también la primera obra en usar la temática del viaje en el tiempo. Sin embargo, puede que el primer ejemplo popular en este ámbito sea Aelita (Aelita, 1923) de Alekseï Nikolaevich Tolstoï, también considerada la primera aventura espacial soviética.

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En el cine, también hay una larga tradición, desde la propia versión cinematográfica de la novela de Tolstoï, Aelita (Aelita, 1924) de Yakov Protazanov. Desde entonces, el listado ha sido amplio, con clásicos como La Nebulosa de Andrómeda (Tumannost Andromedy, 1967), de Yevgeni Sherstobitov (que se anunció como el 2001 soviético), hasta las obras de Andrei Tarkovskii o las distintas adaptaciones que se han hecho de escritores como Stanislaw Lem o los hermanos Boris y Arkadii Strugatskii.

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Nebo zovyot (1959) [que se podría traducir como “El cielo cae”] gozó de dos directores. Por un lado Mikhail Karzhukov, autor de otro clásico del género como es Mechte navstrechu (1963)[1], que co-dirigió con Otar Koberidze. Y por otro lado Aleksandr Kozyr, del que solo conocemos su labor como productor asociado de una versión de La madre de Gorki en 1956[2], así como su trabajo de director de producción en el clásico Podvig razvedchika (1948), de Boris Barnet[3].

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Es un film, también, muy característico de su tiempo, que manifiesta el enfrentamiento entre ambos ejes. Así, los norteamericanos son representados como unos capitalistas que anteponen el éxito de una misión por encima del riesgo; la escena en la cual se ofrecen imágenes de un Nueva York luminoso con un noticiario que saca rendimiento publicitario de la misión a Marte parece casi paródica. Los rusos, por su parte, aparecen como concienzudos trabajadores, repletos de compañerismo y buen humor, que sacrificarán su misión por salvar la vida a los inconscientes yanquis. Al final, en todo caso, todo se articula por conformar un mensaje de unidad y camaradería ante la labor de la conquista espacial.

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Pero por encima mismo de su condición de “film de mensaje”, Nebo zovyot es una muy atractiva cinta de ciencia ficción, que parece creada un tanto a remolque de la norteamericana La conquista del espacio (Conquest of Space, 1955), producción de George Pal con dirección de Byron Haskin, con la cual comparte determinados esquemas argumentales, como es la nave que se dirige a la estación espacial, y la consiguiente misión con destino a Marte.

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La hermosa fotografía de Nikolai Kulchitsky, conformada en su mayoría a base de tonos ocres, se ve violentada en ocasiones con abruptos estallidos de rojos y verdes en las escenas de tensión. Los directores, además, se apoyan en crear atmósferas por medio de las sombras, componiendo imágenes de una gran belleza. Los estupendos efectos especiales y el hermoso diseño de producción aportan un aura hipnótico a una cinta de ciencia ficción “realista”, y donde, como se dijo, el mensaje de hermandad universal en forjar nuestro destino hacia el Cosmos es el más importante de sus objetivos.

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Anécdotas

  • Títulos anglosajones: The Heavens Call / The Sky Calls. A estos hay que sumar el citado remontaje de Coppola, Battle Beyond the Sun.
  • Estrenada en la Unión Soviética el 12 de septiembre de 1959. En España jamás se ha visto, más allá de algún pase en festivales o filmotecas.

 

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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[1] Este gozaría de un famoso remontaje norteamericano producido por Roger Corman, Queen of Blood [tv: Planeta sangriento, 1966], de Curtis Harrington.

[2] Curiosamente, en la presente película hay también un papel menor pero importante de la madre de uno de los astronautas.

[3] Repitiendo lo ocurrido con la mencionada Mechte navstrechu, Roger Corman compró los derechos del presente film para Estados Unidos y lo hizo reeditar, con nuevas escenas dirigidas por Francis Ford Coppola (con el seudónimo de Thomas Colchart), estrenándose en 1962 como Battle Beyond the Sun [dvd: Batalla más allá del sol].

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La leyenda de la mansión del infierno (The Legend of Hell House) (1973)

Posted in Cine, Reseña, Terror on 10 julio, 2017 by belakarloff

Mr. Rudolph Deutsch es un millonario que desea descubrir si hay vida más allá de la muerte. Para ello contrata a un grupo de personas para que se instalen en la Casa Infernal, donde han acontecido macabros hechos sobrenaturales, e investiguen las causas de los sucesos.

Dirección: John Hough. Producción: Academy Pictures Corporation. Productores: Albert Fennell, Norman T. Herman. Productores ejecutivos: James H. Nicholson, Susan Hart. Guion: Richard Matheson, según su novela. Música: Delia Derbyshire, Brian Hodgson, Dudley Simpson [sin acreditar]. Fotografía: Alan Hume. Dirección artística: Robert Jones. Montaje: Geoffrey Foot. Efectos especiales: Roy Whybrow (efectos especiales), Tom Howard (efectos visuales), Delia Derbyshire, Brian Hodgson (efectos de sonido). Intérpretes: Pamela Franklin (Florence Tanner), Roddy McDowall (Benjamin Franklin Fischer), Clive Revill (Dr. Lionel Barrett), Gayle Hunnicutt (Ann Barrett), Roland Culver (Mr. Rudolph Deutsch), Peter Bowles (Hanley), Michael Gough (Emeric Belasco). Nacionalidad y año: Reino Unido 1973. Duración y datos técnicos: 95 min. Color 1.85:1.

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Richard Matheson (1926-2013) era un firme creyente de los fenómenos parapsicológicos. Cuando escribió la novela La Casa Infernal[1] (Hell House, 1971), por un lado, rendía homenaje al clásico literario sobre la temática La casa encantada / The Haunting: La guarida / La maldición de Hill House (The Haunting of Hill House, 1959) de Shirley Jackson –percíbase la aliteración Hill House/Hell House–; y por otro lado aprovechaba esa reinterpretación de la historia para encauzarla hacia los postulados que le interesaban: reorientar un planteamiento sobrenatural hacia una elucidación (para)científica.

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Cuando James H. Nicholson abandonó la mítica American International Pictures fundó una nueva compañía, Academy Pictures Corporation, que produjo solo dos filmes, el presente y la comedia de acción automovilística La indecente Mary y Larry el loco (Dirty Mary, Crazy Larry, 1974), ambos dirigidos por John Hough. Para La leyenda de la mansión del infierno[2] Nicholson –que murió de un tumor cerebral el 10 de diciembre de 1972, antes de ver el estreno del film el 15 de junio de 1973– tuvo el buen tino de contratar al propio Matheson para escribir el guion. No en vano, el autor de “Nacido de hombre y mujer” (“Born of Man and Woman”, 1950) ya había realizado idéntica –y modélica– misión con El increíble hombre menguante (The Incredible Shrinking Man, 1957), de Jack Arnold, a partir de El hombre menguante (The Shrinking Man, 1956)[3]. En este caso, la labor del guionista fue bastante fiel a su propia obra, eliminando exclusivamente los elementos más fuertes del libro, que correrían riesgo de ser censurados, como la imagen de ese Cristo empalmado.

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El director, como se ha referido, fue el inglés John Hough (n. en 1941), un hombre proveniente de la televisión británica. Había trabajado como ayudante de dirección o director de segunda unidad en series como El barón (The Baron; 1966), Los invencibles de Némesis (The Champions; 1968-1969) y Los vengadores (The Avengers; 1961-1969), y debutó como realizador en esta última. Su paso al cine se hizo con una aventura de Robin Hood, Wolfshead: The Legend of Robin Hood (1969), a la que continuó un hábil thriller, Testigo ocular (Eyewitness, 1970). Aunque ha tocado diversos géneros, está especialmente dotado para el fantástico desde su primer film del género, Drácula y las mellizas (Twins of Evil, 1971).

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En la producción, aparte de Nicholson, trabajó Albert Fennell, uno de los creadores de Los Vengadores, precisamente, así como Norman T. Herman, proveniente de la AIP y, sin acreditar, Susan Hart, habitual actriz en la AIP y esposa en aquel entonces de Nicholson. El rodaje comenzó el 23 de octubre de 1972 en Inglaterra. Los exteriores de la mansión encantada se rodaron en el Wykehurst Park, en West Sussex, y los interiores de la casa de Mr. Deutsch, en la escena inicial, eran del Blenheim Palace de Woodstock, Oxfordshire.

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La trama la protagonizan cuatro personajes muy distintos que asisten a la mansión encantada, con el fin de averiguar el origen de los supuestos fenómenos que allí acontecen, y para lo cual han sido contratados por Mr. Rudolph Deutsch (Roland Culver). Se trata de Florence Tanner (Pamela Franklin), una médium psíquica; Benjamin Franklin Fischer (Roddy McDowall), un médium físico, y que fue el único que sobrevivió a una incursión previa en la mansión; el doctor Lionel Barrett (Clive Revill), quien cree en la motivación científica de los sucesos, y pretende explicarlos por medio de un gran aparato electrónico que lleva consigo; y Ann Barrett (Gayle Hunnicutt), esposa del anterior, y que no es una mera acompañante, sino que tendrá mucho que ver con los sucesos que acontezcan en el lugar. La mansión perteneció a Emeric Belasco (Michael Gough, en un cameo sin acreditar), personaje que se abandonó a las perversiones más atroces, se dice, y que está un tanto inspirado en Aleister Crowley. El excelente reparto ayuda mucho a la solidez que manifiesta el film, aunque debe señalarse que Matheson quería como protagonistas a Richard Burton y Elizabeth Taylor, sin duda en los papeles del matrimonio Barrett.

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El film comienza con una cita de un experto para otorgar plausibilidad a todo. Una vez los cuatro protagonistas llegan a la casa se comienzan a manifestar de inmediato fenómenos paranormales. Florence piensa que el causante es el espíritu del hijo de Belasco, pero el doctor Barrett es escéptico ante eso, pues no cree en la supervivencia del alma después de la muerte; para él la causa son fuerzas energéticas que perviven en la casa, y que Florence canaliza mentalmente a través de sus poderes mediúmnicos. Para él lo sobrenatural no existe, y el motivo son capacidades mentales inherentes en el ser humano. Una peculiaridad que se manifiesta es que Florence, como se refirió, es una médium psíquica, es decir, establece contacto con lo que fuere de mente a mente, sin ninguna manifestación material; Fischer, por el contrario, es un médium físico, con los consiguientes fenómenos telequinéticos, de ahí que la esposa de Barrett revele su duda sobre si aquél no sería el causante de los portentos que acontecen, y la propia Florence le acuse de ello.

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La película transcurre casi en su integridad dentro de la casa, ofreciendo un enfrentamiento entre las personalidades de los vivos y los muertos. El espíritu que habita la Casa Infernal hace uso de las debilidades de los moradores para vencerlos. La señora Barrett sufre una insatisfacción sexual —¿tal vez es ninfómana, y/o su marido es muy apático en la cama?—, por lo cual despierta sus apetitos para separarla de su esposo; obsérvese, además, cómo la casa está plagada de estatuas y cuadros que representan actitudes sensuales. Florence es muy joven, posiblemente virgen, y añora un amor romántico, de ahí que ante ella parezca manifestarse el espíritu de Daniel Belasco, el hijo de Emeric, que murió emparedado, puede que sin conocer el amor verdadero. El doctor Barrett es un científico pragmático, impulsado por sus convicciones e inflexible ante otras opciones que le presenten, y en su relación marital casi lleva la relación de igual modo. Fischer, al fin, es el único superviviente de la previa incursión en la casa, y se protege con una coraza en muy diversos sentidos, lo cual le hace incapaz de apreciar que esa propia coraza le hace insensible para percibir la verdad de los sucesos.

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Matheson desarrolla un guion riguroso, denso, muy bien documentado, y donde la psicología de los personajes es esencial para el desenvolvimiento de lo que acontece. Hough rueda el film por medio de encuadres de los personajes —y la propia casa, en ese sentido, es un personaje más— en picado o contrapicado, en primerísimos planos cerrados, o en grandes angulares que distorsionan la imagen. Ello otorga al film un aura casi esquizofrénica, de anormalidad, haciendo que el espectador se sienta integrado en un entorno inhabitual, malsano, inquietante. A ello ayuda la excelente banda sonora plagada de sonidos incómodos, ya sea la partitura musical a base de efectos electrónicos, o los gemidos y suspiros que plagan las estancias de la Casa Infernal. Añádanse los efectos especiales, económicos pero muy efectivos. El resultado es una obra maestra de la temática de casas encantadas, una joya absorbente e hipnótica, que, como los buenos vinos, cuanto más se degusta más se disfruta.

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Anécdotas

  • Título en Argentina, Perú y Venezuela: La leyenda de la casa infernal.
  • Nominada a un premio en 1975 como mejor película de terror por parte de la Academy of Science Fiction, Fantasy & Horror Films.
  • La novela se ambientaba en Nueva Inglaterra, Estados Unidos, y los implicados eran norteamericanos. La película se trasladó a Inglaterra, con personajes británicos.
  • Estrenada en Estados Unidos el 15 de junio de 1973. En España se estrenó el 2 de septiembre de 1974.

Carlos Díaz Maroto

[1] Existen varias ediciones en castellano. La primera procede de Editorial Vidorama, en 1988, con traducción de Edgar Redon, que la reeditó en 1994. En 2003 La Factoría de Ideas la editó con traducción de Isabel Merino Bodes; esta versión tuvo su volcado a la colección de bolsillo de Puzzle en 2005. Minotauro ofreció otra edición en 2011, aprovechando la traducción de Isabel Merino, y luego hubo otra edición de bolsillo por parte de Booket en 2013. También cabría citar una adaptación al cómic con guion de Ian Edginton, dibujo de Simon Fraser y traducción de Ernest Riera, en 2006, por parte de Norma (edición original, IDW, 2004). Igualmente hay un homenaje en el cómic de Marvel Werewolf by Night, con guion del gran Doug Moench, donde Emeric Belasco aparece bajo el nombre de Belaric Marcosa. Por último, añadir otro homenaje, el relato “La mansión Velasco”, escrito por mí, e incluido en La mansión de los cuervos y otros relatos de casas encantadas, una selección de Ángel Gómez Rivero publicada por Calamar y Algeciras Fantástica en 2014.

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[2] La película se estrenó en España en septiembre de 1974 con ese título, pero por motivos desconocidos figura en la base de datos del Ministerio de Cultura como La leyenda de la casa del infierno, y con ese título ha aparecido por parte de Fox España en DVD.

[3] También escribió un guion adaptando su novela Soy leyenda (I Am Legend, 1954), con destino a una película a producir por la Hammer. Sin embargo, el proyecto se canceló por temor a la censura y el libreto finalmente fue vendido al productor Robert L. Lippert, quien rodó la película como The Last Man on Earth / L’ultimo uomo della Terra [dvd: El último hombre en la Tierra / Soy leyenda; 1964], de Sidney Salkow. Las modificaciones incorporadas en el texto por parte de William Leicester fueron tantas que Matheson hizo retirar su nombre y lo reemplazó por el de Logan Swanson, seudónimo que utilizó a veces para escribir novelas policiales. Ese guion ha aparecido recientemente en castellano en Soy leyenda ; Las criaturas de la noche; por Richard Matheson; traducción, Manuel Figueroa [1ª obra], Manuel Mata [2ª obra] (Barcelona: Minotauro, 2014), donde se anuncia como “no rodado”.

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Llega de noche (It Comes at Night) (2017)

Posted in Ciencia ficción, Cine, Estreno, Reseña on 7 julio, 2017 by belakarloff

La enfermedad llegó y la especie humana comenzó a sucumbir. Ahora, una familia entierra al abuelo, que ha caído víctima de la plaga. Intentan subsistir en una casa aislada en el bosque, pero la llegada de un desconocido alterará las condiciones…

Dirección: Trey Edward Shults. Producción: Animal Kingdom, A24. Productores: David Kaplan, Andrea Roa. Co-productores: Corey Deckler, Keetin Mayakara. Productor ejecutivo: Joel Edgerton. Productores asociados: Justin R. Chan, Chase Joliet, Wilson Smith. Guion: Trey Edward Shults. Música: Brian McOmber. Fotografía: Drew Daniels. Diseño de producción: Karen Murphy. Montaje: Matthew Hannam, Trey Edward Shults. Efectos especiales: John Bair, Christina Mitrotti (supervisores de efectos visuales). Intérpretes: Joel Edgerton (Paul), Christopher Abbott (Will), Carmen Ejogo (Sarah), Riley Keough (Kim), Kelvin Harrison Jr. (Travis), Griffin Robert Faulkner (Andrew), David Pendleton (Bud), Mikey (Stanley), Chase Joliet (hombre 1º), Mick O’Rourke (hombre 2º). Nacionalidad y año: Estados Unidos 2017. Duración y datos técnicos: 91 min. Color 2.35:1.

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El triunfo de la Muerte

Llega de noche (It Comes at Night, 2017) es una película de muy bajo presupuesto: solo cinco millones de dólares. Una cabaña en el bosque, seis actores, un perro y mucha atmósfera. Es la prueba palpable de que se puede hacer cine de género con muy poco dinero. Por supuesto que quien espere mucha acción y explosiones se aburrirá. Pero quien vea el género fantástico como un lugar de experimentación puede encontrar una obra de sumo interés.

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La película comienza con la muerte del abuelo, en un primer plano cerrado con el anciano agonizando, y luego trasladado a la fosa cuando aún respira. Sin concesiones. Después, los supervivientes –la madre, el padre y el hijo de diecisiete años– tratan de recuperar la existencia cotidiana. Pero, ¿cuál es esa? Ya no hay nada cotidiano cuando hay que cuidarse que la enfermedad –parecida a la peste– no te ataque y debas vigilar de que el resto de supervivientes no intenten hacerse con el pequeño entorno vital en el que subsistes. Poco más. Lo que en otra película apocalíptica sería el telón de fondo, aquí es la base.

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Escribe, dirige y monta Trey Edward Shults, en lo que es su segundo largometraje después de la tragi-comedia Krishna (2015), puesta de largo esta de su cortometraje homónimo del año anterior. Previamente había efectuado otros dos cortos de carácter dramático, Mother and Son (2010) y Two to One (2011). Da la impresión, con esos precedentes, que lo que le interesa es el carácter dramático de los eventos y las relaciones entre los personajes. Llega de noche se centra de manera pormenorizada en recrear el ambiente en que esos tres personajes intentan sobrevivir, intentando crear un símil de civilización.

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Ella y el muchacho son negros, y él es blanco, por lo cual se presupone que ella se casó en segundas nupcias. Pese a ello, el chico llama al marido de su madre “papá”, y se percibe un auténtico afecto entre ambos. Otra familia, formada también por tres personas (padre, madre y un chaval de cinco años) se unirá al grupo, después de unos obvios roces, y parece que todos se integran con facilidad. Sin embargo, pronto los encontronazos comienzan. Tal como en la novela El señor de las moscas (Lord of the Flies, 1954) de William Golding, la circunstancia anómala en que se hallan deja patente el estado embrionario de nuestra educación, y la condición de animal salvaje, que lucha por sobrevivir, se va haciendo patente.

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Paralelo a ello, hay algo más que parece rondar el lugar. Una especie de criatura salvaje, un monstruo, o acaso podría ser un grupo superviviente que se ha volcado más aún en la barbarie. O puede que no sea sino la representación simbólica de esa propia barbarie, implícita en todos, y que toma forma explícita. No quedará claro, en todo caso, y de igual modo la parte final tiende a una narración elíptica donde el espectador ha de deducir lo que acontece, debe poner de su parte para rellenar las lagunas que, de forma intencionada, el realizador deja dispersas en la narración.

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Todo ello sirve para crear un ambiente extraño, inquietante. Incluso los socorridos sustos de tanta cinta de terror mediocre, que suben el sonido de forma exagerada para alterar al espectador de un modo artificioso, aquí parecen concebidos para mostrar la inquietud de los personajes, para violentar esa aparente cotidianidad. Buena prueba de ello es el momento en que, de noche, Kim está reflexiva en la cocina y aparece de pronto Travis, asustándola. Esto es, una circunstancia usual de pronto se ve turbada, no por acontecimientos externos, sino por un estado de expectativa de quien la experimente –Kim en la película, y nosotros como espectadores–.

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Desde el mismo momento del film percibimos que hay algo más que lo que se nos dice. Poco a poco nos vamos enterando de las circunstancias en que están inmersos los personajes. No existe el clásico elementos discursivo que, de un modo u otro, suelte la parrafada para informar al espectador de lo que está pasando. Debes estar atento, escuchar y mirar más allá de lo que se oye y se ve. Una película lenta, elegante que no da todo mascado, y que toma al espectador como un elemento que forma parte de la propia narración, que es quien, en última instancia, decide lo que acontece.

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Anécdotas

  • Título en Argentina y Chile: Viene de noche.
  • Rodada en la localidad de Woodstock, en el estado de Nueva York.
  • La pintura que aparece al principio de la película es “El triunfo de la Muerte” (ca. 1562), del pintor flamenco Pieter Brueghel el Viejo.
  • Rodada con un presupuesto estimado de cinco millones de dólares.
  • Estrenada en Estados Unidos el 9 de junio de 2017; en España se estrenó el 7 de julio.

Carlos Díaz Maroto (Madrid. España)

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Mañana regresa “Pulp Fiction” por parte de 39 Escalones

Posted in Cine, Noticias, Proyecciones, thriller on 6 julio, 2017 by belakarloff

Como ya os hemos ido informando, a partir de mañana 7 de julio la distribuidora 39 Escalones reestrena en cines PULP FICTION en más de 70 salas de toda España (en algunos cines será mediante un evento de dos o tres días y, en la mayoría, dentro de la programación normal) –podéis ver el listado de cines en https://www.facebook.com/PulpFiction2017enCines/

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Se trata de una oportunidad muy especial de celebrar los 25 años de Quentin Tarantino en el cine y de acercar, tal y como ya hizo 39 Escalones el año pasado con LA HISTORIA INTERMINABLE, este clásico moderno a las nuevas generaciones para que la puedan disfrutar en pantalla grande y que los que ya vivieron el estreno en 1994 puedan revivir aquella experiencia. En definitiva, un evento en el que disfrutar con la magia del cine de una gran película.

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